Especial Dia das Mães: 8 mamães que são puro rock n’ roll.

Categoria: Comportamento, Cultura Pop, curiosidades, Música, Posts

Especial Dia das Mães: 8 mamães que são puro rock n’ roll.

30/04/2024 | Por Paulo Argollo | Nenhum comentário

O Dia das Mães está chegando. Para celebrar e homenagear todas as mães, a Strip Me escolheu 8 mães super especiais, que esbanjam talento muito além da maternidade.

“Ter filhos me fez perceber que fazer do mundo um lugar melhor começa dentro de casa.” Essa frase foi dita pela Madonna, quando falava numa entrevista sobre ser mãe e, ao mesmo tempo, uma pessoa tão influente e exposta na mídia. Madonna é, notavelmente, uma mãe orgulhosa, mas não é a única no universo pop. Em especial no mundo da música, são muitos os casos de mulheres que se tornaram mães e seguiram adiante na carreira de artista, e em muitos desses casos, os filhos acabam também se envolvendo com música.

A maternidade é uma dádiva, e não um fardo (apesar de dar um trabalhão, é verdade). Para deixar isso bem claro, a Strip Me vai falar rapidamente sobre 8 mães que são verdadeiras estrelas da música pop. Se prepara aí e segue a lista.

Baby do Brasil

Também conhecida como Baby Consuelo, Baby do Brasil é dessas personagens pitorescas da cultura brasileira. De visual extravagante e voz potente, a cantora fez parte de uma das bandas mais influentes e marcantes da música contemporânea brasileira, os Novos Baianos. Baby nasceu Bernadete Dinorah de Carvalho Cidade, num lar de pais conservadores no Rio de Janeiro. Quis aprender música, mas os pais negaram, almejando para a filha uma carreira como jurista ou jornalista, profissões do pai e da mãe respectivamente. Mesmo assim, ela deu um jeito de fazer aulas de violão, e chegou a ganhar um concurso de talentos na escola aos 14 anos. Com 17 anos, em 1969, inebriada pelos ventos libertários do rock n`roll, fugiu de casa e foi para Salvador. Lá conheceu Moraes Moreira e sua turma e formou-se os Novos Baianos. Baby e o guitarrista Pepeu Gomes logo se engraçaram, se apaixonaram e casaram. O relacionamento durou de 1969 a 1988, um casamento que gerou seis filhos: Sarah Sheeva, Zabelê, Nãna Shara, Pedro Baby, Krishna Baby e Kriptus Gomes. Ao longo de todo esse tempo, Baby nunca abandonou os palcos. Seus filhos todos são artistas e envolvidos de alguma forma com a música.

Chrissie Hynde

Hynde é uma dessas mulheres inacreditáveis. Talentosa, vibrante, bem resolvida e muito influente. Apesar de não ser assim tão popular aqui no Brasil, sua banda, The Pretenders, é respeitadíssima e muito popular na Inglaterra e nos Estados Unidos. Ela nasceu numa cidadezinha perto de Cleveland, Ohio. Era adolescente no começo dos anos 70 e, em Cleveland, viu shows de Iggy Pop & The Stooges, Rolling Stones e muitos outros. Se ligou que seu mundo era esse e decidiu ser jornalista de música em Londres, para onde se mudou em 1973. Lá conheceu Malcolm McLaren e uma cena musical prestes a explodir. Reza a lenda que deu os primeiros toques a Steve Jones, para que ele aprendesse a tocar guitarra, e posteriormente formasse os Sex Pistols. Em 1978 ela formou sua própria banda, The Pretenders. Se casou com Ray Davis, guitarrista da banda The Kinks, com quem teve uma filha, Natalie Ray Hynde. O relacionamento não vingou e, anos depois, ela se casou com Jim Kerr, vocalista da banda Simple Minds, com quem teve outra filha, Yasmin Kerr. Chrissie criou as duas filhas sozinha, pois logo que nasceram as meninas, os respectivos pais se afastaram após o fim do relacionamento com a mãe. Hynde nunca deixou de tocar e realizar seus projetos, e fez um ótimo trabalho ao criar duas mulheres notáveis. Natalie é uma ativista em organizações pelos diretos humanos e Yasmin é atriz.

Fernanda Takai

A banda Pato Fu foi uma das mais brilhantes bandas surgidas no rock brasileiro dos anos 90. Uma banda que se distanciava da onda maníaco-depressiva do grunge e evocava Mutantes, mas com uma linguagem moderna. Tudo graças à inventividade do guitarrista John Ulhoa e, principalmente, do carisma e talento de Fernanda Takai, vocalista. Fernanda Takai é uma mulher fantástica. Além de compor, cantar e tocar violão e guitarra no Pato Fu, tem uma excelente e consolidada carreira solo como cantora, e também escreve livros de crônicas e contos. Casada com seu parceiro de banda, John, desde 1995, o casal teve uma filha, nascida em 2003, Nina Takai Ulhoa. A maternidade fez Fernanda amadurecer muito e, por consequência, produzir trabalhos literários e musicais mais profundos. Além disso, a o casal Fernanda e John aproveitaram a chegada da pequena Nina para gravarem os discos Música de Brinquedo, volumes 1 e 2, onde fazem versões super divertidas de canções pop usando somente instrumentos de brinquedo e participação de crianças cantando.

Amy Lee

Amy Lee é a mais jovem dessa lista, representa uma geração mais atual. Apesar de mais jovem do que as demais mulheres aqui citadas, ela não deixa nada a desejar em talento e atitude. Amy Lee nasceu na California, mas ao longo de sua infância, morou em cidades da Florida e Illinois. Em sua adolescência, a família finalmente fixa residência em Little Rock, Arkansas. Amy Lee estudou piano por nove anos e, ainda jovem, almejava ser concertista de música clássica. Mas no fim dos anos noventa acabou sendo atraída pela música pop e o rock n’ roll. Em 1998 montou a banda Evanescence, com a qual se tornou mundialmente famosa. O primeiro disco da banda foi lançado em 2003 e, de lá pra cá, ela nunca mais parou. Além de sua banda, Amy tem uma prolífica carreira solo , tendo feito trilhas sonoras para filmes e participado de vários projetos, incluindo parcerias com as bandas Korn e Bring Me The Horizon. Casada desde 2007, Amy Lee teve seu primeiro filho em 2014, Jack Lion Hartzler. A maternidade a impactou de tal forma, que ela acabou compondo e produzindo todo um disco com músicas inspiradas no seu filho. O álbum com 12 faixas foi lançado em 2016, chamado Dream too Much.

Rita Lee

Falando em Lee, a nossa rainha do rock não podia ficar de fora dessa lista. Rita Lee Jones já nasceu com nome de rockstar, em São Paulo no ano de 1947. Compositora, cantora, multi instrumentista, escritora, atriz e ativista vegana e defensora dos animais, Rita Lee é uma das artistas mais importantes da música brasileira. Fez parte da fundamental banda Mutantes 5e em sua carreira solo vendeu mais de 55 milhões de discos, sendo a mulher que mais vendeu discos na história da música no Brasil, ficando apenas em quarto lugar no geral, atrás apenas de Roberto Carlos, Nelson Gonçalves e Tonico e Tinoco. Em 1976 ela se casou com Roberto de Carvalho, parceiro da vida e da música, com quem teve três filhos: Beto, João e Antônio. Dos três, o primogênito Beto Lee se destacou como músico, fazendo parte inclusive da banda de apoio da mãe em algumas turnês como guitarrista. Rita Lee faleceu, vítima de um câncer, em maio de 2023. Ela deixa um legado inestimável de arte e de vida, inspirando as mulheres a lutarem por seus direitos, sendo e fazendo o que bem quiserem.

Linda McCartney

Mesmo que não tivesse se casado com um dos maiores nomes da música pop de todos os tempos, Linda seria considerada uma mulher a frente do seu tempo. É verdade que ela nasceu em berço de ouro, teve acesso às melhores escolas e provavelmente teria uma vida muito confortável mesmo se optasse por nunca trabalhar na vida. Mas o que ela mais fez foi trabalhar. Se formou em artes e se apaixonou por fotografia. Já como fotógrafa profissional ela trabalhou, entre outras publicações, para a revista Rolling Stone. Ao longo da década de sessenta, ainda antes de conhecer seu futuro marido, Linda Eastman fotografou The Who, Jimi Hendrix, The Doors, Bob Dylan, Aretha Franklin, Ottis Redding e muitos outros, até que fotografou os Beatles em 1968, conheceu Paul McCartney e o resto é história. Ao lado de Paul, Linda continuou sua carreira como fotógrafa, mas também passou a cantar e tocar teclado ao lado do marido na banda Wings. Linda já tinha uma filha antes de conhecer Paul. O beatle adotou legalmente a criança, que passou a se chamar Heather McCartney. O casal teve mais 3 filhos depois de se casar: Mary, que também é fotógrafa, Stella, uma das mais celebradas estilistas de moda do mundo, e James, músico como o pai. Linda também era vegetariana e ativista pelos direitos dos animais. Ela faleceu em 1998, em decorrência de um câncer.

