Os 10 filmes mais aguardados de 2024

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Os 10 filmes mais aguardados de 2024

14/12/2023 | Por Paulo Argollo | Comentários desativados

2023 está acabando, e a gente já começa a especular sobre o que nos aguarda ano que vem. O assunto hoje é cinema, e a Strip Me já adianta os filmes que vão bombar em 2024.

2023 não foi um ano fácil para Hollywood. A indústria cinematográfica passou por duas greves que paralisaram muitas produções que estavam em andamento. Primeiro foram os roteiristas que, mais uma vez, se mobilizaram para exigir melhores salários no começo do ano. Em julho, o sindicato dos atores se uniu aos roteiristas e muitos atores também cruzaram os braços e não foram trabalhar. A situação toda só se resolveu no começo de novembro, mas aí o estrago já estava feito e muitas produções, entre séries e filmes, que seriam lançados em 2024 tiveram seus lançamentos adiados. Mesmo assim, ainda tem muita coisa confirmada para sair ano que vem. Muitas dessas produções são filmes muito aguardados pelo público.

O que chama a atenção na lista de filmes previstos para o ano que vem é a escassez de filmes autorias. Claro, estamos falando aqui de Hollywood, filmes blockbusters e tal. A gente sabe, e valoriza muito, que o cinema autoral borbulha no underground e no cenário independente no mundo todo. Mas estamos falando daqueles filmes incríveis e únicos de gente como Martin Scorsese e Christopher Nolan, que lançaram filmes este ano, by the way. Mas quem não sente aquela saudade de um bom filme do Tarantino, ou do Paul Thomas Anderson, dos irmãos Coen… Enfim, o que predomina nos lançamentos do ano que vem são sequências e remakes. A boa notícia é que, no quesito remake, estava previsto para o ano que vem o lançamento de Scarface. Para a nossa alegria, o diretor que tocava o projeto, Luca Guadagnino, anunciou recendente que está abandonando o projeto. Sábia decisão. Afinal, pra quê mexer na perfeição alcançada por Brian de Palma e Al Pacino, na versão definitiva de Scarface, lançado em 1983?

Ah, e é claro que, além de sequências e remakes, ainda tem aquela enxurrada de filmes baseados em quadrinhos, universo Marvel e essa coisa toda. Entre dezenas de filmes, a Strip Me selecionou os 10 mais interessantes a serem lançados ano que vem. Confere aí!

Sequências

Duna Parte 2
Duna, lançado em 2021 foi um sucesso estrondoso. O longa baseado nos livros de Frank Herbert, é uma ficção científica distópica daquelas! A parte 2 já vinha sendo produzida logo após o lançamento do primeiro filme, e tinha previsão de estreia no fim deste ano, mas a tal greve acabou atrasando tudo. Duna Parte 2 está previsto para sair em março de 2024, e promete o mesmo sucesso. Tal qual o primeiro filme, a direção é de Denis Villeneuve e continuam no elenco Rebecca Ferguson, Dave Bautista, Javier Bardem e Josh Brolin, mas agora com a adição de Christopher Walken e Tim Blake Nelson.

Divertida Mente 2
A taxa de conversão da Pixar é quase 100%. Impressionante como a produtora consegue lançar tantos filmes de alto nível. Em 2015 lançaram Divertida Mente, um filme impecável, que se tornou clássico imediato. Nesta sequência, Apesar de o diretor do primeiro filme não estar presente, o roteiro é assinado pela Meg LaFauve, que também escreveu a animação de 2015, então é uma garantia de que teremos uma boa história! Se no primeiro Divertida Mente, somos apresentados a Riley ainda criança e seus sentimentos básicos, Alegria, Tristeza, Raiva, Medo e Nojinho, nesta sequência Riley é uma adolescente, e entram em campo sentimentos como a Ansiedade e o Tédio. Divertida Mente 2 é uma das promessas mais empolgantes de 2024 para o cinema.

Joker: Folie à Deux
Joaquim Phoenix surpreendeu todo mundo entregando uma atuação visceral e perturbadora do maior vilão de Gotham City, no filme Joker, de 2019. Ali, o diretor e roteirista Todd Phillips usou uma linguagem scorseseana para contar a origem do personagem, remetendo a filmes como Taxi Driver e O Rei da Comédia. Ainda é Phillips quem assina direção e roteiro de Joker Folie à Duex, que numa tradução literal é Joker Loucura a Dois. Além de Joaquim Phoenix no papel principal, o longa vai contar também com Lady Gaga interpretando a personagem Arlequina. Pouco se sabe sobre o mote do filme, mas dizem que se trata praticamente de um musical bizarro. É esperar pra ver. A previsão de lançamento é outubro de 2024.

Remakes

A Cor Púrpura
Certos filmes atingem um nível tão alto de qualidade que, pela lógica, jamais deveriam ser revisitados. Simplesmente pela a régua ficar muito alta, torna-se impossível não fazer comparações. É como se o o Dave Grohl e o Krist Novoselic decidissem manter o Nirvana em atividade colocando alguém pra tocar guitarra e cantar no lugar de Kurt Cobain. Até poderia funcionar e sairem músicas legais, mas a comparação sempre iria perseguir a banda. Em 1985 foi lançado A Cor Púrpura, um filme simplesmente lindo! Denso, impactante, profundo, emocionante, falando sobre a vida dos negros no início do século vinte no sul dos Estados Unidos. O longa foi dirigido por Steven Spielberg, contou com Whoopi Goldberg, Danny Glover e Oprah Winfrey no elenco e teve Quincy Jones a frente da trilha sonora. Até é possível que este remake, com lançamento previsto para janeiro de 2024, seja um bom filme. Mas vai viver sob a sombra do clássico de Spielberg dos anos oitenta.

O Corvo
O filme O Corvo, lançado em 1994 tornou-se icônico por conta da morte de seu protagonista durante as filmagens. Brandon Lee, filho do Bruce, foi morto durante a filmagem de uma cena onde rolava um tiroteio, uma parada até hoje mal explicada. O filme nem era assim tão bom, mas era legal, tinha esse visual gótico, meio rock n’ roll, e uma trilha sonora ótima. Com sua pegada de video clipe, o longa acabou marcando toda uma geração de jovens que crescia nos anos 90 assistindo MTV. Ah, sim. O Corvo é, originalmente, um personagem de histórias em quadrinhos, e teve sua adaptação para o cinema facilitada pela trilha aberta por Tim Burton, que retratou um Batman sombrio e acostumou o público a essa estética dark. O Corvo funcionou na época porque isso tudo era novidade. A história e estética d’O Corvo se sustentam 30 anos depois? Saberemos em julho de 2024.

Branca de Neve
Quando a gente fala que Hollywood vive uma crise criativa retumbante, não é exagero. Será que ninguém consegue propor uma ideia nova, uma história diferente, a ponto de os caras resolverem refilmar a Branca de Neve? Pois é. A resposta vem em março do ano que vem. A Disney abraçou a ideia de contar a história da Branca de Neve de novo, mas desta vez em live action, e com algumas alterações estratégicas para ser politicamente correta. A atriz escolhida para viver a princesa é Rachel Zegler, uma atriz de origem latina. Os anões não vão fazer parte do filme, para não reforçar estereótipos sobre o nanismo, e serão substituídos por entidades mágicas da floresta. E por fim, a célebre frase da Rainha Má, que será interpretada pela Gal Gadot, ˜Espelho, espelho meu, existe mulher mais bonita do que eu?” Será substituída por “…existe mulher mais justa do que eu?” Para não reforçar padrões de beleza. Enfim, tem tudo pra ser, ó… uma bost@!

Cinebiografias

Bob Marley: One Love
Com o sucesso enorme de cinebiografias de artistas como Freddie Mercury, Elton John e Elvis Presley, a bola da vez é o jamaicano Bob Marley. Há quem diga que quem viu um filme sobre alguma estrela da música, viu todos. É sempre o mesmo enredo: cara talentoso, mas meio fodido, é descoberto, faz sucesso, a fama sobe à cabeça, faz umas merdas, se entope de droga e no fim se redime ou morre. Pode ser que este filme seja basicamente isso, mas pelo menos vai ter uma baita trilha sonora boa. Mas sendo um pouco mais otimista, Marley tem uma história interessante, que mistura música, política e dramas pessoais. Pode funcionar muito bem na telona. O longa é assinado por Reinaldo Marcus Green, um jovem e talentoso diretor. Previsão de lançamento para fevereiro de 2024.

Ferrari
A vida de Enzo Ferrari, piloto de corridas e fundador da Scuderia Ferrari, equipe de automobilismo, e da fábrica de carros Ferrari, é realmente digna de cinema. Cheia de reviravoltas, ousadia e empreendedorismo! O longa tem foco na década de 50, quando, em um dos muitos altos e baixos de sua história, ele está à beira da falência e decide apostar alto em uma das corridas mais disputadas da Itália. Com previsão de estreia para fevereiro de 2024, o filme Ferrari tem direção do competente Michael Mann e promete ser um ótimo filme.

Mamonas Assassinas: O Impossível Não Existe
O diretor de novelas Edason Spinello se aventura nas telas de cinema ao conceber a cinebiografia da icônica banda cômico-roqueira Mamonas Assassinas. A cinebiografia da banda se volta para o início, quando os amigos de Guarulhos começam a tocar juntos e fazem a transição de Utopia para Mamonas Assassinas. Sem grandes pretensões, o filme parece ser leve e engraçado. Uma homenagem justa a uma banda que não mudou a história do rock brasileiro, mas se tornou um ícone pop noventista inquestionável. A previsão de lançamento é janeiro de 2024.

Autoral

Garotas em Fuga
Nem tudo está perdido! No meio do vasto deserto de filmes autorais, que não são sequências, não são remakes, não recorrem a personagem famosos, histórias em quadrinhos e etc, pequenos oasis de resistência sempre surgem! Garotas em Fuga é o primeiro filme de Ethan Coen sem a colaboração de seu irmão, Joel. Ethan escreve e dirige este road movie que mistura ação e comédia, com aquele tempero meio nonsense e estética de filme B que caracteriza a obra dos Irmãos Coen. O trailer do filme já dá o tom e instiga o espectador. Tem tudo pra ser um filme delicioso, na linha de Queime Depois de Ler. O longa traz no elenco Matt Damon e o recentemente celebrado Pedro Pascal. Lançamento previsto para fevereiro de 2024.

É isso! 2024 vem aí! E, pelo menos no quesito cinema, tem ótimas opções para todos os gostos. Mas não é só no cinema! A Strip Me vai chegar chegando em 2024! Novos lançamentos e coleções, além de manter o alto padrão de qualidade dos nossos produtos e incentivar cada vez mais a sustentabilidade que tanto prezamos! Então se liga no nosso site pra ficar sempre por dentro dos lançamentos e conferir as nossas diversas coleções. E que venha 2024!

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Os 10 melhores filmes de Robert Zemeckis.

27/10/2023 | Por Paulo Argollo | Comentários desativados

Mais conhecido por conta de De Volta Para o Futuro e Forrest Gump, o cineasta Robert Zemeckis tem uma vasta e muito variada filmografia. Para você conhecer um pouco mais sobre sua obra, a Strip Me selecionou seus 10 melhores filmes.

A banda irlandesa The Cranberries cravou seu nome na história da música pop graças a essencialmente 3 hits, cada um oriundo de um disco diferente. Entretanto, a banda tem em sua discografia 8 discos, que não são tão conhecidos, ou lembrados. Vamos dar nome aos bois. Os Cranberries ficaram conhecidos por conta de Linger, música presente no disco de estreia da banda, Everybody Else is Doing It, So Way Can’t We?, de 1993, Zombie, certamente a mais conhecida música dos irlandeses, do disco No Need to Argue, de 1994, e Free to Decide, do disco To The Faithful Departed, de 1996. Os outros 5 discos da banda, apesar de não contarem com hits avassaladores, são bons discos, com ótimas músicas, e que nunca deixaram de agradar os fãs. A banda Cranberries não é das mais revolucionárias ou inventivas de sua geração. Mas tem trabalhos memoráveis e é sempre lembrada. Mas o que os Cranberries tem a ver com o Robert Zemeckis?

Robert Zemeckis nasceu em Chicago, em maio de 1951. Cresceu assistindo séries e programas de TV, que o inspiraram a seguir a carreira de cineasta. Fez faculdade de cinema na California nos anos 70, uma época em que despontavam em Hollywood grandes nomes como Steven Spielberg, George Lucas, Brian de Palma e tantos outros. Zemeckis se destacou na faculdade e chamou a atenção de Spielberg. Recém consagrado na indústria cinematográfica por conta de Tubarão, Spielberg ajudou muito Zemeckis ao assumir a produção de seu primeiro filme, iniciando uma parceria longeva. A carreira de Zemeckis despontou mesmo com De Volta Para o Futuro, de 1985. Depois foi aclamado por Forrest Gump e Náufrago. Apesar de contar com uma filmografia de quase 20 obras, ele é lembrado por apenas três ou quatro deles. Tal qual os Cranberries na geração de bandas dos anos 90, Zemeckis é sempre lembrado como um bom cineasta de sua geração, com alguns êxitos grandiosos, mas nunca entra na lista dos maiores. Para entender porque isso acontece, a Strip Me selecionou os 10 melhores filmes de Zemeckis para dar uma geral e conhecer melhor a sua obra.

10 I Wanna Hold Your Hand (1978)

Este foi o primeiro filme de Zemeckis como diretor, já tendo Bob Gale como roteirista e Steven Spielberg como produtor. Configuração que se repetiria algumas vezes no futuro. Trata-se de uma comédia ingênua, mas divertida, que se presta a retratar o início da beatlemania nos Estados Unidos. O filme acontece nos momentos que antecedem a primeira aparição dos Beatles no lendário The Ed Sullivan Show, em 1964, mostrando alguns jovens, fãs da banda, que tentam entrar no show e até mesmo invadir o quarto de hotel dos rapazes de Liverpool. O roteiro é simples, mas bem amarradinho, e a direção de Zemeckis é eficiente. Tem boas sacadas, é leve e engraçado. Longe de ser um filme brilhante, mas tem seu valor histórico, além de ser um bom entretenimento.

