10 Anos sem Amy

10 Anos sem Amy

Originalidade e criatividade nunca forma o forte da Inglaterra, já reparou? Pensa bem, desde a idade média a gente vê despontando grandes gênios da pintura, da música, da literatura a maioria deles italianos, alemães, espanhóis… mas ingleses quase não se vê. É um país tão sem originalidade que o prato mais tradicional da culinária deles é peixe frito com batata frita. Entretanto, há e ser dito: o que eles não tem de originalidade, tem de sobra o poder de rápida assimilação e desenvolvimento. Não foram eles que inventaram o tear, mas foram eles que o desenvolveram para produção em larga escala e iniciando a Revolução Industrial. Não foram eles que inventaram o rock n’ roll, mas foram eles que o elevaram ao patamar de arte com Beatles, The Who, Bowie, Led Zeppelin

Photo by: Phill Griffin

Claro, existem exceções. A música negra, de maneira geral, os ingleses absorveram rapidamente, mas não foram capazes de superar os criadores do soul, do jazz e  do reggae. Bob Marley, Isley Brothers, Jimmy Cliff, James Brown, Aretha Franklin, Coltrane, Nat King Cole, Ella Fitzgerald, Billie Holiday, são todos artistas respeitadíssimos na ilha da rainha, influenciaram muita gente, mas ninguém chegou perto deles em genialidade e qualidade artística. Pelo menos assim foi até 2003.

Photo by: Jake Cheesun

Em outubro de 2003 foi lançado o disco Frank, álbum de estréia de Amy Winehouse, até então uma cantora desconhecida que se apresentava em pubs de Londres e impressionava todo mundo com sua voz incrível, presença de palco gigantesca e ótimas melodias que ela mesma compunha. Além disso, Amy revitalizava o jazz e os standards norte americanos. Era um Cole Porter de saias, em pleno século XXI respeitando o passado, mas flertando com o moderno R&B e novas tendências musicais. Era uma artista brilhante a ponto de explodir. E ela explodiria em muitos sentidos.

Photo by: Phil Knott

Amy Jade Winehouse nasceu em Londres no dia 14 de setembro de 1983. Ela vinha de uma família simples muito ligada à música. Sua avó paterna fora cantora de jazz e o pai era músico amador e tinha em casa uma vasta coleção de discos. Como vemos em muitas histórias de artistas geniais, a música sempre foi uma âncora para Amy, que teve desde cedo uma vida complicada. Seus pais se separaram quando ela tinha 6 anos de idade, fato que a desestabilizou muito. Adolescente, por volta de 14 anos, precisou tomar remédios controlados para ansiedade e, em seguida, já aprendeu os prazeres e excessos da vida boêmia, álcool, drogas… se distanciou da escola e se aproximou ainda mais da música.

Photo by: Phil Griffin

Em 2001 Amy já tinha gravado uma demo que rodava entre os executivos de pequenos selos de Londres. Quem resolveu apostar na cantora foi a Island Records. Foi onde Amy conheceu o produtor Salaam Remi, que se tornaria seu parceiro de composições, amigo confidente e o responsável por lapidar o talento dela. Entre meados de 2002 e 2003 o disco Frank foi concebido e gravado. O disco não alcançou vendas muito altas, mas foi muito elogiado pela crítica e levou Amy Winehouse a um patamar acima das apresentações improvisadas em pubs. Ela entrou para um circuito alternativo de shows que trouxeram mais maturidade musicalmente, além de abrir muitas portas. Junto com o ritmo frenético de shows, após um ano do lançamento de Frank, Amy começou a ser cobrada por um novo disco. O que acabou a levando a um terrível bloqueio criativo. Seu primeiro disco era formado por canções muito pessoais baseadas nas desventuras conjugais de seus pais e de um relacionamento fracassado vivido por ela. Agora sua vida se limitava a tocar, fazer shows e cair na farra. Ela não tinha de onde tirar inspiração para compor. Até que em 2005, num pub no bairro de Camden, ela conhece Blake Fielder-Civil.

Foi paixão à primeira vista. Com Blake Amy começou uma relação tumultuada e muito intensa. Apesar de muitas brigas e desconfianças que ele tivesse outras mulheres, eram um casal muito ligado. Também foi com Blake que Amy conheceu realmente o lado negro da força e experimentou pela primeira vez heroína e crack. Aí você pensa: “Daí em diante foi só ladeira abaixo.”. Engano seu! Porque quando ela se afundou no vício, tentaram várias vezes interna-la em clínicas de reabilitação, as famosas rehabs. Ela já estava relutante, mas depois que seu pai disse a ela uma vez que ela não precisava se internar e podia tentar ficar limpa por conta própria, ela disse” Vocês querem que eu vá pra rehab, mas não não não.”. Sem falar que o tempestuoso relacionamento com Blake reacendeu a chama musical e Amy compôs várias canções. Morria assim o bloqueio criativo e nascia assim um clássico.

No fim de 2006 Back to Black é lançado e o single Rehab se torna um hit avassalador mundo afora. Daí em diante, parece que o mundo em volta de Amy acelerou rumo ao inevitável. Tudo explodiu. O consumo cada vez maior de álcool e drogas faziam com que ela aparecesse em shows sem a menor condição de cantar, a fama lhe tirou a privacidade e ela era constantemente vista pelas ruas de Londres em frangalhos… tudo foi ficando insuportável. Em agosto de 2007 ela teve uma overdose e foi hospitalizada, em seguida, Blake Fielder-Civil foi preso após uma batida em sua casa onde foram encontradas quantidades consideráveis de várias drogas. A prisão de Blake só piorou as coisas para Amy. O tempo passava voando e ela foi perdendo shows, sem a menor condição de compor novas canções… e sua saúde se deteriorando a passos largos. Desde adolescente, Amy era bulímica, uma prática muito perigosa. O desequilíbrio agressivo da bulimia combinado ao excesso de álcool e drogas desgastou muito o organismo da cantora. Num piscar de olhos, cinco anos se passaram entre o lançamento de Back To Black e o dia 23 de julho e 2011.

Photo by: Terry Richardson

Na manhã daquele dia 23 de julho de 2011, Amy Winehouse foi encontrada morta em sua casa, em Londres. Exames detectaram uma quantidade assustadora de álcool no sangue dela. Ela vinha tentado parar de usar drogas na época, mas continuava bebendo muito. Frágil por conta da bulimia, é possível que o excesso de álcool em seu organismo tenha feito seu coração parar de bater. Amy morreu dois meses antes de completar 28 anos de idade. Sendo assim, sua morte reacendeu aquela famosa conversa da maldição dos 27 anos, idade em que, coincidentemente, alguns dos mais importantes músicos do rock morreram, como Jimi Hendrix e Kurt Cobain.

Photo by: Terry Oneill

Assim a boa e velha Inglaterra chegou ao século XXI confirmando sua expertise em gerar artistas que conseguem assimilar e ir além do que é feito fora da ilha. Amy Winehouse sintetizou o jazz, o R&B e a soul music numa linguagem nova e atraente; no melhor estilo antropofágico em que a Strip Me tanto se inspira, Amy Winehouse é uma das artistas mais geniais dos últimos 20 anos. Não poderíamos de jeito nenhum deixar os 10 anos de sua morte passar em branco. Preferimos sempre Back to Black.

Vai fundo!

Para ouvir: Todo mundo sabe que músicas como Rehab e Back to Black são maravilhosas. Por isso a gente elaborou uma playlist pra você ouvir um pouco mais do trampo da Amy Winehouse, além das músicas mais conhecidas. Top 10 tracks 10 anos sem Amy.

Para assistir: O documentário super intimista e bem elaborado, lançado em 2015 e dirigido por Asif Kapadia, intitulado, Amy, é simplesmente indispensável para quem quer conhecer  e entender a carreira meteórica de Amy Winehouse. E pra facilitar a sua vida, esse doc está completinho e legendado no Youtube. É só clicar aqui.

Double Trouble

Double Trouble

Século XXI, a tecnologia se supera a cada mês! Robôs executando tarefas como limpar a casa, veículos que não precisam de um ser humano ao volante, comunicação instantânea por vídeo entre pessoas em diferentes continentes, estudos avançados por uma vacina contra o câncer. Tudo isso e muito mais já é realidade para nós. Entretanto, existe uma coisa que a ciência, a tecnologia e a medicina ainda não conseguiram realmente desvendar: a mente humana. Avançamos muito, é verdade. Hoje em dia são conhecidos vários transtornos e distúrbios mentais tais como o déficit de atenção, hiperatividade, transtorno bipolar, borderline e tantos outros. Mas tem um deles que chama mais a nossa atenção por ter inspirado algumas obras muito marcantes: o TDI, Transtorno Dissociativo de Identidade, um distúrbio mental terrível que era conhecido antigamente por Dupla Personalidade.

