Especial Dia das Mães: 8 mamães que são puro rock n’ roll.

Categoria: Comportamento, Cultura Pop, curiosidades, Música, Posts

Especial Dia das Mães: 8 mamães que são puro rock n’ roll.

30/04/2024 | Por Paulo Argollo | Nenhum comentário

O Dia das Mães está chegando. Para celebrar e homenagear todas as mães, a Strip Me escolheu 8 mães super especiais, que esbanjam talento muito além da maternidade.

“Ter filhos me fez perceber que fazer do mundo um lugar melhor começa dentro de casa.” Essa frase foi dita pela Madonna, quando falava numa entrevista sobre ser mãe e, ao mesmo tempo, uma pessoa tão influente e exposta na mídia. Madonna é, notavelmente, uma mãe orgulhosa, mas não é a única no universo pop. Em especial no mundo da música, são muitos os casos de mulheres que se tornaram mães e seguiram adiante na carreira de artista, e em muitos desses casos, os filhos acabam também se envolvendo com música.

A maternidade é uma dádiva, e não um fardo (apesar de dar um trabalhão, é verdade). Para deixar isso bem claro, a Strip Me vai falar rapidamente sobre 8 mães que são verdadeiras estrelas da música pop. Se prepara aí e segue a lista.

Baby do Brasil

Também conhecida como Baby Consuelo, Baby do Brasil é dessas personagens pitorescas da cultura brasileira. De visual extravagante e voz potente, a cantora fez parte de uma das bandas mais influentes e marcantes da música contemporânea brasileira, os Novos Baianos. Baby nasceu Bernadete Dinorah de Carvalho Cidade, num lar de pais conservadores no Rio de Janeiro. Quis aprender música, mas os pais negaram, almejando para a filha uma carreira como jurista ou jornalista, profissões do pai e da mãe respectivamente. Mesmo assim, ela deu um jeito de fazer aulas de violão, e chegou a ganhar um concurso de talentos na escola aos 14 anos. Com 17 anos, em 1969, inebriada pelos ventos libertários do rock n`roll, fugiu de casa e foi para Salvador. Lá conheceu Moraes Moreira e sua turma e formou-se os Novos Baianos. Baby e o guitarrista Pepeu Gomes logo se engraçaram, se apaixonaram e casaram. O relacionamento durou de 1969 a 1988, um casamento que gerou seis filhos: Sarah Sheeva, Zabelê, Nãna Shara, Pedro Baby, Krishna Baby e Kriptus Gomes. Ao longo de todo esse tempo, Baby nunca abandonou os palcos. Seus filhos todos são artistas e envolvidos de alguma forma com a música.

Chrissie Hynde

Hynde é uma dessas mulheres inacreditáveis. Talentosa, vibrante, bem resolvida e muito influente. Apesar de não ser assim tão popular aqui no Brasil, sua banda, The Pretenders, é respeitadíssima e muito popular na Inglaterra e nos Estados Unidos. Ela nasceu numa cidadezinha perto de Cleveland, Ohio. Era adolescente no começo dos anos 70 e, em Cleveland, viu shows de Iggy Pop & The Stooges, Rolling Stones e muitos outros. Se ligou que seu mundo era esse e decidiu ser jornalista de música em Londres, para onde se mudou em 1973. Lá conheceu Malcolm McLaren e uma cena musical prestes a explodir. Reza a lenda que deu os primeiros toques a Steve Jones, para que ele aprendesse a tocar guitarra, e posteriormente formasse os Sex Pistols. Em 1978 ela formou sua própria banda, The Pretenders. Se casou com Ray Davis, guitarrista da banda The Kinks, com quem teve uma filha, Natalie Ray Hynde. O relacionamento não vingou e, anos depois, ela se casou com Jim Kerr, vocalista da banda Simple Minds, com quem teve outra filha, Yasmin Kerr. Chrissie criou as duas filhas sozinha, pois logo que nasceram as meninas, os respectivos pais se afastaram após o fim do relacionamento com a mãe. Hynde nunca deixou de tocar e realizar seus projetos, e fez um ótimo trabalho ao criar duas mulheres notáveis. Natalie é uma ativista em organizações pelos diretos humanos e Yasmin é atriz.

Fernanda Takai

A banda Pato Fu foi uma das mais brilhantes bandas surgidas no rock brasileiro dos anos 90. Uma banda que se distanciava da onda maníaco-depressiva do grunge e evocava Mutantes, mas com uma linguagem moderna. Tudo graças à inventividade do guitarrista John Ulhoa e, principalmente, do carisma e talento de Fernanda Takai, vocalista. Fernanda Takai é uma mulher fantástica. Além de compor, cantar e tocar violão e guitarra no Pato Fu, tem uma excelente e consolidada carreira solo como cantora, e também escreve livros de crônicas e contos. Casada com seu parceiro de banda, John, desde 1995, o casal teve uma filha, nascida em 2003, Nina Takai Ulhoa. A maternidade fez Fernanda amadurecer muito e, por consequência, produzir trabalhos literários e musicais mais profundos. Além disso, a o casal Fernanda e John aproveitaram a chegada da pequena Nina para gravarem os discos Música de Brinquedo, volumes 1 e 2, onde fazem versões super divertidas de canções pop usando somente instrumentos de brinquedo e participação de crianças cantando.

Amy Lee

Amy Lee é a mais jovem dessa lista, representa uma geração mais atual. Apesar de mais jovem do que as demais mulheres aqui citadas, ela não deixa nada a desejar em talento e atitude. Amy Lee nasceu na California, mas ao longo de sua infância, morou em cidades da Florida e Illinois. Em sua adolescência, a família finalmente fixa residência em Little Rock, Arkansas. Amy Lee estudou piano por nove anos e, ainda jovem, almejava ser concertista de música clássica. Mas no fim dos anos noventa acabou sendo atraída pela música pop e o rock n’ roll. Em 1998 montou a banda Evanescence, com a qual se tornou mundialmente famosa. O primeiro disco da banda foi lançado em 2003 e, de lá pra cá, ela nunca mais parou. Além de sua banda, Amy tem uma prolífica carreira solo , tendo feito trilhas sonoras para filmes e participado de vários projetos, incluindo parcerias com as bandas Korn e Bring Me The Horizon. Casada desde 2007, Amy Lee teve seu primeiro filho em 2014, Jack Lion Hartzler. A maternidade a impactou de tal forma, que ela acabou compondo e produzindo todo um disco com músicas inspiradas no seu filho. O álbum com 12 faixas foi lançado em 2016, chamado Dream too Much.

