Como diria Fausto Silva, mais do que nunca, tanto no pessoal quanto no profissional, ninguém neste mundo foi mais surreal que Salvador Dali. Não é à toa que numa troca de farpas entre ele e o poeta André Breton, Dali declarou: “A única diferença entre mim e os surrealistas é que eu SOU o surrealismo.”. Parece presunção ou prepotência. Mas, falando sério, não é exagero. Extrapolando sua obra, a vida pessoal de Salvador Dali foi uma loucura, repleta de fatos inusitados, quase inacreditáveis… uma vida surreal. Dali nasceu 118 anos atrás, no dia 11 de maio de 1904. Para celebrar o mês de seu nascimento, separamos 16 fatos e curiosidades, que retratam essa vida tão incomum e extraordinária que foi a de Salvador Dali. 

1 – O Bebê reencarnado. 

Salvador Dalí i Domènech nasceu no dia 12 de outubro de 1901. Por conta de uma doença grave chamada gastroenterite, o garoto morreu prematuramente aos 3 anos de idade, no dia 1 de agosto de 1903. Salvador Dalí i Cusí e Felipa Domenech Ferrés, os pais da criança, sofreram muito. Alguns meses depois, quando Felipa descobriu que estava grávida de novo, tanto ela quanto seu marido, Salvador, tiveram certeza que se tratava da reencarnação do pequeno Salvador que havia falecido. Tal era a certeza, que quando o bebê nasceu, um menino, foi batizado com o mesmo nome do pai e de seu falecido irmão. No dia 11 de maio de 1904, nasce Salvador Felip, Jacint Dali i Domènech. Os pais nunca esconderam de Dali que acreditavam na história da reencarnação. Isso fez com que ele próprio, desde sempre questionasse sua própria existência e personalidade. Não era surrealismo que você queria? Pois então… 

2 – Impressionismo precoce. 

Até os 6 anos de idade, Salvador Dali frequentou uma escola tradicional em Figueres, cidade em que nasceu, extremo nordeste da Espanha. Observando o desempenho de seu filho, o velho Salvador decide transferir o pequeno Salvador Dali para o Colégio Hispano-Francês da Imaculada Conceição, um colégio francês mais rigoroso, além de ser frequentado por filhos da alta classe social de Figueres. Foi nessa escola, logo que foi transferido aos 6 aos de idade, que Dali se encantou por pinturas impressionistas de Monet e Renoir, que despertaram nele o desejo de desenhar. E você? Com que idade conheceu e se encantou por um quadro do Monet ou do Renoir? 

3 – Estreia adolescente. 

Escolhemos elencar 16 fatos curiosos sobre Dali por causa deste aqui. Como os pais dele perceberam a aptidão do filho pela arte, sempre o incentivaram. Aos 16 anos ele já tinha tantos desenhos acumulados que seus pais organizaram uma exibição. Desta forma, Salvador Dali apresentou sua primeira exposição com tenros 16 anos de idade, expondo dezenas de desenhos feitos essencialmente com grafite e carvão. A exposição rolou no Teatro Municipal de Figueres, teatro este que Dali comprou nos anos 60, fez uma reforma enorme e que depois viria a se tornar o Teatro-Museo Gala Salvador Dali. 

4 – Transformação em Madri. 

Logo após sua primeira exposição em Figueres, Dali, mais uma vez incentivado por seus pais, se mudou para Madri para ingressar na escola de Belas Artes São Fernando, a mais conceituada do país. O pai de Dali sonhava que lá o jovem aprimoraria sua arte e se tornaria um bom e bem remunerado professor de desenho. Como sabemos hoje, o velho Salvador Dali errou feio, errou rude. O jovem Dali sem ambientou rapidamente e logo passou a chamar atenção entre os estudantes. Usava roupas excêntricas como calças curtas, tinha o cabelo comprido e ostentava um bigode um pouco volumoso e espetado para cima, imitando um de seus heróis, o pintor Diego Velázquez. Tal bigode era um rascunho do que viria a se tornar o icônico bigode fino e eriçado de Dali anos depois. 

5 – Percalços da vida acadêmica. 

Salvador Dali foi expulso da escola de Belas-Artes São Fernando duas vezes. A primeira foi em 1924 quando ele se juntou a alguns estudantes anarquistas e organizou piquetes e manifestações políticas dentro do centro acadêmico. Logo foi readmitido, mas sempre causando polêmica, em especial por se interessar por movimentos novos como o cubismo e dadaísmo, que não eram bem vistos pela ala mais conservadora dos professores. Por conta de sua insistência na pintura moderna e desprezo pelo clássico, acabou sendo expulso de novo. E dessa vez não quis voltar. Chegou a dizer para a diretoria da escola que a banca de professores não tinha competência suficiente para sequer avaliar sua obra, menos ainda compreendê-la. 

6 – O Grande Encontro.

Claro que Dali admirava muito Pablo Picasso. Em 1924, após sua primeira expulsão da escola de Belas-Artes, Dali resolveu fazer sua primeira visita a Paris, que era onde tudo acontecia na época. Reza a lenda que o encontro de Dali e Picasso num café de Paris se deu no primeiro dia de Dali na cidade, e que as primeiras palavras que eles trocaram foram as seguintes: Dali disse a Picasso: “Fiz questão de vir conhecê-lo antes mesmo de visitar o Louvre.”. E Picasso respondeu: “Fez muito bem. Não tem muito o que se ver por lá.”. E é lógico que eles se tornaram amigos. 

7 – 1929. 