9 Tudo por uma Esmeralda (1984)

É o quarto filme da carreira de Zemeckis como diretor, e seu primeiro êxito comercial de fato. Ele fora contratado para dirigir o longa por Michael Douglas, astro em ascensão na época. A Fox já tinha o roteiro de Tudo por uma Esmeralda e Michael Douglas escalado para protagonizar o filme, e ele acabou podendo escolher quem iria dirigi-lo. Tudo por uma Esmeralda é um bom filme de aventura, uma espécie de genérico de Indiana Jones. Além de ser um filme divertido de se ver, ele marca um ponto essencial na carreira de Zemeckis. Foi a primeira vez que ele trabalhou com o compositor Alan Silvestri. Desde então Silvestri faria as trilhas de praticamente todos os filmes de Zemeckis.

8 Revelação (2000)

Desde De Volta para o Futuro Robert Zemeckis se destaca por valorizar a estética e usar com eficiência efeitos visuais impressionantes. Isso não o impediu de explorar diferentes gêneros cinematográficos. Após passear pela comédia, ficção científica, drama e aventura, Zemeckis não economizou esforços e finanças para colocar em prática seu filme de suspense e terror. Tendo como protagonistas Harrison Ford e Michelle Pfeiffer, Revelação é um thriller de suspense sobrenatural repleto de efeitos visuais e referências à obra de Alfred Hitchcock, o que torna tudo mais saboroso. O filme é ótimo, mostrando uma faceta diferente do diretor, que já havia explorado temas sombrios no passado, mas sob uma ótica cômica, no ótimo A Morte lhe Cai Bem.

7 Náufrago (2000)

Antes de mais nada trata-se aqui de um dos mais célebres cases de merchandising da história do cinema! Tom Hanks protagoniza o longa onde a marca FedEx é quase um personagem à parte. E precisamos ser honestos aqui. Primeiro, Náufrago nem é um filme assim tão bom. É divertido e tem alguns grandes momentos, é claro. Mas chega a ser cansativo em algumas partes. Segundo, é um filme do Tom Hanks. Claramente, Zemeckis está ali como diretor, mas dá pra sacar, até pelo estilo de filmagem, que Tom Hanks devia opinar muito. Nota-se que é um estilo diferente do que Zemeckis sempre fez. E é compreensível. O filme é carregado na costas pelo protagonista. E é um bom filme… do Tom Hanks.

6 Uma Cilada para Roger Rabbit (1988)

Na época, foi um dos filmes mais desafiadores de Hollywood, e um dos mais caros também. A tecnologia para fazer atores humanos interagirem com animações era uma novidade, ninguém sabia direito como usá-la e nem se ela funcionaria realmente na telona. Mas Zemeckis sempre foi um diretor muito ligado à tecnologia e efeitos visuais, e comprou a briga! E acabou dando super certo! Tão certo que, se visto hoje em dia, ele ainda funciona e é um filme muito divertido. Claro, não dá pra ir assistir um filme de comédia, com desenhos animados esperando encontrar um baita roteiro, mas a história é bem amarradinha, esteticamente o filme é ótimo e no geral é realmente divertido. Precisa do que a mais do que isso? No máximo um balde grande de pipoca.

5 A Morte lhe Cai Bem (1992)

Adentramos ao glorioso Top 5 com um filme pitoresco. Uma comédia até então pouco usual no cinema, com uma dose cavalar de morbidez e e sarcasmo. Certamente o interesse de Zemeckis em realizar essa obra se deu por oferecer a possibilidade de usar e abusar de efeitos visuais, com corpos mutilados e etc. Mas para além da estética, é sim um filme muito bom! A começar pelo elenco, que conta com Meryl Streep e Bruce Willis. O roteiro de David Koepp (que depois trabalharia com Spielberg em Jurassic Park e outros filmes) é esperto, com boas sacadas e uma trama com algumas surpresas. Zemeckis soube trabalhar muito bem a fotografia e edição do filme, misturando muito bem o humor com o sombrio. É o filme do Zemeckis que os fãs do Tim Burton mais gostam.

4 O Voo (2012)

Robert Zemeckis sempre misturou gêneros cinematográficos e muitas vezes deixou de lado a história que está sendo contada, para se dedicar ao visual. Aqui o cineasta demonstra maturidade ao se ater ao drama e valorizar o roteiro, e, consequentemente, as atuações. O Voo é um filme ótimo! O roteiro é muito bem escrito e a direção de Zemeckis torna o filme provocador, ao abordar dilemas complicados. O protagonista fica na corda bamba entre o anti herói e o vilão. Denzel Washington apresenta uma atuação impecável! E tudo é abraçado por uma fotografia excelente e uma direção exuberante de Zemeckis. Um filme imperdível!

3 Contato (1997)

Contato é um filme muito, mas muito bonito. Tanto visualmente, quanto na mensagem que se propõe a transmitir. Zemeckis foi ousado ao decidir levar para a telona um livro de um cientista como Carl Sagan. Mas o resultado foi muito positivo. O roteiro é muito bem escrito e consegue transitar bem entre a linguagem científica e leiga, além de apresentar personagens bem construídos, com profundidade, em especial a personagem de Jodie Foster. As atuações também ajudam o filme a crescer, Jodie Foster e Matthew McConaughey estão ótimos! E a direção de Zemeckis é sensível e bela. Um filme realmente muito bom, que ao abordar a suposição de vida fora da Terra, levanta questões essenciais sobre a vida em sociedade, religiosidade e auto conhecimento.

2 De Volta para o Futuro (1985)

De cara, vamos esclarecer duas coisas: Primeiro que muita gente certamente diria que a trilogia deveria ser inserida como um filme só na lista, e segundo que ele deveria estar em primeiro lugar. Bom, a trilogia é realmente maravilhosa. Mas o primeiro filme é, disparado, o melhor dos três. Além do mais, ele foi pensado para ser um filme só, sem continuação. Claro que os dois filmes seguintes são ótimos e funcionam super bem. Mas o primeiro tem um sabor a mais e um roteiro muito mais simples, e por isso mesmo, mas dedicado a construir os personagens e desenvolver emoções. Como um todo, ele acaba sendo mais significativo sozinho, do que dividindo a atenção com os outros dois. Quanto a ele não ser o primeiro da lista, falaremos sobre isso depois. Mas certamente De Volta para o Futuro é o filme pelo qual Zemeckis será sempre lembrado. Tudo ali funciona com perfeição! A história envolvente e fácil de se conectar, os personagens carismáticos, o ritmo de aventura, a expectativa de estar sempre no limite, a estética pop futurista e, é claro, a trilha sonora majestosa! De Volta para o Futuro é um clássico, sem exagero, um filme perfeito. O que o deixa em segundo lugar nessa lista é que o primeiro filme, além de ser perfeito, é um épico.

1 Forrest Gump (1994)

Já rolaram várias discussões, algumas delas interessantes até, sobre a qualidade de Zemeckis como diretor e suas especificidades. Dá pra dizer sem medo de errar que ele não tem um estilo marcante. Por exemplo, é fácil identificar, sem ler os créditos, que um filme é dos irmãos Coen, ou do Tarantino, ou do Scorsese… Talvez isso justifique o fato de ele ser um bom diretor, mas não um cineasta genial. Ainda assim, Zemeckis foi capaz de conceber uma obra prima. Um filme atemporal, engraçado, emocionante e instigante! Mais uma vez abrindo mão do excesso de efeitos visuais e priorizando a história, Forrest Gump é irretocável! Através da vida de um homem, desde a sua infância até a vida adulta, Zemeckis conta a história recente dos Estados Unidos, e o faz sem medo de soar piegas e nem de fazer críticas. Por isso, pode ser considerado um épico. Um filme onde tudo conduz para um arco de redenção não só do personagem principal, Forrest Gump, mas também se sua companheira, Jenny. Com graça e sensibilidade, o longa levanta todo o tipo de questionamento, mas sem panfletarismo. Além do mais, a escolha da trilha sonora, que acompanha a passagem dos anos, é avassaladora! Só música de primeira linha! Não é à toa que Forrest Gump foi indicado a 13 categorias no Oscar e levou 6 estatuetas, incluindo a de Melhor Filme! É um clássico absoluto e inquestionável. De Volta para o Futuro é sim encantador e memorável. Mas Forrest Gump é um épico contemporâneo.

Robert Zemeckis nos traz lições valiosas. A mais importante delas é que qualquer pessoa dedicada o suficiente pode construir algo extraordinário e ser respeitado e bem sucedido, mesmo não figurando no panteão das lendas imortais. Também nos mostra que o visual é fundamental, é claro! E que a tecnologia está aí pra gente aprender a usá-la da melhor forma possível. Mas sem nunca deixar de lado o valor inestimável de uma boa história! Por causa de caras como Zemeckis o cinema é tão empolgante e delicioso! E por causa disso, a Strip Me, que também não fica sem um bom filminho no fim de semana, está sempre criando novas camisetas homenageando e referenciando mestres como Robert Zemeckis e seus grandes filmes na coleção de camisetas de cinema. E não é só isso. Na nossa loja também tem as coleções de camisetas de música, arte, cultura pop, games e muito mais. Dá uma conferida lá no nosso site e aproveita pra ficar por dentro de todos os lançamentos, que pintam toda semana.

Vai fundo!

Para ouvir: Como boa parte dos filmes de Zemeckis tem uma trilha sonora com tema grandioso e músicas incidentais, vamos fazer uma playlist caprichada, baseada na trilha sonora de Forrest Gump, que tem o que há de melhor na música do século XX. Robert Zemeckis Top 10 Tracks.

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A Lista de Spielberg – Os 10 melhores filmes do diretor.

27/09/2023 | Por Paulo Argollo | Comentários desativados

Perto de completar 77 anos de idade, Steven Spielberg é considerado um dos mais revolucionários cineastas da história! Para homenagear essa lenda, a Strip Me apresenta uma lista com os 10 melhores filmes do diretor.

Quando a série Stranger Things foi lançada, lá em 2016, deu pra sacar de imediato que seria um sucesso retumbante. Toda a estética oitentista, mesclando suspense e aventura, com crianças como protagonistas, remetia imediatamente a filmes como E.T., Contatos Imediatos de Terceiro Grau, Gremlins e Os Goonies. Os dois primeiros dirigidos por Spielberg e os outros dois produzidos por ele. O roteiro referenciando Stephen King foi a cereja no bolo. Não tinha como dar errado. Spielberg elaborou a fórmula perfeita para contar histórias envolventes que fascinam crianças, jovens e adultos. Seus filmes encantaram gerações, e Stranger Things fez o mesmo com os jovens de hoje em dia. Entre filmes que dirigiu e produziu, são mais de 40 títulos. A imensa maioria, filmes ótimos! Com uma linguagem pop deliciosa e essa mistura de aventura, suspense e comédia juvenil, e em outros momentos dramas impactantes e inspiradores, Steven Spielberg deixa uma marca profunda no cinema mundial. Uma obra a ser celebrada!

Nossa maneira de homenagear esse monstro sagrado da sétima arte, é fazer uma lista com os 10 melhores filmes de sua carreira como diretor. Uma tarefa árdua e muito conflituosa, e que certamente vai gerar muita polêmica e questionamentos tanto quanto às escolhas, como quanto à posição de cada filme na lista. Vale lembrar que o décimo colocado está longe de ser o pior filme do cineasta, pois, estamos selecionando 10 entre uma filmografia de mais de 40 filmes. E, além do mais, a Strip Me é como um bom personagem dos filmes de Spielberg, que ri na cara do perigo. Então se liga na nossa lista.

10 Prenda-me Se For Capaz (2002)

Olha só. Para se ter ideia de que tipo de artista estamos lidando aqui. O décimo colocado da lista é um filme irrepreensível! Um baita roteiro bom, direção espetacular e Leonardo DiCaprio e Tom Hanks mandando ver em atuações excelentes! O filme é divertidíssimo, baseado em fatos reais. De certa forma, foi uma volta por cima do diretor, voltando às suas raízes de se focar numa boa história. Ele vinha de dois filmes que não foram assim tão bem sucedidos, apesar de serem bons: A.I. (2001) e Minority Report (2002). Depois de Prenda-me Se For Capaz, ele emendou uma sequência de ótimos filmes: O Terminal (2004) Guerra dos Mundos (2005) e Munique (2005).

9 Contatos Imediatos de Terceiro Grau (1977)

Depois do sucesso enorme de Tubarão (1975), Spielberg tinha carta branca para fazer o que quisesse. Foi então que ele concebeu um verdadeiro clássico, abordando uma de suas paixões: ficção científica e extraterrestres. Contatos Imediatos de Terceiro Grau marcou uma nova era no cinema, ao retratar de forma muito direta e com muitos efeitos especiais, a chegada de alienígenas na terra. Contatos Imediatos de Terceiro Grau está para os filmes de alienígenas como O Poderoso Chefão para os filmes de máfia.

8 A Cor Púrpura (1985)

Aqui Spielberg mostrou maturidade e competência invejáveis. Com uma fotografia belíssima um roteiro denso, mas brilhante, o diretor conta com maestria parte da história dos Estados Unidos através da vida de uma mulher negra do sul do país do início do século XX. Whoopi Goldberg e Danny Glover entregam atuações impressionantes. A Cor Púrpura marca também a incursão de Spielberg nos filmes de época e dramas pessoais, que ele tão bem exploraria cada vez mais no futuro.

7 Indiana Jones e a Última Cruzada (1989)

Antes de mais nada, precisamos dizer que o certo seria também incluir os dois filmes anteriores do arqueólogo mais casca grossa do mundo. Mas iria comprometer muito a lista. Também não seria justo colocar na lista todos os filmes da franquia num mesmo tópico, já que os dois últimos filmes são decepcionantes, para dizer o mínimo. Mas falemos do que é bom. Indiana Jones é um dos personagens mais emblemáticos e carismáticos da história do cinema. Ele foi criado por Spielberg e George Lucas, mas foi o primeiro quem mais se envolveu no projeto e dirigiu todos os filmes. O primeiro, Os Caçadores da Arca Perdida (1981) é tão bom que tem uma de suas cenas parodiada frequentemente, a cena em que Indiana corre de uma bola de rocha gigante. O segundo, No Templo da Perdição (1984), é igualmente divertidíssimo e traz a marcante cena do banquete com cérebro de macaco. Mas é em A Última Cruzada que temos o filme mais bem acabado e bem escrito do herói. E, nada mais justo do que Indiana Jones ter seu pai interpretado pelo cara que encarnou pela primeira vez ninguém menos que Bond, James Bond.

