Dia do Rock: As 10 guitarras que mudaram a música.

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Dia do Rock: As 10 guitarras que mudaram a música.

12/07/2024 | Por Paulo Argollo | Nenhum comentário

Para celebrar o Dia do Rock, nada mais adequado do que falar sobre o símbolo máximo do gênero, a guitarra. A Strip Me elenca os 10 modelos de guitarra mais marcantes da história do rock ‘n roll e da música pop.

O que veio primeiro? A guitarra ou o rock ‘n roll? Este não é um caso do ovo ou a galinha. Claramente a guitarra veio primeiro, desenvolvida na década de 1940. Não existe um consenso sobre um marco zero, ou o registro da primeira guitarra fabricada e quem a criou. Técnicos e músicos foram desenvolvendo ao longo do tempo, primeiro tentando amplificar o som do violão e depois, com a invenção do captador, começou a evolução da guitarra. O captador foi criado em 1923 pelo músico e engenheiro acústico americano Lloyd Loar. Trata-se de um dispositivo que transforma a vibração das cordas de aço em sinais elétricos, que são transformados em ondas sonoras num amplificador. Em 1932 um músico suíço radicado nos Estados Unidos ficou amigo de Loar, conheceu sua invenção e desenvolveu um protótipo de um instrumento de braço longo e corpo com curvas arredondadas, equipado com uma placa eletrificada com o captador de Loar. Este protótipo foi patenteado por seu criador, Adolf Rickenbacker, e é considerado por alguns historiadores como a primeira guitarra propriamente dita.

Mas desde que Bill Haley gravou a seminal faixa Rock Around the Clock empunhando uma Gibson ES 300 o mundo nunca mais foi o mesmo. Em seguida, Chuck Berry imortaliza a Gibson ES 335 com seu duck walk e Elvis Presley leva o rock ‘n roll para todos os cantos do mundo, sempre acompanhado de seu fiel escudeiro, o guitarrista Scotty Moore, que tocava uma linda Gibson ES 295 dourada, guitarra esta que ficou conhecida como a guitarra que mudou o mundo. Apesar de inicialmente ser um instrumento pensado mais para o jazz e blues, logo a guitarra se tornou a locomotiva do rock. E muitos foram os diferentes modelos desenvolvidos nesses 70 anos de excessivo uso da escala pentatônica. A Strip Me traz os 10 modelos de guitarra que entraram para a história do rock.

Cigar Box Guitar

Se a gente pensar no rock ‘n roll como atitude e life style, dá pra considerar que tudo começou mesmo no fim do século XIX. Os Estados Unidos viviam uma depressão econômica grave. Para quem curtia fazer um som, a situação era delicada, já que os instrumentos musicais eram caríssimos. Assim, no melhor estilo Do It Yourself, músicos de bluegrass e blues aproveitavam caixas de charutos, que eram de madeira e davam boa acústica, para criar instrumentos que simulavam banjos e rabecas. Eram instrumentos que iam de 1 a 4 cordas. No começo do século XX, depois da invenção do captador, músicos de blues eletrificaram esses instrumentos, buscando novas sonoridades. Quem primeiro se notabilizou ao utilizar uma cigar box fazendo as vezes da guitarra foi Blind Willie Johnson, um dos pioneiros do blues. Mas não podemos chamar o instrumento de guitarra, já que a cigar box ali tinha menos cordas e um braço mais curto. Foi outro bluesman quem fez da cigar box uma guitarra de fato. Bo Diddley adorava a sonoridade da cigar box e levou a ideia para um luthier. A ideia era fazer uma guitarra convencional, com 6 cordas e braço de 21 escalas, além de um captador, mas o corpo sendo uma caixa quadrada de madeira. Outros guitarristas curtiram a ideia e as cigar box guitars se popularizaram. Além de Diddley, Billy Gibbons do ZZ Top, os mestres do blues Albert King e Buddy Guy e até mesmo Paul McCartney já se aventuraram tocando uma cigar box guitar.