Enquanto investidores perdiam tudo e se jogavam do alto dos prédios de Manhattan, nos Estados Unidos em 1929, Paris fervilhava com artistas e intelectuais fazendo história. Naquele ano, depois de sua segunda expulsão da Escola de Belas-Artes de Madri, Salvador Dali decide se mudar de vez para Paris. Para lá também se mudam seus amigos de longa data, o escritor Federico Garcia Lorca e o cineasta Luis Buñuel. Eles se juntam a outros artistas, entre eles o poeta André Breton, e criam o surrealismo como movimento artístico, cujo manifesto é escrito por Breton. No mesmo ano Buñuel e Dali escrevem o roteiro do filme que melhor personifica o surrealismo: o filme Um Cão Andaluz. Ainda neste ano Dali pinta uma de suas obras mais célebres, O Grande Masturbador. 

8 – Amor à primeira vista. 

Ainda no emblemático ano de 1929 o grupo de artistas surrealistas incorpora o casal Paul e Gala Éluard. Ele poeta, ela modelo, eram casados desde 1917. Em certa ocasião, o casal foi até o apartamento de Salvador Dali, pois queriam conhecê-lo. Dali e o casal se deram bem logo de cara. Bem até demais. Gala e Dali se encantaram um pelo outro. Logo começaram a se relacionar, ela se separa de Éluard e se casa com Dali em 1934. O nome verdadeiro de Gala era Elena Ivanovna Diakonova, ela era imigrante russa, tendo morado na Suíça e na França, e era 10 anos mais velha que Dali. Ela se tornou a musa inspiradora de Dali e eles nunca se separaram, até a morte dela em 1987. 

9 – O Bigode. 

Salvador Dali deixou como sua marca registrada o fino e espevitado bigode. No início de sua carreira, quando frequentava a escola de Belas-Artes de Madri, tinha um bigode mais espesso, mas já com as pontas espetadas paa cima, inspirado no pintor Diego Velázquez. Tempos depois, foi refinando a ideia, até chegar ao model original que ficou conhecido no mundo todo. Em uma entrevista ele disse: “É a parte mais séria da minha personalidade. É um bigode húngaro muito simples. O Sr. Marcel Proust usou o mesmo tipo de pomada para esse bigode”. Em 1954 ele publicou um livro em parceria com o fotógrafo Philippe Halsman, com 28 fotos de seu bigode. O livro se chama Dali’s Mustache. Pra completar, em 2017 o corpo de Dali foi exumado, para que fosse realizado um teste de paternidade. E quem é que estava lá, intacto? Exatamente. O bigode!

10 – Pet friendly. 

A década de 1930 foi a década de ouro para Salvador ali. Foi quando ele concebeu as grandes obras que o consagraram como um artista único, revolucionário e genial. São dessa época A Persistência da Memória (1931), O Sono (1937), Metamorfose de Narciso (1937) e tantos outros. Dali ganhou muito dinheiro e passou a levar uma vida cada vez mais excêntrica. Ele adorava animais e tinha vários pets no quintal de casa, a maioria animais silvestres de lugares distantes. Entre eles destacam-se dois brasileríssimos: uma jaguatirica e um tamanduá bandeira. Inclusive há fotos de Dali passeando pelas ruas da cidade com o seu querido tamanduá na coleira. 

11 – Comida para os olhos. 

Um dos elementos mais comuns em toda a obra do Salvador Dali é o alimento. Virou e mexeu você encontra em suas obras imagens de ovo frito, pão, cálice de vinho, talheres e etc. Até mesmo a imagem mais emblemática de Dali, o relógio derretendo tem a ver com comida. Certa noite de verão de 1931 Dali estava morrendo de dor de cabeça, mal humorado. Estava tudo combinado com a turma de amigos surrealistas para eles irem ao cinema e depois jantar. Ele decidiu não ir. Gala acompanhou a turma, deixando Dali sozinho em casa. Era uma noite quente e Dali foi tomar alguma coisa na cozinha e observou uma fatia de queijo camembert derretida, escorrendo pela beirada da mesa. Veio a inspiração e ele desenhou o esboço de A Persistência da Memória. 

12 – Surrealismo Masterchef. 

Acredite. Salvador Dali tinha uma ligação tão forte com a comida, sabe-se lá o motivo, que na década de 1970 ele chegou a lançar um livro de receitas! Sim, um livro de culinária mesmo! É lógico que era a gastronomia nada ortodoxa de Salvador Dali, e as receitas eram de pratos meio esculhambados, com misturas improváveis de ingredientes. Mas é verdade! O livro foi lançado em 1973 e se chama Les Diners de Gala. O livro conta com as receitas e várias fotos das montagens dos pratos. Pelo que se diz a respeito das receitas contidas no livro, como chef certamente Dali seria considerado a vergonha da profissión. 

13 – Sonhando com Freud. 

Na década de 1930 Dali ficou fascinado pelas teorias de Sigmund Freud, em especial no que diziam respeito ao estado de consciência onírica, aquele estado de quase sonambulismo, sonhando acordado. Esses conceitos influenciaram muito Dali. Em 1938 Dali conheceu Freud em Londres. O encontro dos dois foi longo, Dali desenhou alguns retratos de Freud, enquanto o psicanalista o observava maravilhado, tendo declarado depois: “Eu nunca vi um exemplo mais completo de espanhol!”. Entre 1940 e 1948 Dali e Gala foram morar nos Estados Unidos, já que Paris estava sendo ocupada pelos alemães. Em 1945 Salvador Dali participou da montagem de uma sequência de um sonho para o filme Quando Fala o Coração, do Alfred Hitchcock. 

14 – Minha casa minha vida. 

O projeto de vida de Dali sem dúvida foi o Teatro-Museum Salvador Dali. Originalmente o Teatro Municipal de Figueres, em sua terra natal, o local onde ele teve sua primeira exposição. Dali comprou o lugar e começou a reforma em 1960. Reformou, pintou, encheu de obras e outras quinquilharias e só concluiu pra valer o projeto em 1974. Apesar de não ser sua casa, foi lá onde ele morou em seus últimos anos de vida, doente e deprimido, sem conseguir aceitar a morte de Gala. 