Rita Lee

Falando em Lee, a nossa rainha do rock não podia ficar de fora dessa lista. Rita Lee Jones já nasceu com nome de rockstar, em São Paulo no ano de 1947. Compositora, cantora, multi instrumentista, escritora, atriz e ativista vegana e defensora dos animais, Rita Lee é uma das artistas mais importantes da música brasileira. Fez parte da fundamental banda Mutantes 5e em sua carreira solo vendeu mais de 55 milhões de discos, sendo a mulher que mais vendeu discos na história da música no Brasil, ficando apenas em quarto lugar no geral, atrás apenas de Roberto Carlos, Nelson Gonçalves e Tonico e Tinoco. Em 1976 ela se casou com Roberto de Carvalho, parceiro da vida e da música, com quem teve três filhos: Beto, João e Antônio. Dos três, o primogênito Beto Lee se destacou como músico, fazendo parte inclusive da banda de apoio da mãe em algumas turnês como guitarrista. Rita Lee faleceu, vítima de um câncer, em maio de 2023. Ela deixa um legado inestimável de arte e de vida, inspirando as mulheres a lutarem por seus direitos, sendo e fazendo o que bem quiserem.

Linda McCartney

Mesmo que não tivesse se casado com um dos maiores nomes da música pop de todos os tempos, Linda seria considerada uma mulher a frente do seu tempo. É verdade que ela nasceu em berço de ouro, teve acesso às melhores escolas e provavelmente teria uma vida muito confortável mesmo se optasse por nunca trabalhar na vida. Mas o que ela mais fez foi trabalhar. Se formou em artes e se apaixonou por fotografia. Já como fotógrafa profissional ela trabalhou, entre outras publicações, para a revista Rolling Stone. Ao longo da década de sessenta, ainda antes de conhecer seu futuro marido, Linda Eastman fotografou The Who, Jimi Hendrix, The Doors, Bob Dylan, Aretha Franklin, Ottis Redding e muitos outros, até que fotografou os Beatles em 1968, conheceu Paul McCartney e o resto é história. Ao lado de Paul, Linda continuou sua carreira como fotógrafa, mas também passou a cantar e tocar teclado ao lado do marido na banda Wings. Linda já tinha uma filha antes de conhecer Paul. O beatle adotou legalmente a criança, que passou a se chamar Heather McCartney. O casal teve mais 3 filhos depois de se casar: Mary, que também é fotógrafa, Stella, uma das mais celebradas estilistas de moda do mundo, e James, músico como o pai. Linda também era vegetariana e ativista pelos direitos dos animais. Ela faleceu em 1998, em decorrência de um câncer.

Elis Regina

Elis era uma força da natureza. Dona de um carisma magnético e uma voz poderosíssima, Ela começou cedo na música. Aos 16 anos já trabalhava numa rádio em Porto Alegre, cidade onde nasceu. Descoberta por um produtor, ela foi para o Rio de Janeiro, onde realmente sua carreira deslanchou. Com sua personalidade forte, se consolidou indo na direção oposta ao padrão da época. Enquanto todo mundo cantava bossa nova baixinho, no melhor estilo João Gilberto, Elis soltava a voz sem medo. Foi pioneira na concepção de grandes shows de música, com roteiro, direção e cenário. Autêntica, sem medo de ser polêmica, com opiniões firmes e uma incessante luta pela liberdade, não só do país, que vivia um momento político castrador, como das mulheres, Elis Regina sempre foi um exemplo de mulher. Elis se casou duas vezes e teve três filhos, aos quais ela criou muito bem, sem nunca parar de trabalhar. Tanto que os três, João Marcelo Bôscoli, Pedro Camargo Mariano e Maria Rita, têm carreiras de sucesso no mundo musical. Elis morreu em janeiro de 1982 sob circunstâncias controversas. Tudo indica que ela sofreu uma overdose de cocaína e bebida alcoólica, mas há quem diga que, ainda que ela usasse drogas e bebesse com frequência, era controlada e raramente cometia excessos, sugerindo que ela sofreu uma parada cardíaca, que poderia acontecer com qualquer pessoa, mesmo sem o uso de drogas ou álcool. De qualquer maneira, o que fica é o legado e a obra de Elis Regina, a maior cantora da música popular brasileira.

Madonna

A diva maior e rainha do pop é mais uma dessas mulheres mega inspiradoras e admiráveis. Madonna nasceu numa cidadezinha no meio do Michigan, sempre foi muito ligada à família. Por ter perdido a mãe muito nova, que morreu por conta de um câncer, Madonna sempre foi muito apegada ao pai e aos irmãos. Mas também era dedicada aos estudos e à arte, em especial a dança. Com 17 anos se mudou para New York com nada mais que 35 dólares no bolso. Lá, migrou da dança para a música, fazendo parte de bandas de rock até iniciar uma carreira solo vitoriosa. Além de ser a cantora mais reverenciada no mundo, Madonna também é empresária, atriz e escritora. Ela já declarou que a maternidade mudou radicalmente sua vida, fazendo com que ela explorasse novos sentimentos em sua música, bem como a aproximando de uma espiritualidade que, até então, ela não tinha. Madonna tem ao todo seis filhos, sendo dois deles biológicos e quatro adotados: Lourdes Maria, Rocco, David, Mercy James, Stella e Estere. Além de todos os méritos de Madonna como artista, ela deve ser lembrada como uma mãe exemplar, que deixa claro que o amor materno não se resume unicamente aos filhos gerados pela mulher.

Isso tudo é só pra exaltar mesmo todas as mães do mundo, as famosas e anônimas, artistas ou engenheiras, dançarinas ou médicas, poetisas ou matemáticas, atrizes ou empresárias… ou tudo junto, afinal, se tem uma coisa que só as mães conseguem é ser um monte de coisas ao mesmo tempo. Esta é uma homenagem da Strip Me a todas as mães. E você pode contar com a gente para presentear a sua mãe com uma camiseta linda das nossas coleções de arte, música, cinema, cultura pop e muito mais, e você pode também personalizar como quiser uma camiseta para ela, basta entrar no nosso site e seguir as instruções. Dá uma olhada na nossa loja e aproveita pra ficar por dentro de todos os lançamentos, que pintam por lá todo dia.

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist delícia com uma música de cada artista que citamos aqui, e mais duas músicas especiais sobre maternidade. Mother Top 10 tracks.

Categoria: Cinema, Comportamento, Cultura Pop, curiosidades

8 filmes que são remake e você não sabia.