O TDI é um distúrbio mental causado, na maioria dos casos, por traumas muito fortes na infância, como abusos sexuais, uma morte muito trágica de alguém muito próximo e assim por diante. Para apagar este trauma, a pessoa cria uma nova personalidade, bem diferente de si e que não conhece ou vivenciou aquele trauma. Com o passar do tempo e estudando mais a fundo a doença, constataram que muitos pacientes desenvolviam mais de uma personalidade. Por isso o termo dupla personalidade foi abandonado e substituído pelo TDI. Além de ser uma doença difícil de ser diagnosticada e tratada, ela também é muito rara. Uma doença tão rara que seria improvável que nós a conhecêssemos tão bem e estivéssemos falando sobre ela num blog de cultura pop, não fosse por um único fator: o cinema!

Alguns dos grandes filmes da história do cinema trazem um protagonista ou um vilão (ou um protagonista vilão) com algum distúrbio mental, em geral o TDI. Separamos 5 filmes para comentar aqui, mas tem vários outros que merecem uma menção honrosa. O excelente Fragmentado, do M. Night Shyamalan e lançado em  é um grade exemplo de um caso com múltiplas personalidades e é um baita filme! As Duas Faces de um Crime, dirigido pelo Gregory Hoblit e lançado em 1996 é outro filmaço onde um jovem Edward Norton dá um show em seu primeiro papel de destaque. Também não dá pra deixar de fora Ilha do Medo, filme de 2010 do nosso amado Martin Scorsese. E, pra não dizer que só estamos falando de filmes densos e sombrios, também tem o divertidíssimo Eu, Eu Mesmo e Irene, escrito e dirigido pelos irmãos Bob e Peter Farrelly, lançado em 2000 com Jim Carrey como protagonista.  E, é claro, tem muitos outros. Mas vamos aos nossos escolhidos.

Já começamos com os dois pés no peito! Um filme de 1960, de um dos diretores mais geniais e controversos de todos os tempos, um filme que mudou o jeito de se fazer cinema e pautou todos os filmes de suspense e terror que viriam depois dele. Psicose é um clássico absoluto, tem a sequência de cenas mais reproduzida da história, uma trilha sonora emblemática e um roteiro brilhante que parece que vai contar a história de uma bela mulher que fica com uma bolada em dinheiro de seu chefe, mas na verdade o trunfo da história é um jovem perturbado e dominado pela mãe. Com este filme Alfred Hitchcock passou de um diretor aclamado para um dos grandes gênios do cinema.

Travis Bickle não tinha exatamente um distúrbio de dupla personalidade. Mas não dá pra dizer também que era um cara são, gozando de 100% de suas faculdades mentais. No mínimo era um sociopata com borderline fortíssima! Mas o que fez com que ele figurasse neste top 5, além de seus distúrbios mentais, é a icônica cena ao espelho onde ele fala ameaçadoramente consigo mesmo com uma arma na mão. “You talking to me? Well I’m the only one here. Who the fuck do you think you’re talking to?”. Taxi Driver é um dos mais importantes filmes de Martin Scorsese. Retrata uma cidade decadente e um veterano de guerra, que passou anos matando no Vietnã, tentando se readaptar à vida em sociedade. Além de tudo, é Robert DeNiro numa atuação impressionante.

Aqui mais um filme onde não há um caso evidente de dupla personalidade. Mas se trata de um personagem riquíssimo, divido entre diferentes temperamentos. Jack Torrance é um escritor que  leva sua família para passar o inverno em um hotel isolado, para que ele possa escrever seu livro em paz. Mas ali uma estranha aura vai dominar Jack, transformando-o num homem violento, enquanto seu filho, com dons paranormais, tem as mais bizarras visões. O Iluminado é uma verdadeira obra de arte. Esteticamente é maravilhoso, mesmo sendo um filme de terror e suspense, tem muitos momentos com cores vivas e transita entre o sombrio e o colorido com perfeição, sem falar nos enquadramentos irretocáveis. Claro, direção do mestre Stanley Kubrick, além do roteiro baseado no livro de mesmo nome de Stephen King, além de ter Jack Nicholson arrebentando no papel principal. É um filme perfeito! Foi lançado em 1980 e ainda segue incrivelmente moderno e surpreendente.

Agora sim vamos falar do supra sumo da dupla personalidade no cinema! O único problema é que a primeira regra é que a gente não pode falar sobre o Clube da Luta. Mas a gente ignora as regras pra falar deste que é um dos filmes mais impressionantes feitos nos anos 90! Um filme tão marcante que é impossível que você não tenha ouvido falar no Tyler Durden. O filme saiu em 1999, teve direção brilhante do David Fincher e roteiro baseado no excelente livro de mesmo nome de Chuck Palahniuk. Durante uma terrível crise de insônia e identidade, um jovem consumista e solitário se torna cada vez mais próximo do indomável e charmoso Tyler Durden, com quem conversa muito sobre a vida, os dilemas da sociedade, e acaba criando um clube secreto de luta, para purificar o corpo e a alma através da violência. Um filme maravilhoso e perturbador com atuações fantásticas e uma trilha sonora animal!

Finalizamos essa lista com o filme mais polêmico de 2019! Por se tratar de mais um filme de personagens de histórias em quadrinhos, muita gente desdenhou. Mas, depois de lançado, o filme gerou muita discussão, foi acusado de incentivar o caos e a violência. Tudo conversa fiada! Joker é um filme bom demais, com um protagonista carismático e intrigante, um ótimo roteiro e amparado por excelentes referências. Sim, afinal, este certamente é o filme do Todd Phillips que os fãs do Martin Scorsese mais gostam! Joker tem a estética de Taxi Driver e o roteiro muito inspirado no Rei da Comédia, ambos grandes filmes de Scorsese. Sim, o filme conta a origem do mais famosos vilão do Batman, mas vai muito além dos quadrinhos e nos entrega uma história surpreendente de um comediante com sérios problemas mentais tentando se estabelecer no meio artístico. É um filmaço!

Você já sabe que filme bom de verdade sempre dá as caras na Strip Me, não é? Além das estampas novas de Taxi Driver e Clube a Luta que você viu por aqui, tem muitas outras estampas incríveis relacionadas á sétima arte na nossa loja. É só chegar pra conferir!

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist todinha trabalhada na loucura! Canções sobre distúrbios mentais no capricho! Top 10 Broken Minds Tracks!

Para assistir: A gente falou no texto da revolução que Hitchcock causou com Psicose. Mas ainda dá pra ir mais pra trás pra entender melhor a estética dos filmes de terror e, ainda por cima, contemplar a primeira vez em que aparece no cinema um evidente caso de distúrbio de dupla personalidade.  Estamos falando do clássico de 1920 O Médico e o Monstro, título original Dr. Jekill and Mr. Hyde, dirigido pelo aclamado John S. Robertson. Pra quem gosta decinema e curte tentar entender quem somos e de onde viemos, este filme é indispensável! E dá pra ver todinho de graça no Youtube!

Para ler: Vamos recomendar aqui a leitura do, já citado no texto acima, livro Clube da Luta, do Chuck Palahniuk. Além de ser uma história incrível e super bem contada, o livro traz muito mais detalhes sobre os planos do Projeto Mayhem e um final um pouco diferente do filme. Vale a pena demais ler! Tem uma edição de 2012 da editora Leya que é facinho de achar e num preço bem acessível.

A Viagem da Psicodelia

A Viagem da Psicodelia

Liberdade, expansão mental, aglutinações sensoriais, as portas de Willian Blake e Aldous Huxley totalmente escancaradas para o livre acesso. Essa é a definição mais completa de psicodelia. Mas se você procura uma parada mais racional, podemos dizer que o termo foi usado pela primeira vez em 1957, numa reunião da Academia de Ciência de New York pelo psiquiatra britânico Humphry Osmond. A origem etimológica é a junção de duas palavras gregas, psique (ψυχή – alma) e delein (δηλειν – manifestação). Ou seja, psicodelia é a manifestação da mente, um estado de estímulo sensorial e psíquico exacerbado. Além de um estado mental, a psicodelia também é o nome dado a todo um movimento artístico multimídia que coloriu o mundo à partir de 1967.

Aquele miolinho da década de 60 chega a ser difícil de explicar, porque foi uma sucessão absurda de fatos que acabariam por formatar o movimento hippie e a psicodelia. A geração de jovens daquela década eram os filhos do pós Segunda Guerra Mundial. Com o fim da Guerra, os Estados Unidos tomaram a dianteira da economia mundial e estabeleceram o american way of life e o consumismo em sua sociedade. A Guerra Fria decolava e o combate aos comunistas gerou, entre outras coisas ruins, a Guerra do Vietnã. Em 1967 o conflito no Vietnã já se mostrava totalmente descabido, jovem nenhum queria largar tudo para morrer entupido de napalm em selvas asiáticas. Estes mesmos jovens estavam crescendo sob a sombra da geração anterior que começou a questionar tudo isso. Era a Geração Beat, que falava de auto conhecimento, desprezo ao consumismo e a entrega à vida de excessos. Em paralelo a música avançava, o rock n’ roll deixava de ser uma música inocente para se tornar uma voz empolgante de protesto. Para completar, as artes plásticas viviam um momento de total transformação com a Pop Art, que se apresentava como uma evolução do surrealismo. O doce, quer dizer, a cereja no bolo, era o LSD, que teve no camarada Timothy Leary seu maior entusiasta.