6 O Resgate do Soldado Ryan (1998)

5 anos após uma imersão brutal na invasão nazista na Polônia, Spielberg retorna ao tema Segunda Guerra Mundial, mas desta vez retratando campos de batalha e o fatídico 6 de junho de 1944. O desembarque dos Aliados na Normandia, que ficou conhecido como O Dia D, um levante que foi decisivo para o fim da guerra. A cena inicial do filme já é de arrepiar, mostrando o tempestuoso desembarque das tropas, em meio a tiros e bombas, com uma fotografia e edição brilhantes! O filme tem cenas de ação empolgantes, mas também conta com um roteiro bem trabalhado. Protagonizado por Tom Hanks, parceiro de longa data de Spielberg, O Resgate do Soldado Ryan certamente foi preponderante para Hanks produzir no futuro a excelente série Band of Brothers.

5 Jurassic Park (1993)

Bem vindos ao Top 5, bem vindos ao parque dos dinossauros! Tá legal, se a gente for analisar certinho, na sua essência Jurassic Park não traz nada de novo. Lembra muito o enredo de King Kong, clássico de 1933. Mas a real é que Spielberg foi genial ao criar o Jurassic Park, tanto no quesito cinema, ao trazer efeitos especiais moderníssimos para época, mas também em termos de timing mercadológico. A cratera de Chicxulub, na península de Yucatán, México, foi descoberta em 1978 e a teoria do impacto de um meteoro ter sido responsável pela extinção dos dinossauros só foi amplamente aceita pela classe científica em meados da década de 80. O tema dinossauro estava na moda e o livro de Michael Crichton, Jurassic Park, chamou a atenção de Spielberg, que logo comprou os direitos e o adaptou para o cinema. Desde então dinossauros se tornaram verdadeiros ícones pop, além de brinquedos que até hoje encantam as crianças.

4 Tubarão (1975)

Tubarão foi o primeiro grande êxito de Spielberg. O filme arrecadou aproximadamente 470 milhões de dólares, um número impensável à época, sendo que o filme custou 9 milhões para ser feito. Este valor só foi batido dois anos depois por Star Wars. Adaptado de um livro com o mesmo título, o filme é um suspense primoroso! Os muitos problemas técnicos durante as filmagens com o tubarão mecânico, fizeram com que algumas cenas se tornassem ainda mais angustiantes, ao sugerir a presença do predador, mas sem de fato mostrá-lo. Spielberg dirige este filme com maestria. O longa também marca o início da parceria com John Williams, que compôs o tema de Tubarão e, sem sombra de dúvida, fez a trilha sonora tensa e minimalista se tornar clássica!

3 E.T. – O Extraterrestre

Spielberg já mostrara em Contatos Imediatos de Terceiro Grau que entendia de filmes de ficção científica e alienígenas. E se Contatos Imediatos… foi um divisor de águas para o gênero, E.T. acabou sendo realmente revolucionário. Com efeitos especiais encantadores e um roteiro irretocável, o diretor concebeu uma de suas obras mais marcantes.O longa mescla momentos de drama, comédia e aventura, tudo amarrado por uma trama que fala essencialmente de amizade e empatia. Isso tudo torna E.T. um filme atemporal e irresistível. Recebeu nove indicações ao Oscar e ganhou 4, incluindo melhor trilha sonora, pelo belíssimo tema escrito por John Williams. Ah, sim, foi o filme que revelou para o mundo a carismática Drew Barrymore.

2 Império do Sol (1987)

Império do Sol não é dos filmes mais lembrados de Spielberg, mas é um colosso! Um filme épico, emocionante e esteticamente lindo! Teve 6 indicações ao Oscar, mas acabou não levando nenhuma estatueta. O filme conta a história de um garoto inglês vivendo com a família na China, e que se perde dos pais durante a invasão dos japoneses na Segunda Guerra Mundial. O garoto em questão é interpretado por Christian Bale, então com 12 anos de idade e estreando no cinema. E sua atuação é arrasadora. Apesar das indicações ao Oscar, os críticos malharam o filme na época, o taxando de sentimental e fantasioso, ao retratar um momento histórico tão sombrio com leveza até demais. Ainda assim, trata-se de um filme brilhante! Uma história emocionante, um protagonista cativante e, pra variar, uma trilha sonora de arrepiar de John Williams.

1 A Lista de Schindler (1993)

Spielberg vem de uma família de judeus e sempre foi muito ligado à religião e sua história. Talvez até por isso, sua primeira empreitada ao retratar a Segunda Guerra Mundial se deu pelo lado dos japoneses, em Império do Sol. Foi uma jogada esperta do diretor. Império do Sol lhe deu a expertise necessária e a percepção de que em determinados momentos não é preciso economizar na tinta ao pintar momentos sombrios e desesperadores. E a história verídica do empresário Oskar Schindler lhe caiu como uma luva para que ele finalmente retratasse o Holocausto com o devido respeito e exaltar a forca de seu povo. Tudo nesse filme funciona muito bem. Esteticamente, sendo filmado todo em preto e branco, é muito elegante e sóbrio, o roteiro é irrepreensível, as atuações de Liam Neeson e Ralph Fiennes são ótimas e, claro, a sempre presente e brilhante trilha sonora de John Williams. A Lista de Schindler foi indicado a nada menos que 12 categorias do Oscar e venceu 7, entre elas, Melhor Filme, Melhor Diretor e Melhor Roteiro Adaptado. É um filme monumental, um retrato fidedigno dos horrores do nazismo e uma obra indispensável.

Mas olha, a obra de Steven Spielberg é muito maior do que esses 10 filmes. Faltou falar do bonito Além da Eternidade (1989), o encantador Hook: A Volta do Capitão Gancho (1991), o emocionante Amistad (1997), o divertido As Aventuras de Tintin (2011), o inspirador Lincoln (2012), o ambicioso Ponte dos Espiões (2015) e o excelente The Post: A Guerra Secreta (2017). Isso sem falar nos clássicos que ele colaborou como produtor e consultor, como a trilogia De Volta para o Futuro, Os Goonies, Gremlins, Te Pego Lá Fora, Uma Cilada para Roger Rabbit, a franquia MIB: Homens de Preto, A Casa Monstro e muito mais. O homem é uma máquina de fazer blockbuster!

Um cineasta com um currículo desse, não há o que possamos fazer senão reverenciar e prestar homenagens! A obra de Steven Spielberg ajudou a formatar a personalidade e os gostos de gerações de jovens desde os anos 70 até hoje. Por isso, claro que ele é figurinha carimbada entre aqueles que inspiram a Strip Me a estar sempre produzindo camisetas lindas e originais, onde, vira e mexe, alguns de seus filmes são referenciados. Pra conferir é só acessar a nossa loja e dar uma geral na coleção de camisetas de cinema, e também nas coleções de música, arte, cultura pop, games e muito mais. No nosso site você também fica por dentro dos nossos mais recentes lançamentos, que pintam por lá toda semana.

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist no capricho com músicas que marcaram os principais filmes de Steven Spielberg. Spielberg top 10 Tracks.

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10 frases inesquecíveis do cinema.

20/09/2023 | Por Paulo Argollo | Comentários desativados

Para mais um texto saboroso sobre grandes filmes, a Strip Me selecionou e deu uma geral em 10 frases memoráveis do cinema.

“A vida passa rápido demais. Se você não parar pra curtir de vez em quando, ela passa e você nem vê.” “Carpe diem! Aproveitem o dia, rapazes, façam de suas vidas algo extraordinário!˜ Duas frases que tem o mesmo significado, que são facilmente encontradas em diversas mensagens motivacionais e ambas foram extraídas de filmes. O curioso é que são frases de dois filmes completamente distintos (Curtindo a Vida Adoidado e Sociedade dos Poetas Mortos respectivamente). Mas são frases tão fortes e impactantes, ditas em cenas tão marcantes, que transcendem seu contexto original e se tornam um ícone pop tão forte quanto os óculos redondos de John Lennon ou uma imagem do Mestre Yoda. Só mesmo a magia do cinema para fazer com que uma simples frase tenha tanto peso e significado quanto uma imagem, que, teoricamente, pode valer mais do mil palavras.

Hoje estamos aqui para subverter essa máxima, de que uma imagem vale mais que mil palavras. Vamos mostrar que uma simples frase, com poucas palavras, vai te remeter a mais que uma imagem, mas a uma cena inteira, a um filme desses que a gente não cansa de rever. Filmes dos quais algumas falas são repetidas em conversas de bar e citadas em propagandas e em outros filmes. Aqui estão 10 das frases mais marcantes da história do cinema.

The first rule of Fight Club is: you do not talk about the Fight Club.

Se você sabe qual é a segunda regra do Clube da Luta, certamente está revendo em sua mente a cena em que Brad Pitt está no meio de um círculo de homens explicando os conceitos envolvendo a reunião daquele grupo. Clube da Luta é um dos filmes mais revolucionários da década de 90. Leva a assinatura do excelente diretor David Fincher e apresenta uma das melhores atuações da carreira de Edward Norton. Lançado em 1999, ele só não concorreu ao Oscar porque a concorrência era feroz. Para se ter ideia, naquele ano foram lançados Beleza Americana, O Informante, A Espera de Um Milagre, Magnólia, Garota Interrompida, Quero Ser John Malkovich, O Sexto Sentido, Meninos não Choram, O Talentoso Ripley e Tudo Sobre Minha Mãe. De qualquer forma, Clube da Luta é um marco no cinema e na cultura pop, e a primeira regra de Tyler Durden vem sendo quebrada desde então.

I love the smell of napalm in the morning.

Eis um dos filmes mais emblemáticos da história do cinema. Ninguém retratou a guerra do Vietnã com tanta intensidade quanto Francis Ford Coppola em Apocalypse Now. Tudo nesse filme é marcante, se tornou icônico e referência. A desoladora trilha sonora com The End, dos Doors, a revoada de helicópteros ao som de A Cavalgada das Valquírias, de Wagner e a atuação impressionante de Marlon Brando como Coronel Kurtz. Apocalypse Now foi lançado em 1979 e se tornou a base para todos os filmes sobre a guerra que vieram depois, incluindo os clássicos Full Metal Jacket e Platoon. E a quantidade de vezes que a frase dita pelo personagem de Robert Duvall foi repetida e parodiada na história da cultura pop é incontável. Nada mais justo, sendo uma frase vinda de um verdadeiro clássico.

Toto, I think we’re not in Kansas anymore.

E por falar em clássico, aqui está mais um. Um filme tão importante que transcendeu o cinema. Não só algumas de suas falas se tornaram emblemáticas, como o filme em si ganhou novas interpretações e ao ser irremediavelmente vinculado ao clássico disco do Pink Floyd, The Dark Side of the Moon. O Mágico de Oz é um dos filmes mais importantes do cinema mundial. Foi lançado em 1939 e só não é considerado a obra prima do diretor Victor Fleming, porque ele tem no currículo E O Vento Levou. Mas é o filme que revelou a atriz Judy Garland para o mundo e nos deu uma frase deliciosa de ser dita em qualquer situação de mudança.

Say hello to my little friend.

Independente do roteiro, da direção e etc, alguns filmes são o que são simplesmente por contarem com o ator certo no papel ideal. Scarface é um filme ótimo. Tem um bom roteiro, Brian de Palma manda super bem na direção e tal… Mas é indiscutível que ele se tornou um clássico do cinema por conta de Tony Montana, o personagem ao qual Al Pacino brilhantemente deu vida. Tony Montana é carismático e imprevisível, um personagem complexo, com profundidade, muito bem construído. E Al Pacino… bom, é o Al Pacino, um dos melhores atores de todos os tempos, e arrebenta tudo atuando neste filme. E a sequência final de Scarface (olha o spoiler, gente!) é uma das mais parodiadas em filmes envolvendo crime e tráfico de drogas! Afinal, uma cena com uma escrivaninha de escritório abarrotada de cocaína e um porto-riquenho alucinado com uma metralhadora nas mãos não tem como dar errado!

Does he look like a bitch?

Já que estamos falando de filmes sobre crimes, vamos falar de um dos melhores filmes dos últimos 30 anos, e que é um verdadeiro compêndio de ótimas frases. Aprendemos que o quarteirão com queijo em Paris se chama royale with cheese, a diferença entre uma motocicleta e uma chopper, que um milkshake pode custar 5 dólares e ser delicioso… tudo isso em diálogos inacreditavelmente bons! Pulp Fiction, a obra máxima de Quentin Tarantino, é um amontoado de referências pop que extrapolaram as telas de cinema. Mas a sequência inicial de Jules e Vincent é, literalmente, matadora! Dali temos frases memoráveis de Jules como “Say ‘what’ again! I dare you, I double dare you, motherfucker! Say ‘what’ one more godamm’ time!” Ou ainda, após atirar no rapaz no sofá, dizer “I’m sorry, did I break your concentration? I didn’t mean to do that. Please, continue, you were saying something about best intentions.” Mas nada se compara à simples e direta questão sobre Marcellus Wallace: “Does he look like a bitch?”

You talking to me?

Assim como Tony Montana em Scarface, Taxi Driver, um dos melhores filmes de Martin Scorsese, não seria metade do que é se não fosse a interpretação visceral e arrebatadora de Robert De Niro, dando vida ao protagonista Travis Bickle. A diferença é que Taxi Driver, além do brilhantismo de De Niro, conta com um roteiro monumental. O monólogo do Bickle ao dirigir seu taxi durante a noite é assombroso. Ao longo do filme, assistimos a evolução da loucura no personagem, que culmina na brilhante e mais do que referenciada cena de Travis diante do espelho, arma em punho, apontando para si mesmo. Junto com a cena do chuveiro, de Psicose, talvez essa seja a cena mais parodiada no cinema. E não é para menos. Taxi Driver é um monumento de filme.