13/03/2024 | Por Paulo Argollo | Nenhum comentário

Contar bem uma história é uma arte. Recontar uma história que já foi contada, com personalidade e qualidade, é um verdadeiro desafio. Hoje a Strip Me desvenda alguns filmes clássicos que são remake e você provavelmente não sabia.

Em todos os discos dos Beatles tem pelo menos uma música cantada pelo baterista Ringo Starr. E não precisa ser um expert para notar que as músicas que sobravam para ele interpretar não eram as mais marcantes e bem trabalhadas. Prova disso é a canção With a Little Help From My Friends, uma música simples de Paul McCartney, que recebeu um arranjo enxuto e despretensioso, se comparada às demais canções do álbum Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Uma canção que quase passa despercebida num disco que tem obras como A Day in The Life, She’s Leaving Home, Lucy in The Sky With Diamonds e tantas outras. Mas alguma coisa aconteceu quando o cantor inglês Joe Cocker ouviu With a Little Help From My Friends e resolveu regravá-la à sua maneira. Cocker transformou uma canção pop bobinha num verdadeiro hino da contracultura com um arranjo poderosíssimo. Aliás, não sei se você sabe, mas quem gravou as guitarras na versão de Cocker foi um jovem músico de estúdio chamado Jimmy Page.

Faz parte da arte a releitura, a reinvenção. A maneira de se contar uma história faz toda a diferença. A ênfase em determinados aspectos, o entusiasmo ou o suspense que se imprime em alguns momentos… e é inegável que tem algumas pessoas que contam histórias melhor que outras. Assim como aconteceu com a música dos Beatles que Joe Cocker transformou, fazendo com que With as Little Help From My Friends seja muito mais lembrada na sua voz do que na dos rapazes de Liverpool, tem muito filme por aí que são considerados clássicos, associados a determinados cineastas, mas que na realidade são remakes de filmes feitos anteriormente. Tais remakes, ou releituras, são reveladores para nós, pois ao comparar uma mesma obra sendo contada por duas óticas diferentes, nos mostra um pouco como cada cineasta trabalha e entende o cinema.

Pensando nisso, selecionamos oito filmes que são muito conhecidos e que pouca gente sabe que já foram feitos antes. Se o “original” é melhor ou pior que o remake, a gente, que também não resiste a uma boa polêmica, dá a nossa opinião, doa a quem doer! Confere aí!

Nasce uma Estrela (1976 – 2018)

Na real, o filme de 2018, com Lady Gaga e Bradley Cooper é um remake do remake. Já que existe um filme com mesmo nome e mesmo enredo lançado em 1954 e estrelado pela Judy Garland. Mas vá lá, o que importa para nós aqui é a versão de 1976, estrelada pela Barbra Streissand e pelo Kris Kristofferson. Curiosamente, os dois filmes tiveram várias indicações ao Oscar e ganharam na mesma categoria: Melhor Canção Original. Mas vamos aos fatos.
O remake bate o original?
Sim! O filme de 2018 é muito bem escrito, é denso e tem uma fotografia inacreditável! Além disso, Bradley Cooper apresenta uma atuação exuberante, muito superior a Kristofferson. Os dois filmes são bons, mas o remake é melhor.

Bravura Indômita (1969 – 2010)

Para começo de conversa, a história em si é ótima. Uma criança que consegue convencer um policial aposentado a ajudá-la a encontrar o assassino de seu pai. E os dois filmes conseguem contar essa história de maneira satisfatória. De um lado temos o lendário John Wayne e do outro o camaleônico Jeff Bridges como protagonistas. Enfim, é uma briga boa.
O remake bate o original?
Se você já assistiu filmes como Onde os Fracos Não Tem Vez, E Aí, Meu Irmão, Cadê Você e Fargo, você sabe que pouca gente neste mundo conta histórias tão bem quanto os irmãos Joel e Ethan Coen. E são eles os responsáveis pelo remake de 2010. Então, a resposta direta e reta é: com certeza o remake bate o original! Os irmãos Coen transformaram um filme western (de muita qualidade, diga-se) num verdadeiro épico. Não dá nem pra comparar um com o outro.

Cabo do Medo (1962 – 1991)

Aqui temos a história de um psicopata que recebe liberdade após cumprir anos na cadeia. E a primeira coisa que ele faz é procurar se vingar do advogado de acusação que o condenou. É um thriller de suspense de roer as unhas. A questão aqui é que temos realmente duas abordagens diferentes. Enquanto na versão original, de 1962, o protagonista é o promotor Sam Bowden, interpretado por Gregory Peck e retratado com certo heroísmo, na versão de 1991 o protagonismo é todo voltado para o psicopata Max Cady, interpretado por Robert De Niro.
O remake bate o original?
Bate, e não é pouco. Bate muito! Pra começar estamos falando de um remake feito por ninguém menos que Martin Scorsese. Depois, temos Robert De Niro numa atuação impressionante. E por fim, o remake traz muito mais complexidade e peso à história. De maneira simplória, podemos dizer que o filme de 1962 é muito politicamente correto e o remake não tem pudor nenhum ao retratar a violência e o sadismo.

Perfume de Mulher (1974 – 1992)

Um militar de meia idade acaba aposentado por ter ficado cego. Um recruta é designado para assessorá-lo. Deprimido, o militar resolve passar um fim de semana na cidade para se divertir. O recruta o acompanha e os dois acabam criando um vínculo de cumplicidade e amizade. É uma história muito bonita e bem escrita. O filme original é italiano, dirigido por Dino Risi, um dos cineastas mais importantes da Itália. Já a versão norte americana tem Martin Brest na direção.
O remake bate o original?
A situação aqui é a seguinte. Temos a velha disputa entre o cinema mais artístico europeu contra o cinema pasteurizado e mais bem acabado da indústria de Hollywood. Apesar de contar a mesma história, não é fácil dizer qual é melhor, porque são filmes bem diferentes na linguagem (para além do idioma) e na estética. Mas, não podemos negar que o remake tem Al Pacino numa interpretação soberba, que lhe rendeu seu primeiro Oscar de Melhor Ator, e uma das cenas mais parodiadas da história, a cena da dança de tango ao som de Por Una Cabeza, de Carlos Gardel. Então, a resposta é sim. O remake bate o original.