A psicodelia enquanto movimento artístico estético teve uma plenitude relativamente curta e poucos representantes. Artistas como Rick Griffin e Wes Wilson já transitavam pela Pop Art, o Surrealismo e a Art Nouveu. Acabaram ficando conhecidos por conceber cartazes de shows e festivais, bem como capas de discos, que é onde a psicodelia é graficamente reconhecida em sua totalidade. Em telas, murais e obras mais imponentes, dessas que vão para as paredes dos museus, ela acaba sendo um sub-gênero, que aparece como um elemento. Por exemplo, a famosa Marilyn Monroe, do Andy Warhol, é uma obra Pop Art que carrega influências psicodélicas óbvias através de suas cores fortes. Esteticamente a psicodelia reinou soberana nos cartazes e capas de discos de 1967 até o comecinho da década de 1970. Depois disso, foi se diluindo entre os novos conceitos de estética que pintaram mundo afora.

A real é que a psicodelia é uma parada etérea, é uma mistura de sentidos mesmo. Não dá pra limitá-la a um conceito estético, musical ou filosófico, porque é isso tudo junto, cada elemento se alimentando um do outro. A filosofia alimenta a música, que alimenta a estética, as cores… é um todo. É o rock n’ roll, é a alegoria do paz e amor, é a liberdade sexual, é a expansão da mente através de alucinógenos que aguçam as percepções e sentidos, é uma metamorfose ambulante que nos deu Jimi Hendrix e Robert Crumb, só pra ficar em dois exemplos distintos e fundamentais.

A mistura de cores, música, arte, positividade e consciência de união e liberdade atravessou as décadas e hoje inspira toda uma coleção linda e super alto astral de camisetas Strip Me. Afinal, não dá pra parar no tempo, né? Ontem era The Byrds, hoje é Tame Impala, a psicodelia se renova e traz toda essa aura viajandona paz e amor em estampas alucinadas! Vem ver!

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist com o ontem e o hoje da música psicodélica pra ouvir até chapar! Top 10 tracks psicodélicas!

Para assistir: Neste texto, não falamos sobre o Brasil, que também viveu intensamente a psicodelia com um jeitinho só nosso, o Tropicalismo. Para conferir esse astral brazuca da psicodelia, vale assistir o documentário O Barato de Iacanga, dirigido pelo Thiago Mattar, lançado em 2019 e disponível na Netflix.

Para ler: Existem vários bons livros sobre a vida e obra de Jimi Hendrix. O jornalista francês Franck Medioni escreveu um desses livros, uma biografia bem completa e que contextualiza muito bem a época em que Jimi Hendrix viveu seu auge como artista. O livro chamado simplesmente Jimi Hendrix – Biografia saiu pela editora L&PM e é super fácil de achar, além de ser baratinho. Leitura recomendada.

Delícias da Transformação

Delícias da Transformação

Os primeiros europeus que chegaram no Brasil á partir de 1500 deram de cara com povos esquisitíssimos. Além da língua incompreensível que falavam, tinham hábitos muito incomuns. Andavam nus, depilavam o corpo, tomavam banho diariamente, alguns eram muito agressivos, eram afeitos à guerra e, quando guerreavam, capturavam seus inimigos mais fortes e os comiam em rituais místicos. Em resumo, era um povo muito limpinho, mas canibal. Mas o ato de comer carne humana não era pelo simples alimento. Eles acreditavam que comendo seus inimigos, os índios incorporavam suas qualidades, como bravura, força e inteligência. Era o que acabou ficando conhecido como banquetes antropofágicos.

Vários europeus  do século XVI presenciaram e registraram tais banquetes em seus diários. O relato mais famoso foi o do alemão Hans Staden, que esteve no litoral do atual estado de São Paulo, mais especificamente em Ubatuba, em 1554 e foi capturado pelo índios Tamoio. A história desse cara é inacreditável, era pra ele ter sido comido, mas por uma porção de acasos, incluindo ele se passar por francês, ele ficou como prisioneiro por mais de um ano na tribo e acabou sendo libertado. Mas durante a sua estadia presenciou alguns desses rituais antropofágicos. Em 1557 Staden volta para a Europa, onde escreve um livro contando o que viveu no Novo Mundo, livro este que se torna um sucesso.

Ao raiar do século XX, mais de 350 anos depois de Hans Staden voltar pra casa e colocar no papel sua história, um intelectual chamado Eduardo Prado redescobre o livro de Staden e o publica no Brasil. Oswald e Mario de Andrade, Tarsila do Amaral e toda a turminha modernista da Semana de Arte de 1922 lê este livro e faz a conexão com o primitivismo e a busca de uma identidade que eles tanto queriam. Assim como os índios deglutiam seus inimigos ritualisticamente para absorver sua força, bravura, e inteligência, os modernistas entenderam que não precisavam renegar a arte que vinha da Europa, mas sim absorvê-la e transformá-la em algo novo e genuinamente brasileiro. Surge assim o Manifesto Antropofágico.

Assim como a história, a arte não é estática e imutável. Ela é volátil, deliciosamente mutante e adaptável aos novos tempos, aos novos conceitos. A arte não tem dono porque ela é única pra cada um, seja para quem a produz, como para quem a consome. É nessa aura livre, de absorção e transformação que a Strip Me está sempre se reinventando e apresentando novas coleções e novas estampas. É o caso da nova coleção com capas de discos clássicos em versão minimalista. Discos que, além de clássicos incontestáveis, verdadeiramente nos encantam e influenciam, e aparecem nesta coleção com a cara da Strip Me, numa estética moderna e descolada.

Além do mais são discos que tem tudo a ver com as transformações e antropofagias da arte. Afinal, uma das maneiras mais objetivas de descrever o primeiro disco dos Strokes, o brilhante Is Thsi It?, é dizer que se trata de uma banda que deglutiu avidamente Velvet Underground e Rolling Stones, para em seguida conceber uma música visceral e muito original, mas que não nega suas origens. Não é à toa que, quando este disco foi lançado, em 2001, muita gente alardeou se tratar do novo Nirvana.

Sim, porque a banda de Kurt Cobain havia sido catapultada para o sucesso dez anos antes com o disco Nevermind seguindo a cartilha da busca pela originalidade absorvendo tudo de bom que veio antes deles. Nirvana reinventou o punk rock, conseguiu impor no mercado moralista e irreal da música pop uma mistura inigualável de agressividade e lirismo com bases fincadas no mundo real, na apatia e inconformismo juvenil, além, é claro, de referências sensacionais da música. Iggy Pop & The Stooges, Bob Dylan.. ah, sim, e também David Bowie!

Mas é claro! Não dá pra não falar do camaleão do rock, a personificação da antropofagia musical, the one and only David Bowie! O cara ajudou a moldar toda a estética dos anos 70, transcendendo a música tanto quanto a capa o disco Alladin Sane, de 1973, que se tornou icônica. Neste disco, além de todas as suas influências pregressas, este disco é altamente antropofágico, pois Ziggy Stardust é morto e devorado, para que Bowie renasça como Alladin Sane. Com certeza um dos discos mais irrepreensíveis de Bowie. Um disco com grandes canções e uma capa tão marcante quanto aquela daqueles caras atravessando uma rua.

Se o Bowie é a personificação a antropofagia musical, os Beatles com certeza são a alma. É indiscutível que a transformação mais incrível que a música pop já viveu se deu por culpa desses 4 caras e Liverpool. É só pegar os principais discos de 1960 pra trás. Era tudo meio parecido. Rocks ótimos e muito divertidos, claro, de Chuck Berry e Little Richards, baladas lindas de Buddy Holly e Fats Domino, standards do jazz e uma florescente soul music que despontava com Isley Brothers e The Ronnetes. Os Beatles pegaram isso tudo, engoliram, digeriram e criaram um tempero muito próprio para uma nova música pop. Não só criaram, como desenvolveram! Chegaram a um ápice criativo altamente condimentado com o Sgt. Pepper’s… e alcançaram o equilíbrio e maturidade em seu último e genial suspiro fonográfico: Abbey Road.

Olha, essa coleção está incrível  e é altamente recomendável que você dê uma boa conferida. Aliás, é preciso estar atento e forte na nossa loja sempre! Afinal, estamos em constante transmutação, com novas ideias, estampas, coleções, diversão & arte.

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist com o creme de la creme dos 4 discos que estampam essa nova coleção. Top 10 tracks Minimal Classic Albums.

Para ler: Chega a ser indispensável a leitura de Duas Viagens ao Brasil, o livro de Hans Staden escrito em 1557. Uma história épica, inacreditável e empolgante, que retrata a história deste alemão aventureiro e, em paralelo, do Brasil recém descoberto.

Orgulho, diversão & arte.

Orgulho, diversão & arte.

Hoje fechamos a trilogia de posts dedicados ao mês do orgulho LGBTI+. Já demos uma geral na história, já falamos sobre os direitos na teoria e na prática, tudo direitinho. Mas convenhamos que a gente não é de ferro e também precisa relaxar e curtir a vida, não é mesmo? Por isso, vamos fechar essa trilogia com o astral lá em cima falando do que a gente mais gosta: arte! Afinal, a arte está recheada de grandes obras e grandes personalidades que representam muito bem os homossexuais de todo o mundo. Vamos falar sobre alguns deles.