Elis Regina

Elis era uma força da natureza. Dona de um carisma magnético e uma voz poderosíssima, Ela começou cedo na música. Aos 16 anos já trabalhava numa rádio em Porto Alegre, cidade onde nasceu. Descoberta por um produtor, ela foi para o Rio de Janeiro, onde realmente sua carreira deslanchou. Com sua personalidade forte, se consolidou indo na direção oposta ao padrão da época. Enquanto todo mundo cantava bossa nova baixinho, no melhor estilo João Gilberto, Elis soltava a voz sem medo. Foi pioneira na concepção de grandes shows de música, com roteiro, direção e cenário. Autêntica, sem medo de ser polêmica, com opiniões firmes e uma incessante luta pela liberdade, não só do país, que vivia um momento político castrador, como das mulheres, Elis Regina sempre foi um exemplo de mulher. Elis se casou duas vezes e teve três filhos, aos quais ela criou muito bem, sem nunca parar de trabalhar. Tanto que os três, João Marcelo Bôscoli, Pedro Camargo Mariano e Maria Rita, têm carreiras de sucesso no mundo musical. Elis morreu em janeiro de 1982 sob circunstâncias controversas. Tudo indica que ela sofreu uma overdose de cocaína e bebida alcoólica, mas há quem diga que, ainda que ela usasse drogas e bebesse com frequência, era controlada e raramente cometia excessos, sugerindo que ela sofreu uma parada cardíaca, que poderia acontecer com qualquer pessoa, mesmo sem o uso de drogas ou álcool. De qualquer maneira, o que fica é o legado e a obra de Elis Regina, a maior cantora da música popular brasileira.

Madonna

A diva maior e rainha do pop é mais uma dessas mulheres mega inspiradoras e admiráveis. Madonna nasceu numa cidadezinha no meio do Michigan, sempre foi muito ligada à família. Por ter perdido a mãe muito nova, que morreu por conta de um câncer, Madonna sempre foi muito apegada ao pai e aos irmãos. Mas também era dedicada aos estudos e à arte, em especial a dança. Com 17 anos se mudou para New York com nada mais que 35 dólares no bolso. Lá, migrou da dança para a música, fazendo parte de bandas de rock até iniciar uma carreira solo vitoriosa. Além de ser a cantora mais reverenciada no mundo, Madonna também é empresária, atriz e escritora. Ela já declarou que a maternidade mudou radicalmente sua vida, fazendo com que ela explorasse novos sentimentos em sua música, bem como a aproximando de uma espiritualidade que, até então, ela não tinha. Madonna tem ao todo seis filhos, sendo dois deles biológicos e quatro adotados: Lourdes Maria, Rocco, David, Mercy James, Stella e Estere. Além de todos os méritos de Madonna como artista, ela deve ser lembrada como uma mãe exemplar, que deixa claro que o amor materno não se resume unicamente aos filhos gerados pela mulher.

Isso tudo é só pra exaltar mesmo todas as mães do mundo, as famosas e anônimas, artistas ou engenheiras, dançarinas ou médicas, poetisas ou matemáticas, atrizes ou empresárias… ou tudo junto, afinal, se tem uma coisa que só as mães conseguem é ser um monte de coisas ao mesmo tempo. Esta é uma homenagem da Strip Me a todas as mães. E você pode contar com a gente para presentear a sua mãe com uma camiseta linda das nossas coleções de arte, música, cinema, cultura pop e muito mais, e você pode também personalizar como quiser uma camiseta para ela, basta entrar no nosso site e seguir as instruções. Dá uma olhada na nossa loja e aproveita pra ficar por dentro de todos os lançamentos, que pintam por lá todo dia.

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist delícia com uma música de cada artista que citamos aqui, e mais duas músicas especiais sobre maternidade. Mother Top 10 tracks.

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8 versões da música brasileira.

17/11/2023 | Por Paulo Argollo | Nenhum comentário

A música brasileira é tão diversa e original quanto o povo de cada região do país. A Strip Me dá uma geral em cada gênero musical tipicamente brasileiro, que fazem da nossa música tão rica e fascinante.

Existe uma universalidade na música. Isso é inquestionável. Músicas tradicionais de povos que nunca se encontraram tem semelhanças. Desde os batuques aborígenes que são parecidos com a música feita pelos nativos de toda a América antes da chegada dos europeus, até a música contemporânea, onde a sétima menor, nota que caracteriza o blues (a blue note) é a mesma que marca as melodias características do baião. Se duvida, cantarole aí a melodia da introdução de Asa Branca, mas mude o andamento para o compasso de blues. Claro que estamos aqui falando sob um ponto de vista mais ocidental e eurocêntrico. Claro que existem as escalas orientais, como nas músicas indianas e árabes que tem campos harmônicos distintos, com microtons e melodias truncadas e estranhas aos nossos ouvidos. Mas convenhamos que aqui para a nossa realidade e foco de interesse, não precisamos ir tão longe.

Até porque o nosso negócio aqui é o Brasil mesmo! E a música brasileira, por si só já é incrivelmente diversa. E cada gênero tem distinções e peculiaridades impressionantes! E não dá pra cravar que um gênero é mais brasileiro ou original que o outro, porque cada um vem de uma região, de uma cultura e realidade totalmente diferentes. Então, hoje a Strip Me mergulha no vasto universo da música brasileira, onde cada gênero é um planeta distinto. E vamos falar um pouco sobre cada um deles.

Samba

Quando a gente fala em música brasileira, a primeira coisa que vem à cabeça é o samba. Não à toa. É provavelmente o gênero musical mais popular no país inteiro. Ainda que com sotaques diferentes, todo mundo faz samba no Brasil. O samba tem origem nos ritmos africanos trazidos pelos escravizados, que, na maioria das vezes, praticavam sua religiosidade na clandestinidade. Os primeiros registros do samba como o conhecemos aconteceram no Rio de Janeiro, no começo do século vinte. Existe muita discussão sobre a origem do samba pra valer ter acontecido no Rio de Janeiro ou na Bahia. Mas o primeiro samba gravado é de um carioca e foi gravado no Rio de Janeiro. O samba Pelo Telefone foi composto por Donga e Pixinguinha em 1917 e gravado no mesmo ano. Se você quiser aprofundar um pouco mais neste assunto, confere o post que nós publicamos aqui no blog recentemente:
10 fatos que você precisa saber sobre o samba.

Frevo

O frevo nasceu nos primeiros carnavais de rua de Recife e Olinda, no estado de Pernambuco, na primeira metade do século vinte. Musicalmente é uma mistura do maxixe, subgênero do baião, com as marchinhas, e isso tocado numa velocidade mais acelerada. Por isso mesmo o nome frevo, vem do verbo ferver, que muitos populares diziam “frever”. Isso porque aa principal característica do frevo é a combinação de música e dança. Uma música frenética, que conta inclusive com alguns movimentos de capoeira. O frevo ja se tornou Patrimônio Cultural Imaterial da Humanidade pela Unesco e é uma das mais vibrantes e únicas manifestações musicais do Brasil.

Carimbó

O carimbó tem suas raízes em uma mistura bem interessante de influências culturais. Ele é resultado da combinação de elementos musicais de origem indígena, africana e dos países vizinhos da América Latina. Assim como o frevo, ele tem como uma de suas características mais marcantes a dança. A cadência e a dança vem dos índios, o uso dos instrumentos de percussão são influência dos africanos e as melodias misturam cantigas tradicionais com a cumbia colombiana e o calipso da América Central. O carimbó tem origem no norte do Brasil, mais especificamente no Pará, e tem como seus nomes mais importantes o compositor Pinduca e a cantora Dona Onete. O carimbó originou a guitarrada, gênero que, tanto pode ser instrumental como cantado, mas tem como marca o protagonismo da guitarra elétrica. A guitarrada é a versão tupiniquim da surf music.

Maracatu

A origem da palavra é tupi: maracá-tu, que significa batida do maracá. Maracá é um chocalho, um instrumento de percussão. Só por aí, já dá pra sacar que o maracatu é genuinamente brasileiro, com forte influência indígena. Mas não só isso. Ele surgiu no século dezessete em Pernambuco, quando os escravos dos engenhos de açúcar celebravam a coroação do rei do Congo, um líder entre todos os negros escravizados. O rei do Congo era o único que tinha contato com o dono da fazenda e podia fazer reivindicações. A coroação era a única noite do ano em que a senzala podia festejar, e eles aproveitavam para celebrar seus orixás e professar sua fé. A mesma coroação rolava nos quilombos dos escravizados fugitivos, que se uniam aos algumas tribos de índios. Com o tempo a coroação ganhou contornos indígenas e influência de dança e música dos brancos. E no fim do século dezenove virou bloco carnavalesco. Na década de 1990 o maracatu foi reinventado ao ser mesclado com o rock n’ roll e o hip hop, dando origem ao maravilhoso movimento Manguebeat. Se você quiser mais detalhes sobre o maracatu, confere o texto que publicamos sobre o tema aqui no blog em fevereiro de 2021:
Maracatu Atômico!