Os infiltrados (2002 – 2006)

Olha só, aqui nós vamos direto ao ponto.
O remake bate o original?
O filme original é uma produção chinesa, cujo título é Conflitos Internos. O mote é que a polícia tem um informante na máfia, e a máfia tem um informante na polícia. É um filme simples de ação no estilo gato e rato. Mas aí, esse roteiro caiu na mão do Scorsese, e não é que simplesmente foi feito sob a perspectiva norte americana. O roteiro ganhou camadas, tensões, personagens mais profundos, as relações entre os personagens evoluiu… tudo isso nas mãos do maior especialista em filmes de máfia do mundo! Ah, sim, tem Leonardo DiCaprio mandando super bem, e até mesmo Matt Damon e Mark Wahlberg apresentando atuações bem acima da média! Não é que o remake bateu o original, mas sim o remake chamou o Joe Pesci full pistola com um taco de baseball pra ensinar pro original como se faz um filme de máfia.

Onze Homens e Um Segredo (1960 – 2001)

O que fazer quando um bando de homens carismáticos e descolados usam essas e outras características e habilidades para cometer crimes? Bom, não nos resta nada a fazer a não ser torcer por eles. É isso que o filme Onze Homens e Um Segredo causa nas pessoas. Seja em 1960, quando o tal bando era capitaneado por um Frank Sinatra no auge de sua beleza e simpatia, seja em 2001 quando o protagonista era o charmoso George Clooney. Onze Homens e Um Segredo é um desses filmes deliciosos que misturam ação e comédia, onde um grupo de especialistas em roubos resolvem roubar os cofres de 3 dos maiores cassinos de Las Vegas.
O remake bate o original?
Então, é meio complicado a gente comparar filmes com quarenta anos de distância entre um e outro. Obviamente, o remake é mais dinâmico e esteticamente muito mais atraente. No final da década de 50, começo de 60, os grandes astros eram artistas como Sinatra e Dean Martin, que eram mais performers, cantores que sabiam atuar. Não dá pra comparar a atuação deles com Clooney e Brad Pitt, já que os dois últimos são realmente grandes atores. O original não é um filme ruim. É muito bom, tem seu valor. Mas envelheceu. O remake é melhor simplesmente por ser contemporâneo a nós.

Vanilla Sky (1997 – 2001)

Aqui temos um filme complexo, mas extremamente atraente e impactante. O roteiro é realmente brilhante. Chega a ser difícil resumir, mas basicamente, a história gira em torno de um ricaço que sofre um acidente de carro, fica desfigurado e psicologicamente muito abalado, ao passo que se apaixona por uma garota misteriosa.
O remake bate o original?
A disputa aqui é acirradíssima. Primeira coisa a se saber: Alejandro Amenábar, que escreveu e dirigiu o original, Abre Los Ojos, filme espanhol de 1997, também assina o roteiro do remake, que tem direção do sempre excelente Cameron Crowe e é uma produção hollywoodiana com Tom Cruise como protagonista. Assim como em Perfume de Mulher, estamos diante de uma produção europeia, cuja abordagem é sempre mais cuidadosa e centrada na arte mais pura, com mais dramaticidade, em contraponto a uma produção de Hollywood, numa pegada mais pop, com alguns alívios cômicos para equilibrar a densidade do enredo. Os dois filmes são incríveis! Mas, se precisamos escolher um lado, digamos que o remake bate o original sim, por um detalhe muito importante: o remake tem Paul McCartney escrevendo uma canção especialmente para o filme, a bela música Vanilla Sky.

Scarface (1932 – 1983)

O retrato da ascensão de um bandido cubano em Miami, de soldado do tráfico de drogas até se tornar um dos mais poderosos chefes do tráfico. Vamos ao que interessa.
O remake bate o original?
A frase “Say hello to my little friend!” já seria suficiente para responder. Mas vamos lá. Sim, existem as diferenças do tempo. Claramente um filme da década de oitenta vai ser mais bem feito do que um filme da década de 30. Mas o buraco é mais embaixo. Scarface acaba sendo considerado um filme original de Brian de Palma porque ele construiu a trajetória de Tony Montana com uma riqueza de detalhes impressionante, além de entregar um filme visualmente vibrante e muito empolgante. Mais uma vez, temos Al Pacino numa atuação descomunal! O roteiro do remake é mais bem elaborado e profundo que o original, mesmo guardando as devidas proporções das limitações técnicas e de costumes da década de 30. Então, como é que um filme que tem um Al Pacino travadíssimo, com uma metralhadora na mão e uma montanha de cocaína na mesa não vai bater um filme que sequer tem meia dúzia de palavrões ditos pelos personagens? O remake reina absoluto!

Faixa Bônus

Além dos filmes, as séries de TV também não escapam dos remakes. Eis alguns exemplos de séries que ficaram famosas e são remakes. Começando com a excelente House of Cards, cuja versão da Netflix, estrelada por Kevin Spacey e lançada em 2013 dá de dez na série original britânica exibida pela BBC nos anos 90. The Office também se tornou muito popular na versão estrelada por Steve Carrell, mas é remake da série britânica de mesmo nome, criada pelo genial Ricky Gervais. E neste caso, fica difícil dizer qual é melhor, já que o humor inglês eleva a outro nível as situações desconcertantes da série. No ramo da ficção científica temos Battlestar Galactica, que estreou no final dos anos 70, pegando carona na onda de Star Wars. A série ganhou um remake em 2004 e fez um sucesso imenso na TV à cabo. Por fim, temos a maravilhosa série Fargo, que não é exatamente um remake, mas sim uma série inspirada no excelente filme de mesmo nome, escrito e dirigido pelos irmãos Coen.

Pois é, o velho Lavoisier já cantou essa bola lá atrás: “Na Natureza, nada se cria, nada se perde, tudo se transforma”. Na cultura pop é a mesma coisa! Bobeou virou remake, versão alternativa ou qualquer coisa do gênero. Cabe a nós só torcer pra que ninguém invente de mexer no que já é perfeito. Já imaginou, remake de De Volta para o Futuro, Pulp Fiction ou O Poderoso Chefão?! Melhor nem pensar nisso. Então aproveita para dar aquela conferida na nossa coleção de camisetas de cinema! Lá sim você encontra seus filmes favoritos numa perspectiva original e super descolada! Isso sem falar nas camisetas de música, arte, cultura pop, games, bebidas e muito mais. No nosso site você confere isso tudo e ainda fica por dentro de todos os lançamentos da Strip Me, que pintam toda semana!

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist caprichada só com músicas que são versões, regravações feitas por artistas que não os compositores originais. Versões top 10 tracks.