Gretsch Country Gentleman

A Gretsch começou como uma pequena fábrica e loja de instrumentos de percussão. Com bom olho para os negócios, o jovem Fred Gretsch se ligou na crescente popularidade das guitarras Gibson entre músicos de jazz e big bands e começou a fabricar guitarras similares, mas mais baratas. Com ótimo senso estético, as guitarras de Gretsch tinham um design mais elegante e cheio de detalhes. Nos anos 50, sua sonoridade encorpada encantou guitarristas que começavam a se aventurar no r’n’b e rock ‘n roll e foi parar nas mãos de gente como Chet Atkins, Carl Perkins e Eddie Cochran. Se tornou assim o maior símbolo do rockabilly, estilo que, além dos músicos citados, teve no início representantes como Elvis Presley e Jerry Lee Lewis. Nos anos 80 a banda Stray Cats reacendeu a chama do rockabilly, tendo a frente o talentoso guitarrista Brian Setzer, que sempre usou guitarras Gretsch. Para além do rockabilly, a guitarra Gretsch Country Gentleman já foi um dos instrumentos favoritos de George Harrison e é o sonho de consumo de muito guitarrista por aí.

Fender Telecaster

Fender e Gibson rivalizam desde os anos 50, disputando o posto de marca favorita dos músicos. Até 1950 a Gibson dominava o mercado e, até então só existiam guitarras semi acústicas ou acústicas. Foi Leo Fender que desenvolveu a primeira guitarra de corpo maciço a se tornar popular. O fato de o corpo do instrumento não ser oco diminuía microfonia e permitia um som com mais sustentação. A Tele foi logo adotada por vários guitarristas, em especial músicos de country, que apreciavam seu som mais seco e grave. Já no final dos anos sessenta, a Tele se popularizou entre os guitarristas de rock. No lendário show dos Beatles em cima do prédio da Apple, George Harrison usa uma linda Telecaster rosewood, e essa mesma guitarra foi utilizada na gravação de boa parte do disco Let It Be. Mas a tele se tornou icônica mesmo nas mãos de dois gênios. Um é Keith Richards, que imortalizou a tele com a afinação aberta em sol, sem a corda mi mais grave. O outro é The Boss Bruce Springsteen, com riffs simples, mas brilhantes.

Rickenbacker 360/12

A Rickenbacker sempre produziu bons instrumentos, mas até o começo dos anos 60 era uma marca modesta e sem grande expressão. Quem catapultou a marca foram os Beatles. John Lennon e George Harrison se encantaram com o timbre mais estridente e vigoroso das guitarras da marca e passaram a utilizá-las. Mas foi o modelo 360/12 que realmente mudou tudo. Foi a primeira guitarra de 12 cordas que a Rickenbacker fabricou, e acertou logo de cara. George Harrison logo a adotou e é possível ouví-la em várias gravações dos Beatles entre 1964 e 1966, incluindo clássicos como A Hard Day’s Night e Ticket to Ride. A sonoridade límpida e única dessa guitarra encantou também outros músicos (por causa dos Beatles, diga-se). Assim, a Rickenbacker 360/12 tornou-se uma das marcas registradas da sonoridade da banda The Byrds e toda a cena folk rock que se formava na California. Este modelo também brilhou nas mãos de caras como Tom Petty, Johnny Marr, Pete Townshend e Jeff Buckley.

Gibson ES 335

Certamente uma das guitarras mais marcantes da história da música. Uma guitarra semi acústica robusta e versátil. Um de seus diferenciais é a combinação dos dois captadores hambucker com as reentrâncias do corpo do instrumento, criando um som mais denso, que num volume mais alto, mesmo sem nenhum efeito, pode soar levemente distorcido. Foi um dos primeiros modelos desenvolvidos pela Gibson e logo se tornou o mais popular, sendo desbancado apenas pelo modelo Les Paul anos depois. Mas até hoje é o segundo modelo da marca mais vendido. A ES 335 é simplesmente a guitarra de Chuck Berry. A lendária guitarra Lucille do mestre B.B. King é uma Gibson ES 335 preta. Também é a guitarra favorita de Andy Summers, John McLaughin, Johnny Rivers, Noel Gallagher e muitos outros. Ah, sim. Também é a guitarra que Marty McFly usa para tocar Johnny B. Goode em 1955.