15 – Multimídia. 

Sério. Salvador Dali fez de tudo. Além de artista plástico, foi escritor, roteirista, designer de joias, estilista, mesmo sem formação, se meteu a dar mil pitacos como se fosse arquiteto, tanto no Castelo de Pubol quanto no Teatro-Museum Salvador Dali, escreveu uma autobiografia e um livro de culinária… um cara incansável! E nunca parou de trabalhar e nem de inovar, sempre em contato com o que tinha de novidade. Em 1966 chegou a fazer uma participação num filme de Andy Warhol, quando visitou a Factory e elogiou o som da recém criada banda Velvet Underground. Teve uma vida longa e muito produtiva. Realmente, um artista como nunca se viu. 

16 – Deixando uma marca. 

A curiosidade mais inusitada deixamos para o final. Entre tantos trampos diferentes que exerceu na vida, um deles foi dar algumas ideias numa agência de publicidade em Barcelona. Em 1969 chegou um job na agência: criar uma logo para uma marca de doces que estava crescendo muito. E salvador Dali foi lá e criou essa logo. Uma logo que com certeza você já viu muito, e provavelmente já consumiu o produto também! Sabe aqueles saquinhos de doce de leite, brigadeiro e etc, que tem sempre nos caixas de supermercado, de loja de conveniência e botequins em geral? Então, a marca desses doces é a Chupa Chups, uma marca que está presente desde os anos 60 até hoje em mais de 150 países mundo afora. E a logo super simples e simpática da marca é uma criação de ninguém menos que Salvador Dali! 

O Dali está presente em várias estampas da Strip Me. E não é pra menos! Basta conferir sua obra e, de quebra, conhecer sua história pessoal maluquíssima! Não tem como ele não ser uma inspiração e uma referência para uma marca ligadíssima em arte, tendências, comportamento, diversidade e criatividade como a Strip Me! Então aproveita pra conferir todas as nossas estampas de arte, música, cinema, cultura pop e muito mais, além dos constantes lançamentos! Dá uma olhada na nossa loja! 

Vai fundo!

Para ouvir: Tão eclética e plural quanto a vida e obra de Salvador Dali, a música espanhola também é super diversa e interessante. Portanto, vamos dar uma geral no que há de mais legal na música da Espanha, do tradicional ao moderno. España Top 10 tracks!

Para assistir: Em 2008 foi lançado um filme bem interessante, bem como polêmico, chamado Little Ashes. Ele conta como começou a amizade entre Salvador ali, Federico Garcia Lorca e Luis Buñuel. A polêmica está no fato de o filme abordar a história com ênfase numa suposta atração sexual entre Dali e Lorca, teoria que já foi muito comentada, mas nunca realmente comprovada. De qualquer forma, o filme é bem legal. Dirigido pelo Paul Morrison e com roteiro de Philippa Goslett. Ah, sim. Quem interpreta o Dali neste filme é o atual Batman, Robert Pattinson.

Tudo tem um ponto de partida, um início. O fogo no rastilho que precede a explosão. Por exemplo: Não é nenhum absurdo afirmar que se Bruce Pavitt e Jonathan Poneman não tivessem criado a Sub Pop, o grunge, movimento musical que mudou os rumos da música pop nos anos 90, não existiria. A maioria das bandas, como Nirvana, Soundgarden e Alice in Chains seriam bandas alternativas conhecidas somente no underground dos Estados Unidos. A verdadeira revolução que os discos Nevermind, Superunknow e Facelift causaram só aconteceu graças à existência da Sub Pop. Neste terceiro texto dedicado aos 100 anos da SAM-SP, a gente vai entender que a mesma coisa aconteceu com o movimento modernista brasileiro no começo do século XX. A Semana de Arte Moderna de 1922 foi considerada um marco, o ponto de ruptura, só algumas décadas depois de ter acontecido. Na época teve alguma repercussão na imprensa paulistana, um burburinho no meio artístico, que deu um novo incentivo aos artistas mais ousados. uma chancela aos artistas para realmente buscarem novos formatos, novas linguagens, novas inspirações. Os anos que sucederam a Semana de Arte Moderna de São Paulo trariam a verdadeira revolução na arte brasileira, em especial na literatura e nas artes plásticas. Revolução esta que teve como protagonistas um casal extraordinário. 

É muito importante lembrar que os artistas brasileiros, em especial os modernistas, eram totalmente influenciados pelas escolas artísticas europeias. Sim, era uma arte de vanguarda, o expressionismo, surrealismo, eram escolas que causavam a mesma repulsa nos conservadores tanto aqui no Brasil quanto no exterior. Por mais que Anita Malfatti e Di Cavalcante na pintura, Oswald de Andrade e Menotti del Picchia na literatura, imprimissem sua própria personalidade em suas obras, não só as técnicas, mas todas as referências eram estrangeiras. Faltava alguma coisa.  

Alguns meses depois da Semana de Arte Moderna ter acontecido, o escritor Oswald de Andrade conheceu uma mulher extraordinária! Uma mulher linda e cheia de talentos! Além de muito inteligente, era uma pintora sensibilíssima e muito criativa. Era Tarsila do Amaral. Os dois logo começaram a namorar, mas ela teve que partir para continuar os estudos em Paris no fim daquele mesmo ano. Oswald foi junto. Ali, na Paris do final da belle époque, o casal viva cercado de amigos, que eram também grandes artistas. Entre eles estavam os artistas plásticos Fernand Léger, Constantin Brâncuși, Georges Braque, Pablo Picasso e o poeta Blaise Cendras. Tarsila, essa mulher incrível, reunia esses e outros artistas em sua casa em Paris, onde oferecia granes almoços, servindo feijoada, caipirinha, doce de abóbora com coco, cigarros de fumo enrolados em palha de milho e cafézinho coado na hora. Você já deve ter lido esta história aqui neste blog a um tempo atrás.