É muito legal notar que existem filmes, peças de teatro, canções e pinturas que retratam ou são inspiradas em temáticas gays, mas que são concebidas por artistas héteros. Da mesma maneira, tem muito artista homossexual que não necessariamente explora este tema em suas obras. Um grande exemplo disso é o gênio da Pop Art, Andy Warhol. Notoriamente homossexual, afeito a festas e bares que celebravam a diversidade, por onde transitavam artistas de vanguarda, transexuais e todo o tipo de pessoas que não se encaixavam nos padrões “normais” da sociedade dos anos 1960 e 1970, Warhol conseguiu ser visto e celebrado em todo o mundo como um artista genial, sem precisar esconder seu estilo de vida. Produziu obras de arte incomparáveis sem esbarrar em nenhum momento na militância. Ter o orgulho de não esconder sua vida pessoal, por mais excêntrica que fosse, mostrando que isso não interferia negativamente na sua competência como profissional já foi militância suficiente.

Na música não são poucos os exemplos de artistas gays que tem uma obra invejável sem colocar em evidência sua sexualidade. Rob Halford é um dos vocalistas de heavy metal mais influentes do estilo e fez história frente à banda Judas Priest. Ele se assumiu homossexual em 1998 numa entrevista para a MTV e chocou muita gente. O rock, e em especial o metal, é um meio muito machista e homofóbico. O fato de Halford ter se assumido publicamente ajudou muito a abrir o diálogo e quebrar esses preconceitos. Aqui no Brasil um dos músicos mais influentes da música pop também se assumiu tardiamente, porém sem causar tanta surpresa quanto o vocalista do Judas Priest. Lulu Santos é um dos músicos mais respeitados do rock e pop desde os anos 1980. Exímio guitarrista e compositor de muito bom gosto, Lulu Santos sempre foi discreto com sua via pessoal, e na música nunca foi panfletário, apesar de falar frequentemente sobre amor livre e diversidade. Ele assumiu ser gay somente em 2018 e todo mundo ficou feliz por ele, porém, surpreso mesmo, ninguém ficou.  Mas tudo bem.

Deixando um pouco de lado os artistas e falando sobre obras de arte, não há mídia melhor para representar um grupo de pessoas tão plurais, cheias de vida, de amor, de cores e de histórias fantásticas como o cinema. É onde as imagens, a música e a história se juntam para proporcionar uma experiência de vida capaz de nos encantar, inspirar, divertir e fazer pensar. Então fizemos um top 5 filmes sensacionais que representam muito bem a comunidade gay e, cada um à sua maneira, proporciona reflexões importantíssimas.

5 – Meninos Não Choram

É um filme pesado, é verdade. Mas é uma história incrível e muito bem retratada no filme. História real, aliás. Brandon era um rapaz que nasceu mulher, mas desde criança se identificava como homem e tentou se impor como tal. É uma história trágica sobre aceitação e preconceito. Um filme de roer as unhas, emocionante, e com atuações inacreditáveis. Tanto que Hilary Swank ganhou Oscar de melhor atriz em 2000 pela sua atuação como protagonista. Boys Don’t Cry foi lançado em 1999, escrito e dirigido por Kimberly Peirce e tem uma baita trilha sonora boa!

4 – Madame Satã

O representante brasileiro nesta lista é um ótimo filme, também baseado em uma história real e com atuações excelentes. Madame Satã era o “nome de guerra” de João Francisco dos Santos. Ele foi um dos primeiros transformistas do  Brasil e virou ícone da liberdade sexual no país, com uma trajetória surpreendente no Rio de Janeiro dos anos 1930. O filme foi lançado em 2002, dirigido por Karim Aïnouz e protagonizado com brilhantismo por Lázaro Ramos.

3 – Filadélfia

Um clássico, né? Este filme está aqui porque representa muito bem o preconceito que os gays sofriam nos anos 1980 e 1990, agravado pelo surgimento da AIDS. Mas além de retratar super bem este momento, é um filmaço em todos os aspectos. Uma trilha sonora arrebatadora com Bruce Springsteen, Neil Young, Sade, Maria Callas, Peter  Gabriel, atuações impressionantes de Tom Hanks e Denzel Washington e direção irretocável do gênio Jonathan Demme. O filme foi lançado em 1993 e ganhou dois Oscars no ano seguinte: Melhor Ator e Melhor Canção Original.

2 – Tudo Sobre Minha Mãe

Que o Almodóvar é um gênio, não há dúvida, né? Porém, na hora de escolher qual o seu melhor filme, aí dúvida é o que não falta, tantos são os filmes excelentes dele. Mas com certeza um que sempre vai estar entre seus 3 melhores trabalhos é este. Uma história comovente e arrebatadora, colocada impecavelmente num roteiro que consegue ser dramático e bem humorado, bem amarrado e instigante. A trama se desenrola quando uma mãe solteira tem seu filho envolvido em um acidente e vai à procura do pai da criança, que virou travesti. Uma história insólita e cheia de surpresas que acaba por tratar diversos temas espinhosos com muita propriedade. O filme escrito e dirigido por Almodóvar foi lançado em 1999 e levou o Oscar de Melhor Filme Estrangeiro.

1 – Priscilla – A Rainha do Deserto

É uma escolha óbvia? Um baita clichê? É sim! Mas nenhum filme na história conseguiu com tanta perfeição representar o espirito gay com tanto brilhantismo. Está tudo lá. A alegria, o glamour, a paixão pela arte, os preconceitos, é claro, e todas as dificuldades e delícias de se assumir como é e viver assim. Priscilla – A Rainha do Deserto é um road movie delicioso, engraçado e empolgante, desses filmes que a gente já viu um monte de vezes, mas sempre acaba vendo de novo. O filme foi lançado em 1994, escrito e dirigido por Stephan Elliott e se tornou, logo de cara, um clássico absoluto. Ah, sim, e também tem uma trilha sonora daquelas!

E assim finalizamos nossa trilogia de posts especiais no mês do orgulho LGBTI+. Posts que, além de homenagear e celebrar a diversidade, reforçam o posicionamento da Strip Me como uma marca que abraça a diversidade e faz coro com todas as vozes que clamam por liberdade e igualdade. Afinal tudo que é escrito aqui representa os princípios e valores da marca. Orgulho, diversão e arte em junho, no ano todo e por toda a vida!

Vai fundo!

Para ouvir: A playlist hoje dá uma geral nas trilhas sonoras dos cinco filmes indicados neste post! Confere lá! Top 10 tracks LGBTI+ Soundtracks!

LGBTI+: Conquistas e direitos no Brasil.

LGBTI+: Conquistas e direitos no Brasil.

A diversidade, o orgulho e a luta por igualdade são marca (e estão na marca) da Strip Me. Por isso, neste mês os posts deste blog trazem temas e discussões relevantes e interessantes sobre a comunidade LGBTI+. Semana passada demos uma geral na história da homossexualidade pelo mundo e os marcos da luta por igualdade, que começaram efetivamente na metade do século XX. Hoje vamos falar sobre direitos. Os adquiridos, os ainda não conquistados e a diferença entre o que está no papel e o que acontece na prática.

Antes da gente falar do Brasil, é legal ter  em mente que o tratamento legal para homossexuais mundo afora é abissal. De um lado países como Arábia Saudita e Iêmen tem leis estabelecidas que condenam a morte quem for pego praticando atos homossexuais, de outro lado, países como Canadá, Holanda e Espanha realizam casamentos com todos os direitos civis estabelecidos entre casais do mesmo sexo. Além disso, desde 1990 a OMS, Organização Mundial de Saúde, estabeleceu que a homossexualidade não deve ser considerada doença mental ou desvio de caráter. A Anistia Nacional, a organização mais importante do mundo na defesa dos direitos humanos, considera desde 1991 a discriminação e homofobia violações graves dos direitos humanos. Isso mostra que ainda há muitas diferenças legais entre os países, a maioria dessas diferenças motivadas por fatores religiosos e de sociedades historicamente retrógradas e opressoras. Além disso, é evidente que as conquistas de reconhecimento e direitos dos homossexuais é recente. Tais mudanças são gradativas e, quanto mais conservadora a sociedade do país em questão, mas penosa vai ser essa transição.

É o caso do Brasil. Desde 1985 a comunidade médica de saúde mental, psiquiatras e psicólogos, deixou de considerar a homossexualidade como doença mental ou desvio sexual ou de caráter. Mas só em 2013 o casamento entre homossexuais foi admitido legalmente. Ainda assim, não existem leis específicas para punir a homofobia, transfobia e a discriminação a homossexuais. Esses atos são enquadrados dentro da lei contra o racismo, de 1989. Apesar dessas e de outras leis, a sociedade brasileira ainda é muito preconceituosa e conservadora. Assim como a maioria dos países latinos, somos um povo forjado pela subserviência, corrupção e exageros de moralidade da igreja católica e de uma elite rica e inescrupulosa. Por isso, muito da luta dos movimentos LGBTI+ no Brasil é para que as leis existentes realmente prevaleçam e que a sociedade aceite os homossexuais como cidadãos comuns dignos de respeito.