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Give Peace a Chance

23/11/2022 | Por Paulo Argollo | Comentários desativados

A música é algo atemporal, isso não é novidade para ninguém. Uma sinfonia de Beethoven pode soar tão atual quanto uma canção do Daft Punk. Tudo depende apenas da sensibilidade e das preferências pessoais de cada um. Mas existe um fator extra que pode fazer uma canção se tornar, não só atemporal, mas também essencial. É quando ela traz consigo uma mensagem, um significado relevante e comum a todos os povos. É por isso que a Strip Me elaborou duas estampas inspiradas numa das campanhas mais emblemáticas da cultura pop do século XX: Give Peace a Chance e War is Over. A primeira faz menção à irresistível canção de John Lennon e a segunda evoca os cartazes e outdoors criados pelo casal Lennon e Ono espalhados por várias cidades do mundo pedindo o fim da guerra do Vietnã.

John Lennon certamente é o mais controverso e plural dos 4 Beatles, além de ser uma das personalidades mais importantes do século XX. Inquieto, logo no início da banda, Lennon já demonstrava ser contestador, se opondo aos limites que o empresário Brian Epstein impunha. Em 1965, indo contra as recomendações de Epstein, John falou publicamente sobre maconha, se posicionou contra a guerra do Vietnã e protagonizou a famosa polêmica sobre os Beatles serem maiores que Jesus Cristo. Depois, entre 1967 e 1968, foi ele quem interpelou o guru Maharishi Mahesh Yogi, questionando seus supostos abusos contra algumas garotas em seu retiro espiritual. Por fim, chega 1969, quando John se casa com Yoko Ono e o casal resolve aproveitar a mídia que naturalmente atraía para promover uma campanha pela paz e pelo fim da guerra do Vietnã, que se tornava cada vez mais sangrenta.

John e Yoko se casaram no dia 20 de março de 1969 em Gibraltar, território ao sul da Espanha que pertence ao Reino Unido. Foram passar a lua de mel em Amsterdã. Percebendo que por onde passavam atraíam muitos fotógrafos e repórteres, o casal teve a ideia de convidar a imprensa para entrar em seu quarto de hotel. Em novembro de 1968 John e Yoko haviam lançado o disco Two Virgins, uma colagem de ruídos pretensamente avant-garde. Acontece que nesse disco, John e Yoko aparecem nus na capa e contra-capa. Com isso em mente, quando a imprensa foi convidada a entrar no quarto do casal, os jornalistas esperavam algo tão provocador quanto a capa do Two Virgins. Mas o que encontraram foram John e Yoko de pijamas brancos, recostados na cama e rodeados por cartazes pedindo paz e o fim da guerra. Começava assim os famosos bed-ins de John e Yoko pela paz.

Os bed-ins nada mais eram do que uma coletiva de imprensa dentro de um quarto de hotel, onde John e Yoko, de pijamas, sentados numa cama falavamo com repórteres e autoridades sobre a paz e o fim da guerra. Os primeiros bed-ins aconteceram entre os dias 25 e 31 de março de 1969 em Amsterdã, e depois entre os dias 26 de maio e 1 de junho do mesmo ano em Montreal, no Canadá. E foi justamente no último dia em Montreal que John arranjou um gravador portátil e reuniu alguns amigos, entre eles o entusiasta do LSD Timothy Leary, a cantora Petula Clark, o comediante Tommy Smothers, o ativista negro Dick Gregory, para gravar uma canção recém escrita por ele e Yoko. A emblemática Give Peace a Chance.

Give Peace a Chance é uma música brilhante por vários motivos. Tem uma melodia simples e cativante, um refrão que, além de fácil de cantar, tem uma mensagem imponente e funciona muito melhor quando cantado em uníssono por várias pessoas. Por isso mesmo, John quis reunir um número grande de pessoas para a gravação, que conta apenas com um violão e um ou outro instrumento de percussão na parte instrumental. É uma canção tipicamente folk, quase dylanesca. Fora o refrão, John entrega nos versos uma letra questionadora, onde diz que tem se falado sobre tudo no mundo, sobre revolução, inflação, regulação, meditação, sobre John e Yoko, Timothy Leary, Bob Dylan, Allen Ginsberg… enfim, tudo, menos sobre paz! Para assim, entrar no refrão: “tudo que estamos dizendo é para dar uma chance á paz”. Give Peace a Chance foi lançada no início do segundo semestre de 1969 e atingiu logo as primeiras posições da Billboard, tornando-se um hino para todos os ativistas pelo fim da guerra.

John e Yoko, satisfeitos com a repercussão dos bed-ins resolvem dar sequência à sua luta pela paz. Com o fim do ano de 1969 se aproximando, eles iniciam a campanha War is Over. Escolhem 11 grandes cidades ao redor do mundo para nelas espalharem outdoors e cartazes em branco, somente com os dizeres War is Over If You Want It. Happy Christmas from John & Yoko. Londres, Paris, Roma, Amsterdã, Atenas, Berlim (naquela época Berlim Ocidental), Los Angeles, New York, Toronto, Montreal e Tóquio receberam cartazes do tipo lambe-lambe, além de grandes outdoors brancos com a frase War is Over. A campanha foi lançada oficialmente no dia 15 de dezembro em Londres com um show da Plastic Ono Band, banda de John e Yoko que teve várias formações. Para este show especificamente, a banda era formada por Keith Moon, Billy Preston, Eric Clapton e George Harrison. Inclusive, este show acabou sendo a primeira vez que John e George subiam num palco juntos desde 1966, e também foi a última vez que a dupla se apresentou em público. A campanha ainda rendeu a música Happy Xmas (War is Over), lançada como single por John Lennon em 1 de dezembro de 1971. A música ganhou o mundo, subindo até o topo das paradas de sucesso em vários países e sendo regravada por muitos artistas ao longo dos anos, se tornando um verdadeiro hino de natal. Aliás, aqui no Brasil foi um dos primeiros memes da internet, antes do termo meme existir, através da versão em português da cantora Simone.

Em abril de 1975 a guerra do Vietnã chegava ao fim. Os Estados Unidos deixaram o país asiático às pressas, sua embaixada em Saigon foi evacuada num um desenfreado desespero, em cenas que ganharam o mundo. Em dezembro de 1980 John Lennon foi assassinato em frente ao prédio onde morava em New York. Mais de 50 anos depois de lançadas, as músicas de John Lennon seguem sendo relevantes. Independente de qual seja a guerra em curso mundo afora, Give Peace a Chance ainda é um hino pela paz e Happy Xmas um belo e questionador hino de Natal. Os bed-ins e a campanha War is Over ainda hoje são relembradas e cultuadas como marcos da contra cultura, da luta por direitos humanos e da cultura pop de maneira geral.