Here`s Johnny!

E quando o assunto é maluco no cinema, logo vem à mente a cena de um buraco numa porta, aberto por um machado, e a cara ensandecida de Jack Nicholson preenchendo o buraco. O Iluminado é um desses filmes inesquecíveis, pertencente ao hall de filmes clássicos da história do cinema. É uma das melhores obras de Stanley Kubrick, que, por sua vez, adaptou para o cinema o genial livro de Stephen King. O filme todo é uma obra de arte. O roteiro é excelente, a fotografia e a direção de Kubrick são uma verdadeira aula de cinema e as atuações de Jack Nicholson e Shelley Duvall são irretocáveis! Enfim, um clássico incontestável!

Run, Forrest, run!

Quem nunca viu um amigo sair correndo por qualquer motivo e gritou “Run, Forrest, run!”, que atire o primeiro bombom de chocolate! Forrest Gump figura entre os melhores filmes dos anos 90, quiçá de todos os tempos. Além da magistral atuação de Tom Hanks, trata-se de um filme dirigido por Robert Zemeckis e escrito por Eric Roth. É um verdadeiro, épico, um roteiro primoroso! Como tal, claro que rolam várias outras frases emblemáticas ao longo do filme, como a clássica “A vida é como uma caixa de bombons, você nunca sabe o que vai encontrar.” Um filme tão bom, mas tão bom, que quem ainda não viu, precisa sair correndo pra ir assistir!

Roads? To where we’re going we don’t need roads!

Impossível ler ou ouvir essa frase e, em seguida, não pensar na música grandiosa de Alan Slvestri! Essa é uma das frases mais famosas do cinema, nem tanto por ser repetida por aí à exaustão. Mas sim por encerrar com perfeição um filme… perfeito! De Volta Para o Futuro é uma obra prima, também muito conhecido por frases como “Great Scott!” ou “What the hell is a gigawatt?” Mais uma vez, uma obra irretocável de Robert Zemeckis, mas desta vez com roteiro de Bob Gale e produção de Steven Spielberg. Os três filmes da franquia são maravilhosos, mas o primeiro é realmente especial. O roteiro não tem uma pontinha solta sequer, os diálogos são deliciosos, a direção é incrível os personagens e as atuações são irretocáveis! Um filme que marcou gerações, que acabaram descobrindo que diabos é um gigawatt e, desde então, sonham com um futuro onde os carros sejam movidos a lixo reciclável e não precisem de ruas.

I’m gonna make him an offer he can’t refuse.

Para fechar a lista com chave de ouro, uma das muitas frases do filme que sempre figura entre os cinco melhores filmes já feitos de todos os tempos em qualquer lista que se preze. O Poderoso Chefão é inigualável em tudo! Direção, roteiro, fotografia, atuações, trilha sonora… e frases maravilhosas! Em que outro filme você veria um gângster dizer para o outro: “Leave the gun, take the cannoli.”? Sem falar no monumental diálogo de abertura do filme. Olha, é uma obra tão grandiosa, que deve ser até pecado a gente falar dele assim, de forma tão passageira. Assim como De Volta para o Futuro, os três filmes da franquia são ótimos, mas o primeiro tem esse frescor, esse magnetismo, que faz com que você o reveja inúmeras vezes e não se canse. É o ponto de partida para todos os filmes de máfia que vieram depois.

Menção honrosa

Falamos de dez filmes clássicos do cinema mundial, mas não podemos esquecer que o bom e velho cinema tupiniquim também tem muito filme bom e concebeu algumas frases muito marcantes. A começar por Tropa de Elite, que traz consigo um caminhão de frases clássicas, como “Tira essa farda, que você não é caveira, você é moleque!” “Pede pra sair!” E tantas outras. Na mesma onda, tem o excelente Cidade de Deus e a emblemática fala “Dadinho é o caralho! Meu nome agora é Zé Pequeno, porra!” Na comédia, temos o inesquecível Xicó d’O Auto da Compadecida e a indefectível frase “Não sei, só sei que foi assim.” Isso sem falar nas chanchadas dos anos 70 e 80, de gosto duvidoso, mas que renderam pelo menos dois momentos memoráveis e dignos de virar meme. Primeiro é uma cena do filme Os Sete Gatinhos, de 1980, onde o personagem de Lima Duarte, revoltadíssimo, brada: “Eu quero saber quem foi que desenhou caralhinhos voadores na parede do banheiro!” Mas a melhor é a frase do Rei Pelé no filme Os Trombadinhas, de 1979. Quando uma garota pergunta ao craque se ele é o Pelé, ele retruca: “Não, eu sou o Jô Soares, sua piranha!”

Ah, nada como um post leve e divertido como este, para celebrar todo o nosso amor pelo cinema. Não é à toa que o lema da Strip Me é barulho, diversão e arte! Pois o cinema nos proporciona isso tudo e muito mais! Nos dá inspiração para criarmos camisetas com estampas lindas, super descoladas e com muitas referências aos filmes que nós tanto amamos! Confere no nosso site a coleção de camisetas de cinema, e aproveita pra dar uma olhada nas camisetas de música, arte, cultura pop, games, e muito mais. Lá você também fica por dentro de todos os nossos lançamentos, que pintam toda semana.

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist com melhores músicas das trilhas sonoras dos filmes citados neste post! Frases de Cinema Top 10 Tracks.

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10 Séries Memoráveis da HBO.

13/09/2023 | Por Paulo Argollo | Comentários desativados

Desde que se meteu a produzir séries nos anos 90, o canal HBO praticamente não errou a mão. Em meio a tanta série boa, a Strip Me selecionou as melhores pra você maratonar.

Para qualquer marca, um bom slogan é fundamental. Mas são poucas as que conseguem um slogan excelente, daqueles que, não só te remete ä marca de cara, mas que define a marca com exatidão. Da verdadeira maionese ao energético que te dá asas, sem esquecer, é claro, do barulho, diversão e arte, um grande slogan define uma marca por completo em poucas palavras. Certamente um dos slogans mais assertivos e brilhantes é o do canal de TV à cabo/produtora/canal de streaming HBO. “It’s not TV. It’s HBO.” O slogan é forte e preciso. Desde que se meteu a produzir séries, a HBO apresentou produtos com uma carga dramática, intensidade e qualidade visual que transcendem as séries de TV produzidas até meados dos anos 90, para alcançar um nível artístico bem mais alto, comparável aos grandes filmes do cinema. A primeira série que a HBO produziu foi Oz, em 1997. De lá pra cá, são dezenas de séries memoráveis com o selo HBO de qualidade. Garantia de que, mesmo sendo uma série de TV, não haverá economia ou pudor ao demonstrar violência e sexo ou proferir palavrões. O que torna tudo mais realista e intenso.

Entre tanta coisa boa, não é nada fácil selecionar 10 séries. Por isso, para essa lista, escolhemos as obras mais marcantes e emblemáticas. Lógico que ficou muita coisa de fora. Ficou de fora, por exemplo, Curb Your Enthusiasm, escrita e protagonizada pelo genial Larry David (co-autor de Seinfeld). Falando em Seinfeld, também não entrou a ótima Veep, protagonizada pela Julia Louis-Dreyfus. Ainda na onda da comédia, mas explorando outros caminhos, esbarrando no drama, tem a brilhante Six Feet Under, que também é excelente e também não está na lista. Sem falar de Big Little Lies, Euphoria, The Deuce, Westworld, The Leftovers e mais uma porrada de séries ótimas lançadas na última década. A HBO não pára de surpreender a gente com produções caprichadas. Para facilitar um pouco a nossa vida, elencamos as 10 séries escolhidas em ordem cronológica. Dessa forma fica mais nítido entender como o canal vem evoluindo exponencialmente, com produções cada vez melhores. Além disso, vaticinar que uma série é melhor que a outra é complicado, pois envolvem várias variáveis. Por exemplo, não dá pra comparar Sopranos com Succession ou Sex and the City com True Detectives. São mundos muito distantes, linguagens diferentes, não dá pra comparar. Se já deu trabalho selecionar esses 10 títulos, imagina ranquea-os entre melhores e piores…

Oz (1997 – 2003)

Essa foi a primeira produção da HBO. Uma estreia e tanto. Ainda que irregular, as primeiras temporadas são irretocáveis! Não é exagero dizer que a HBO começava um novo jeito de fazer TV. Retratando o dia a dia de uma penitenciária e seus detentos, Oz entrega um texto excelente, fotografia e edição muito competentes e atuações memoráveis de Ernie Hudson, Lee Tergesen, J.K. Simmons e Harold Perrineau, além, é claro de muita violência, nudez e palavrões, que se tornariam uma das marcas das produções da HBO.

Sex and the City (1998 – 2004)

Para equilibrar o excesso de testosterona de um bando de brucutus se estranhando na cadeia, Sex and the City trouxe à tona o mundo feminino, como nunca antes havia sido retratado na televisão! De bobinha ou água com açúcar a série não tem nada! Pelo contrário. O roteiro é ótimo, com diálogos espirituosos e, por vezes, bem profundos. Depois que a série foi lançada, não faltam grupos de amigas que se identificam e se inspiram nas personagens vividas pelas atrizes Sarah Jessica Parker, Kim Cattrall, Kristin Davis e Cynthia Nixon. Além da qualidade da obra como um todo, Sex and the City foi fundamental para pavimentar a estrada para muitas outras séries protagonizadas por mulheres e com um olhar feminino, como Gilmore Girls, por exemplo.

The Sopranos (1999 – 2004)

Foi com Sopranos que a HBO se estabeleceu como uma grande produtora de séries para a TV. Até então não havia nada parecido com os Sopranos. Uma série absolutamente mundana, realista e muito, mas muito bem feita! O texto é genial! Equilibrado, com humor, ação e drama, sem falar nas inúmeras e deliciosas referências aos clássicos filmes de máfia, o texto da série é impecável. Além disso, é uma série sobre relações familiares, acima de tudo, o que torna tudo mais interessante e complexo. Aqui a HBO alcançou nível de qualidade até então inatingível para programas de televisão.

Band of Brothers (2001)

Tecnicamente, Band of Brothers não é uma série, mas sim uma minissérie. Talvez nem deveria figurar nessa lista. Mas… está aqui porque é realmente uma das produções mais bem sucedidas e impactantes da história da TV. Além de brilhante, a série carregou até 2010 o título de produção mais cara da TV, tendo custado aproximadamente 125 milhões de dólares. Mas, olha, valeu cada centavo. A obra contou com Tom Hanks e Steven Spielberg como co-produtores e conta a história real da Companhia “Easy”, 2º Batalhão, 506.º Regimento de Infantaria Paraquedista dos Estados Unidos, que teve atuação notável na Alemanha e no Japão durante a Segunda Guerra Mundial. Esteticamente, a série é inacreditável de tão boa. O texto também é excelente e a cereja no bolo são os depoimentos dos reais personagens, relembrando cada situação. Uma obra realmente inigualável.

The Wire (2002 – 2008)

The Wire é uma série tão impactante e cheia de camadas, que chega a ser difícil descreve-la. Talvez seja a obra mais completa da HBO, por reunir um roteiro muito bem escrito e sem pontas soltas, ter uma carga dramática na medida certa e ser tão realista a ponto de ter cara de documentário. A série aborda o tráfico de drogas na cidade de Baltimore. O que torna The Wire tão incrível é que ela consegue abordar com profundidade todos os lados da situação, retratando o cotidiano dos policias, dos traficantes, dos políticos, dos usuários e da sociedade civil. Justamente por essa abordagem, a série não tem protagonista, apresentando várias histórias simultaneamente, o que acaba colocando a cidade de Baltimore como a real protagonista da série. Uma obra realmente brilhante e digna de ser maratonada.

Game of Thrones (2011 – 2019)

Aqui é onde a coisa realmente chegou no ápice. Game of Thrones é facilmente a série mais bem produzida, mais cara, mais hypada e mais polêmica dos últimos anos. E a mais popular também, é claro. A obra escrita por George R. R. Martin é realmente estupenda. E longa, bem longa. Não dá pra ter certeza, mas é bem provável que os livros da franquia só venderam uma enormidade, após a série ser produzida. A trama cheia de violência, sexo e traições num mundo épico, de magia e reinos cobiçados pegou de jeito o gosto popular. GOT é a série mais bem sucedida da HBO, mesmo tendo um final decepcionante.

True Detective (2014 – 2019)

True Detective já chegou com os dois pés no peito. A primeira temporada tinha no elenco Matthew McConaughey, Woody Harrelson e Michelle Monaghan. Não tinha como dar errado! E não deu. A primeira temporada é impecável! Mas a séries se tornou errática. A segunda temporada, mais morna, saiu em 2015. E a terceira só veio em 2019. Ainda que cada temporada tenha um arco fechado, com personagens e histórias distintos, isso não justifica os altos e baixos. Mas, de maneira geral, o texto de True Detective agrada. Com um ar noir sedutor, uma vez entrando em contato com cada história, é difícil largar o osso. Não à toa é uma das séries mais aclamadas e mais populares da HBO, e uma das mais assistidas em streaming na HBO Max.

Succession (2018 – 2023)

Succession foi “descoberta” como uma grande série já na era dos streamings. Ou seja, ela foi veiculada no canal à cabo, sem grande repercussão, mas quando a HBO Max entrou em cena, em maio de 2020, não tardou para a série ser descoberta e cair nas graças do público. Não é para menos., trata-se de uma série cativante. Em primeiro lugar, o roteiro é irretocável. Apesar da realidade mostrada na série ser inatingível para a esmagadora maioria da população mundial, a trama é envolvente e permite que haja identificação do espectador com os personagens, porque, independente do poder aquisitivo, conflitos humanos, relações familiares e etc, são comuns a todo mundo. Mas vai além do texto. A fotografia é brilhante, cuidadosa e artística, e a edição imprime um ritmo irresistível. A série foi concluída neste ano, e o final é um dos melhores já vistos. Coisa rara, já que estamos tão acostumados a ver séries excelentes ganharem finais decepcionantes. Além disso tudo, Succession é uma verdadeira aula de capitalismo.