Na verdade, um olhar mais cuidadoso sobre a legislação brasileira  vai mostrar que os homossexuais transitam num limbo de legalidade, ou seja, não existem leis específicas que nominalmente dê direitos aos homossexuais. Quando dizemos que o casamento entre pessoas do mesmo sexo foi liberado no Brasil, é que uma resolução obrigando todos os cartórios do país a realizarem casamentos entre pessoas do mesmo sexo foi emitida pelo CNJ, Conselho Nacional de Justiça. A resolução tem força, mas não é uma lei, assim, se algum juiz invocar, ele pode questionar a resolução e atrasar muito a vida de algum casal. Mas a lei mesmo não diz nada. Não há lei que proíba  e nem que assegure o casamento entre homossexuais. A mesma coisa acontece no caso de adoção de crianças por casais homo afetivos. A lei não proíbe, mas também não assegura o direito. Assim, muitos casais que, por interpretação da lei, tem esse direito, tem muita dificuldade em conseguir realizar o desejo de ter, amar e criar um filho.

O mesmo acontece com os casos de homofobia, transfobia e discriminação. Tais crimes são enquadrados na lei contra o racismo, de 1989. Ou seja, dá margem para interpretações e diferentes julgamentos. Ainda hoje os números de violência contra homens e mulheres gays, em especial contra transexuais e travestis, é assombroso. Boa parte desses crimes acabam em impunidade. Um retrato lamentável da nossa sociedade.

Outros dois direitos muito importantes conquistados, mas que também não contam com o respaldo sólido da lei são o direito  ao processo de resignação sexual, a famosa mudança de sexo, e a alteração do nome no registro civil. A cirurgia de mudança de sexo é oferecida pelo SUS desde 2010 e acontece com todo o acompanhamento psicológico. Não é fácil conseguir, já que as vagas são bem escassas, mas não deixa de ser uma conquista importante.  Apenas em 2018 a alteração do nome social para as pessoas transexuais e travestis passou a ser aceito. Isso significa que mesmo pessoas que não tenham feito cirurgias de mudança de sexo, podem alterar seus documentos para que conste em seus documentos o nome adequado a como cada pessoa se identifica. Este direito também não está na constituição como lei, mas o CNJ já considera uma prática legal.

A conclusão que se chega é que realmente a comunidade LGBTI+ ainda tem muito por o que lutar. Além de serem ignorados na Constituição Federal, ainda sofrem com o preconceito que infelizmente ainda persiste desde os anos 1980, que enxerga o homossexual como promíscuo, imoral e propagador de doenças. Por outro lado, vemos florescer cada vez mais grupos de pessoas  se organizando e dando voz a este desejo de igualdade e respeito. Cada vez mais pessoas, incluindo homossexuais e heterossexuais, levantam essa bandeira. E marcas como a Strip Me fazem questão de se posicionar e divulgar a importância e a beleza da diversidade, do respeito e da igualdade. Orgulho, diversão e arte!

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist com músicas emblemáticas de temática LGBTI+ no Brasil. Top 10 tracks LGBTI+ BR!

Para assistir: Tem no Youtube vários documentários independentes sobre a realidade dos gays no Brasil. Um dos que mais chama a atenção é o Sobre Vivência, produzido pelo Grupo de Pesquisa Psicologia e Educação – Tecnopoéticas, integrado ao curso de psicologia da UFRGS. São relatos que mostram com clareza desconcertante a realidade de quem se assume homossexual no país.

Para ler: O historiador norte americano James N. Green é especialista em estudos antropológicos latino americanos e, especialmente, brasileiros, além de ativista LGBTI+. Ele escreveu um interessante tratado sobre o homossexualidade masculina no Brasil, o livro Além do Carnaval – A homossexualidade masculina no Brasil do século XX, lançado em 2019 pela Editora Unesp. Uma leitura de desmistificação e compreensão da sociedade brasileira.

Uma história de amor, luta e orgulho.

Uma história de amor, luta e orgulho.

Imagine viver sob os preceitos de democracia dos gregos, sob a crença plural e mística os babilônicos. Que bom seria! Uma sociedade onde todo mundo se aceita como é e tem voz na sociedade, onde não há pudores e o sexo não é visto como algo sujo, mas sim como algo sagrado e libertador. Uma sociedade onde ninguém se importa com quem você mantém relações sexuais, porque tudo é aceito. Um conceito que séculos depois seria entendido como libertinagem. Mas que, na real, nada mais é do que liberdade. A verdade é uma só. Se formos buscar na história o começo de tudo, dá pra dizer que foi com a queda de Babilônia em 539 a.C. e a disseminação dos conceitos do judaísmo e depois, e principalmente, do cristianismo mundo afora dali em diante.

A homossexualidade é tão antiga quanto a humanidade e era aceita e praticada em diversas civilizações. Há registros dessa prática em povos que viveram no ano 1.200 a.C. Entre gregos e egípcios, civilizações que modernizaram muito a maneira de se organizar e viver em sociedade, a homossexualidade era algo comum. E, de cara, já dá pra evidenciar aqui a palavra diversidade, afinal além de tudo esses povos eram politeístas. Parece besteira, mas a maneira como a religiosidade era encarada por esses povos diz muito sobre a sua sociedade. Além do mais, não dá pra negar que a religião sempre moldou  a política e os poderes ao longo da civilização humana. À partir do momento em que só uma divindade era aceita, e todas as outras deveriam ser combatidas, fica claro que aceitar as diferenças deixou de ser uma opção. Assim, o sexo que era considerado algo sagrado e bom, passou a ser um ato sujo e de afronta a deus, a não ser que fosse praticado sob as normas, somente para reprodução. Ou seja, a homossexualidade estava fora de questão.

Parada Gay de Boise, Idaho, US 2016 – Photo by Adam Eschbach

A violência contra homossexuais vem de longe.  E, justiça seja feita, não era exclusiva da cultura judaico-cristã. No oriente também não era bem aceito. No século XIII, o império mongol de Gengis Khan punia a sodomia com a morte, por exemplo. Mas o bicho pegou mesmo no fim da Idade Média, quando a igreja católica dominava o ocidente e a implacável Inquisição se espalhava pela Europa. Mesmo depois do Iluminismo, da Revolução Francesa e de alguns avanços no campo social e filosófico, homossexuais ainda eram perseguidos com violência. No século XIX o gênio Oscar Wilde foi condenado a trabalhos forçados na Inglaterra por se relacionar com um rapaz. No século seguinte, o nazismo também perseguiu e matou milhares de homossexuais homens e mulheres. É como se a violência e perseguição contra os homossexuais fosse institucionalizada ao longo da história da humanidade, e assim continuou. Ainda nos anos 1960, apenas 50 anos atrás, a homossexualidade era  ilegal em todos os estados dos Estados Unidos! Aqui no Brasil não era diferente, apenas não estava explicitamente escrito no papel. Mas onde há violência, há resistência. E foi justamente nos Estados Unidos que essa resistência conseguiu se organizar e espalhar pelo mundo essa força.

Os atores Michael Cashman e Ian McKellen numa manifestação contra a censura em Londres, UK, 1988. – Photo by The Guardian Archives

O dia 28 de junho de 1969 entrou para a história como a Rebelião de Stonewall. Stonewall Inn era um bar onde se reuniam homossexuais da região do Greenwich Village, em New York. Bares como o Stonewall eram considerados pontos de prostituição e de muitas outras atividades ilegais. Em New York muitos deles eram gerenciados pela Cosa Nostra, a máfia italiana. Por isso, a polícia tinha motivos de sobra para dar batidas, muitas vezes com muita violência, nesses bares. Mas naquele 28 de junho, as coisas saíram de controle em Stonewall e os frequentadores do bar enfrentaram a polícia. Depois disso, dois grupos foram criados e  deram voz ao movimento LGBT: o Gay Liberation Front (GLF) e o Gay Activists Alliance (GAA). Ainda que contassem com mulheres lésbicas, esses grupos eram essencialmente masculinos. Os movimentos feministas que surgiam paralelamente acabaram dando voz também às lésbicas, ajudando a reforçar as lutas LGBT. Os ideais e o senso de organização desses grupos chegou ao Brasil no início dos anos 1970, em plena ditadura militar. Estes grupos passaram a agir produzindo publicações independentes que eram distribuídas ao público. Eram jornais pequenos como o Lampião da Esquina e o ChanaconChana.

O legendário Stonewall Inn em 1969 – Photo by Diana Davies
Manifestação da Gay Liberation Front na Times Square, NY, 1970. Photo by Diana Davies

Os anos 1980 chegavam com tudo, os grupos cada vez mais organizados começavam a ganhar voz perante a sociedade e tudo parecia melhorar. Mas aí pintou a AIDS. Além de matar muita gente entre a comunidade gay, a epidemia do HIV manchou os movimentos, que tiveram que se reposicionar, inclusive politicamente, diante de uma sociedade, que os acusava de serem portadores da doença, que era chamada por muitos de câncer gay. Ainda hoje em dia a comunidade homossexual ainda sofre com esse estigma, uma marca injusta e vil que vem sendo combatida desde então.