Baião

O baião é um patrimônio de todo o nordeste brasileiro. Mas tem sua origem mesmo no estado de Pernambuco. Como já é amplamente difundido, o precursor do baião foi Luiz Gonzaga, que é pernambucano. Como todos os gêneros musicais brasileiros, o baião é uma mistura de diferentes culturas. A sanfona traz a influência europeia, a zabumba é um instrumento percussivo africano, e o triângulo é uma criação genuinamente nordestina. O baião começou a se popularizar na década de 1940. Portanto, é um gênero musical novo, que aglutinou toda a cultura nordestina e africana de Pernambuco, incluindo o maracatu, bem como as cantigas de roda, os cantos de lavoura e os repentes. O baião acabou se tornando símbolo do nordeste e teve várias ramificações como o forró e o xote, por exemplo. Nos anos noventa, o baião chegou a virar rock n’ roll, quando a banda Raimundos mesclou de maneira brilhante o hardcore e o baião em seus dois primeiros discos.

Sertanejo

A música sertaneja talvez seja a mais diversa e fascinante do Brasil, porque acabou se ramificando em muitos subgêneros e gera muita discussão até hoje. Ela remete aos trovadores que andavam pelo sertão nas comitivas dos bandeirantes. Com o fim das bandeiras, muitos desses trovadores se estabeleceram nas cidades dos estados de São Paulo e Minas Gerais e seguiram tocando sua violinha em festejos. Com o fim da escravidão e a imigração massiva de trabalhadores nas lavouras de café daquela região, essa música ganhou novos contornos e influências até se tornar no que hoje conhecemos como música caipira, as modas de viola de tônico e Tinoco e outras duplas. Foi ali onde tudo começou. Com o passar do tempo, essa música caipira começou a aglutinar outros gêneros. Na região sul, as milongas argentinas, no centro oeste as guarânias paraguaias e assim por diante. A música caipira tradicional evoluiu para a música sertaneja, que nos anos 80 ganhou instrumentos elétricos e moldura pop. Ao mesmo tempo surgia a música brega de Reginaldo Rossi e Odair José, depois veio o sertanejo universitário, que hoje já se tornou um subgênero difícil de definir, tamanha a miscelânea estética e musical. No contexto geral a música sertaneja só perde para o samba na representatividade da diversidade e amontoado de culturas que é o Brasil.

Bossa Nova

Apesar de mais contemporânea e já nascendo sob forte influência da música pop dos Estados Unidos, a bossa nova é legitimamente brasileira, e um dos nossos gêneros musicais mais ricos. Ah, sim, pra não ficar dúvida, lá nos anos 1950 o Cole Porter, o Nat King Cole e tantos outros artistas do jazz eram o que havia de mais pop no mundo. Em resumo, a bossa nova é a fusão do samba com o jazz, onde todo o aparato percussivo e o canto empostado e forte do samba deu lugar ao minimalismo do violão e do canto suave, enquanto as harmonias mais básicas ganhavam acordes truncados com o acento do jazz. Tom Jobim, João Gilberto, Johnny Alf e Dick Farney são considerados os criadores da bossa nova, que depois ganhou outros nomes fundamentais como Nara Leão e Roberto Menescal. Sendo um gênero musical mais novos com forte apelo pop, a bossa nova já teve sua história contada em livros e filmes aos montes. Inclusive nós publicamos um texto bem legal aqui no blog em janeiro de 2021 detalhando de forma muito interessante a origem da bossa nova. Confira no link abaixo.
Bossa Nova!

Tropicalismo

Esse conceito, hoje já super manjado, de globalização começou a florescer no final dos anos sessenta, embalado pela massificação dos meios de comunicação e a contra cultura. Era uma época realmente fértil para que artistas questionassem sua própria existência e origens ao mesmo tempo que absorviam tudo que era novo para criar e se expressar. Foi assim que o samba, o maracatu, o rock n’ roll, o naturalismo e o modernismo da literatura e da pintura se uniram num movimento novo, pungente, pop, único e irresistível, que, tal qual um Macunaíma, botava o dedo nas feridas do país, mas com leveza e bom humor. Em nenhum outro lugar do mundo se viu algo assim. O tropicalismo foi mais que o Flower Power à brasileira, foi um movimento artístico, musical em sua essência, de vanguarda mesmo! Tanto que, ainda hoje, a gente vê artistas gringos conceituadíssimos que descobrem Mutantes, Tom Zé, Novos Baianos, Caetano Veloso… e ficam chapados no som! Nós também já publicamos aqui um texto muito bacana dando uma geral no movimento tropicalista, em setembro de 2020. Link abaixo.
Soy loco por ti, Tropicália.

A música é mesmo fascinante e essencial para a vida. Ela funciona como veículo para a religiosidade, mas também como mero entretenimento. Também se presta a inspirar, emocionar e expressar todo e qualquer sentimento. Da alegria à frustração, da raiva à paz de espírito. Particularmente, a música brasileira, com toda a sua originalidade e diversidade, consegue imprimir ainda cores físicas e metafísicas através do som e da dança. Por isso, a Strip Me se presta a celebrar a música brasileira em sua totalidade, abraçando todos os gêneros e estilos! Isso fica nítido na nossa coleção de camisetas de música, bem como nas camisetas de cultura pop, brasilidades, arte, cinema, bebidas e muito mais! Confere lá no nosso site e aproveita pra ficar por dentro de todos os lançamentos, que pintam por lá toda semana.

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist brasileiríssima com cada um dos gêneros musicais abordados neste texto. Música brasileira top 10 Tracks.

Para ler: Realmente um dos gêneros brasileiros mais fascinantes, pela sua diversidade e trajetória é a música sertaneja. Para entender tudo sobre o gênero, o livro Cowboys do Asfalto é perfeito! Além de contar com uma pesquisa detalhada e muita informação, o livro é bem escrito, tem uma escrita direta e fluída, uma leitura muito agradável! O livro é escrito por Gustavo Alonso e foi lançado em 2015 pela editora Civilização Brasileira.

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Cartola – 10 curiosidades sobre o mestre do samba.

14/04/2023 | Por Paulo Argollo | Comentários desativados

Uma homenagem da Strip Me ao homem que pintou o samba de verde e rosa e fez história na música popular brasileira.

Em 1957, o jornalista e escritor Stanislaw Ponte Preta fora visitar um amigo, que morava num prédio em Ipanema, zona sul do Rio de Janeiro. Depois do jantar, Stanislaw ainda ficou no apartamento do amigo até tarde batendo papo e tomando uísque. No tempo em que esteve lá, rolou a troca de turno dos vigias na portaria do prédio. Quando finalmente Stanislaw vai embora, já era tarde e ele estava meio bêbado. Quando passou pelo balcão da portaria, olhou para o vigia e tomou um susto. Quando já estava na calçada, voltou, encarou o vigia e perguntou: “Por acaso o senhor não é o Cartola, aquele sambista, é?”. Acanhado, o vigia respondeu: “Sou eu, sim senhor.”.

Quando fora descoberto ali, trabalhando como lavador de carros e vigia de prédios em Ipanema, muita gente no morro da Mangueira tinha dado Cartola como morto. Depois de algumas desavenças com o pessoal da escola de samba, Cartola, que havia crescido na Mangueira, resolveu se mudar. Foi para Nilópolis e se entregou à bebida. Pra piorar, em 1946 pegou meningite e quase morreu. Quando estava se recuperando da doença, sua espoa na época, Deolinda, faleceu, vítima de um ataque cardíaco. Muito debilitado, com a saúde frágil e o abuso de álcool, Cartola não ia durar muito. Mas foi salvo por uma antiga admiradora de seus sambas. Eusébia Silva do Nascimento, mais conhecida como Zica, encontrou o sambista largado, bêbado, numa viela do morro do Caju. O acolheu, cuidou dele e eles acabaram se apaixonando um pelo outro. Já haviam se passado praticamente dez anos que ele tinha saído da Mangueira sem nunca dar notícia. Foi quando ele acabou arranjando uns bicos na zona sul e acabou sendo descoberto pelo Stanislaw Ponte Preta.