Chernobyl (2019)

Mais uma minissérie. E, tal qual Band of Brothers, Chernobyl merece figurar nessa lista por que é excelente! A começar pelo tema. O acidente nuclear de Chernobyl nunca foi explicado em detalhes para o mundo. O governo russo sempre jogou o assunto pra debaixo do tapete. Claro, a minissérie não é um documentário. Tem um pouco de ficção ali, personagens e situações que não existiram na realidade. Mas rolou uma pesquisa cuidadosa para contar como tudo aconteceu, incluindo a negligência de funcionários da usina nuclear, bem como de políticos. Chernobyl tem um alto nível de drama e suspense, que deixa o espectador grudado no sofá e faz querer assistir mais um episódio e mais um e mais um… É um roteiro muito bem escrito, uma ambientação de época irretocável e ótimas atuações. Uma minissérie para entrar pra história!

The Last Of Us (2023)

The Last of Us é um perfeito resumo da atualidade. Não a trama, claro, mas todo o seu entorno e sua concepção. The Last of Us foi lançado originalmente em 2013 como um jogo de vídeo game. De imediato, se tornou um sucesso, por ter um enredo muito bem escrito, desafiador e envolvente, onde um homem precisa proteger e escoltar uma criança num cenário pós apocalíptico repleto de zumbis. Em meio à matança de monstros e inimigos humanos perversos, o jogo apresenta conflitos pessoais de cada personagem, em especial Joel, o protetor, e Ellie, a criança, os protagonistas da parada. Quando a HBO resolveu levar o jogo para o streaming, fez tudo direitinho. Se fez valer do algoritmo de redes sociais, para saber o que chamaria mais a atenção do público, direcionou a escolha do elenco e da trilha sonora. E é lógico que funcionou perfeitamente. Junto a um roteiro trabalhado com muito esmero, e muito bem escrito, Pedro Pascal e Bella Ramsey estão perfeitos nos papéis principais. Por enquanto, a série só tem uma, e irretocável, temporada. Mas a segunda já está confirmada. Vamos aguardar.

Fala a verdade. Uma lista de respeito! Muita coisa ficou de fora, mas o mundo mágico (e com sangue pra car@#=%) da HBO é realmente muito vasto, e está aí para nos entreter, inspirar e divertir. E como barulho, diversão e arte é com a gente mesmo, a Strip Me não podia deixar de dedicar um post para essas séries maravilhosas e, claro, caprichar nas camisetas de filmes e séries, com estampas super descoladas e originais! Confere lá na nossa loja! Além das camisetas de cinema, tem as camisetas de música, arte, games, bebidas, cultura pop e muito mais. E no nosso site você ainda fica por dentro de todos os lançamentos, que pintam toda semana!

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Para ouvir: Uma playlist sensacional com o que há de melhor nas trilhas sonoras das séries citadas no texto. HBO Top 10 Tracks.

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8 verdades que você precisa saber sobre a Barbie.

27/07/2023 | Por Paulo Argollo | Comentários desativados

A Strip Me aproveita o hype da boneca mais famosa do mundo, para trazer alguns fatos relevantes que vão fazer você ver o filme Barbie com outros olhos.

Ah! Que época gloriosa para se viver, esta que presenciamos agora! Temos o mundo na palma da mão, na tela do celular, acesso à informação, diversidade de mídias e liberdade! O que será que Horkheimer pensaria dos tempos atuais? Será que ainda sustentaria suas ideias sobre a indústria cultural servindo aos interesses do capitalismo, manipulando as percepções e preferências das pessoas? Vendo todo o rebuliço em torno do lançamento do filme da boneca Barbie, lançado dia 20 de julho, dá pra gente afirmar sem medo de errar que os conceitos desenvolvidos pela escola de Frankfurt estão mais vivos do que nunca, independente da evolução e aparente democratização das mídias.

Desde sua criação no fim da década de 1950, a Barbie se tornou rapidamente um ícone da cultura pop, e também alvo de inúmeras polêmicas e críticas. E o filme estrelado por Margot Robbie reacendeu essa chama com uma intensidade inacreditável. Tal qual o garotinho do Sexto Sentido vendo espíritos, nós estamos vendo Barbie o tempo todo, em toda parte. E tem gente defendendo, tem gente criticando… bom, pra ter uma opinião válida a respeito de qualquer coisa, a gente precisa entender o básico, pelo menos, né. Então, hoje separarmos 8 verdades que você precisa saber sobre a Barbie. Assim você pode assistir ao filme de peito aberto e tirar suas próprias conclusões!

1 – Nasce uma estrela.

A fábrica de brinquedos Mattel foi fundada pelo casal Elliot e Ruth Handler. Elliot era um artista no sentido mais clássico, um cara recluso, mas talentoso, já Ruth era empreendedora e prática. Ao contrário da maioria dos brinquedos da marca, que eram desenvolvidos por Elliot, a Barbie foi uma criação exclusivamente de Ruth. Ao ver sua filha, Barbara, brincando com bonecas de papel e criando histórias como se as bonecas fossem versões crescidas dela mesma, surgiu a ideia de uma boneca que retratasse uma mulher adulta. Algo que não existia até então. As crianças brincavam com bonecas que representavam bebês ou crianças, mas nunca uma mulher adulta. A ideia de Ruth foi recebida como loucura dentro da Mattel, mas ela insistiu e a boneca Barbie, inspirada no nome da filha do casal, foi lançada em 1959 e se tornou sucesso absoluto.

2 – Ruth depois da Barbie.

Ruth Handler tem sua vida tão intrinsicamente ligada à Barbie que chega a ser citada no filme. Não é para menos. Após seu lançamento, a Barbie se tornou um prodígio de vendas. A Mattel cresceu vertiginosamente ao longo dos anos 60. Porém, a contra cultura dos hippies, à partir de 1967, começou a bater forte em cima da Barbie, colocando o brinquedo como símbolo de superficialidade e consumismo ilimitado. No meio disso tudo, Ruth descobre um câncer que a afasta da Mattel. E nessa altura, ela já era vice-presidente da empresa. Os anos 70 chegam trazendo recessão e uma crise econômica pesada, em especial para os Estados Unidos. As vendas da Mattel despencaram. Ruth fez uma mastectomia e começou a se recuperar do câncer, mas mesmo assim acabou sendo afastada da Mattel, após uma descoberta de declarações de vendas e receitas falsas. O casal Handler chegou a ser indiciado por fraude. Ruth voltou à Mattel na década de 90 e lá permaneceu até seus últimos dias. Ela faleceu em 2002 aos 85 anos.

3 – Barbie Pop Art.

Portrait of BillyBoy – Andy Warhol (1986)

É improvável demais pensar que um ícone pop como a Barbie passaria batido pelo crivo de Andy Warhol. Mas, por incrível que pareça, quase passou. A boneca só caiu nas graças do artista e foi retratada por ele em 1986, pouco antes de Warhol morrer. Claro que ele sabia da existência da boneca, e possivelmente curtia sua estética fashionista. Mas não passava disso. Foi graças ao designer de joias BillyBoy, amigo íntimo de Warhol, que a Barbie foi eternizada sob a estética da Pop Art. Acontece que BillyBoy sempre foi um colecionador da Barbie, tinha centenas de bonecas. E Andy Warhol vivia pedindo que BillyBoy posasse para ele ou permitisse que ele pintasse um retrato dele. Discreto, BillyBoy sempre recusou o pedido do amigo. Até que, após mais uma investida de Warhol, BillyBoy disse: “Well if you really want to do my portrait, do a portrait of Barbie because Barbie, c’est moi.” Assim, Andy Warhol fez um retrato da Barbie e entitulou a peça como Portrait of BillyBoy. E todo mundo ficou satisfeito. Inclusive os fãs da Barbie.

4 – Barbie na alta costura.

Barbie desenhada por BillyBoypara a exposição Le nouveau théâtre de la mode.

Foi justamente BillyBoy o responsável por introduzir a Barbie no mundo fashion. O cara tinha uma coleção de mais de 11.000 bonecas Barbie e 3.000 bonecos Ken. Em 1987 escreveu o livro Barbie: Her Life and Times. Ele era realmente um apaixonado pela Barbie. Em 1984 BillyBoy e a Mattel se uniram para realizar uma grande exposição. Le nouveau théâtre de la mode (Novo Teatro da Moda) era uma exposição que contava com centenas de Barbies vestindo roupas em miniatura feitas por Yves Saint Laurent, Christian Dior, Kenzo e outros grandes estilistas. BillyBoy, além de ser o curador da exposição, chegou a trabalhar para a Mattel como designer, desenhando dois modelos de Barbie: “Le Nouveau Théâtre de la mode” em 1984 e “Feelin’ Groovy” em 1986. Porém, em meados da década de 90 BillyBoy se cansou da Barbie e abandonou sua coleção. Além de ser um talentoso designer, ele é muito bem humorado e diz ótimas frases. Quando perguntado sobre o que fez com que ele perdesse o interesse pela Barbie, ele respondeu: “”I think Barbie is no longer touching on the zeitgeist of the moment,”

5 – Barbie trabalhadora.

Um dos pontos positivos da Barbie, frente à enxurrada de críticas que sempre recebeu, é que ela nunca teve preguiça de trabalhar. E já apareceu em muitas profissões diferentes. Ao todo, são mais de 180 carreiras profissionais, que incluem policial, chef de cozinha, professora, piloto de avião, médica, engenheira de computação, diretora de cinema, arquiteta, empresária e muitas outras. Isso significa que, ainda que seja um brinquedo que imponha padrões de beleza e incentive o consumismo, também estimula a criança a encontrar sua própria vocação e vislumbrar um futuro onde pode trabalhar e ser independente. Deixa de lado o estereótipo feminino retrógrado de dona de casa. As centenas de Barbies de diferentes profissões, passam a mesma mensagem: Você pode ser quem você quiser.

6 – Barbie Estereotipada.

Tá certo. Muito bonita essa história toda. Mas a gente sabe que o buraco é mais embaixo. A Mattel demorou um pouquinho demais pra se ligar que estava passando uma mensagem bacana, mas sob a sombra de um imenso porém. A mensagem era: Você pode ser engenheira, médica, professora… desde que você você seja loira, esguia e tenha olhos azuis. Realmente a maior pedra no sapato a Mattel sempre foi a representatividade. Inegavelmente, a boneca estabelecia padrões claros, e altíssimos, de beleza e estética. A primeira Barbie negra foi lançado somente em 1980. Mas sem muito alarde. Só em 2016 que a Mattel passou a investir mais pesado nessa questão e lançou Barbies com três novos tipos de corpo, sete tons de pele, 22 cores de olhos, 24 penteados e novos acessórios diversificados, com referências a diferentes culturas e etnias. Ainda assim, a imagem icônica da Barbie loira de olhos azuis, retratada por Andy Warhol e encarnada na Margot Robbie ainda sustentam esse estereótipo com um padrão de beleza inalcançável.

7 – Barbie em baixa.

A virada do século XX para o XXI foi amarga para a Mattel. Desde a metade da década de 90 a empresa assistia as vendas da Barbie despencarem. Em 2013 o faturamento que batia mais de 10 bilhões de dólares até o começo dos anos 90, baixou para 6,5 bilhões. É muita grana, claro. Mas é uma queda considerável. Principalmente depois de 2010, com a popularização das redes sociais e a internet fazendo cada vez mais parte da vida das crianças e pré adolescentes, somadas às constantes críticas que sempre sofreu, era natural que as vendas caíssem tanto. Cada vez mais, como vaticinou BillyBoy, a Barbie se afastava do zeitgeist.

8 – Barbie volta com tudo!

Em 2016 a Mattel se lança num projeto longo e ambicioso. Não só aumentar as vendas da Barbie, mas transformá-la num ícone inconteste da cultura pop e fazer da marca Barbie um estilo de vida direcionado não só para crianças, mas também para adultos nostálgicos. Em 2015 a agência BBDO San Francisco elabora para a Barbie a campanha Imagine the Possibilities, onde comunica que a Barbie também é capaz de empoderar as garotas. No ano seguinte, alinhada a esta campanha, a Mattel lança a linha de Barbies com diferentes corpos e cores de pele, que mencionamos aqui um pouco acima. Enquanto tudo isso acontecia, a Mattel já negociava com a Warner a produção do filme live action da boneca. Em 2019 Greta Gerwig foi confirmada como roteirista e diretora do longa e Margot Robbie como protagonista. De 2015 pra cá, a Barbie ganhou evidência em várias mídias, por diferentes motivos. Vários comerciais de TV e várias bonecas diferentes sendo lançadas, desde uma Barbie com deficiência física, até uma Barbie inspirada no Ziggy Stardust! Portanto, não pense você que foi mero acaso, esse barulho todo em volta do lançamento do filme. Foi tudo muito bem pensado!

Então é isso. Os fatos comprovam que Horkheimer (não confundir com Oppenheimer) continua relevante e sua teoria sobre a indústria cultural se mantém implacável! E como diria Humberto Gessinger, o pop não poupa ninguém. Com seus prós e contras, essa rotatividade da cultura pop e sua iconoclastia exuberante são fascinantes! A Strip Me e sua arte antropofágica também se alimenta de hypes e tendências, mas sempre com muita personalidade e estilo, é claro! Então, você certamente vai encontrar na nossa loja algumas camisetas fazendo referência à Barbie. Basta dar uma conferida nas coleções de cultura pop e cinema. E tem ainda camisetas de música, arte, cervejas, games e muito mais. Além disso, no nosso site você fica por dentro de todos os lançamentos, que pintam por lá toda semana!

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist com músicas que fazem referência à Barbie e outras bonecas. Barbie Top 10 tracks.

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12 Filmes que contam a história do Rock! Parte 2

13/07/2023 | Por Paulo Argollo | Comentários desativados

No mês do rock, a Strip Me apresenta 12 histórias de cinema, sobre alguns dos mais importantes artistas da música pop!