A Tarsila do Amaral nasceu numa fazenda enorme de café em Americana, interior de São Paulo. Sua família era muito rica e progressista. Ela teve uma educação invejável e foi incentivada pelos pais a seguir carreira de artista, dando a ela a oportunidade de ir à Europa frequentemente. No início de 1922 ela já morava em Paris. Em fevereiro daquele ano, recebeu uma carta de sua amiga, Anita Malfatti, contando sobre o grande acontecimento da Semana de Arte Moderna em São Paulo e como os ares começavam a mudar nas artes do Brasil. No fim do segundo semestre de 1922, ela volta a São Paulo, onde conheceu Oswald de Andrade. Os dois se deram bem logo de cara, se apaixonaram e não tardariam a se casar. Foram a Paris no fim de 1922, voltaram ao Brasil em 1923, trazendo consigo o poeta Blaise Cendras para conhecer o país. Durante sua estadia no país, o poeta francês conheceu toda a turma modernista e se encantou com a efervescência da cidade de São Paulo. Mas foi uma pequena viagem para o interior de Minas Gerais que mudaria pra valer as coisas. 

Acompanhado de Oswald e Tarsila, Cendras conheceu o interior paulista e as cidades históricas mineiras. Ficou completamente estupefato com o que viu e viveu. A simplicidade poética do povo do campo, o chamado caipira, a beleza e exuberância da arte barroca de Minas Gerais, a comida inacreditavelmente deliciosa, a fauna e flora da região… O impacto foi tamanho que Cendras, numa conversa com seus amigos artistas brasileiros, fez um desabafo revelador. Ele disse que não entendia o que os brasileiros buscavam tanto na arte europeia se a própria existência do Brasil caipira era de uma riqueza inesgotável! Ele não entendia como aqueles artistas não buscavam inspiração em sua própria terra, sua própria gente, sua própria cultura! Foi um soco no estômago que abriu os olhos daquele pessoal. A revolução começara finalmente! Em 18 de março de 1924 é publicado no jornal Correio da Manhã o Manifesto da Poesia Pau Brasil, que seria mais encorpado e lançado em livro de mesmo título ainda naquele ano. Escrito por Oswald de Andrade, o texto sugere uma busca da identidade brasileira, um aceno ao primitivismo, mas com uma linguagem moderna, uma narrativa com a fluidez e liberdade do expressionismo. Os modernistas acabavam de descobrir o Brasil! 

Mas as grandes e fundamentais obras do modernismo brasileiro vão surgir somente em 1928, graças a um livro até então desconhecido escrito em 1557. Era o livro Hans Staden: Suas Viagens e Cativeiro Entre os Selvagens do Brasil. Hans Staden foi um aventureiro alemão que esteve no Brasil como explorador por duas vezes, uma em 1548, voltando para a Europa em 1549, e voltando ao Brasil em 1550. A história toda de Staden é inacreditável e merece ser lida. Nessa sua segunda viagem ao Brasil, aconteceu de tudo. Seu navio foi atacado por piratas, depois naufragou durante uma tempestade próximo a Santa Catarina, foi a pé até São Vicente, em São Paulo, uma epopeia cheia de aventuras. Até que em janeiro de 1554 ele estava na região onde hoje é a cidade de Bertioga. Praticamente na mesma semana em que o padre Manoel da Nóbrega fundava a cidade de São Paulo, do outro lado da Serra do Mar, Hans Staden foi capturado pelos índios Tamoio. Era uma tribo muito afeita à violência, desprezava os homens brancos e praticavam a antropofagia. Não eram meros canibais que comiam carne humana para matar a fome. Era um ritual eucarístico em que eles acreditavam que comendo a carne de seus prisioneiros, absorviam todas as virtudes do morto. Hans Staden viu aquilo acontecer mais de uma vez enquanto esteve preso na tribo. Ele conseguiu escapar dos índios em 1557, voltou para a Alemanha e escreveu este livro riquíssimo em detalhes sobre tudo que viveu no Brasil. 

Este livro é tão importante porque uma cópia dele, com texto original em alemão, foi adquirido em 1900, pelo barão do café Eduardo Prado, um dos paulistas mais ricos da época. Ele deu este livro para um botânico suíço que vivia no Brasil, chamado Albert Löfgren, que o traduziu para o português. Para ser editado e lançado no Brasil com o financiamento do próprio Eduardo Prado. Eduardo Prado este que era pai do Paulo Prado, o jovem e rico cafeicultor amigo dos modernistas que bancou a Semana de Arte Moderna no Teatro Municipal de São Paulo. Foi Paulo Prado que, na metade da década de 1920, notando o interesse e a busca dos modernistas, em especial Oswald de Andrade, Mário de Andrade e Tarsila do Amaral, pelo Brasil profundo, deu a eles este livro. O casal Oswald e Tarsila ficaram impressionados com aquela história toda. E dali veio a inspiração para o antológico Manifesto Antropofágico e para a pintura brasileira mais icônica e importante da nossa história, o Abaporu, de Tarsila do Amaral. A saber, Abaporu em tupi significa Comedor de Gente. 