Cartola chegou a ganhar algum dinheiro e ter certo reconhecimento entre os músicos cariocas na década de 1930. Compôs alguns sambas que foram gravados por gente grande do rádio, como Francisco Alves e Sílvio Caldas. Ainda nessa época, conviveu com o poeta de Vila Isabel, Noel Rosa, e chegou a tocar com Pixinguinha. Era o compositor principal da escola de samba Estação Primeira de Mangueira, mas se desentendeu com alguns integrantes da escola e acabou saindo. Só voltou pra lá nos anos 1960, já com Dona Zica ao seu lado. Foi quando começou a realmente ganhar reconhecimento e popularidade, ao ser exaltado por grandes nomes da música jovem da época, como Nara Leão e Paulinho da Viola. Realmente a vida de Cartola é um moinho, de tantas voltas que deu. Então separamos 10 fatos essenciais e curiosos sobre a vida deste, que é considerado o mais influente compositor do samba.

Nome errado.

Cartola nasceu no dia 11 de outubro de 1908. Foi batizado Agenor de Oliveira. Nome que pelo qual ele deixaria de ser chamado pela maioria das pessoas alguns anos depois, ao receber o apelido de Cartola. Porém, já na década de 1960, quando foi arranjar os papéis para se casar, descobriu que seu nome fora registrado errado no cartório. E em seus documentos constava o nome Angenor de Oliveira. Como ele já era conhecido por Cartola mesmo, deixou como estava e passou a assinar “Angenor” mesmo, pra não ter problema.

O surgimento de Cartola.

Aos 15 anos Angenor largou a escola e foi trabalhar pra ajudar nas despesas da família. Logo conseguiu um emprego com um grupo de pedreiros. Estamos falando da primeira metade da década de 1920, antes da era Vargas e dos direitos trabalhistas. Se não tinham direitos, imagine se havia preocupação com segurança no trabalho. Ninguém usava capacete. Mais preocupado com o cal e cimento que se acumulavam no cabelo do que com proteção, Angenor arranjou um chapéu preto, que passou a usar para não sujar a cabeça. Como o chapéu era alguns números maior do que a cabeça do rapaz, os colegas de trabalho passaram a chama-lo de Cartola.

Cartola aos 12 anos de idade. – C´redito da imagem: Arquivo Jornal O Globo

Dureza.

Assim como a esmagadora maioria dos negros na cidade do Rio de Janeiro, Cartola e sua família eram muito pobres. Mesmo nos anos 1930, quando começou a se destacar como compositor de samba e ter suas canções gravadas por nomes como Francisco Alves, Sílvio Caldas e até mesmo Carmem Miranda, ele não era bem remunerado. Afinal, a venda de discos, que já não era muito alta, não tinha nenhum controle mais rígido. Então, incapacitados de receber direitos autorias por execução das músicas no rádio ou venda de discos, os compositores costumavam vender suas músicas por um valor fechado, com uma possível bonificação se a música estourasse. Como não era sempre que se conseguia compor um bom samba para vender, Cartola, assim como tantos outros compositores, como Noel Rosa, por exemplo, não tinham uma vida financeira estável.

Estação Primeira de Mangueira.

Quando criança, Cartola morou com os pais no bairro das Laranjeiras, no Rio de Janeiro. Pela proximidade, acabou se tornando um apaixonado torcedor do Fluminense. Mas logo a família se mudou para o morro da Mangueira, onde uma pequena comunidade começava a se expandir. Foi ali que Cartola viveu sua adolescência e se tornou compositor de samba junto com alguns amigos. E foi com esses amigos que, em abril de 1928, Cartola juntou os quatro ou cinco blocos carnavalescos que rolavam no morro e fundaram a Estação Primeira de Mangueira, uma das mais tradicionais e bem sucedidas escolas de samba do Rio de Janeiro.

Cartola e Pixinguinha – Crédito da imagem: Arquivo Jornal O Globo

Dream Team.

Em 1940 desembarcou no Rio de Janeiro o maestro erudito Leopold Stokowski, músico norte americano renomado em todo o mundo. Ele estava percorrendo a América do Sul fazendo um trabalho semelhante ao que Alan Lomax fizera no sul dos Estados Unidos 20 anos antes. Estava fazendo gravações de músicas tradicionais, nativas dos diferentes povos latinos. Ficou a cargo do também maestro erudito Heitor Villa Lobos (sim, aquele mesmo, que se apresentou de casaca e calçando chinelos, na Semana de Arte Moderna de 1922) reunir os músicos para realizar as tais gravações. Assim, Villa Lobos reuniu Pixinguinha, Cartola, Donga e João da Baiana, para tocarem juntos e, quem sabe compor alguma coisinha. Um dos sambas gravados foi Quem Me Vê Sorrindo, composição de Cartola. Claro que esse registro histórico nunca foi lançado oficialmente aqui no Brasil, mas saiu num compacto de 78rpm nos Estados Unidos. E hoje é fácil achar na internet, esse que é o encontro entre os granes e principais criadores do samba como o conhecemos.

A luz no fim do túnel.

Em 1947 o mundo de Cartola estava desmoronando. A nova direção da Mangueira não simpatizava com ele e seus sambas vinham sendo sempre reprovados para representar a escola no carnaval do ano seguinte. Para piorar, ele contraiu meningite. Foi internado, ficou 3 dias em coma e quase dois meses internado. Quando teve alta, estava muito debilitado e precisava andar com a ajuda de muletas. Somaram-se as desavenças na escola de samba com a vergonha que ele sentia de sua condição física, resolveu se mudar, ir embora do morro da Mangueira. Conseguiu um barraco em Nilópolis, onde se estabeleceu com Deolinda, sua esposa. Porém, Deolinda faleceu no fim de 1947, vítima de um ataque cardíaco. Cartola entrou numa depressão pesada, estava bebendo muito. Era comum encontra-lo caído entre Nilópolis e o Morro do Caju. Foi quando Eusébia Silva do Nascimento o reconheceu, o levou para casa e cuidou dele. Mais conhecido como Dona Zica, ela gostava dos sambas do Cartola e os dois logo se apaixonaram. Com ela, Cartola se recuperou e decidiu voltar para Mangueira. Lá compraram uma casa no pé do morro e, já distante da música, ele arranjou trabalho como lavador de carros e porteiro em Ipanema.

Zicartola.

Quando Stanislaw Ponte Preta encontrou Cartola trabalhando de porteiro, ficou inconformado. Considerava Cartola um gênio do samba e não descansou enquanto não conseguiu alguns contatos com rádios para tocar suas músicas e marcar alguns shows para o sambista. De volta ao mundo do samba, Cartola conseguiu um trabalho como zelador da Associação de Escolas de Samba do Rio de Janeiro. O lugar, um casarão no centro antigo do Rio de Janeiro, naturalmente já reunia muitos sambistas de toda a cidade com frequência. Cartola e Dona Zica, sempre por lá, transformavam tudo em festa. Dona Zica era cozinheira de mão cheia e a coisa foi se tornando ponto de encontro mesmo. Os próprios sambistas juntaram grana e convenceram o casal a abrir um bar. Assim, em 1963 foi inaugurado o Zicartola, na Rua da Carioca, centro histórico do Rio. Um bar que se tornou marco histórico na música popular brasileira. Ali, se reuniam velhos e jovens músicos, do morro e do Leblon. Foi lá que Paulinho da Viola se destacou. Era o único lugar em que era possível encontrar Nara Leão, Elizeth Cardoso, Zé Keti, Nelson Cavaquinho, além de jornalistas e artistas em geral. Era um lugar mágico. Mas Cartola e Dona Zica, como administradores era ótimos artistas. Ou seja, o bar acabou falindo e fechou as portas dois anos depois, em 1965. Foi bom enquanto durou.

Registros históricos.

O sambista paulista Adoniran Barbosa costumava dizer que o Pelão, apelido de João Carlos Botezelli, era o Álvares Cabral do samba. De fato, a importância de Pelão para o samba é incalculável. No início dos anos 1970, ele entrou numa verdadeira batalha para conseguir registrar em disco os nomes mais importantes, porém deixados de lado, do samba brasileiro. Assim, Pelão conseguiu levar para o estúdio gente como Nelson Cavaquinho, Adoniran Barbosa e Cartola para gravarem seus primeiros discos solo. Eram todos artistas com mais de 60 ano de idade, que tiveram suas canções regravadas, mas que nunca tinha tido a chance de eles próprios gravarem suas músicas. Um dos diretores da gravadora onde Pelão trabalhava chegou a dizer para ele que o estúdio não era um asilo. Pelão, consciente da importância do trabalho que fazia, só mandou um sonoro “Vai tomar no c#!” e saiu andando. O primeiro disco do Cartola, portanto, foi produzido pelo Pelão e foi lançado em 1974. De cara foi um sucesso de público e critica. O disco trazia clássicos como Corra e Olha o Céu e Alvorada. O sucesso foi tamanho que Pelão insistiu em gravar mais um. Também intitulado simplesmente Cartola, seu segundo disco, lançado em 1976, foi um estrondo. Puxado pelas antológicas músicas A Vida é um Moinho e As Rosas Não Falam, o disco vendeu muito. Às beiras de completar 70 anos de idade, finalmente Cartola tinha sido reconhecido e recebia um bom dinheiro pela sua obra.