O Dia Mundial do Rock é mais brasileiro do que mundial. Basta você procurar mundo afora para ver quem realmente comemora essa data fora do Brasil. A história toda por trás disso é interessante. O dia 13 de julho de 1985 entrou para a história por conta do Live Aid, o grande festival que rolou simultaneamente nos Estados Unidos e Inglaterra e foi televisionado para o mundo todo. O evento reuniu gente como Paul McCartney, The Who, Queen e muitos outros. Aqui no Brasil o festival teve uma audiência enorme, já que o país ainda respirava a euforia do Rock In Rio, que aconteceu em janeiro daquele ano. Numa entrevista, falando sobre o Live Aid, Phil Collins, emocionado após ter participado do festival, declarou: “O dia 13 de julho deveria ser lembrado como o dia mundial do rock.” Pouca gente deu atenção a isso, exceto os jornalistas brasileiros. Desde então, rádios e publicações brasileiras dedicadas ao rock passaram a celebrar a data, e a moda pegou. E cá estamos. Celebrando o nosso brasileiríssimo Dia Mundial do Rock!

Para celebrar esse dia, selecionamos 12 filmes que ajudam a contar a história do rock n’ roll mundial e brasileiro. A lista foi dividida em duas partes. A primeira, publicada semana passada, você pode ler clicando aqui. E hoje apresentamos a parte 2, celebrando não só o dia 13, mas o mês de julho, que pode ser realmente considerado o mês do rock! Então já vai treinando o air guitar aí e confira a parte 2 da nossa lista de filmes sobre o rock n’ roll.

Last Days (2005)

Incluir esse filme na lista é foi uma decisão difícil. Primeiro porque não é uma obra literalmente sobre um artista real, segundo porque é um filme muito mais introspectivo, pesado, sem praticamente nenhum apelo comercial. É o que a turma costuma chamar de filme cabeça, que pode ser um sinônimo de filme chato. O longa é escrito e dirigido por Gus Van Sant e foi inspirado nos últimos dias de vida de Kurt Cobain. Na verdade trata-se sim de um relato bem fiel do que foram os últimos dias de Cobain em sua casa, antes de se matar. Os nomes dos personagens foram alterados simplesmente porque não se chegou a um acordo entre o cineasta e a família de Cobain, com relação a diretos e tal. Apesar de não ser uma produção empolgante, cheia de música e personagens carismáticos, como estamos acostumados a ver na maioria das cinebiografias, Last Days é um filme muito bom, com uma fotografia cuidadosa, ótima atuação do protagonista Michael Pitt e que transmite com eficiência desoladora a angústia de alguém que não vê mais sentido na vida.

Simonal (2018)

Wilson Simonal foi um artista como poucos no Brasil. Misturou ritmos, praticamente criou um estilo novo, que viria a influenciar toda a música pop brasileira, do samba ao rock. Chegou a ser o artista mais bem pago do país, vendeu mais discos que Roberto Carlos e, quando estava no auge de sua carreira, levou um tombo do qual nunca mais se recuperaria. Foi acusado de colaborar com os militares e dedurar artistas considerados subversivos, durante a ditadura de 1964. Até hoje essa história é questionada. Leonardo Domingues escreveu e dirigiu Simonal, filme que retrata com muita beleza e fluidez a trajetória de Simonal ao estrelato, seu posicionamento contra o racismo e a controversa relação do cantor com a política. É um filme muito bem feito mesmo, com um roteiro muito bem elaborado, uma história interessantíssima e muita música boa.

The Doors (1991)

“Is everybody in? The ceremony is about to begin.”Sim, este é um dos filmes mais icônicos dos anos 90! Tudo convergiu para que este filme se tornasse um clássico imediato. A música dos Doors, a persona de Jim Morrison, que o ator Val Kilmer incorporou de maneira quase xamânica e a estética de videoclipe do diretor Oliver Stone. Se parar pra pensar, o roteiro em si não tem nada de novo. É a história de uma banda que começa por baixo, tem talento, consegue gravar um disco, faz sucesso, se perde em excessos… Mas Jim Morrison foi um artista único no rock. Mais poeta que músico, mais blues que rock, mais inconformismo que depravação, mais alucinógenos que insanidade. Oliver Stone arrebenta na direção deste filme, a edição e montagem são alucinantes, os diálogos são ótimos, a trilha sonora excelente… tudo funciona! Um filme para ver e rever!

Legalize Já – Amizade Nunca Morre (2017)

Skunk idealizou e ajudou a compor o material da banda Planet Hemp, mas não viveu para ver o seu sucesso e a polêmica que iria causar em todo o país. Entretanto, seu legado está presente e é reverenciado até hoje. Mas ele não fez isso sozinho. Ao seu lado estava seu grande amigo Marcelo D2. O filme Legalize Já retrata com propriedade o início da amizade entre Skunk e D2, a formação da banda Planet Hemp e o início do seu sucesso com o disco Usuário, lançado em 1995. Dirigido por Johnny Araújo e Gustavo Bonafé, e escrito por Felipe Braga, o longa tem uma cara de filme independente, uma fotografia ousada e muito bonita, além de ótimas atuações e uma ótima trilha sonora. Um filme para o qual se mantenha o respeito.

Bohemian Rhapsody (2018)

O diretor Bryan Singer ficou conhecido por conceber os melhores filmes da franquia X Men, além de ter dirigido o excelente Os Suspeitos, um filmaço de 1995 subestimado pela crítica. Mas foi em Bohemian Rhapsody que ele mostrou o grande diretor que é, ao retratar com tanta exuberância e cuidado a vida de Freddie Mercury e a obra do Queen. É verdade que o longa tem algumas falhas. O roteiro de Anthony McCarten e Peter Morgantem tem alguns furos, além de alguns fatos sobre a banda serem omitidos e outros inventados, mas tudo em nome da boa e velha licença poética, que libera certos dribles na realidade para tornar a obra mais suculenta e apetitosa. O filme é vigoroso e vale a pena ser visto! Ah, sim! Há de se exaltar a brilhante atuação de Remi Malek como Freddie Mercury. O cara mandou bem demais! E a reprodução no filme da apresentação do Queen no Live Aid (olha o dia do rock aí!) é impecável!

Tim Maia (2014)

A história de Tim Maia chega a ser inacreditável! Dessas que quem ouve falar diz “Nossa, a vida desse cara dava um filme”. Pois é. Não bastou ser um dos maiores cantores do país, Tim Maia ainda teve uma vida intensa e cheia de momentos dignos de nota. A infância pobre no Rio de Janeiro. A banda promissora que foi desfeita depois de uma traição, a viagem aos Estados Unidos, a juventude transviada das drogas, a deportação e finalmente a ascensão na música. Mas não pára por aí, porque depois ainda vem a fase Racional, a criação de seu próprio selo, os shows que ele foi e os que ele não foi e a morte que quase aconteceu em cima do palco. Com uma história dessas, seria muito difícil sair um filme ruim. Ainda bem que Mauro Lima, que escreveu e dirigiu o filme, que foi inspirado no livro Vale Tudo, de Nelson Motta, soube aproveitar essa história e realizar um filmaço! Com uma direção fluída, ótima fotografia e atuações espetaculares. A trilha sonora, não precisamos nem dizer, é do c#r@l§! E se você está se perguntando o que o Tim Maia tem a ver com o rock, basta você saber que, além de ter feito uma música influente em todas as vertentes, estamos falando do cara que assumia bem humorado que, antes dos shows, praticava o triátlon, ou seja, mandava pra dentro whisky, maconha e cocaína. Se isso não é rock n’ roll, meu amigo…

Menção Honrosa

Ainda que o dia 13 de julho seja considerado o Dia Mundial do Rock mais aqui no Brasil mesmo, certamente, o mês de julho deve ser celebrado como o mês do rock n’ roll, independente disso. Em especial o dia 5 de julho é deveras significativo para a história do rock. Afinal, foi nesse dia que Elvis Presley, acompanhado de Scotty Moore e Bill Black gravou no estúdio da Sun Record a música That’s Alright Mama, a primeira gravação de Elvis, que se tornou popular e influenciou gerações a seguir. Por isso mesmo, não podemos deixar de citar o ótimo filme Elvis, escrito e dirigido por Baz Luhrmann, lançado em 2022. É um filme vigoroso e muito bem produzido, que conta toda a trajetória de Elvis. O longa conta com Tom Hanks, brilhante no papel de Coronel Tom Parker, e Austin Butler numa impressionante interpretação de Elvis. Não é só que o filme é bom, mas também a história de Elvis e sua música são inigualáveis. Não é à toa que ele ficou conhecido como o Rei do Rock, tendo influenciado todo mundo que veio depois dele. Inclusive os Beatles, cuja primeira apresentação nos Estados Unidos aconteceu no dia 5 de julho de 1964. É… talvez seja boa ideia a gente rever esse dia do rock no mês de julho.

Seja dia 5 ou dia 13, não importa! Porque todo dia é dia de rock! Pelo menos pra nós aqui da Strip Me! Por isso estamos sempre produzindo camisetas instigantes e provocadoras, além de super descoladas, claro! Entra na nossa loja pra conferir! Toda semana pintam novos lançamentos, e lá você encontra camisetas de música, cinema, arte, cultura pop e muito mais!

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist caprichada com músicas dos artistas biografados nos filmes citados neste texto! Rock no Cinema (Parte 2) top 10 tracks.

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12 filmes que contam a história do rock! Parte 1

05/07/2023 | Por Paulo Argollo | Comentários desativados

No mês do rock, a Strip Me apresenta 12 histórias de cinema, sobre alguns dos mais importantes artistas da música pop!

Que o rock n’ roll é mais que um gênero musical, mas um estilo de vida, todo mundo sabe. Porém, algumas vidas são mais interessantes que outras, e elevaram alguns artistas a um status de quase divindade. E, na grande maioria dos casos, esse status é, ao mesmo tempo, a glória e a ruína. Afinal, convenhamos, a maioria das histórias são bem parecidas. Um artista de origem humilde, com muito talento, ascende ao estrelato, se perde em excessos de todo tipo e alguns ficam pelo caminho e outros dão a volta por cima. Mas todos acabam virando lendas.

O cinema é prodígio em contar essas histórias com muita eficiência. São muitos os filmes que se prestam a retratar a vida de artistas famosos. O Dia do Rock é 13 de Julho. Portanto, aproveitamos para declarar o nosso amor ao rock n’ roll elencando alguns dos melhores filmes sobre artistas que ajudaram a moldar essa música e esse estilo de vida que a gente tanto adora! Selecionamos 12 filmes e dividimos este post em 2 partes. Hoje você confere 6 filmes e semana que vem, um dia antes do Dia do Rock, publicamos a segunda parte deste texto. Então prepara a pipoca e se liga na nossa lista!

Minha Fama de Mau (2019)

Assim como a maior parte das cinebiografias já feitas, este filme foi escrito baseado no livro de mesmo nome, que conta a história de Erasmo Carlos. No caso, o livro é uma autobiografia muito bem escrita e recheada de boas histórias. O filme consegue transmitir a mesma leveza e ingenuidade dos primeiros anos da Jovem Guarda e a evolução de Erasmo como músico e pessoa. Claro, sem a complexidade do livro, por falta de tempo e espaço. Mas Lui Farias dirige o filme com competência, o roteiro, escrito a seis mão por L.G. Bayão, Lui Farias e Letícia Mey, é superficial, mas se sustenta bem, principalmente por conta de seus personagens serem nossos velhos conhecidos, Erasmo Carlos é interpretado por Chay Suede com elegância. Minha Fama de Mau é um filme bem divertido, uma sincera ode aos primórdios do rock n’ roll brasileiro e a um de seus principais nomes.

What’s Love Got to Do with It (1993)

Este filme saiu no Brasil em 1994 sob o título Tina – A Verdadeira História de Tina Turner. O título original, além de aludir a uma das músicas mais famosas de Tina Turner, tem tudo a ver com o enredo do filme, que conta a história de Turner desde a infância até o auge de sua carreira, passando pelo seu conturbado casamento com Ike Turner. O filme é dirigido pelo britânico Brian Gibson, responsável pela cinebiografia de Frida Kahlo como produtor, além de dirigir o divertidíssimo Still Crazy, filme sobre uma banda fictícia dos anos 70. O roteiro é assinado por Kurt Loder e Kate Lanier, além da própria Tina Turner. É um filme muito bem executado, com uma excelente trilha sonora e cenas bem dramáticas. Tina Turner teve uma vida sofrida, mas repleta de êxitos e momentos inesquecíveis. O filme é muito bom, teve algumas indicações ao Oscar, inclusive, mas foi soterrado por uma avalanche de ótimos filmes naquele ano, como A Lista de Schindler, Philadelphia, Jurassic Park, O Fugitivo, Em Nome do Pai e Sintonia de Amor.

Elis (2016)

Não é exagero dizer que Elis Regina é a maior cantora brasileira de todos os tempos. Da mesma forma, não é forçar a barra incluí-la numa lista dedicada a artistas do rock n’ roll. Sempre foi uma artista controversa e disposta a romper com qualquer limite imposto. Por isso mesmo, ela fez parte da passeata contra a guitarra elétrica nos anos 60, e nos anos 70 não economizou nas distorções e frases bluesy para cantar canções do Belchior. Elis teve uma vida tão intensa, que as quase duas horas de filme não são suficientes, e muita coisa ficou de fora. Mas Hugo Prata, que dirigiu e escreveu o filme, com o apoio dos roteiristas Luiz Bolognesi e Vera Egito, entrega um filme bem acabado, com uma fotografia vigorosa, boas atuações, mas um roteiro superficial e um pouco atropelado. Mas só pela trilha sonora e pela fotografia, já vale a pena assistir.