Tanto o Manifesto Antropofágico quanto o Abaporu foram lançados em 1928. No mesmo ano também foi lançado o livro Macunaíma, um verdadeiro divisor de águas na lieratura brasileira, que também foi influenciado diretamente pelo Hans Staden no sentido das tradições indígenas, mas que se misturou com a vida simples do caipira e a malandragem do brasileiro de camadas mais pobres das grandes cidades. Foram essas três obras grandiosas e geniais que realmente mudaram a maneira de se entender e de se fazer arte no Brasil. A Semana de Arte Moderna de 1922 foi o pé na porta, e as obras de Oswald de Andrade, Tarsila do Amaral e Mário de Andrade realmente concretizaram a revolução que o modernismo tanto buscava. 

Uma história tão rica, tão interessante, tão recheada de atitude, de barulho, diversão e arte como é tudo que envolve a Semana de Arte Moderna de 1922 não poderia nunca passar em branco aqui na Strip Me! Por isso você encontra não só estampas relacionadas a este evento incrível, como muitas outras relacionadas às artes, música, cinema, cultura pop e muito mais! É só dar aquele conferida na nossa loja nos novos lançamentos! 

Vai fundo! 

Para ouvir: A produção musical no início do século XX era bem limitada e essencialmente de música erudita, né. Então, ao longo desses 4 posts sobre os 100 anos da Semana de Arte Moderna, vamos caprichar numa playlist cheia de brasilidade, com o que rola de som enquanto os textos são produzidos. Uma playlist que vai crescendo a cada post, até chegar a ser um top 40 tracks! SAM-SP 1922 – Top 30 Tracks.   

Para assistir: Em 2002 a TV Cultura fez um ótimo documentário sobre a semana de Arte Moderna de 1922. Com vários depoimentos de gente que fez parte do movimento modernista, em gravações antigas, claro, é um doc que vale a pena demais ser visto! Tá completinho no Youtube.   

Para ler: Com certeza a obra mais emblemática da literatura modernista brasileira veio a ser publicada 6 anos depois da Semana de Arte Moderna. Claro, é o indispensável Macunaíma, de Mário de Andrade. Um livro delicioso, divertido e que diz muito, mas muito mesmo, sobre o Brasil de ontem, de hoje e de sempre. Leitura necessária! 

Na semana passada você leu aqui o rebuliço que era o começo do século XX em São Paulo. Conservadores fazendo críticas, os artistas de vanguarda achando tudo chatíssimo e querendo dar uma renovada no rolê todo, o mundo recém saído de uma guerra mundial, por aqui uma república dominada pela bancada ruralista, com políticas excludentes, que só favoreciam os ricos. São Paulo se desenvolvia rapidamente com o dinheiro do café, se tornou uma cidade iluminada com a chegada da energia elétrica, o que permitiu criar-se uma fauna noturna de intelectuais endinheirados que se reuniam em bares e cafés até altas horas da noite, conspirando contra o parnasianismo, o classicismo e a chatice em geral que imperava nas artes brasileiras. E foi o artigo de Monteiro Lobato, Paranoia ou Mistificação, publicado no Estado de S. Paulo em 1917 que desencadeou uma ação mais efetiva entre o grupo de amigos de Anita Malfatti, alvo de Lobato no artigo, que destilou todo o seu desprezo pelas obras da pintora, com forte influência do surrealismo e expressionismo. Foi então que, além de Anita Malfatti, Oswald de Andrade, Menotti del Picchia, Mário de Andrade, dentre outros artistas, passaram a se empenhar em produzir e divulgar uma arte mais contemporânea, provocadora e livre. Nesta época ainda não eram considerados modernistas, mas se auto intitulavam artistas futuristas! 

Mas demorou tanto tempo assim pra essa turma se organizar? O artigo de Monteiro Lobato foi publicado em 1917. Só 5 anos depois é que os modernistas conseguiram organizar um evento que os divulgasse amplamente? Demorou esse tempo todo sim. Mas, calma, porque muita coisa foi feita ao longo desse tempo. Um pouco antes ainda, Oswald de Andrade fez sua primeira viagem para a Europa. Voltou de Paris com o libertário texto Manifesto do Futurismo, do poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti, embaixo do braço e disposto a implementar aquele mesmo senso de rebeldia, novidade, experimentalismo e liberdade no Brasil. No ano de 1918 ele se torna amigo muito próximo de Mário de Andrade, já que tinham em Anita Malfatti uma amiga em comum. Juntou-se á turma na mesma época o escritor Menotti del Picchia, o escultor Victor Brecheret, o pintor Di Cavalcanti e os escritores Guilherme de Almeida e Manuel Bandeira. Essa turma toda, entre 1917 e 1922 tiveram vários artigos publicados defendendo essa nova visão artística e exposições de telas e esculturas foram organizadas. 

O que viria a ser conhecido como movimento modernista tinha suas bases mais sólidas nas artes plásticas. As pinturas de Anita Malfatti, Di Cavalcanti, Portinari e as esculturas de Victor Brecheret, sempre que expostas causavam muitas críticas no meio artístico e jornalístico e muita pouca atenção do público em geral. Os escritores Mario de Andrade, Menotti del Picchia e Oswald de Andrade publicavam seus artigos em periódicos insistentemente, defendendo a vanguarda da arte trazidas por eles mesmos da Europa. Foi no final de 1921 que, durante um jantar, em companhia do jovem e riquíssimo cafeicultor Paulo Prado, tiveram a ideia de fazer uma semana toda dedicada à arte moderna, com exposições e apresentações de música e leitura de textos e poesias. Paulo Prado, que não era artista, se prontificou a pedir uma ajuda a alguns de seus amigos também cafeicultores e riquíssimos, para que pudessem alugar o imponente Teatro Municipal para abrigar o evento. Já naquela noite começaram a articular ideias, pensar em que artistas participariam e etc. 