A icônica foto feita por Ivan Klingen, que virou capa de disco, em 1977.

Pausa pro café.

A icônica foto de Cartola tomando café foi tirada por Ivan Klingen em 1977. De imediato, ela já se tornou uma das imagens mais reconhecidas do sambista. A foto foi tirada numa manhã em que deveria acontecer o ensaio de fotos para a gravadora RCA, de onde seria escolhida uma foto para estampar a capa do próximo disco do sambista. Acontece que ninguém avisou Cartola sobre o tal ensaio. Ivan chegou no morro da Mangueira numa manhã e encontra Carola na porta de sua casa, de mala na mão, esperando uma carona para ir para a rodoviária, pois tinha um compromisso fora da cidade. Contrariado o sambista aceita entrar em casa para posar para algumas fotos, enquanto a carona não chegava. Foi quando Dona Zica, para acalmar os ânimos resolveu servir um cafezinho. Quando Ivan viu a xícara verde, teve a ideia da foto. Perguntou se Dona Zica não teria um pires cor de rosa. E ela tinha. Pronto! Estava feita uma das mais icônicas fotos da música popular brasileira, mesmo com o fotografado estando de péssimo humor. Claro, a imagem também capturou a essência da cultura brasileira, já que o cafezinho é parte indispensável da nossa vida cotidiana e um símbolo da nossa hospitalidade, afinal, seja onde for que você chegue, na casa de um amigo ou no consultório médico, a primeira coisa que te oferecem é um cafezinho.

Despedida.

Em 1978 Cartola não andava se sentindo bem. Sentia dores pelo corpo e fraqueza. Depois de alguns exames, foi diagnosticado com um câncer na tireoide. Chegou até a ser operado naquele mesmo ano, o que lhe deu uma boa sobrevida. Mas não o curou completamente. E tudo isso ele preferiu esconder dos amigos e da imprensa. Apenas Dona Zica e alguns poucos familiares sabiam da verdadeira condição de Cartola. No dia 27 de novembro de 1980 foi publicada uma crônica no Jornal do Brasil, sob o título Cartola, no moinho do mundo e assinada por Carlos Drummond de Andrade. A crônica exalta o poder, a transcendência e a beleza da obra de Cartola com um lirismo que só Drummond poderia produzir. Cartola leu a homenagem na cama do hospital onde estava internado. Ficou radiante e cheio de si pela homenagem vinda de um dos maiores escritores e intelectuais do Brasil. Quis o destino que aquela fosse a última homenagem que Cartola recebeu em vida. Ele faleceu no dia 30 de novembro, por complicações causadas pelo câncer. Cartola sempre dizia que no seu enterro, gostaria que o Waldomiro tocasse o bumbo. Waldomiro foi um dos fundadores da Mangueira com Cartola, além de um dos grandes amigos. Assim, no dia 1 de dezembro, no Cemitério do Caju, no Rio de Janeiro, um grupo enorme de pessoas, entre elas Clara Nunes, Alcione, Emilio Santiago, Chico Buarque, João Nogueira, Dona Ivone Lara, Nelson Sargento, Jamelão, Clementina de Jesus, Martinho da Vila, Gal Costa, Simone, Elizeth Cardoso, Beth Carvalho, Paulinho da Viola e Gonzaguinha, cantavam em coro As Rosas Não Falam, sob a marcação do bumbo de Waldomiro, enquanto o caixão de Cartola era baixado, coberto pela bandeira do Fluminense.

Realmente uma história incrível e inspiradora! São histórias como essa que instigam a Strip Me a sempre produzir mais e criar coleções que exaltam a brasilidade, as nossas raízes e a boa música! Sempre, é claro, com bom gosto e uma pegada contemporânea, como a lindíssima Coleção Cartola! Portanto, corre lá na nossa loja pra conferir as camisetas de música, cinema, arte, cultura pop e muito mais, além de ficar por dentro dos lançamentos, que pintam toda semana.

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist caprichada com o melhor da obra do Cartola, pra você curtir enquanto toma um cafezinho. Cartola Top 10 tracks.

Para assistir: É ótimo o documentário Cartola: Música para os Olhos, lançado em 2007 e escrito e dirigido pela dupla Lírio Ferreira e Hilton Lacerda. O doc traz não só a trajetória incrível de Cartola, mas também a evolução do samba no Rio de Janeiro. Vale a pena demais assistir e está completinho, na faixa, no Youtube. Link aqui.

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10 Fatos que justificam a majestade de Rita Lee, a nossa Rainha do Rock.

08/03/2023 | Por Paulo Argollo | Comentários desativados

Rita Lee é mais que a Rainha do Rock Brasileiro. É uma das artistas mais importantes da música e uma das mulheres mais influentes do Brasil! Portanto é absolutamente apropriado que este texto seja publicado hoje, dia 8 de março, o Dia Internacional da Mulher. Afinal, é uma maneira de exaltarmos todas as mulheres ao homenagear a Rita F*cking Lee, uma mulher de 75 anos de idade que revolucionou o rock n’ roll no Brasil, é uma das artistas que mais vendeu discos na história da música pop brasileira, é ativista pelo feminismo e pelos direitos dos animais, já foi elogiada pelo atual rei da Inglaterra, além de cantora e compositora, é artista plástica, atriz e escritora e recentemente vem lutando bravamente contra um câncer. Rita Lee é certamente nossa super-heroína!

Nascida em 31 de dezembro de 1947, Rita Lee Jones é a terceira filha do casal Charles e Romilda. Ele filho de pais norte americanos, vindos do Alabama para se estabelecer em Santa Barbara D’Oeste, ela filha de italianos vindos do sul da Itália. Rita nasceu e foi criada no bairro Vila Mariana, na capital paulista. Lá estudou, fez amizades, montou sua primeira banda, namorou, saiu da casa dos pais, mas alugou uma casa no bairro, casou, se divorciou e teve um filho. Rita Lee só deixou de morar na Vila Mariana após 1977. Estabeleceu uma parceria simbiótica com Roberto de Carvalho, que se tornou parceiro musical e amante, numa relação que perdura até hoje. Foi com ele que ela escreveu seus maiores sucessos. Sempre foi apaixonada por bichos, quando criança, dizia querer ser veterinária. Já teve tudo quanto é bicho de estimação, inclusive uma jaguatirica, que andava livremente pela casa como um enorme e manhoso gato. Enfim, a vida de Rita Lee é uma grande e empolgante aventura que é difícil de se resumir. Por isso, separamos 10 fatos marcantes de sua vida, que mostram porque Rita Lee é uma das mulheres mais importantes da história contemporânea do Brasil.

1 – Origens.

Caetano Veloso já cantou que Rita Lee é a mais perfeita tradução da cidade de São Paulo. Constatação irrefutável. Sendo descendente de estadunidenses e italianos, Rita Lee cresceu entre a cultura cosmopolita e moderna dos Estados Unidos e a cultura tradicionalista e passional da Itália. Tudo isso vivendo na maior cidade da América Latina. Desde cedo, era curiosa e afeita à leitura. Apesar das aspirações infantis de ser veterinária, e da vontade do pai que ela seguisse seus passos e fosse dentista, Rita ingressou na USP para cursar comunicação social e ser jornalista. Mas nessa época, ela já estava envolvida com a música e optou por largar a faculdade para seguir os caminhos do rock n’ roll.

2 – Girl Power.

Em 1963 Rita Lee saiu da banda onde fazia alguns vocais para montar sua própria banda. E fez questão de que fosse uma banda só de garotas. Surgiu então o trio Teenage Singers. A banda fez algumas apresentações e tinham certo reconhecimento entre os jovens paulistanos, mas era um conjunto limitado. O forte delas era cantar e sentiam que precisavam de um instrumental mais coeso acompanhando-as. Foi quando elas conheceram um outro trio, os Wooden Faces, cujos integrantes eram os irmãos Arnaldo e Sérgio Baptista e o baterista Dinho. Os dois trios se juntaram formando o conjunto O’Seis, que, após algumas mudanças de formação, ficariam famosos como Os Mutantes.

3 – Multi Rita.

É exagero dizer que Rita Lee era a alma dos Mutantes. Até porque o principal compositor e quem criava as concepções psicodélicas da banda era Arnaldo Baptista. Porém, Rita Lee era a carta na manga, o super trunfo dos Mutantes. Enquanto cada integrante se limitava a no máximo dois instrumentos, Rita Lee tocava de tudo! Piano, sintetizador, percussão, pandeirola, violão, escaleta e até mesmo uma bomba de detetização. Além disso, era compositora de mão cheia. É dela, por exemplo, a icônica canção 2001, escrita em parceria com Tom Zé. Rita também se encarregava dos figurinos e trazia para a banda um bom humor e leveza irresistíveis.