Walk the Line (2005)

Também conhecido por Johnny e June, este filme é baseado em um dos melhores livros de rock n’ roll já escritos: a autobiografia de Johnny Cash! O livro tem uma riqueza de detalhes e um tom confessional tão impactantes, que chega a ser surpreendente que o filme não deixe muito a desejar em relação ao livro. Isso quer dizer que se trata de um baita filme bom! A química entre Joaquim Phoenix e Reese Whiterspoon interpretando Johnny Cash e June Carter Cash é avassaladora! Além disso, o roteiro é muito bem amarrado e rico em grandes cenas e bons diálogos. James Mangold escreveu e dirigiu o filme com brilhantismo. Aliás, um ótimo diretor. Vamos lembrar que ele é o homem responsável por Garota Interrompida, além de ter concebido o mais profundo filme sobre um personagem de histórias em quadrinho, o excelente filme Logan, de 2017. Walk the Line é um filmaço, responsável por apresentar o contestador e cascudo Johnny Cash às novas gerações. Só por isso, já merece nosso respeito.

Cazuza: O Tempo não Pára (2004)

A verdade é que este filme acabou gerando quase tanta polêmica quanto a própria vida de seu personagem principal. Não que o filme seja ruim. É um bom entretenimento, mas deixou de fora muita coisa importante da vida pessoal e profissional de Cazuza. Um dos maiores motivos de discussão foi que o filme sequer cita os nomes de duas pessoas muito próximas de Cazuza: Lobão e Ney Matogrosso. Lobão era o melhor amigo de Cazuza, e os dois viviam juntos pra cima e pra baixo, e compuseram várias músicas juntos, a mais famosa é Vida, Louca Vida. Já Ney Matogrosso foi um dos primeiros namorados de Cazuza, o caso de amor dos dois durou pouco tempo, mas foi o suficiente para ficar na história, mas não no filme. Cazuza: O Tempo não Pára foi dirigido por Walter Carvalho e Sandra Werneck, e escrito por Lucinha Araújo, Fernando Bonassi e Victor Navas. O filme é um bom entretenimento, mas não passa disso. Quem melhor definiu o longa foi justamente Lobão, que, ao ser perguntado sobre o filme, disparou: “Parece um episódio de Malhação.”

Rocketman (2019)

Elton John é um dos artistas mais intrigantes do rock n’ roll. É originalíssimo e mega talentoso, mas também carrega uma tonelada de referências externas. Tem virtudes comparáveis aos maiores gênios. O lirismo de Freddie Mercury, as melodias de Paul McCartney e a estética de David Bowie. Essa personalidade multifacetada e exuberante é lindamente retratada no excelente filme Rocketman. Um filme de fotografia e edição impressionantes, roteiro incrivelmente bem amarrado e quebrando paredes, e uma direção fantástica. É uma das melhore cinebiografias já feitas, sem sombra de dúvidas. Há quem torça o nariz para o filme, por ele ser muito próximo de um musical. Mas as pessoas esperavam o que? Afinal é a vida do Elton John! Só poderia ser contada através da música (e de figurinos excêntricos, claro). O filme tem a direção de Dexter Fletcher e roteiro de Lee Hall. E é um filme imperdível!

Essa foi a primeira parte da celebração da Strip Me pelo ia do Rock! Na semana que vem você confere a segunda parte dessa lista, com mais 6 filmes sobre grandes nomes do rock ‘n roll. Enquanto não chega essa parte 2, você pode dar aquela conferida no nosso site e escolher suas camisetas favoritas da nossa coleção de camisetas de música. Aproveita e dá uma olhada nos lançamentos, que pintam na nossa loja toda semana, além de camisetas de cinema, arte, cultura pop e muito mais. Barulho, diversão e arte é com a gente mesmo!

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist caprichada com músicas dos artistas biografados nos filmes citados neste texto! Rock no Cinema (Parte 1) top 10 tracks.

Para ler: Sem dúvida, entre todos os livros que inspiraram filmes, um dos melhores e mais impactantes é Cash, a autobiografia de Johnny Cash. Direto ao ponto, com uma escrita fluída e simples, Johnny Cash coloca nas páginas toda a sua vida, suas virtudes, seus pecados, seus altos e baixos, sua relação com a família, com a música, com o amor, com a religião e consigo mesmo. É um relato fortíssimo e inspirador. Livro praticamente obrigatório, de tão bom.

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Os 10 melhores filmes do gênio Martin Scorsese

21/06/2023 | Por Paulo Argollo | Comentários desativados

A Strip Me não tem medo da polêmica e, para homenagear Martin Scorsese, elencou entre os mais de 25 filmes do diretor, seus 10 melhores.

Imagine um menino que nasceu em New York na década de 1940, descendente de sicilianos, crescendo num bairro de imigrantes, onde a pobreza contrasta com alguns homens de ternos bem cortados tomando café na porta de alguns estabelecimentos, com cara de poucos amigos. O que se pode esperar do futuro desse menino? Ora, ser padre, é claro! Pois era o que queria ser quando adulto o adolescente Martin Scorsese, nascido no Queens em 1942. Porém, por ter uma saúde frágil, o jovem Scorsese quase não saía para a rua e faltava muito na escola. Para compensar, seus pais frequentemente o levavam para se distrair no cinema. Acontece que nos anos 50, quando Martin passava da infância para a adolescência ainda não tinha essa coisa de filmes para crianças. Então, com 12 para 13 anos, ele assistia filmes de Alfred Hitchcock e Ingmar Bergman. E tudo mudou.

Hoje Martin Scorsese é facilmente reconhecido como um dos maiores nomes do cinema de todos os tempos. E é curioso notar que tudo em sua vida pessoal colaborou para que ele fosse um cineasta tão autêntico, realista e de alto primor técnico. Ter crescido nos arredores de Little Italy, em New York, nos anos 50, sendo ele próprio descendente de sicilianos, lhe deu uma visão única da máfia em seu auge. Sua religiosidade fez com que o catolicismo e a cristandade estivessem sempre presente em sua obra, mas sob um viés questionador, provocador até, justamente por ele ter muitas vezes questionado a sua fé, depois que o cinema e a literatura, e consequentemente a reflexão sobre a religiosidade, se tornaram um hábito.

A obra de Scorsese é vasta e impressionante, tamanha a qualidade de praticamente todos os seus filmes. São 25 filmes entre 1968 e 2019, sendo que tem mais um a caminho, que será lançado ainda neste ano. E isso só ficção, sem falar nos documentários, que são 12 no total, e pelo menos 3 são realmente fabulosos. Além disso, a obra de Scorsese é marcada por parcerias longevas e de muito sucesso, em especial com o ator Robert De Niro, e atualmente com Leonardo Dicaprio. Há quem diga que a melhor forma de conhecer um artista é através de sua obra. Então, resolvemos selecionar os 10 filmes mais importantes da carreira do diretor. Não foi fácil escolher só 10 entre tantos filmes incríveis. Então, você confere a seguir os 10 melhores filmes de Martin Scorsese segundo a Strip Me.

10 – O Rei da Comédia (1982)
Um filme excelente, apesar de menosprezado. Mas é compreensível que assim seja. O Rei da Comédia foi o filme que sucedeu Touro Indomável. O filme é empolgante ao misturar comédia e drama para contar a história de um homem perturbado, que vive entre sua própria imaginação e a realidade, cujo desejo é ser um grande comediante. Para alcançar seu objetivo, ele vai até as últimas consequências para se apresentar no talk show mais famoso da TV, apresentado por um renomado comediante. Protagonizado por Robert De Niro e Jerry Lewis, O Rei da Comédia é um baita filme, que ganhou mais atenção do público recentemente. Afinal, claramente o elogiadíssimo filme Joker, lançado em 2019, é mais que uma clara homenagem, é praticamente um remake do filme de Scorsese.

9 – Vivendo no Limite (1999)
Mais um filme sensacional de Scorsese que é pouco conhecido. Também compreensível que assim seja. 1999 foi um ano abençoado para o cinema. No mesmo ano foram lançados Clube da Luta, De Olhos Bem Fechados, Garota Interrompida, Beleza Americana e A Espera de um Milagre. Porém, Vivendo no Limite não deixa nada a desejar a estes filmes. Scorsese traz a história de um motorista de ambulância workaholic, que começa a ver fantasmas dos pacientes que não conseguiu salvar e, ao invés de diminuir, aumenta sua entrega ao trabalho. O filme é alucinante, com uma fotografia e edição fantásticas, uma trilha sonora arrebatadora com The Clash, Van Morrison, Johnny Thunders, R.E.M. e The Who. Além disso, Scorsese consegue arrancar de Nicolas Cage, que sempre foi um ator mediano, uma atuação vigorosa.

8 – O Irlandês (2019)
É o filme mais recente de Scorsese e pode ser considerado um épico, não só por ser um filme longo (mais de 3 horas de duração). O irlandês conta a história que tem ligação direta com um dos casos mais impactantes da história recente dos Estados Unidos, e que continua ainda hoje sem uma conclusão, o caso da morte do líder sindical Jimmy Hoffa. Além de se embrenhar num tema tão espinhoso, o filme tem outros atrativos. Pra começo de conversa, reúne Al Pacino e Robert De Niro finalmente num filme decente e a altura da qualidade dos dois atores. É um filme brilhante, que tem diálogos excelentes, ótimas cenas de ação e uma história bem amarrada, que prende a atenção. Um filme com a cara (e a qualidade) de Scorsese.

7 – Cabo do Medo (1991)
Um suspense como só Scorsese poderia fazer e só De Niro poderia protagonizar com tanta excelência! O roteiro é bem simples. Na verdade, o filme em si não é novidade, pois trata-se de um remake do filme de mesmo nome lançado em 1962 e protagonizado por Gregory Peck. Mas a versão de Scorsese é imbatível! A história gira em torno de um criminoso condenado que, ao sair da cadeia, passa a atormentar a família do promotor que o colocou na prisão. A entrega de De Niro ao personagem é assustadora. É um suspense de roer as unhas que vale ser visto e revisto! Além de tudo foi o filme que revelou ao mundo a jovem atriz Juliette Lewis.

6 – Os Infiltrados (2006)
Este foi o filme responsável pelo primeiro Oscar de Scorsese. Sim, Os Infiltrados é um ótimo filme. Mas não é pra Oscar. Ele concorreu com Babel, Pequena Miss Sunshine e Cartas de Iwo Jima, que são tão bons quanto, se não melhores. Mas é possível que a academia tenha dado o Oscar a Os Infiltrados em nome do conjunto da obra de Scorsese, que tem pelo menos um cinco filmes antes deste que mereciam, e muito, a estatueta. Tá, mas isso não diminui em nada o filme, que fique claro. Os Infiltrados é um filme de máfia como só Scorsese pode conceber, repleto de violência e com uma trama que privilegia seus personagens. Mais uma vez, Scorsese apresenta um filme empolgante, com uma trilha sonora excelente e ótimas atuações. Aliás, de novo Scorsese tira leite de pedra ao fazer um ator mediano apresentar uma atuação acima da média. O nome da vez é Mark Wahlberg.

5 – Casino (1995)
Entramos no Top 5! Começamos a pisar em solo sagrado, de filmes que realmente mudam a perspectiva das pessoas e revolucionam de alguma maneira o jeito de fazer cinema. Casino é um filme de Martin Scorsese por excelência. Tudo que faz de Scorsese um cineasta genial está lá. A escolha do elenco, que entrega atuações brilhantes, um roteiro denso e bem amarrado, cenas de violência explícita impressionantes, fotografia instigante, trilha sonora impecável e direção perfeita. A história se assemelha a do filme Bons Companheiros, pois conta a trajetória de um judeu associado à máfia que é designado para gerenciar um casino em Las Vegas. O filme é inspirado numa história real. Uma curiosidade aqui é que a trilha sonora, além de muito bem escolhida, tem um papel essencial no filme. Como a maior parte do filme acontece dentro de um casino, onde não se vê o mundo exterior e as roupas são sempre extravagantes e atemporais, é através das músicas que o passar dos anos é evidenciado. Enfim, um filme imperdível!

4 – O Lobo de Wall Street (2013)
O negócio de Scorsese é realmente contar histórias de personagens incríveis, carismáticos e que tem uma trajetória vertiginosa. Aqui a máfia dá lugar ao igualmente inescrupuloso e ganancioso mercado de ações e especulação monetária. Leonardo Dicaprio, numa atuação exuberante e irretocável, encarna um ousado homem de negócios que começou por baixo e cresceu rapidamente, entendo os meandros, pormenores e excessos do mercado financeiro. É um filme tão empolgante e divertido, que nem parece que tem 3 horas de duração. Além de tudo é um filme apresenta tamanho realismo que deixa uma pulga atrás da orelha: será que o alto escalão do mercado financeiro é desse jeito mesmo, ou isso é só uma caricatura?

3 – Touro Indomável (1980)
Após concluir Taxi Driver, seu primeiro filme realmente reconhecido pelo público e pela crítica, Martin Scorsese lançou um filme que foi um fracasso total. Esse fracasso fez com que ele quase desistisse do cinema e fosse trabalhar apenas como diretor de vídeo clipes. Foi Robert De Niro quem o incentivou a continuar. Na mesma época em que De Niro dava essa força, chega ás mãos de Scorsese o roteiro de Touro Indomável, a história do lutador de boxe Jake LaMotta, uma história real. O filme é de uma sensibilidade inacreditável. Carrega consigo uma carga imensa de brutalidade e drama, que fizeram com que LaMotta tivesse uma vida de glória nos ringues e desastrosa dentro de casa. O trabalho de De Niro aqui é soberbo, sua transformação física ao encarnar o protagonista em seu auge na juventude e decadente na velhice é impressionante. Touro Indomável é o segundo filme da carreira de Scorsese que deveria ter ganho o Oscar. Outra curiosidade é que o próprio LaMotta, quando assistiu ao filme chorou muito e, ao final, ele perguntou para a sua esposa se ele havia sido uma pessoa tão terrível como aparece no filme. Ela respondeu: “Você era bem pior”.