O conjunto da obra fala por si própria. Ou seja, somam-se os fatos de John Lennon ser um dos Beatles, de serem Give Peace a Chance e Happy Xmas grandes canções, de toda a campanha pela paz ter um verniz de arte conceitual muito bacana graças a Yoko Ono e a mensagem transmitida ser tão atemporal e indispensável. Tudo isso faz com que a Strip Me se inspire para lançar camisetas de música, arte, cinema, cultura pop e muito mais, sempre ligadas a princípios humanos, libertários e de preservação à vida e ao meio ambiente. Confira essas e outras estampas na nossa loja e fique esperto por lá para acompanhar as novidades da seção de lançamentos!

Vai fundo!

Para ouvir: As músicas de protesto mais marcantes de John Lennon em sua carreira solo! Power to the People Top 10 Tracks.

Para assistir: John e Yoko fizeram alguns registros em vídeo durante os bed ins em Montreal que resultaram num mini documentário chamado Bed Peace. Tem completinho no Youtube, mas sem legenda em português. Porém, vale a pena ver pelo registro da época e conferir o clima que rolava durante essas entrevistas.

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5 Momentos Definitivos na história do Rock

13/11/2015 | Por Strip Me Clothing | Comentários desativados

Rock and roll e revolução andam de mãos dadas, a capacidade que o estilo tem de mudar costumes e deixar os mais conservadores de cabelo em pé fica evidente em alguns episódios que apesar de acontecerem de maneira relativamente despretensiosa, acabam tomando proporções globais, ajudando a mudar paradigmas e deixar para trás alguns problemas sociais. Seja por contestação ou puro entretenimento, o rock and roll foi fundamental para o nosso mundo, por isso (e pela música, é claro) vamos conhecer alguns momentos cruciais para a história do estilo.

Elvis Presley grava na Sun Records, em Memphis.

Em agosto de 1953, Elvis Presley entrou nos escritórios da Sun Records para gravar duas músicas no intuito de presentear sua mãe, após se apresentar no balcão como um cara que “canta de tudo”, Presley terminou sua gravação e deixou todos encantados, inclusive Sam Phillips, o dono do lugar. Quando Elvis apareceu por lá novamente, Phillips deu uma banda para o rapaz e começou a gravá-lo de todas as maneiras possíveis. Em julho de 1954, Presley e sua nova banda gravaram a música That’s All Right, um sucesso instantâneo nas rádios de Memphis que cresceu ainda mais após suas apresentações enérgicas e seu jeito polêmico de balançar as pernas. Um ano depois, Elvis assinou um contrato com a RCA Records e o resto, como dizem, é história.

Rock Around the Clock chega ao topo da Billboard.

Por ter nascido de um processo que misturou blues, country e r&b, é difícil apontar qual foi o primeiro single de rock and roll, porém seu primeiro sucesso mundial é inconfundível. Em 1955 o filme Blackboard Jungle abordou a polêmica questão de colégios inter-raciais em bairros violentos, e tinha a música Rock Around the Clock de Bill Haley & His Comets na trilha sonora. O single de Haley foi lançado em 1954 e passou despercebido, porém após a estréia do filme, Rock Around the Clock se tornou popular entre a juventude rebelde da década de 1950 e se tornou a primeira faixa de rock a atingir o topo da Billboard nos Estados Unidos. O single também chegou ao topo da parada Inglesa e influenciou uma geração que também marcou seu nome na história ao longo das décadas seguintes.

Beatles no Ed Sullivan Show.

Em 1963, os Beatles lançaram dois álbuns que foram chegaram ao topo das paradas na Inglaterra e se tornaram os queridinhos da terra da rainha. Porém, devido a problemas com gravadoras, os Beatles só foram lançados nos Estados Unidos em dezembro daquele ano e ao longo dos dois meses seguintes a banda conquistou todo o país e logo desembarcaram em Nova Iorque para uma turnê americana e uma aparição no famoso Ed Sullivan Show. A apresentação dos Beatles no programa foi assistida por 73 milhões de americanos, a maior audiência de um programa de tv na época e foi amplamente criticada pela mídia. Pouco importou, os jovens adoraram e a Beatlemania já mudava a cara da cultura pop nos Estados Unidos.

The Rolling Stones no Chess Studios

Em 1964 os Stones foram fazer uma turnê pelos Estados Unidos e em sua passagem por Chicago gravaram no lendário Chess Studios, casa dos maiores artistas de blues de todos os tempos. Lá eles conheceram seus maiores ídolos, incluindo Muddy Waters, e produziram um single que atingiu o topo das paradas britânicas. No ano seguinte, a banda voltou ao estúdio para sessões complementares do álbum The Rolling Stones, Now! e começaram a esboçar seu maior sucesso, (I Can’t Get No) Satisfaction nos estúdios Chess. O sucesso de Satisfaction, além de gerar um hino, atestou a capacidade da dupla Keith Richards e Mick Jagger de escrever hits, o que abriu caminho para sua era de ouro, quando lançaram em sequência Beggar’s Banquet, Let it Bleed, Sticky Fingers e Exile on Main Street, e se tornaram a maior banda de rock and roll do mundo.

Bob Dylan no Newport Folk Festival.

O Newport Folk Festival era um dos principais festivais do mundo na década de 1960, por manter viva e criativa a tradicional cena de folk music nos Estados Unidos. As edições de 1963 e 1964 trouxeram Bob Dylan inspirado, após o lançamento de seu álbum The Freewheelin’ Bob Dylan ele havia impressionado todos os presentes nessas edições ao desfilar seus já numerosos hits. Praxe de Bob Dylan, após o sucesso da fórmula de 63 e 64 ele resolveu chutar o balde em 1965 e subir ao palco com uma banda elétrica. O set durou três músicas e foi marcado por vaias, atribuídas ao fato da apresentação de Dylan ser elétrica, o que ia à contramão do festival. O curto set se tornou uma das passagens mais importantes e duradouras de Dylan, influenciando quase todas as formas de rock and roll que vieram depois, com seus pupilos mais notáveis vindo do rock alternativo.

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Categoria: Cultura Pop, Música

As brigas mais legais do mundo da música

16/09/2015 | Por Strip Me Clothing | Comentários desativados

Brigas sempre chamam atenção. Pode ser uma disputa verbal, alguém xingando muito no Twitter ou saindo na mão, todos vão acabar dando uma opinião ou comentando o ocorrido. E esse fascínio toma uma proporção global quando grandes músicos estão envolvidos no quebra-pau.