4 – Sem tempo, irmãos.

Rita Lee foi mandada embora dos Mutantes. A verdade é essa. Verdade confirmada pelos próprios irmãos Baptista tempos depois da dissolução da banda. Acontece que no começo dos anos 70 Arnaldo e Sérgio entraram numa onda de virtuosismo, estudando ao máximo seus instrumentos e embevecidos pela pompa do aristocrático rock progressivo que despontava. Um som que se levava a sério até demais. Rita Lee fazia de tudo um pouco, mas não era virtuose em nenhum instrumento. E também não via muita graça em Emerson, Lake and Palmer. E os irmãos Baptista não viam mais espaço para Rita Lee nos Mutantes, que agora seriam uma banda séria de rock progressivo. Mas se você acha que isso a abalou, achou errado. Não só ela seguiu uma bem sucedida carreira solo, como convenceu os Mutantes a serem sua banda de apoio em suas primeiros discos solo, que não tinham nada de rock progressivo.

5 – Rasgando o verbo.

Rita Lee e Arnaldo Baptista, além de companheiros de banda, se tornaram namorados. Mas o ano era 1968 e o bicho grilismo imperava entre a juventude. A banda chegou a morar um tempo numa comunidade hippie na serra da Cantareira e o casal praticava o amor livre, atualmente conhecido como relacionamento aberto. Muitos anos depois a própria Rita afirmaria que eles não se amavam de verdade, mas que ela se sentia traída quando via Arnaldo com outras mulheres. E nessa época, justamente para poder morar fora e levar sua vida como quisesse, Rita precisou se casar, para ter aceitação da família. O casamento só serviu para uma coisa: uma cena épica, ao vivo na televisão. No programa da Hebe Camargo, em 1972, Rita Lee rasgou sua certidão de casamento na frente das câmeras.

6 – Fruto de sucesso.

Em 1973 Rita Lee, já rompida de vez com os Mutantes, conhece o guitarrista Luis Carlini e monta uma nova banda, a Tutti Frutti. Porém, nos discos, pelo contrato com a gravadora, Rita Lee era uma artista solo, então a banda ficou sendo Rita Lee & Tutti Frutti. Em 1974 a banda lança o ótimo disco Atrás do Porto Tem uma Cidade. Mas o sucesso vem mesmo no ano seguinte, quando é lançado o disco Fruto Proibido. Alavancado pelo single Ovelha Negra, o disco acaba como um dos mais vendidos de 1975 e se torna um clássico absoluto do rock brasileiro. E não é para menos. Fruto Proibido conta com performances excelentes de Luis Carlini e Lee Marcucci e traz, além de Ovelha Negra, hits como Agora Só falta Você e Esse Tal de Roque Enrow.

7 – Xilindró.

Em 1976, Rita Lee conheceu Roberto de Carvalho. Os dois se apaixonaram perdidamente e logo já estavam morando juntos e Rita engravidou. Com o sucesso avassalador, depois da libertária música Ovelha Negra, Rita Lee se tornou um alvo para a ditadura militar que vigorava no Brasil. Logo após Rita declarar na imprensa que tinha parado de usar drogas e beber por conta da gravidez, os militares fizeram uma batida na casa da cantora e a levaram presa, após encontrar porções de maconha, haxixe e LSD. Claramente, o que fora apreendido eram restos de drogas consumidas por amigos que frequentavam a casa de Rita. Mesmo assim, ela foi condenada e ficou um ano presa. A única artista a visitar Rita na prisão, e defende-la vigorosamente na imprensa, foi Elis Regina, de quem Rita se tornaria amiga desde então.

8 – Lança Perfume.

Quando Rita foi libertada, logo engatou numa tour frenética ao lado de Gilberto Gil. Enquanto isso, se transformava musicalmente, absorvendo elementos da MPB e da música pop. Em 1979 Rita e Roberto de Carvalho engatam uma prolífica parceria musical e lançam o disco Rita Lee, que traz clássicos como Mania de Você e Doce Vampiro. Mas é na virada da década, em 1980, que a dupla realmente se consagra. Mais um disco intitulado simplesmente Rita Lee. Mas dessa vez com sucessos radiofônicos instantâneos como Baila Comigo, Nel Luxo Nem Lixo, Ôrra Meu, Bem me Quer e, principalmente, a faixa Lança Perfume. Esse disco chegou a fazer sucesso nas rádios da França e Itália. Foi quando o jovem príncipe Charles, filho mais velho da rainha da Inglaterra, declarou à imprensa que que sua cantora favorita naquele momento era a brasileira Rita Lee.

9 – Like a rolling stone.

Em 1995, os Rolling Stones vieram ao Brasil para tocar em São Paulo e Rio de Janeiro, parte da tour Voodoo Lounge. Estava tudo certo. Os Stones teriam duas atrações de abertura: Os norte americanos Spin Doctors e os brasileiros Barão Vermelho. Tudo no contrato, tudo certinho. Porém, quando chegou até os integrantes dos Stones os nomes das atrações de abertura, Mick Jagger escreveu um bilhete, de próprio punho, e enviou por fax para os promoters brasileiros fazendo uma exigência: Ele fazia questão que a Rita Lee tocasse também. Assim, ela foi incluída como terceira atração. No show de São Paulo, ela acabou nem tocando, por conta da chuva torrencial que desabou. Mas no Rio, sabe-se lá porque inverteram a ordem das apresentações. Era pra ser Barão Vermelho, Rita Lee e Spin Doctors. Ma na hora, os Spin Doctors entraram depois do Barão Vermelho, e a Rita Lee tocou diretamente antes dos Stones e fez um show memorável! Ela relembra em sua autobiografia, que o próprio Jagger liberou o corredor de acesso ao palco para ela subir e tocar. Zerou a vida, né…

10 – Recordes.

Rita Lee é uma mulher de superlativos. Porque ela extrapolou todos os recordes da indústria fonográfica no Brasil. Ela é a mulher que mais vendeu discos na história da música brasileira e é a artista brasileira que mais emplacou hits nas trilhas de abertura de novelas. Rebelde e questionadora, também é a mulher que mais teve músicas censuradas durante a ditadura militar. Em 1980 Lança Perfume ficou em primeiro lugar na França e chegou a entrar no top 100 da Billboard nos Estados Unidos, rendendo versões em vários idiomas, inclusive uma versão pitoresca em hebraico. Em 2016 escreveu sua autobiografia, o livro se tornou um best seller instantâneo, vendendo mais de 200 mil exemplares, um fenômeno de vendas num país que lê tão pouco. Em 2017, seu livro foi indicado para o Prêmio Jabuti, o Oscar brasileiro da literatura.

Que mulher é a Rita Lee! Um dos grandes exemplos de mulher livre, de talento e dona de seu próprio destino! Entre Anita Garibaldi, Fernanda Montenegro, Carmem Miranda e muitas outras, Rita Lee é uma mulher brasileira que nos enche de orgulho e inspira a Strip Me prestar cada vez mais homenagens como essa e a transmitir, através das nossas camisetas, a arte a liberdade, a diversidade e o amor, nas camisetas de música, arte, cinema e cultura pop. Na nossa loja você confere tudo isso e fica por dentro dos lançamentos, que pintam toda semana. Assim como a Rita Lee, a Strip Me é puro barulho, diversão e arte!

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist com o que há de melhor na obra da Rita Lee, é claro. Rita Lee Top 10 tracks.

Para ler: Recomendadíssimo o livro da própria Rita, Rita Lee Uma Autobiografia, lançado em 2016 pela Editora Globo. Um livro divertido e muito bem humorado, onde a cantora narra em detalhes sua vida e obra!

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Gal Costa: Um adeus à diva tropicalista.

09/11/2022 | Por Paulo Argollo | Comentários desativados

De junho em diante, quando estava no sexto mês de gravidez, Mariah Costa Penna passou a fazer sessões regulares de audição de música clássica, ficando sozinha, concentrada apenas nas melodias, desejando que a criança que estava em seu ventre viesse ao mundo e tivesse uma conexão forte com o mundo musical, que ela própria, Mariah, adorava. E não é que funcionou? No dia 26 de setembro de 1945 nasceu Maria da Graça Costa Penna Burgos. A mulher que seria no futuro conhecida como Gal Costa, uma das maiores vozes da música brasileira.

Gal Costa – Foto de Eduardo Nicolau (2005)

Gal Costa faleceu aos 77 anos de idade na manhã desta quarta feira, dia 9 de novembro. Gal estava a algumas semanas afastada dos palcos para tratar de um nódulo no nariz. A causa da morte ainda não foi confirmada pela assessoria da cantora. Uma perda irreparável para a música brasileira, num momento em que a cultura vive um efervescente resgate dos revolucionários anos 60 e 70 o país, com enfoque na bossa nova e na tropicália. Tanto é que Gal Costa vinha fazendo shows e parcerias com artistas jovens como Tim Bernardes e Criolo.