1 – Empate Técnico
Não dá pra dizer qual destes dois filmes é melhor. Além de serem filmes bem diferentes, os dois são irretocáveis e realmente geniais, cada um com suas particularidades. Portanto, os dois entram para a lista como número 1.
Taxi Driver (1976)
Martin Scorsese era o homem certo na hora certa para realizar Taxi Driver. Primeiro, ele conhece New York como ninguém. Segundo, não tem medo de explorar a violência e brutalidade, e o faz sem parecer forçado. Terceiro, ele tem ao seu lado Robert De Niro, um ator fenomenal. Taxi Driver é um retrato de seu tempo. Um Estados Unidos sem esperança e violento, amargurado com o fim da guerra do Vietnã, que gerou milhares de homens perturbados, veteranos de uma guerra que matou mulheres e crianças, que só sabiam matar e agora estavam sem emprego. Esse é o perfil Travis Bickle, personagem principal, interpretado por De Niro. O filme é um clássico absoluto, desses que tem cenas tão icônicas que são repetidas em inúmeros filmes depois dele (“You talkin’ to me?”). Era um filme pra levar o Oscar. E ele perdeu sabe pra quem? Para Rocky, sim o filme de Sylvester Stallone sobre o boxeador Rocky Balboa. E ele levou o Oscar porque, além de ser realmente um ótimo filme, mostra exatamente o mesmo Estados Unidos despedaçado, mas tem como protagonista um homem simples, do povo, que consegue vencer na vida. Afinal, um pouco de otimismo não faz mal a ninguém.
Bons Companheiros (1990)
Coppola que não nos ouça, mas foi Martin Scorsese quem realmente definiu os moldes de um bom filme de máfia. E Foi com este Bons Companheiros que o fez. Claro que a trilogia Poderoso Chefão é genial, mas traz uma visão limitada, romantizada e vista de cima para baixo do mundo da máfia. Já Scorsese traz um olhar mais realista, com uma visão mais ampla e menos glamourizada. Além disso é quase didático ao explicar através da vida de Henry, como funciona a hierarquia da máfia italiana. Primeira coisa a ser dita sobre este filme: de novo Scorsese arranca uma atuação brilhante de um ator medíocre, neste caso Ray Liotta, que interpreta com perfeição o protagonista Henry Hill, um rapaz que não pode ser efetivado na máfia por não ser de origem italiana, mas que é um gângster associado à máfia, com todos os seus privilégios, junto com seus amigos Jimmy Conway e Tommy (Robert De Niro e Joe Pesci). Mais uma vez Scorsese ajuda a mostrar a passagem do tempo através de uma trilha sonora excelente. Mais uma vez ele traz a violência crua e sem rodeios. Mais uma vez ele executa uma direção irretocável. Mais uma vez ele perde o Oscar. Desta vez, não tem muita explicação. O ganhador do Oscar naquele ano foi Dança com Lobos. Um ótimo filme, mas Bons Companheiros é melhor, mais completo, mais intenso. Bons Companheiros é o filme de máfia perfeito. É um filme que não dá pra cansar de rever. É uma obra prima, assim como Taxi Driver.

Menção honrosa
Precisamos falar, nem que seja por cima do trabalho de Scorsese como documentarista de música. Pelo menos 3 de seus documentários merecem ser mencionados: The Last Waltz, de 1978, que documenta o último show da banda The Band, famosa por acompanhar Bob Dylan, antes de sua separação. Além das músicas, é um filme emocionante, com alguns depoimentos e uma fotografia delicada. George Harrison: Living in the Material World, de 2011 é outro documentário brilhante, contando a vida do guitarrista dos Beatles sob um viés mais pessoal e humano. Repleto de imagens raras e depoimentos de amigos e familiares, é uma homenagem a altura do talento do inigualável beatle George. Por fim, Rolling Thunder Revue: A Bob Dylan Story, de 2019, é acachapante. O filme retrata a turnê de Bob Dylan de 1975 pelos Estados Unidos. Uma turnê insana que além de músicos, contava com vários amigos, entre eles o poeta beat Allen Ginsberg. O filme traz imagens memoráveis de shows e de backstage, além de vários depoimentos interessantíssimos.

Que homem é Martin Scorsese! Um cineasta desse gabarito não podia deixar de ser homenageado pela Strip Me, que claro, tem estampa incrível com referência a um de seus filmes. O cinema cru e revolucionário de Scorsese é uma inspiração e referência para a marca! Confere na nossa loja as camisetas de cinema, de música, arte, cultura pop e muito mais. Além disso, no nosso site você fica por dentro de todos os nossos lançamentos, que pintam toda semana!

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Categoria: Arte, Cinema, Comportamento, Cultura Pop, curiosidades, Posts

Yin Yang: O Equilíbrio da Vida

10/05/2023 | Por Paulo Argollo | Comentários desativados

A Strip Me faz sua alquimia ao misturar a filosofia chinesa do Yin Yang à diversidade da cultura pop, para criar camisetas originais e super contemporâneas.

Demorou muito para que os povos do ocidente (nós, no caso) realmente assimilassem filosofias e hábitos orientais. A história do mundo nos mostra que sempre rolou uma barreira muito grande entre esses dois mundos. De um lado a filosofia greco romana e a religiosidade judaico-cristã. De outro as filosofias milenares do taoísmo e do budismo. Durante o Renascimento e as grandes navegações, muito se consumiu do oriente, claro. Mas apenas produtos e alimentos, as famosas especiarias e as sedas chinesas. Foi mais à partir do século XX mesmo que as coisas começaram a mudar e o ocidente passou a incorporar elementos das filosofias orientais.

O engraçado é que as coisas chegam até nós meio enlatadas, com um verniz espesso de ocidentalização. E não estamos falando só do brasileiro, que transforma o sushi em hot roll. Um exemplo é o Feng Shui, que é um princípio filosófico complexo, cheio de nuances e interpretações, que acabou virando meio que uma vertente do design de interiores, um conceito que os arquitetos mais descolados gostam de usar para justificar suas ideias. Da mesma maneira, o Yin Yang virou um símbolo pop, que virou febre entre os jovens dos anos 80 em vários lugares do mundo, que tatuavam o símbolo no braço sem saber direito o que aquilo significa.

O Yin Yang também é um conceito filosófico bem complexo e abrangente, é a base do taoísmo. Por sua vez, o taoísmo é uma filosofia religiosa politeísta chinesa, que tem sua própria explicação para a criação do universo, do planeta Terra e da humanidade. O Yin Yang está presente nesse princípio de tudo para os chineses. Ele representa o equilíbrio e a harmonia entre dois opostos. Luz e sombra, fogo e água, terra e céu, positivo e negativo, multiplicar e dividir… enfim, opostos, mas que se equilibram, que precisam um do outro para existir. Portanto, quando acontecem grandes catástrofes naturais como tsunamis, erupção de vulcões e até mesmo guerra entre povos, os chineses identificam essas coisas como desequilíbrios no Yin Yang. É por isso que em sua representação gráfica, o símbolo Yin Yang é uma esfera, dividida perfeitamente por uma onda, um lado é branco e outro é preto, e em cada lado, há um ponto. No lado preto um ponto branco e no lado branco um ponto preto, mostrando que a harmonia, representada pela onda, se estabelece quando os dois lados coexistem e interagem em equilíbrio.

Os primeiros registros do conceito do Yin Yang no taoísmo datam do século II antes de Cristo, ou seja, 4 mil anos atrás. Ao longo dos séculos ele foi sendo mais elaborado. Mas logo no início já ganhou a representação da esfera dividida entre preto e branco, representando o equilíbrio das forças da natureza, da mente e do físico. Yin preto e yang branco, integrados num movimento contínuo de geração mútua e interação destas forças. A filosofia taoísta observa a vida e a realidade como algo fluído, em constante mutação, por isso o equilíbrio do Yin Yang se mostra tão importante para sua cultura. Para se ter uma ideia, os conceitos do Yin Yang são aplicados em todas as áreas, da arte à matemática, passando pela agronomia, medicina, astronomia e muitas outras áreas da ciência e filosofia.

No século XX, as fronteiras do mundo diminuíram e começou a rolar toda uma descoberta dessas filosofias orientais por parte dos intelectuais do ocidente. No início do século, técnicas como a xilogravura, cuja obra mais marcante é A Onda de Kanagawa, se popularizou, bem como escritores existencialistas, entre eles alguns da geração beat, passaram a flertar com o budismo tibetano. Mais pra frente, nos anos 60, a cultura indiana se popularizou entre os jovens, muito graças aos Beatles, é verdade. Mas nessa busca por transcendência e purificação do ser humano que alguns hippies investiram, acabaram vindo junto alguns conceitos do taoísmo. E o Yin Yang passou a estampar algumas camisetas e batas. Claro, afinal, além de ter essa ideia de equilíbrio, o Yin Yang é esteticamente muito cativante.

Essa percepção do taoísmo sobre a natureza humana, representada pelo Yin Yang é realmente muito reveladora, e muito interessante. Tanto é que aparece com uma frequência enorme em diferentes manifestações artísticas. Nas artes plásticas isso fica mais subjetivo, mas pode ser identificado em obras como o Homem Vitruviano, de Leonardo Da Vinci. É bem provável que Da Vinci não tivesse contato direto com a filosofia taoísta. Ainda assim, transmitiu nessa obra, o mesmo conceito de equilíbrio e harmonia do ser. Mas é na literatura, quadrinhos e cinema que o Yin Yang é retratado com vitalidade e clareza, através de personagens complexos e diversos.

O maior exemplo é claramente o conto O Estranho Caso de Dr. Jekyll e Mr. Hyde, escrito pelo escocês Robert Louis Stevenson e publicado originalmente em 1886. A obra que ficou mais conhecida como O Médico e o Monstro se tornou sucesso absoluto na Europa, logo foi adaptada para o teatro e, no século seguinte, assim que o cinema foi criado, ele foi um dos primeiros textos a serem adaptados para as telonas. E é, ainda hoje, uma as obras literárias com o maior número de adaptações no cinema. São mais de 30 filmes. O primeiro foi lançado em 1920, dirigido por John S. Robertson. O mais recente é de 2017, dirigido pelo Luciano Barsuglia. Mas, certamente a mais importante e impactante adaptação é a de Victor Fleming, O Médico e o Monstro, lançado em 1941 e estrelado por Spencer Tracy, Ingrid Bergman e Lana Turner. O Estranho Caso de Doutor Jekyll e Senhor Hyde foi a primeira obra, tanto na literatura, quanto no cinema, a personificar com propriedade o Yin Yang, essa dualidade que existe no ser humano, que é bom e mau naturalmente, e vive em harmonia. Mas se algo faz com que esse equilíbrio seja quebrado, as consequências podem ser desastrosas.

Uma espécie de releitura do Dr Jekyll é o personagem Harvey Dent, incorruptível promotor público de Gotham City, que depois de sofrer um acidente, tem metade de seu rosto desfigurado e passa a ter dupla personalidade, tornando-se um dos mais icônicos inimigos do Batman, o Duas Caras. O interessante sobre o Duas Caras é que, assim como o Yin Yang, ele tem uma maneira de manter o equilíbrio entre suas duas personalidades opostas: o acaso. Antes de tomar uma decisão conflitante entre o promotor público honesto e o vilão enraivecido, o personagem joga uma moeda para o alto e tira no cara ou coroa. O problema é que, para o azar de Gotham, a moeda quase sempre fica do lado do vilão. No universo dos quadrinhos de Batman outro exemplo de gritante de Yin Yang é a relação do próprio Batman com seu maior rival, o Coringa. Ambos são originados na violência e desigualdade de Gotham, mas um decide lutar contra o crime e o outro abraça o caos. E os dois se completam, um não existiria sem o outro. O belíssimo filme Joker, de 2019, com Joaquim Phoenix como protagonista, mostra isso com clareza.

E o mais recente e marcante exemplo de Yin Yang no cinema, que pode até ser considerada mais uma releitura de Dr. Jekyll e Mr. Hyde, é o excelente Clube da Luta. Tyler Durden é o Dr. Jekyll do fim do século XX. Aqui temos os opostos realmente convivendo e lutando para se equilibrar. Com a diferença que nesta obra, tanto o escritor Chuck Palahniuk, quanto o diretor David Fincher, apostam no caos como forma de equilibrar os opostos. Como no poema de William Blake, que inspirou o nome da banda The Doors, o final de Clube da Luta, que aponta para o ápice do caos, justamente quando Tyler Durden tem pleno conhecimento de sua dualidade. “Quando as portas da percepção forem finalmente abertas, tudo aparecerá como realmente é: Infinito.”. Justamente o que prega o taoísmo chinês, a harmonia e fluidez da vida rumo ao infinito, numa constante evolução.

Enfim, todas essas teorias milenares orientais são bem complexas mesmo, e não dá pra gente resumir e falar sobre elas superficialmente. Mas é legal a gente saber sobre essa força imensa do Yin Yang e como ela é bem representada, num ícone tão simples e bonito. Além do mais, harmonia e equilíbrio fazem parte da nossa inspiração e filosofia de trabalho na Strip Me. Isso se reflete no uso de insumos que não agridem o meio ambiente, parceria com empresas locais e frequentes doações para ONGs que defendem nossos princípios. Isso sem falar nas camisetas que combinam estilo e atitude em estampas de arte, música, cinema, cultura pop e muito mais. Confira tudo isso na nossa loja, onde você aproveita para ficar por dentro dos lançamentos, que pintam toda semana.

Vai fundo!

Para ouvir: Na música o Yin Yang também se faz presente, em parcerias que se completam. Lennon-McCartney, Richards-Jagger, Simon-Garfunkel… portanto, segue uma playlist com as mais marcantes duplas “Yin Yang” da música pop! Yin Yang Top 10 tracks!

Para assistir: O Clube da Luta com certeza é o filme que melhor retrata a dualidade do ser humano moderno em toda a sua complexidade. O filme é baseado no livro de Chuck Palahniuk, dirigido pelo David Fincher e protagonizado por Brad Pitt e Edward Norton, que são realmente um só em todo o filme. O filme foi lançado em 1999.

Para ler: A editora Darkside Books lançou em 2019 uma edição lindíssima, em capa dura do clássico O Médico e o Monstro, de Robert Louis Stevenson. Além de ser um texto realmente brilhante, essa edição da Darkside vale a pena pelo belíssimo tratamento gráfico.

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