Seja por conflito de egos, diferenças de interesses ou só pela publicidade da coisa, essas trocas de farpas sempre rendem muitas histórias e algumas horas de boa leitura sobre o acontecido.

Paul McCartney x John Lennon

Lennon e McCartney eram grandes amigos na juventude e nos primeiros anos da carreira dos Beatles, porém, a relação dos dois foi piorando com o passar do tempo. Após o fim da banda, John não escondeu de ninguém a raiva que tinha de Paul, chegando a escrever a música ‘How Do You Sleep’, sugerindo que o ex-companheiro só fez uma música boa na vida, e disse em várias entrevistas que o mesmo era mercenário e controlador. Apesar dessa época de pouca paz e nenhum amor entre os dois, em 1974 os dois se encontraram e restabeleceram uma relação de cortesia, que durou até a morte de Lennon.

Keith Richards x Mick Jagger

Ao contrário de Lennon e McCartney, Mick e Keith nunca se deram muito bem, mas se toleravam devido ao interesse mútuo no sucesso dos Stones. Essa relação de amor e ódio nunca foi segredo para ninguém, e isso sempre aparecia da mesma maneira, Keith dava uma entrevista reclamando de Jagger, que sempre desconversava em suas aparições públicas, mas exigia desculpas nos bastidores. A relação quase acabou de vez em 2010, quando Richards publicou em sua autobiografia palavras pouco amigáveis sobre a qualidade da carreira solo de Jagger, o chamou de controlador e ainda fez comentários sobre o tamanho de seu órgão sexual. Mais uma vez, Keith teve que pedir desculpas a Jagger, que quase cancelou compromissos da banda por causa da situação.

Roger Waters x David Gilmour

A disputa entre os líderes do Pink Floyd começou na década de 1980, na época, eles disseram que diferenças criativas dificultaram a relação. A coisa desandou quando Gilmour lançou um álbum solo, em 1984, deixando Waters furioso e o levando a lançar seu próprio álbum e excursionar sozinho. Após declarar que o Pink Floyd havia se tornado uma perda de tempo, Waters saiu da banda em 1985 e tentou impedir Gilmour e Mason de usarem o nome da banda através de ações legais. Após a vitória judicial, Gilmour lançou o disco A Momentary Lapse of Reason, considerado por Waters um álbum de “terceira classe”. Depois de anos de disputa, os dois parecem ter encontrado paz, Waters admitiu em entrevistas que estava errado em processar os ex-companheiros de banda, além disso, a formação clássica do Pink Floyd se reunião para uma última apresentação, em 2005.

Axl Rose x Nirvana

De fãs a companheiros de banda, Axl Rose já brigou com todo mundo. E seu encontro com o Nirvana, durante o VMA de 1992, não acabou de outra maneira. No backstage do evento, Rose passou pelo trailer do Nirvana e Courtney Love pediu que Axl batizasse a recém-nascida Frances Bean Cobain, o vocalista do Guns n’ Roses se ofendeu com as palavras de Love e mandou Kurt controlar sua mulher. Enquanto o Nirvana se encaminhava ao palco para apresentar Lithium, Duff McKagan tomou as dores de Rose e partiu pra cima do baixista Krist Novoselic, mas foram impedidos pela turma do deixa disso. Ao fim da música, Dave Grohl resolveu entrar na confusão e foi ao microfone saudar Axl Rose para o mundo todo ver, Kurt Cobain ainda cuspiu no piano que o Guns n’ Roses usaria para tocar o hit November Rain, Kurt teve uma surpresa ao ver que Elton John era convidado da banda para tocar o instrumento, e foi ele quem acabou levando o presente de Cobain.

Dave Grohl x Courtney Love

Após o fim do Nirvana, Courtney Love e Dave Grohl, junto com Krist Novoselic, tinham controle sobre o lançamento de novos materiais da banda. Tudo ia bem, até que um dia Courtney acordou e decidiu que só ela poderia apitar sobre os lançamentos do Nirvana, fato que deu início a uma briga judicial de mais ou menos uma década. Entre um processo e outro, Love e Grohl trocavam elogios pela mídia, ela disse que o Foo Fighters era uma banda ‘gay’ e chegou a alegar que Dave Grohl se insinuou sexualmente a Frances Bean Cobain. Ele se manteve calado sobre o assunto, mas chegou a falar mal de Love em raras ocasiões, também reza a lenda que a música I’ll Stick Around, foi feita como um ataque direcionado a Courtney. Depois de anos de briga, os dois se reconciliaram durante a indução do Nirvana no Hall da Fama do Rock, em 2014.

Blur x Oasis

As duas bandas brigaram pelo topo do Britpop ao longo da década de 1990. A disputa parecia algo arquitetado por um roteirista de Hollywood, enquanto os integrantes do Blur cresceram em subúrbios tranquilos de Londres e formaram a banda em uma faculdade, os Gallagher e seus companheiros de Oasis vinham da industrial Manchester, com famílias problemáticas e passagens pela polícia. No dia 14 de agosto de 1995, Blur e Oasis lançaram os singles Country House e Roll With It, respectivamente, para uma briga direta pelo primeiro lugar nas paradas. Pouco depois, Noel Gallagher, que adora um insulto, disse que esperava que Damon Albarn e Alex James pegassem AIDS e morressem. Após um pedido de desculpas da banda de Manchester, Blur e Oasis passaram a viver em relativa harmonia, inclusive com relatos de Albarn e Noel Gallagher juntos por pubs ingleses.

Jack White x The Black Keys

Era de se imaginar que dois dos maiores nomes do blues rock dos últimos 15 anos tivessem, no mínimo, uma simpatia mútua. Coisa nenhuma. A treta entre o ex-líder do White Stripes e a dupla de Ohio começou em agosto de 2014, quando e-mails que Jack White trocou com sua ex-esposa vazaram para a imprensa, neles, White estava bravo, pois seus filhos estavam estudando com os filhos de Dan Auerbach, vocalista do Black Keys, e afirmou que o mesmo insistia em copiá-lo em tudo. Depois de algumas declarações de panos quentes, a situação acalmou. Pouco mais de um ano depois, em setembro de 2015, o baterista do Black Keys, Dan Carney, foi ao twitter descrever um encontro que teve com Jack White em um bar de Nova Iorque, onde White tentou agredir Carney. No dia seguinte os dois já vieram a público novamente para dizer que conversaram e resolveram as diferenças pelo telefone.