Gal nasceu e foi criada em Salvador. Espevitada e comunicativa, logo se interessou pelas artes e pela música. Adolescente, ficou amiga de Sandra e Andréa, duas irmãs que namoravam jovens e promissores músicos baianos. Sandra namorava Gilberto Gil e Andrea namorava Caetano Veloso. Foi assim que Gal rapidamente se tornou tão próxima de Gil, Caetano e Maria Bethânia. Ainda jovem, ela vivia literalmente rodeada pela música. Quando não estava entre seus amigos, ela trabalhava como vendedora numa das maiores lojas de discos de Salvador. A vida a empurrava para a música por todos os lados.

Gal Costa e Gilberto Gil – Foto de Fábio Tito (2017)

Foi 1963 o ano em que Gal conheceu Caetano e Gil. Nessa época, ela já tinha sido impactada pela monumental canção Chega de Saudade, interpretada por João Gilberto. A bossa nova já lhe era uma grande influência. Com Gil e Caetano, seus horizontes se ampliaram para outros estilos. Nas rodas de violão com os amigos, ela começou a soltar a voz. E que voz! Afinada, potente e doce. Gal estreou profissionalmente cantando na inauguração do Teatro Vila Velha, em Salvador, em 1964. O espetáculo se chamava Nós, Por Exemplo. Contava com Caetano, Gil, Tom Zé, Maria Bethânia e outros músicos, e fora idealizado por Caetano como um show em conjunto para celebrar a nova geração de músicos, que queriam renovar a música brasileira. Gal, que na época ainda se apresentava como Maria da Graça, cantou a composição de Caetano Sol Negro, e arrebentou, sendo considerado um dos pontos altos do show.

No ano seguinte, 1965, Gal se muda para o Rio de Janeiro, tal qual fez Maria Bethânia. E foi com Bethânia que Gal entra em estúdio pela primeira vez, para gravar em dueto justamente a canção Sol Negro, no disco de estreia de Bethânia. Em 1967 Caetano e Gal se juntam para gravar um disco, o disco de estreia de ambos: Domingo. Disco inspiradíssimo com canções como Coração Vagabundo, Avarandado e Quem me Dera. Um ano depois a tropicália era oficialmente deflagrada com o antológico disco Tropicália ou Panis et Circencis, que reuniu Mutantes, Gil, Caetano, Tom Zé, Gal Costa e outros sob a batuta de Rogério Duprat. Disco este que muitos consideram o Sgt. Pepper’s… tupiniquim. Seu primeiro disco solo saiu em 1969, um disco brilhante, com músicas de Caetano, Gilberto Gil e Jorge Benjor. Ainda no mesmo ano lançou mais um disco, simplesmente intitulado Gal, e que tem uma pegada mais rock n’ roll, onde, além da capa psicodélica, tem a canção Meu Nome é Gal, composta por Roberto e Erasmo Carlos, eliminando qualquer rusga e mostrando a união da tropicália com a jovem guarda.

Doces Bárbaros – Foto do Arquivo Estadão (1978)

Daí em diante a carreira de Gal Costa cresceu vertiginosamente. Intérprete versátil, ela passou a estabelecer um repertório marcante, que ia do rock ao baião, do samba ao jazz, tudo com uma marca muito particular: sua voz. Em 1976 Maria Bethânia idealizou um espetáculo que se tornaria um marco da contra cultura brasileira. Os Doces Bárbaros era um conjunto formado pelos inseparáveis Gilberto Gil, Caetano Veloso, Maria Bethânia e Gal Costa. O show do grupo rendeu um filme e um disco, lançados no mesmo ano. Como era de esperar, a censura caiu matando em cima dos concertos do conjunto, que acabou tendo vida curta. No fim da década de 70 Gal deu uma virada na sua carreira. Em 1978 lançou o disco Água Viva, que se tornou rapidamente disco de ouro, um dos mais vendidos da carreira da cantora até hoje. A turnê de divulgação deste disco ficou conhecida como Gal Tropical. Nesses shows, Gal deixa de lado sua estética hippie, para ganhar uma aura mais sensual e mainstream. A turnê foi tão bem sucedida que acabou virando disco, também chamado Gal Tropical.

Os anos 80 começam com um dos duetos mais aguardados e formidáveis da música brasileira. Num especial para a televisão Gal Costa e Elis Regina se juntam numa apresentação avassaladora, uma aula de musicalidade e talento. Em 1985 mais um dueto de peso marca a carreira de Gal. Para o seu disco Bem Bom, Gal canta junto com Tim Maia o clássico Um dia de Domingo. A década acaba com Gal se aproximando das novas gerações ao gravar músicas de Lulu Santos e a grandiosa Brasil, composição de Cazuza, mas que Gal imortalizou com sua voz. Na década de 90 Gal continuou lançando discos de alto nível. Em 1994 os Doces Bárbaros se reúnem para alguns shows e para serem homenageados pela escola de samba carioca Mangueira. Em 1997 lança seu disco acústico pela MTV, renovando mais uma vez seu público com um disco recheado de hits memoráveis. Atenta às novidades, Gal avançou pelo novo século de olho em novos artistas. Gravou e fez parcerias com muitos artistas, entre eles, Arnaldo Antunes, Zeca Baleiro, Marisa Monte, Céu, Moreno Veloso, Malu Magalhães, Nando Reis e Tim Bernardes.

Gal Costa se apresentando no lendário Carnegie Hall – Foto de Scott Gries (2003)

Aos 77anos de idade, Gal completava 57 anos de carreira e estava exuberante. Sua apresentação no Primavera Sound São Paulo era um dos shows mais aguardados do festival, mas acabou sendo cancelado em cima da hora por conta de uma cirurgia que a cantora precisou fazer, para retirar um nódulo da narina direita. Entretanto, ela se recuperava bem da cirurgia. Ainda não se sabe a causa da morte.

De qualquer forma, se faz extremamente necessário que todos nós prestemos nossas homenagens a esta artista tão emblemática da nossa música. Não por acaso, Gal já estava presente em algumas das estampas da Strip Me, seja nominalmente na camiseta MPB, seja na frase da camiseta Atento e Forte, ou ainda na camiseta Tropicalismo. Todo o nosso respeito e admiração por Gal Costa. No dia de sua morte, celebramos sua obra, que será eterna.

Gal Costa em ensaio para a capa de seu primeiro disco solo – Foto do Arquivo Estadão (1969)

Vai fundo!

Para ouvir: Claro, uma playlist com o melhor da obra de Gal Costa. RIP Gal Gosta top 10 tracks.

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A calçada de Copacabana e a garota de Ipanema.

26/10/2022 | Por Paulo Argollo | Comentários desativados

A Strip Me está sempre lançando novidades, com uma frequência invejável. Toda semana tem pelo menos uma ou duas camisetas novas, com estampas originalíssimas e de muito bom gosto. Toda estampa criada tem sua importância e alguma ligação com esse nosso universo de diversidade, cultura, barulho, diversão e arte. Um dos lançamentos mais recentes é a “Copacabana”, uma camiseta minimalista com estampa do icônico desenho do calçadão da praia mais famosa do Rio de Janeiro. Além de nos remeter ao verão, aos passeios à beira mar e à natureza, a praia de Copacabana carrega muito da história da cultura brasileira. Hoje Vamos falar sobre uma dessas histórias.

O calçadão de Copacabana foi construído em 1906, com 4,15 quilômetros de comprimento e abrange as praias do Leme e de Copacabana. O desenho de ondas foi inspirado no calçamento da Praça do Rocio, em Lisboa. Trata-se de uma das praças mais tradicionais do centro da capital portuguesa e o desenho das ondas claras e escuras representam o encontro das águas do rio Tejo com o Oceano Atlântico. Inicialmente, no calçadão carioca, o desenho das ondas ficava perpendicular ao calçamento. Só depois de uma reforma na década de 1970, que teve como arquiteto o legendário Burle Marx, que as ondas passaram a ser paralelas ao calçamento, como conhecemos atualmente. Todo o calçadão foi feito com pedras trazidas de Portugal, bem como a equipe que instalou e até hoje faz a manutenção do calçadão periodicamente é formada por trabalhadores portugueses especialistas nesse tipo de trabalho.