Dois fatos são muito curiosos nisso tudo. O primeiro é que Anita Malfatti precisou ser convencida a participar expondo algumas de suas telas. Depois de tanta crítica ao longo do tempo, a pioneira do expressionismo no Brasil estava cansada daquilo e não queria se expor. Ela não vinha de uma família rica, como Oswald de Andrade por exemplo, e tentava se manter longe dos holofotes, ganhando dinheiro pintando telas sob encomenda, dando aulas de pintura e etc. Sentia que participar de um evento como aquele colocaria seu nome em todos os jornais com críticas ferozes, que poderiam prejudicar sua imagem e fazer com que ela perdesse alguns trabalhos. Coube a Mario de Andrade, amigo e confidente de Anita, a missão de convencê-la. Missão esta cumprida com louvor. Outra curiosidade inacreditável é que o primeiro nome mais cotado para presidir a Semana, que seria responsável por fazer o discurso de abertura e seria uma espécie de mestre de cerimônias, era ninguém menos que Monteiro Lobato! Sim, porque apesar de todos os pesares, Lobato era amigo da maioria dos escritores modernistas. E ter Lobato na linha de frente significaria muito diante do público e da crítica especializada. Mas ele declinou o convite sem nem pensar, pois jamais pactuaria com aquele tipo de arte ultrajante (segundo ele próprio). Por sorte, de última hora, chega ao Brasil o diplomata e escritor Graça Aranha, um dos nomes mais respeitados na época, um homem rico, encantador e muito talentoso, um brasileiro que residia já há muitos anos em Paris, mas sempre vinha visitar sua terra natal. Em contato com a cultura europeia de vanguarda, Graça Aranha, ao ser convidado para presidir a semana de arte moderna de São Paulo, adorou a ideia e aceitou no ato! 

Com Paulo Prado financiando o Teatro Municipal e Graça Aranha confirmado para presidir o evento, não tinha como dar errado! E não deu mesmo. A Semana de Arte Moderna de São Paulo aconteceu de 13 a 17 de fevereiro de 1922. A programação era a seguinte: O saguão do Teatro Municipal de São Paulo ficaria aberto diariamente para visitação de uma enorme exposição com obras dos artistas Emiliano Di Cavalcanti, Anita Malfatti, Zaina Aita, Ferrignac, Yan de Almeida Prado, John Graz, Vicente do Rego Monteiro, Antonio Paim Vieira, Victor Brecheret, Hildegardo Leão Velloso e Haarberg. Na noite do dia 13, uma segunda feira, a semana foi aberta com um discurso de Graça Aranha intitulado A emoção estética da arte moderna. Foi um discurso longo e bem monótono que rendeu nada mais do que aplausos protocolares. Em seguida sobe ao palco um conjunto de câmara que interpreta algumas composições de Heitor Villa-Lobos. Depois de um intervalo pro cafezinho e dar uma conferida nas obras expostas no saguão, o público retorna para que o poeta Ronald de Carvalho fizesse uma breve palestra falando sobre pintura e escultura moderna e declamando alguns versos de sua autoria. O público torceu o nariz, mas não fez muito alarde. Depois de algumas vaias, Ronald de Carvalho, espirituoso, respondeu ao público dando de ombros com indiferença: “Cada um fala com a voz que Deus lhe deu.”. A noite foi concluída com a apresentação do maestro Ernani Braga. 

A segunda noite de apresentações, na quarta-feira, dia 15 de fevereiro, não foi nada parecida com a estreia. Após a noite de segunda feira, os jornais fizeram duras críticas à exposição de obras de arte e às apresentações lítero-musicais pretensiosas. Farejando treta e algazarra, o público paulistano lotou o Municipal! Quem abre a noite é Menotti del Picchia com uma palestra sobre a literatura contemporânea. Ao exaltar uma literatura que foge dos padrões clássicos, del Picchia vai bem, mas recebe uma vaia enorme. Até que, no fim, ele anuncia que subirá ao palco Oswald de Andrade. O teatro vem abaixo, fazendo com que a vaia que del Picchia levou parecesse um abafado assobio. A vaia era descomunal. Oswald fica no palco parado por alguns minutos até que a vaia cesse. Finalmente em silêncio, ele começa a ler seu texto. E a vaia explode mais uma vez. Oswald declamou seu texto para ninguém, debaixo de vaias permanentes. Na sequência, Mario de Andrade sobe ao palco e a recepção é a mesma. Ele começa a ler com muita dificuldade. Em certo momento, ele para e espera que se faça silêncio. Quando todos param, ele diz: “Se for pra continuar assim, eu não continuo falando!” e uma gargalhada e um aplauso retumbante enchem o teatro. É feito um intervalo. Na volta das apresentações, a noite decorre com mais tranquilidade com uma apresentação de dança de Yvonne Daumerie e finalizando com um concerto de piano da pianista Guiomar Novaes, uma artista já consagrada e muito querida, a única a sair do palco sob aplausos satisfeitos. 

A noite de encerramento, na sexta-feira, dia 17 de fevereiro não foi tão movimentada. A atração principal era o compositor Heitor Villa-Lobos, que começava a ganhar notoriedade dentro e fora do Brasil. Apesar de sua formação erudita, era um músico contemporâneo, que começava a criar peças sinfônicas misturando elementos africanos e outras linguagens pouco convencionais. Entretanto, sua música era razoavelmente bem aceita. Por seu apelo popular, a noite de sexta feira foi toda dedicada à sua música, sem discursos e leituras e textos e poemas de escritores controversos, que poderiam gerar animosidade no público. Porém, o público lá estava para ver o circo pegar fogo. Quando Villa-Lobos sobe ao palco de fraque e calçando chinelos, o público desabou em vaias, acreditando ser aquela uma provocação a seja lá o que fosse. Porém, nada mais era do que uma unha encravada, ou algo parecido, que o impedia de calçar sapatos fechados. Mas com o tempo o público logo se acalmou e foi possível ouvir boa parte da apresentação de Villa-Lobos ao piano acompanhado de uma orquestra, que encerraria grandiosamente a Semana de Arte Moderna de São Paulo. 