Parada Gay Londres, UK, 2018 – Photo by Steve Eason

Foi por conta da rebelião de Stonewall que o dia 28 de junho ficou marcado como o Dia Mundial do Orgulho Gay. Ao longo do mês de junho acontecem manifestações e passeatas em várias cidades mundo afora. Aqui no Brasil a Parada Gay na avenida Paulista, em São Paulo, já se tornou um dos eventos mais aguardados do ano e entrou no calendário anual da cidade. Com jeitão de festa, com muitas cores, música e alegria, a Parada Gay vem mostrar todo ano que a diversidade e o respeito andam lado a lado. Assim como movimentos antirracistas e feministas, o movimento LGBTi+ luta por uma condição muito básica: igualdade. Os gays em geral não querem impor suas escolhas a ninguém, só querem ser vistos e tratados pela sociedade como cidadãos comuns, que trabalham e pagam impostos como qualquer homem ou mulher heterossexual.  

Parada Gay Los Angeles, US, 2014. – Photo by Richard Vogel

A Strip Me é uma marca que apoia, defende, e divulga a diversidade e a liberdade de escolha. Por isso, neste mês de junho, o mês do orgulho LGBTI+ e da diversidade, este blog terá seus posts dedicados totalmente à comunidade gay. Então se prepara que ainda vem muito conteúdo interessante e divertido por aqui, com muito orgulho e muito amor!

Parada Gay na avenida Paulista, São Paulo, 2018. Photo by Paola Quintana Vera

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist especial com canções que falam sobre direitos iguais com foco na comunidade gay. Tá em arraso! – Top 10 tracks LGBTI+ Equal Rights.

Para Assistir: Um filme excelente que mostra a trajetória do primeiro político eleito homossexual assumido nos Estados Unidos. Milk – A Voz da Igualdade foi lançado em 2008, dirigido pelo Gus Van Sant e com o Sean Penn no papel principal. Filmaço!

Para ler: Um livro excelente para entender o movimento gay no Brasil, de forma leve e muito interessante. Devassos No Paraíso: A Homossexualidade No Brasil, Da Colônia À Atualidade foi escrito pelo jornalista escritor, dramaturgo e cineasta João Silvério Trevisan e traz um texto delicioso de se ler, concebido sobre uma pesquisa profunda. Super recomendado.

Woodstock Sem Limites

Woodstock Sem Limites

Foi o ápice. Foi o início do fim. Foi o prenúncio de uma nova era. Foi uma enganação. Foi um ato revolucionário. Foi o maior evento da história moderna. Foi uma loucura. Woodstock foi tudo isso, e, provavelmente, muito mais. O festival de música, paz e amor que encerrou a década de 1960 ainda hoje é lembrado, comentado, celebrado e questionado. É compreensível que seja assim, afinal todas as dimensões ali foram transpostas. O tamanho, o número de pessoas reunidas, o line up estrelado, a liberdade, o congestionamento de estradas, nudez, consumo de drogas, intervenções climáticas, solidariedade, dinheiro gasto e arrecadado, processos judiciais, dívidas e, por fim, sucesso. Tudo isso esteve presente em larga escala em Woodstock.

Reprodução do cartaz oficial do festival

Michael Lang e Artie Kornfeld eram amigos, músicos ligados ao movimento hippie e estavam, no comecinho de 1969, com a ideia de montar um estúdio para gravar novas bandas e um selo para lançar seus discos, já que Kornfeld era funcionário da Capitol Records e tinha know-how e muitos contatos. Mas faltava o famoso capital inicial, já que eles eram os típicos músicos quebrados. Foi quando viram no jornal um anúncio de uma dupla de empresários que procurava projetos audaciosos ligados a arte e música para investir. Assim, Kornfeld e Lang se juntaram a John Roberts e Joel Rosenman. A dupla de empresários topou a empreitada, e o agora quarteto começava a planejar seu projeto de estúdio, batizado de Woodstock, que é onde eles queriam se estabelecer. Isso porque a pequena cidade de Woodstock, próxima a New York, era onde Bob Dylan morava na época. Lang e Kornfeld eram muito fãs de Dylan e sonhavam com a ideia de que Dylan passasse a gravar em seu estúdio, o único na cidade onde ele morava. Mas o investimento para montar um bom estúdio era alto demais até mesmo para os jovens ricos empresários Roberts e Rosenman. Então surgiu a ideia de fazer um festival de música para alavancar o projeto com a grana da venda de ingressos. Então Woodstock começou a ser pensado como um festival de música.

Woodstock era uma cidade pequena e cercada de fazendas e ranchos. Com uma população essencialmente de meia idade e conservadora. Quando se espalhou a notícia que quatro jovens queria reunir um bando de hippies nas suas terras, rolou uma comoção popular e eles não conseguiam autorização para fazer o festival em lugar nenhum. Até que um senhor com uma grande fazenda de vacas leiteiras na cidade de Bethel, vizinha a Woodstock, topou alugar suas terras e abrigar essa maluquice toda. Vale dizer que isso só aconteceu duas semanas antes da data já marcada para o festival acontecer. Então vamos colocar na linha do tempo. A ideia do festival pintou em janeiro de 1969 e o evento estava marcado para acontecer no fim de semana dos dias 15, 16 e 17 de agosto do mesmo ano. No fim de julho eles ainda não tinham o lugar definido. Mas já tinham vários nomes grandes confirmados.

O público de Woodstock. Photo by Dan Garson

Mas não foi nada fácil conseguir um line up tão poderoso. E o mérito deve ser dado à banda Creedence Clearwater Revival. Antes do Creedence assinar, eles não conseguiam fechar com ninguém, pois não eram conhecidos, queriam fazer um festival no meio do nada… ninguém botava fé. Mas depois que o Creedence, que na época era um dos maiores nomes do rock norte americano, comprou a briga e assinou, todo mundo foi atrás. E aqui estamos falando de boa parte dos grandes ícones da música na época: Janis Joplin, Grateful Dead, The Who, Jimi Hendrix, Sly & the Family Stone, Santana, Crosby, Stills, Nash & Young, Mountain, Jefferson Airplane, The Band, Joe Cocker, Tem Years After, Ritchie Havens, Joan Baez… e quem ficou de fora por, ainda assim não botar fé no evento, no futuro se arrependeu. Foi o caso de bandas como The Doors e Led Zeppelin. E olha que ninguém ali estava fazendo caridade. Todo mundo tinha contrato e cachê estabelecido. O papo hippie de não ligar pra dinheiro e bens materiais passou longe de Woodstock. Costuma-se dizer, aliás, que o festival foi de graça, mas não foi bem assim.

A banda Creedence Clearwater Revival durante o show em Woodstock. Photo by Elliot Landy
The Who durante o show em Woodstock. Photo by Henry Diltz

Os ingressos para o festival custavam 18 dólares antecipados e custariam 24 dólares na hora. Custariam. O festival estava previsto para receber 50 mil pessoas no máximo. Acontece que só de ingressos antecipados foram vendidos quase 100 mil. Dois dias antes do início do festival as estradas que levavam a Bethel já estavam tomadas por hippies de todo o canto. A organização do festival não teve tempo de montar as bilheterias na entrada. No primeiro dia do evento, eles desistiram de tentar controlar a entrada de pessoas e liberaram a entrada de geral. 100 mil pessoas, aproximadamente, pagaram ingresso. Mas o festival reuniu mais de 400 mil pessoas! Pra você ter ideia, isso é mais gente do que a população de muita cidade Brasil afora. E teve muita gente que ficou pelo caminho. As estradas ficaram tão congestionadas, que muita gente abandonava seus carros e concluía o trajeto até o festival a pé. O que só piorou a situação, pois se acumulavam carros parados pelo trajeto que dificultavam o trânsito de outros veículos. Teve muita gente, inclusive, que tinha comprado ingresso, não conseguiu chegar por causa do trânsito e acabou processando a organização. E foram tantos processos que os caras conseguiram quitar todas as dívidas acumuladas por conta do festival só dez anos depois, em 1980.

A estrada para Woodstock. Photo by Baron Wolman
A estrada para Woodstock. Photo by Baron Wolman

Olha, Woodstock  é cercado por tantas histórias incríveis, algumas verdadeiras, outras lendas, que daria um texto imenso. Teve o Pete Townshend, do The Who, expulsando a golpes de guitarra um ativista que subiu no palco durante o show para protestar contra a prisão de John Sinclair, que era também ativista e empresário da banda MC5. Teve uma multidão passando mal por tomar LSD de má procedência, teve uma chuva torrencial que fez com que o pessoal do Grateful Dead tocasse levando choques terríveis de seus instrumentos e microfones. Ah, teve também uma comoção popular dos moradores das fazendas vizinhas, que souberam que as pequenas empresas que forneciam comida para o festival não estavam dando conta de alimentar todo mundo, e doaram comida. A região era grande produtora de granola, que foi doada em grande quantidade. À partir daí a granola se popularizou entre os hippies, virou sinônimo de alimento saudável e está aí até hoje. É sério isso! A granola é o que é hoje por causa do Woodstock, senão seria só mais um ingrediente misturado para fazer os cereais infantis matinais.