Por sua beleza natural e boa localização, a praia de Copacabana logo foi habitada por pessoas de posses ao longo do século XIX, quando a família real portuguesa veio para o Brasil e causou uma drástica urbanização na então capital do Brasil. Em 1923 foi inaugurado, entre mansões e palacetes à beira mar, o imponente hotel Copacabana Palace. O hotel de quartos luxuosos e um enorme cassino logo tornou-se ícone do Rio de Janeiro e abrigava as mais altas celebridades do Brasil e do Mundo. Em 1946 o jogo foi proibido no país e o cassino do hotel foi transformado em sala de shows e espetáculos. Desta forma o hotel, em especial suas áreas de convivência como o bar, o restaurante e a piscina, tornaram-se ponto de encontro de intelectuais e boêmios cariocas. Ainda hoje o Copacabana Palace hospeda os mais importantes artistas e políticos que visitam o Rio de janeiro. A longa lista de hóspedes ilustres conta com nomes como Walt Disney, Brigitte Bardot, Clark Gable, princesa Diana, Nelson Mandela, Paul McCartney, Barack Obama, Tom Cruise, Mick Jagger e muitos outros.

Foi em um prédio próximo ao Copacabana Palace, o Edifício Palácio Champs Élysées, na Avenida Atlântica, nº 2.856, em Copacabana, que nasceu o movimento musical brasileiro que ganharia o mundo: a bossa nova. O edifício era dividido em três blocos (Louvre, Trianon e Versalhes) com entradas independentes. O apartamento 303 do bloco Louvre pertenceu à família da cantora Nara Leão. Por volta de 1957 o apartamento reunia alguns amigos de Nara, como Roberto Menescal, Carlos Lyra, Sérgio Mendes e Ronaldo Bôscoli. Essa turma receberia mais tarde a adição de João Gilberto, vindo da Bahia. Todos eram muito jovens naquela época, por volta de 18, 19 anos. Foi através de João Gilberto que essa turma jovem se ligou a dois caras um pouco mais velhos, que foram fundamentais para a explosão da bossa nova: Tom Jobim e Vinícius de Moraes.

Em 1962 a bossa nova já tinha se popularizado. A canção Chega de Saudade, de João Gilberto, já era um grande sucesso, vendeu muitos discos e era a música símbolo da bossa nova. Mas no fim de junho daquele ano isso começava a mudar. Vinícius de Moraes e Tom Jobim se reuniam frequentemente num bar a um quarteirão da praia de Ipanema, vizinha de Copacabana, para tomar chopp durante a tarde. Sempre escolhiam uma mesa na calçada para observar o movimento. Toda semana viam uma garota passar por eles de maiô e sacola pendurada no braço indo para a praia. Uma garota deslumbrante, linda mesmo! Depois de tanto admirar aquela moça passando, resolveram escrever uma canção.

Nessa época Vinícius de Moraes estava escrevendo uma peça de teatro, uma comédia, chamada Blimp, e encomendou a Tom alguns temas musicais para serem utilizados na peça. O roteiro da peça era meio bobo, contava a história de um extraterrestre que caía por engano no Rio de Janeiro e se apaixonava por uma carioca. Para a peça, Tom Jobim compôs três melodias, que acabariam se tornando canções famosas. São elas Samba do Avião, Só Danço Samba e Garota de Ipanema. Por fim, a peça não saiu do papel. E quando veio a ideia da música sobre a moça da praia, Vinícius escolheu uma daquelas três canções que Tom tinha composto, e que estavam sem letra.

Pouca gente sabe, mas inicialmente Vinícius escreveu uma letra bem diferente para a música, bem mais introspectiva. Dizia assim: “Vinha cansado de tudo, de tantos caminhos. Tão sem poesia, tão sem passarinhos. Com medo da vida, com medo do amor. Quando, na tarde vazia, tão linda no espaço, eu vi a menina que vinha num passo cheio de balanço a caminho do mar.” Pega o começo da música e canta essa parte por cima, que você vai ver que dá certinho. Mas acontece que o Tom Jobim não gostou muito, ele queria uma letra mais ensolarada, mais leve. Vinícius então volta pra casa e escreve os versos que mudariam a música brasileira: “Olha que coisa mais linda, mais cheia de graça…”. Tal a grandeza da música, Garota de Ipanema foi apresentada ao público pela primeira vez num show que foi gravado e saiu em disco. Foi um show no restaurante Au Bon Gourmet, em Copacabana, que contava com Tom Jobim, Vinícius de Moraes e João Gilberto, acompanhados pelo conjunto Os Cariocas. Para apresentar a nova canção Tom, Vinícius e João Gilberto fizeram uma deliciosa introdução. Sobre uma delicada melodia ao piano, João Gilberto começava cantando: “Tom, e se você fizesse agora uma canção que possa nos dizer, contar o que é o amor?”. Tom Jobim respondia: “Olha, Joãozinho, eu não saberia sem Vinícius pra fazer a poesia.”. E Vinícius retrucava: “Para essa canção se realizar, quem dera o João para cantar.”. E João Gilberto: “Ah, mas quem sou eu? Eu sou mais vocês. Melhor se nós cantássemos os três.”. E entra a imbatível introdução de Garota de Ipanema.

Garota de Ipanema teve sua primeira versão em estúdio gravada por Pery Ribeiro em 1963, no disco Pery é Todo Bossa. Outras gravações vieram na sequência, com destaque para as versões instrumentais do Tamba Trio e do próprio Tom Jobim, que após perceber o sucesso dos shows de bossa nova realizados no Carnegie Hall, em New York, lançou a faixa com o título em inglês, The Girl from Ipanema. Em 1964 o saxofonista de jazz Stan Getz se junta a João Gilberto para gravar um disco antológico, que escancara as portas do mundo para a bossa nova. É deste disco, Getz/Gilberto, a versão mais famosa da canção, cantada em inglês pela então esposa de João Gilberto, Astrud Gilberto. Em 1967, se ainda havia no mundo alguém que não conhecia The Girl from Ipanema, acabaria conhecendo de qualquer maneira. Pois a música entra no disco Francis Albert Sinatra & Antonio Carlos Jobim. Sim, Sinatra se apaixona pela bossa nova e grava um disco inteiro com Tom Jobim. A história deste disco, por si só, merece um texto inteiro. Para se ter ideia, Sinatra telefonou dos Estados Unidos para a casa de Tom, que não estava. Sinatra insistiu tanto em falar com Tom Jobim que fez com que a telefonista o procurasse, fazendo ligações para vários lugares. O encontrou, claro, no mesmo bar em que a ideia de Garota de Ipanema surgiu. O garçom foi até a mesa de Tom e disse ”Olha, tem um gringo no telefone querendo falar com o senhor, não estou entendo nada.”. Era Frank Sinatra.

Garota de Ipanema fez com que a bossa nova se tornasse um dos estilos musicais mais populares em todo o mundo durante os anos 60 e 70, levando consigo o nome do Brasil. Garota de Ipanema é a segunda música mais regravada do mundo, com mais de 250 versões! Ela só perde para Yesterday, dos Beatles. E quando essa constatação foi divulgada, foram perguntar ao Tom Jobim o que ele achava disso. E ele falou: “Olha, pra mim está ótimo. Afinal estou em segundo lugar, mas a música que está em primeiro lugar é dos Bestles, e os Beatles são em 4, né? Eu sou um só.”.

É por histórias tão ricas e interessantes como essas que a Strip Me se dedica a lançar estampas tão incríveis, como essa, inspirada no calçadão de Copacabana, também na bossa nova e na cultura brasileira de maneira geral. E não só isso, mas muito mais. São camisetas de arte, música, cinema, cultura pop e muito mais. Na nossa loja você fica por dentro de todos os lançamentos e promoções. Confere lá!

Vai fundo!

Para ouvir: Se Garota de Ipanema é a segunda música mais gravada do mundo, com certeza dá pra fazer uma bela playlist com as 10 melhores versões. Ouça e escolha a sua favorita entre versões de Frank Sinatra, Ella Fitzgerald, Amy Winehouse, Tim Maia, entre outros. Garota de Ipanema Top 10 tracks.

Para assistir: Claro que na onda do sucesso mundial de Garota de Ipanema, foi feito um filme com o mesmo nome e com a bossa nova como trilha sonora. O roteiro em si é fraco, mais uma desculpa para que várias canções sejam tocadas, funcionando como um compilado de videoclipes. O filme Garota De Ipanema foi lançado em 1967 e dirigido pelo Leon Hirszman. O roteiro foi escrito por várias pessoas em parceria, entre eles Vinícius de Moraes e Glauber Rocha. No elenco, boa parte da turma da bossa nova e da MPB aparecem, de Tom Jobim a Chico Buarque. Vale a pena ver como curiosidade e pela boa música. Tem inteiro no Youtube.

Para ler: Olha, a gente poderia aqui recomendar livros e mais livros que se prestam a dissecar a bossa nova. Mas, ao invés disso, recomendamos um dos melhores livros do Vinícius de Moraes. Livro este que, por se tratar de uma compilação de crônicas e poemas, tem muita bossa ali, já que as crônicas geniais de Vinícius tinham um ritmo delicioso e os poemas a beleza deslumbrante, como a de algumas praias cariocas. O livro Para Viver um Grande Amor foi lançado originalmente em 1972 e está disponível atualmente numa bela edição pela Companhia das Letras.

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