Foi realmente um evento muito marcante e fundamental. Porém, o Brasil se daria conta disso só muito tempo depois. De imediato, a Semana de Arte Moderna causou muito falatório entre a sociedade paulistana, mas acabou dando origem a grandes obras e uma reestruturação enorme da arte no Brasil um bom tempo depois. Foi um verdadeiro pé na porta da arte moderna, que chegava pra ficar! E o que aconteceu nos meses e anos logo depois deste evento tão emblemático, você fica sabendo na semana que vem, no próximo texto deste mês, que é todo dedicado aos 100 anos da SAM-SP! Nesse meio tempo, você pode conferir as estampas especiais da Strip Me da Semana de Arte Moderna de 1922, sem falar de tantas outras estampas incríveis de arte, música, cinema, cultura pop e muito mais. Confere os lançamentos lá na nossa loja! 

Vai fundo! 

Para ouvir: A produção musical no início do século XX era bem limitada e essencialmente de música erudita, né. Então, ao longo desses 4 posts sobre os 100 anos da Semana de Arte Moderna, vamos caprichar numa playlist cheia de brasilidade, com o que rola de som enquanto os textos são produzidos. Uma playlist que vai crescendo a cada post, até chegar a ser um top 40 tracks! SAM-SP 1922 – Top 20 Tracks.  

Para assistir: Em 2002 a TV Cultura fez um ótimo documentário sobre a semana de Arte Moderna de 1922. Com vários depoimentos de gente que fez parte do movimento modernista, em gravações antigas, claro, é um doc que vale a pena demais ser visto! Tá completinho no Youtube.  

Para ler: Com certeza a obra mais emblemática da literatura modernista brasileira veio a ser publicada 6 anos depois da Semana de Arte Moderna. Claro, é o indispensável Macunaíma, de Mário de Andrade. Um livro delicioso, divertido e que diz muito, mas muito mesmo, sobre o Brasil de ontem, de hoje e de sempre. Leitura necessária! 

Nenhuma revolução é legítima se não passar pela arte! A gente não quer só comida, a gente quer comida, barulho diversão e arte! Nenhuma revolução é legítima se não tiver uma identidade própria muito clara! O orgulho de ser quem somos passa necessariamente pelo autoconhecimento. Nenhuma revolução é legítima se não causar consequências, se não deixar marcas permanentes! Portas da percepção abertas para tudo que é novo! Novas formas, novas cores. Novos Baianos. Deglutição tropical, antropofagia cultural. Nesta altura do campeonato, você já deve estar desconfiado, mas eu vou te confirmar. É fevereiro! E nós vamos passar todo o mês celebrando uma das mais legítimas revoluções brasileiras! A Semana de Arte Moderna de 1922, que neste mês completa 100 anos. Então se prepara! Porque vão ser quatro posts, cada um abordando um aspecto específico deste que foi, com absoluta certeza, o momento mais importante das artes no Brasil. 

É lógico que pra começar a gente precisa dar aquela geral na situação toda antes de a Semana de Arte Moderna ser idealizada e acontecer. E aqui é fundamental que a gente dê uma olhada no contexto histórico do Brasil até então. Era o começo do século XX e o Brasil tinha recentemente se tornado uma república, depois de um golpe militar todo esculhambado, mas que acabou depondo o imperador Dom Pedro II. No início da república, apesar de a cidade do Rio de Janeiro ser a capital do país, era São Paulo quem dava as cartas, pois a maior parte da renda do Brasil vinha do café, e os estados de São Paulo e Minas Gerais eram os maiores produtores dessa delícia. Você já ouviu falar na escola da república do café com leite, né? Pois então, é dessa época que estamos falando. À medida que os cafeicultores enriqueciam e acabavam por colocar quem bem entendiam nos cargos públicos, a cidade de São Paulo crescia, tornava-se cosmopolita, vibrante. E começam a pipocar pelos bares e cafés da cidade, que a partir de 1905 podiam ficar abertos até tarde da noite graças à instalação da energia elétrica, muitos intelectuais. 

Importante lembrar uma coisa aqui. As camadas sociais eram muito mais definidas no começo do século XX. Existiam os muito ricos, a classe média, que tinha uma vida confortável, e os muito pobres, essencialmente negros “livres” desde 1888, que viviam sem emprego em cortiços e barracos na periferia. Claro que já existia uma cultura popular entre os pobres, mas era tudo muito separado. Intelectuais e artistas reconhecidos eram todos de famílias ricas, jovens que estudaram na Europa e etc. As coisas só começariam a mudar e o popular se misturar com o erudito (leia-se o pobre com o rico) com a popularização do rádio, a partir da década de 1930. Isso posto, fica mais claro entender quem eram esses artistas e intelectuais que criariam o movimento modernista brasileiro e acabariam dando luz à Semana de Arte Moderna. 

Oswald de Andrade, Mário de Andrade, Menotti del Picchia, Victor Brecheret, Anita Malfatti, Sérgio Millet, Di Cavalcante e tantos outros eram todos artistas e intelectuais ricos, em contato com o que havia de mais atual nas artes da Europa. Eles começaram a se reunir e debater sobre o atraso do Brasil no aspecto cultural. Realmente, o Brasil, conservador que só ele desde sempre, tinha uma literatura baseada no parnasianismo (uma escola literária que preza pelo uso mais rebuscado da língua, poesias com rimas dentro da métrica… enfim, uma chatice!), a pintura classicista, que respeita formas, cores, sombras, luz, etc, e uma música erudita baseada nos compositores clássicos europeus. Deu pra sacar que era tudo importado, né? Não existia uma linguagem genuinamente brasileira. Vá lá que na literatura já rolava o movimento primitivista, ou seja, alguns autores que olhavam para dentro do Brasil para ambientar suas ideias. Seu maior nome foi Monteiro Lobato, com seu personagem clássico Jeca Tatu. Entretanto, a linguagem de obras como a de Lobato ainda eram rebuscadas na escrita, apesar de trazer elementos brasileiros. Mas até a turma que seria conhecida no futuro como modernista trazia seus conceitos de arte de vanguarda, como o cubismo, surrealismo e etc, da Europa. 