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John Lennon: 10 momentos de pura genialidade

08/12/2014 | Por Strip Me Clothing | Comentários desativados

Há 34 anos, em 08 de dezembro de 1980, o mundo recebia uma notícia chocante: John Lennon estava morto. Por todas as partes a notícia da morte de John era recebida com incredulidade e revolta pelos fãs. Como era possível um homem que defendia a paz e a união dos povos ser morto de uma maneira tão estúpida e covarde?

Pois bem, para além da morte, a verdade é que John já tinha se tornado uma espécie de imortal, uma vez que era ele o ex-líder dos Beatles, a maior banda de todos os tempos. E foi também na fase com os Beatles que John escreveu algumas das maiores músicas de todos os tempos. Assim, separamos abaixo 10 (mentira, foram 14) momentos de pura genialidade de John Lennon, dentro e fora dos Beatles. Confira!

• Instant Karma:

• I’m the Walrus:

• Lucy In The Sky With Diamonds:

• God:

http://www.youtube.com/watch?v=mSF5fxFDDyQ

• A Day in The Life:

• Mother:

• Strawberry Fields Forever:

• Across The Universe:

• Mind Games:

• Stand By me:

http://www.youtube.com/watch?v=4vSWHkxZgOI

Ok. Aqui temos 10 momentos geniais. Mas a verdade é que, quando se trata de John Lennon, escolher só 10 músicas é impossível. Então preparamos um bonus com mais alguns momentos sensacionais. 🙂

• In my life:

• Nowhere Man:

• Ticket to Ride:

• Imagine:

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Like a Rolling Stone: por Bruno Vinicius Silva

03/11/2014 | Por Strip Me Clothing | 1 Comentário

Qual a razão do eterno charme dos Rolling Stones? O que esses senhores de 70 anos, que já protagonizaram escândalos que fariam bandas como os Guns´n Roses ou os Sex Pistols ficarem coradas de vergonha, representam atualmente em uma indústria de entretenimento cada vez mais escassa de atitude e que parece ser planejada por contadores americanos ávidos por dinheiro? E porque ainda precisamos dos velhos e malvados Stones?

Precisamos dos Rolling Stones basicamente porque a função do rock´n roll desde o seu início é de romper com padrões vigentes, sair do marasmo e sacudir as pessoas e a sociedade em que essas estão inseridas. Os Stones parecem viver permanentemente em um túnel do tempo, em uma era que os astros do rock não eram apenas marionetes instruídas por assessores de imprensa em sintonia com o politicamente correto e sim dândis hedonistas da livre expressão artística.

Que figuras tristes são os astros atuais se comparados aos Stones. Mal começam a fazer sucesso e já começam a ostentar, menosprezar seu público, se acomodam e passam a se levar a sério demais.

E esse é um dos charmes dos Stones, não se levarem tão a sério. Como não gostar da única banda que ousou rivalizar com os sacrossantos Beatles, ao se comportarem de uma maneira tão espontânea, insolente e divertida. Algumas canções clássicas dos Stones renderiam uma visita inesperada da polícia se fossem lançadas atualmente (Exagero? Veja a letra de Stray Cat Blues de 1968 ou de Some Girls de 1978 só como exemplos).

Aliás, na contra capa de seu primeiro álbum já estava dada a dica: “Os Rolling Stones não são apenas uma banda, são um estilo de vida” – * (A contra capa do segundo disco, entretanto já ia além e sugeria ao jovem que não tivesse dinheiro para comprar o disco que roubasse de um cego, o que deu merda é lógico).

E o que seria esse estilo de vida Stones de ser? De acordo com Bill Wyman, ser um Stone é ser um aventureiro, uma pessoa que goste de viajar, que não fica parada no tempo e faz acontecer. Em outras palavras a tradução do trecho que inspirou o nome da banda – “A Rolling Stone gathers no moss”, ou seja, Pedra que Rola não cria Limo.

Assistir um show ou ouvir um disco clássico como Sticky Fingers nos conecta imediatamente com essas figuras insolentes e suas histórias de rebeldia, transgressão, prisões, brigas e traições entre integrantes e de sobrevivência. Aliás, essa tem sido a tônica do grupo desde os anos 60. Depois de terem sido escolhidos como bodes expiatórios da sociedade conservadora e passado por um numero infindável de batidas policiais, processos, perseguições da imprensa, a banda insiste em sobreviver.

Como diriam em uma de suas canções definitivas, Jumpin Jack Flash, em que Jagger cita ser criado por uma velha e desdentada bruxa, ter sido surrado nas costas, afogado e deixado para morrer, mas que estava tudo legal, de fato isso que dá gás, o que em outras palavras significa, “Passei pelo pior, mas sobrevivi com um sorriso.”

Para se livrarem de sua antiga gravadora (A famosa Decca que recusou os Beatles e que os censurava constantemente), os Stones estavam devendo três álbuns. Depois de uma combinação ardilosa de coletâneas antigas e discos ao vivo, ficou faltando um single exigido por contrato. Mick Jagger e Keith Richards então compuseram algo que sabiam que a gravadora não teria coragem de lançar. Um single homoerótico chamado Cocksucker Blues (O Blues do chupador de p**), com diversas palavras de baixo calão que acusava o próprio dono da Decca de procurar rapazes nos becos de Londres. Obviamente o contrato foi rescindido. Algum artista atual teria a coragem e autoconfiança para isso?

Feito isso a imagem definitiva dos Rolling Stones (aquela de 1972, época do inimitável Exile on Main Street) foi construída sobre esse amálgama de sobrevivência e decadência. 24 horas no ar, com farras intermináveis, agora donos da própria gravadora e do próprio nariz, tudo que era moderno, descolado e subversivo passava pelos Stones dos anos 70. O nome do documentário que foi censurado em todos os países que registrou esse período? Cocksucker Blues.

Keith Richards certa vez disse que Bob Dylan, no auge do seu estrelato nos 60, disse: “Eu poderia ter escrito Satisfaction, mas vocês não conseguiriam escrever Blowin in the Wind“. A resposta de Keith foi unicamente “Vá se Foder cara”.

Depois desse entrevero com os Stones, Bob Dylan escreveu seu hino máximo “Like a Rolling Stone” em 1965, e apesar de jurar que nada teve a ver com a banda, ironicamente descreve perfeitamente seu espírito livre, desimpedido e rebelde.

“How Does it Feel ?

To be without a home?

Like a complete unknow?

Like a Rolling Stone?”

(Qual a sensação?

De estar sem lar?

Como um completo desconhecido?

Como uma pedra rolando?)

Pra tentar sintetizar o que é o estilo de vida de um Rolling Stone, dá o play na sensacional versão de Tumblin’ Dice de 1972. Os Stones no seu auge!

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