Woodstock. Photo by Elliot Landy

Em 2020 oficialmente atingimos a famosa (entre os astrólogos) Era de Aquário. Acontece que essa era já vinha sendo anunciada desde 1967 e foi um dos motes do Woodstock. Diz-se que a Era de Aquário vai trazer harmonia e mais conhecimento para a Terra (Será? Tomara, né, porque estamos precisando). Também foi o ápice da contra-cultura, do movimento Flower Power e das manifestações contra a guerra do Vietnã. Também foi o começo do fim da era de ouro do rock n’ roll. Dali em diante, o consumo de drogas, que até então era muito mais ligado ao auto conhecimento,  se tornou desenfreado, a cocaína entrou com tudo e deixou tudo mais caótico. Os conflitos tornaram-se mais violentos nos anos 70 e o rock n’ roll sofria uma queda de popularidade e perdia seu status de arte para se tornar apenas hedonismo descontrolado, ou uma forma pedante de música elaborada até demais (a.k.a. rock progressivo). O que só viria a mudar com os punks na segunda metade da década, que resgatariam a essência do rock.

O fato é que o Woodstock entrou para história como o maior festival de música de todos os tempos, um verdadeiro marco na cultura pop. Dá pra dividir a cultura do século XX entre antes e depois de Woodstock. Um festival que trazia a música, mas também toda a carga política, social e de consciência de toda uma geração.  Rock n’ roll, atitude, diversão, consciência, engajamento! Tudo que a Strip Me gosta e espalha por aí! Por isso a gente não poderia deixar de falar sobre esse evento maravilhoso por aqui. Assim, cá estamos. Missão cumprida.

Vai fundo.

Para ouvir: Aquela playlist difícil de ser elaborada com o que rolou de melhor no Woodstock de 1969. Então confira  nossa playlist Woodstock ‘69 Top 10 Tracks.

Para assistir: O Woodstock foi todo filmado e acabou virando um documentário um ano depois. Woodstock – 3 Dias de Paz, Amor e Música foi lançado em 1970. Dirigido por Michael Wadleigh, o filme levou o Oscar daquele ano de Melhor Documentário. Ah, e uma curiosidade: o assistente de direção e um dos editores deste filme foi um jovem aspirante a cineasta chamado Martin Scorcese.

Para ler: Um dos quatro responsáveis pelo festival, Michael Lang, escreveu o livro definitivo sobre Woodstock. O ótimo A Estrada Para Woodstock foi lançado em 2019 pela editora Belas Letras no ano em que o festival completou 50 anos. Uma leitura deliciosa, recheada de curiosidades e muitos causos.

Amigos Para Sempre.

Amigos Para Sempre.

Que ano foi 1994! Nos cinemas teve Forrest Gump, Pulp Fiction, Assassinos por Natureza, Entrevista com o Vampiro e O Corvo, na música Oasis lançava seu disco de estreia, o excelente Definitely Maybe, Cranberries lançava o clássico No Need To Argue, Green Day levava o punk para as massas com Dookie, sem falar nas estreias de Weezer com o Blue Album e Jeff Buckley com a obra prima Grace. Aqui no Brasil fomos tetra campeões do mundo no futebol, o Plano Real chegava para equilibrar a economia e a TV a cabo se popularizou. Além da MTV, agora tínhamos acesso a séries como Mad About You, Seinfeld, Um Maluco no Pedaço, Dawson’s Creek, Arquivo X, Plantão Médico… e, é claro, foi em 1994 que estreou uma das séries mais impactantes dos últimos 25 anos: Friends.

Todo mundo tem a vida dividida em duas famílias. A família dos pais e irmãos, na qual vivemos do nascimento até o fim da adolescência; e depois a família que a gente mesmo forma ao casar e ter filhos. Entre esses dois períodos existe um intervalo, talvez o período mais importante da vida. É quando a gente ganha o mundo, sai da casa dos pais e passa a se virar sozinho. Também é a época em que a gente curte mais a vida, o corpo jovem ainda suporta alguns excessos e noites em claro, é quando a gente se relaciona com um monte de gente diferente e cria uma espécie de família, que é aquele grupo de bons amigos com quem se troca segredos, alegrias, tristezas e experiências. A série Friends é tão marcante porque aborda justamente essa fase da vida com muita propriedade, bom humor e delicadeza.

Duas coisas fazem de Friends uma série tão especial e querida: o elenco e um texto fabuloso. A química entre os seis personagens principais é invejável! Assistindo a série dá pra ter certeza que aqueles atores também eram amigos na vida real. E, de fato, Jennifer Aniston (Rachel Green), Courtney Cox (Monica Geller), Lisa Kudrow (Phoebe Buffay), Matt LeBlanc (Joey Tribbiani), Matthew Perry (Chandler Bing) e David Schwimmer (Ross Geller) se deram super bem logo de cara e se tornaram amigos. Tanto é que ficou famoso o fato de que o sexteto fez um acordo entre si de negociar seus salários com a Warner juntos e igualmente. Quando o casal Rachel e Ross tinham nítida popularidade maior que o resto dos personagens, seria natural que os atores quisessem um salário maior, mas isso não aconteceu. Os seis atores sempre receberam salários iguais. A série durou 10 anos. A última cena, do último episódio, onde os seis personagens entregam suas chaves do apartamento, levou horas para ser gravada, porque os atores estavam realmente muito emocionados.

A química do elenco foi combinada a um texto brilhante. A equipe de roteiristas de Friends era fantástica. Eles conseguiram imprimir um ritmo delicioso, transmitir emoções fortes e verdadeiras, ao mesmo tempo que entregavam um humor rápido e inteligente. É verdade que esse tipo de linguagem não era novidade nos Estados Unidos. Mas a combinação de elementos de diferentes séries fez com que tudo funcionasse tão bem.  Seinfeld estreou em 1989 e trouxe para a televisão um humor nonsense rápido e inteligente, cheio de sarcasmo e referências. Em 1992 a excelente série Mad About You  fez muito mais que mostrar ao mundo a linda e ótima atriz Helen Hunt, pois trouxe um texto calcado no cotidiano, nas coisas simples do dia a dia e mostrando a vida de um casal jovem e moderno numa grande cidade. Friends pegou o cotidiano e as experiências vividas em uma relação humana de Mad About You com a comédia inteligente de Seinfeld. Também e importante ressaltar que Friends tinha o diferencial de não ter um único protagonista, e aqui também há de se dar o crédito aos roteiristas, que conseguiam contar histórias de 6 personagens diferentes numa harmonia inacreditável.

Agora estamos aqui, 27 anos depois da estreia da série, 17 anos depois de seu último episódio. O sonho de todo fã de Friends sempre foi ver uma reunião daquela turma. Mas a cada ano que passa a dúvida aumenta. Afinal, eles já passaram de fase. Aquele intervalo entre as duas famílias. A maioria dos personagens já formou sua própria família. Como toda amizade muito forte na juventude, com o tempo, a chegada da família e o trabalho, o laço não se desfaz, mas acaba rolando um distanciamento natural. Será que a série ainda funcionaria sob essas circunstâncias? Pois é, se funcionaria hoje em dia, nunca saberemos. Mas o sonho de ver o sexteto reunido já é realidade. A reunião do elenco de Friends vai ao ar neste dia 27 de maio na HBO Max, nos Estados Unidos. O programa de uma hora de duração traz os seis atores falando sobre a série, revisitando cenários e comentando sobre seus momentos favoritos. E, olha, é disso que o mundo mais precisa hoje em dia. Depois de mais de um ano sem poder se encontrar com os amigos, abraçar, conversar sem máscaras, olhando os sorrisos de cada um, pelo menos poderemos amenizar essa falta vendo a reunião de uns amigos que se tornaram tão próximos de nós, que também são nossos amigos.

Friends é uma série incrível porque é um retrato dos anos 90, mas com uma pitada de fofura e loucura extra. Tá certo que justamente por ser uma série de comédia dos anos 90, ela está cheia de piadas homofóbicas e gordofóbicas que não caberiam em pleno 2021. A maioria dos fãs da série assumem isso. Mas colocada no contexto da época, assistindo Friends hoje em dia dá pra sacar isso e relevar. Aliás, falando em contexto, muita gente que assistiu a série na época de seu lançamento, maratonou todas as temporadas durante a pandemia, afinal, ela traz essa memória boa de um tempo de descobertas e alegria. É uma série que inspira a gente a querer viver, aproveitar cada fase da vida, amar nossos amigos, curtir a vida e amar muito. É como a Monica diz para a Rachel no comecinho da série: “Bem vinda ao mundo real. É uma droga, mas você vai amar.”.

Vai fundo.

Para ouvir: Claro! Uma playlist com algumas das canções que passaram e pela série! Friends Top 10 tracks!