Além de tudo, 1922 é um ponto de intersecção fundamental entre a história política e artística, que gerou mudanças essenciais para a história do Brasil como conhecemos hoje. Como já foi dito aqui, no começo do século XX era São Paulo quem dava as cartas no país. À medida que o ano de 1922 se aproximava, era preparada uma infinidade de festividades Brasil afora, pois aquele seria o ano do primeiro centenário da independência do país. E existe um aspecto muito importante da história que precisa ficar claro pra todo mundo: A história é fabricada! Os fatos chegam até nós no colégio distorcidos, exagerados, com alguns lados ocultos. A independência do Brasil é um ótimo exemplo disso. Por muito tempo após o fatídico 7 de setembro, era considerada como a data oficial da independência o dia 12 de outubro de 1822, que foi quando aconteceu a solenidade de coroação de Dom Pedro I como imperador do Brasil. O revisionismo histórico impulsionado por Dom Pedro II e pelos militares positivistas, já quase no fim do império, motivou algumas mudanças, fazendo com que alguns momentos soassem mais heroicos do que realmente foram. Assim passou-se a considerar o 7 de setembro como data oficial, mas sem grande alarde. Após a proclamação da república e São Paulo tendo seus intelectuais e milionários mandando no país, um novo revisionismo histórico passou a acontecer, ainda mais com o centenário da independência se avizinhando. Até então, a história do Brasil era essencialmente contada tendo como cenário os estados do Rio de Janeiro, Minas Gerais, Bahia e Pernambuco. São Paulo, buscando algum protagonismo na história, deu ênfase na independência ter sido proclamada às margens do Rio Ipiranga e criou a imagem dos bandeirantes como grandes heróis desbravadores, que até então não tinham esse nome e eram apenas caçadores de pedras preciosas e exterminadores de indígenas, ou seja, nada mais que uma nota de rodapé nas páginas da história. 

Com a década de 1920 florescendo, o momento era de transformação, crescimento e busca por uma identidade própria, genuinamente brasileira. Os intelectuais e artistas mais ligados a vanguarda já davam seus primeiros passos e sofriam os ataques dos conservadores. Em 1913 o escultor Lasar Segall fez uma pequena exposição com obras claramente influenciadas pelo cubismo de Pablo Picasso e Georges Braque, que foi recebida com entusiasmo por Mário de Andrade e sua turma, mas recebeu críticas pesadas da imprensa e do público em geral. Em 1917 Anita Malfatti faz sua mais famosa exposição, com telas calcadas no surrealismo e modernismo. Monteiro Lobato escreve um artigo que ficou famoso, chamado Paranoia ou Mistificação. Neste artigo, uma crítica a exposição de Malfatti, Lobato destila todo o seu desprezo por uma pretensa arte, que não segue regras, que é provocadora e de qualidade questionável. Tal artigo foi publicado no jornal O Estado de S. Paulo e é considerado o marco zero do movimento modernista. Mário de Andrade, Oswald de Andrade, Anita Malfatti, Menotti del Picchia, eram todos amigos e passaram a se reunir com frequência para encontrar meios de responder artigos como aquele de Monteiro Lobato, além de divulgar e enaltecer uma arte mais moderna e repudiar as artes encharcadas de conservadorismo e padrões estéticos. 

Com todas essas cartas na mesa, o ano de 1922 nasce cheio de promessas de mudanças. E se você está achando estranho não ter lido até agora o nome do Tarsila do Amaral, ou sobre o Abaporu, sobre o Macunaíma e sobre o manifesto Pau Brasil e o manifesto Antropofágico, não se desespere! Ainda tem muita história pela frente! Nos próximos textos, vamos falar sobre como foi a Semana de Arte Moderna, as obras, os textos, as músicas que rolaram no evento, como foi a recepção do público e da crítica, depois vamos falar das consequências e das principais obras modernistas e também vamos falar sobre o impacto décadas depois e como toda essa aura seria recriada nas mãos dos tropicalistas. Mas hoje nós paramos por aqui, em janeiro de 1922, quando Mário de Andrade, em uma de suas mais célebres obras, Paulicéia Desvairada, vaticina logo no prefácio: “Está fundado o Desvairismo!” 

Enquanto você espera os próximos textos, dá uma olhada nas estampas novíssimas da Strip Me sobre a Semana de Arte Moderna de 1922, isso sem falar de tantas outras sobre arte, música, cinema, cultura pop e muito mais! Confere lá na nossa loja as novidades!  

Vai fundo! 

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Para assistir: Em 2002 a TV Cultura fez um ótimo documentário sobre a semana de Arte Moderna de 1922. Com vários depoimentos de gente que fez parte do movimento modernista, em gravações antigas, claro, é um doc que vale a pena demais ser visto! Tá completinho no Youtube. 

Para ler: Com certeza a obra mais emblemática da literatura modernista brasileira veio a ser publicada 6 anos depois da Semana de Arte Moderna. Claro, é o indispensável Macunaíma, de Mário de Andrade. Um livro delicioso, divertido e que diz muito, mas muito mesmo, sobre o Brasil de ontem, de hoje e de sempre. Leitura necessária!