40 Anos Sem o Rei do Reggae.

40 Anos Sem o Rei do Reggae.

O começo da história até que é comum aqui no Brasil. Um garoto negro, nascido na favela em meio a muita pobreza e apaixonado por futebol consegue vencer na vida e ser mundialmente reconhecido. Acontece que a história que vamos contar hoje não se passa no Brasil e, apesar de realmente apaixonado por futebol, esse garoto negro venceu na vida através da música e de um estilo de vida que, até então, o mundo desconhecia. Hoje vamos relembrar a história de um dos maiores ícones da cultura pop dos século XX: Bob Marley, que no dia 11 de maio deste ano completou 40 anos de sua morte.

Photo by Dennis Morris

A história do Bob Marley é muito interessante, cheia de passagens curiosas. Pra começar, ele cresceu em Trenchtown, a maior favela de Kingston, capital da Jamaica. Lá, com apenas 5 anos de idade o pequeno Marley levantava uma grana lendo a mão das pessoas na rua. Claro que devia ser uma baita enrolação, mas já demonstrava que era um garoto com muito carisma para lidar com as pessoas. Um tempo depois, a mãe de Bob, que já não estava mais com o pai dele, passou a viver com um homem que tinha um filho chamado Neville Livingston, que tinha a mesma idade e de cara ficou amigão do Bob. Os dois moleques não se largaram mais e passaram a dividir uma grande paixão: ouvir rádio e cantar suas músicas favoritas. Já na juventude, Neville adotaria o apelido pelo qual ficou conhecido mundo afora: Bunny Wailer.

Paint on canvas by Mick Rock – 2008

Adolescentes, Bob e Bunny viviam procurando diversão e conheceram um grupo vocal ali mesmo, em Trenchtown, e passaram a andar com aquela rapaziada. E acabaram se tornando muito amigos de um desses rapazes, um certo Peter Tosh. Pirando no dubstep, rocksteady e ritmos caribenhos como o calipso, que dominavam a Jamaica nos anos 1960, o trio montou a banda The Wailing Wailers, conseguiram gravar dois ou três compactos que tiveram uma aceitação local muito boa. Tanto é que os caras resolveram arriscar trocar de ilha, saindo da Jamaica e indo para a Inglaterra. Ali, ironicamente, iriam acabar entrando na gravadora Island Records. Mas não foi moleza.

Bunny Wailer, Bob Marley e Peter Tosh nos tempos de Wailing Wailers, 1964
(Photo by Michael Ochs)

Na Inglaterra, eles fizeram uma tour morna, que não rendeu muita grana. Na real, mal se pagou. Tanto é que a banda se viu ali sem sequer ter grana pra voltar para a Jamaica. Foi quando conheceram um produtor tido como malandro na cena musical londrina chamado Chris Blackwell. Blackwell era dono da Island Records e tinha revelado o primeiro grande nome do reggae, Jimmy Cliff. Acontece que Cliff tinha acabado de sair da Island para assinar com uma grande gravadora. Blackwell viu naqueles jamaicanos, principalmente no carismático Bob Marley, seu novo Jimmy Cliff. Ele ofereceu o seguinte acordo para os rapazes. Ele pagava a passagem de volta deles para a Jamaica. Mas em troca, antes de partir, eles gravariam um disco, que Blackwell lançaria pela Island. Foi assim que surgiu um dos maiores clássicos do reggae, o disco Catch a Fire.

Importante dizer que na época dos Wailing Wailers na Jamaica, a banda interpretava canções de amor sem muito conteúdo. Mas, pouco antes da viagem para a Inglaterra, ainda com uns 18, 19 anos de idade, Bob Marley se converteu ao Rastafari. Uma seita religiosa criada na própria Jamaica, com base nas raízes dos negros etíopes, e que tinham a maconha como erva sagrada. Após sua conversão, Bob Marley passou a escrever canções que professavam sua fé, cantando sobre os principais valores do Rastafari, a igualdade, pureza, e amor. Bob Marley, Bunny Wailer e Peter Tosh realmente abraçaram a causa rasta, inclusive se tornando veganos, não consumindo álcool e nem tabaco, bem como drogas sintéticas.  Desta forma, o disco Catch a Fire já veio envolto numa densa névoa de maconha, literalmente, e de canções incríveis! Nessa época, a banda já se apresentava com o nome mais enxuto: The Wailers. Eles cumpriram sua parte no acordo com Blackwell, gravaram o disco e voltaram pra casa. Na Inglaterra, Blackwell se ligou que tinha uma pérola nas mãos e lançou o disco com uma alteração muito marcante, sem consultar a banda. O disco saiu em 1973 sob o nome Bob Marley and The Wailers. E, tal qual a fumaça do cigarrinho de artista da banda, a canção Stir It Up foi pras cabeças e alavancou a venda do disco. Bob Marley and The Wailers começavam a ganhar fama internacional.

Photo by Dennis Morris

Impulsionados pelas boas vendas na Inglaterra, a banda foi tentar a sorte nos Estados Unidos. Lá caíram nas graças da turma da música negra que dominava o começo dos anos 1970 e acabaram sendo contratados como banda de abertura dos shows da Sly and the Family Stone. Acontece que a turnê não durou mais que dez shows. De cara, o show de Bob Marley and The Wailers passou a ofuscar a atração principal. Muita gente pirava no show de abertura e acabava não dando muita bola para a Sly and the Family Stone. Resultado, tour cancelada para os jamaicanos. Mas tudo bem. Eles fizeram alguns shows por conta própria e começaram a fazer seu nome em solo ianque. Enquanto isso, a banda já começava a se estranhar. Esse negócio de Bob Marley and The Wailers pegou mau pro Bunny Wailer e pro Peter Tosh. Ego inflado + grana entrando. Já viu, né? De qualquer forma, a banda continuou produzindo. Ainda no final de 1973 a banda lança o segundo disco, Burnin’. O disco que fez realmente tudo mudar. Este disco caiu nas mãos de Eric Clapton, que chapou no som e acabou regravando I Shot the Sheriff. Foi quando o nome de Bob Marley se tornou conhecido mundialmente.

Daí em diante, foi só ladeira (e fumaça) acima. Claro que o trio fundamental, Marley, Wailer e Tosh, se dissolveu em meio a muita treta. Bob Marley, malandramente, acabou mantendo o nome Bob Marley and The Wailers em seus discos, mesmo sem Bunny Wailer e Peter Tosh. Entre 1973 e 1981 foram 11 discos lançados, todos com sucesso estrondoso no mundo todo. Bob Marley se tornou um proeminente ativista pelos direitos humanos e pela paz, tendo sido inclusive baleado num atentado na Jamaica. Mas não foi isso que o matou, mas sim sua teimosia. Em 1977 ele machucou o pé jogando futebol. Ficou com uma ferida feia no dedão do pé. Ferida essa que ele não cuidou. Talvez ele tenha esquecido… Enfim.  Só em 1980 que foi atrás de saber porque aquele machucado no dedo não sarava nunca. Acabou sendo diagnosticado com um raro melanoma. A solução era amputar o dedo. Mas Bob não topou. Temia que isso prejudicasse sua performance no palco, onde ficava em pé e dançava por horas. Além do mais, a crença rasta valorizava muito o corpo, e uma amputação ia contra esses conceitos.. No fim, o tal melanoma evoluiu para um câncer que se espalhou pelo corpo de Marley e acabou o matando em 11 de maio de 1981.

Photo by Dennis Morris

Vamos finalizando, porque esse texto já está enorme. Uma pena, porque a vida do Bob Marley é cheia de histórias incríveis e interessantes. Desde o atentado que ele sofreu na Jamaica por querer fazer um show gratuito para apaziguar os ânimos políticos do país, até sua breve passagem pelo Brasil onde teve seu visto de trabalho negado pelos militares e jogou uma pelada com Chico Buarque, Alceu Valença e Moraes Moreira. Sem falar que ele espalhou pelo mundo o reggae como forma de música de protesto, que foi incorporada pelos punks ingleses, em especial o The Clash. Mas quem sabe essas histórias não pintam por aqui numa outra oportunidade, né? Afinal, o Bob Marley tem tudo a ver com tudo que a Strip Me mais acredita e ama: Engajamento, personalidade, diversão e arte!

Vai fundo!

Para ouvir: Claro, uma playlist delícia com o que há de melhor na obra do Bob Marley, mas dando aquela desviada das obviedades. Top 10 tracks do Rei do Reggae.

Para assistir: Eu sei que não tem tanto a ver com o Bob Marley em si, mas eu acho que é um filme tão divertido e que traz tanto dessa aura jamaicana, além de ser um filme muito subestimado. Estou falando de Jamaica Abaixo de Zero, filme lançado em 1993 sobre a improvável equipe de trenó que disputou as Olimpíadas de Inverno do Canadá de 1988.

Para ler: O ótimo livro No Woman No Cry – Minha vida com Bob Marley, escrito pela esposa de Bob, Rita Marley e lançado no Brasil em 2019 pela editora Belas Letras. Uma narrativa detalhada e fluente sobre a trajetória de Bob Marley, tanto pessoal como profissionalmente.

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