Mosrite Ventures II

Samie Moseley era guitarrista e aprendiz de luthier. Trabalhou na fábrica da Rickenbacker, onde aprendeu muito. Na metade da década de 50 decidiu abrir sua própria fábrica de guitarras. Nascia a Mosrite. Moseley se ligou no sucesso que a Telecaster e a recém criada Stratocaster, da Fender, estavam fazendo e investiu na criação de guitarras de corpo sólido, com design mais moderno. No começo dos anos 60 fez uma parceria que mudou o rumo da empresa. Junto com o guitarrista Don Wilson, Moseley criou uma guitarra especial para a banda de Don, The Ventures. Era um instrumento cuja sonoridade era mais aguda e parecia ter um vibrato natural. Além disso, tinha um design diferente, mais alongado. E foi o modelo Mosrite Ventures II que mudou o mundo, ao se tornar a guitarra preferida de um moleque em New York no começo dos anos 70. Claro que estamos falando de John Cummings, que ficaria mais conhecido como Johnny Ramone. Por causa dos Ramones, a Mosrite se tornou símbolo do punk rock. Até porque, antes do Johnny Ramone, Dave Alexander dos Stooges e Fred Smith do MC5 já usavam guitarras Mosrite. E décadas depois, uma Mosrite também foi a primeira guitarra de Kurt Cobain.

Fender Jaguar

Falando em Kurt Cobain, a Fender Jaguar não pode ficar de fora dessa lista. Criada pela Fender em 1962 justamente para competir com a Mosrite, era a guitarra ideal para a crescente onda de surf music de bandas como The Shadows e The Ventures. A Jaguar é uma evolução da Jazzmaster, instrumento que a Fender criou para agradar os guitarristas de jazz, com um timbre mais encorpado e versátil. A Jaguar vinha com mais possibilidades de sons através do controle independente dos captadores. Foi um modelo que dominou o mercado nos anos 60, mas depois perdeu espaço para a Les Paul e novos modelos da Gretsch. Mas nos anos 80 foi redescoberta na Inglaterra pela turminha pós punk, sendo a guitarra número 1 do Johnny Marr, guitarrista dos Smiths, e nos Estados Unidos pelos alternativos como Thurston Moore e Lee Ranaldo do Sonic Youth. Mas quem fez a Jaguar voltar com tudo mesmo, foi Kurt Cobain (que começou a usá-la justamente por influência do Sonic Youth). Nessa época, a Jaguar já havia passado por algumas reformulações e, agora vinha com captadores hambucker, mais robustos que os single coil utilizados nas primeiras levas do modelo nos anos 60. A Jaguar ficou marcada como a guitarra de Cobain, mas também teve muitos outros guitarristas célebres a empunhando, como Elvis Costello, Tom Verlaine, Mark Arm, Black Francis e muitos outros.

Gibson SG

A Gibson começou a fabricar a Les Paul em 1952, para entrar no mercado das guitarras de corpo sólido. Ganhou adeptos e tudo ia bem. Mas, no começo dos anos 60 as vendas da Les Paul começaram a cair. Além do valor, os guitarristas tinham duas reclamações recorrentes sobre o modelo: era muito pesada e o acesso às últimas escalas do braço era desconfortável. Assim, a Gibson se empenhou em desenvolver uma nova guitarra sólida, com a mesma qualidade da Les Paul, mas mais leve e com novo design. Nascia a Gibson SG (abreviação de Solid Guitar). E funcionou. A SG se popularizou rapidamente. Além do timbre potente, braço mais confortável e corpo mais fino e mais leve, seu design moderno agradou a turma do rock ‘n roll. Se tornou a guitarra de pesos pesados como Tony Iommi, Carlos Santana, Robby Krieger, Mark Farner e Max Cavalera. Também foi a guitarra que conquistou uma das mulheres mais importantes do rock ‘n roll. Sister Rosetta Tharpe já tocava guitarra com distorção no blues, muito antes do rock, e por isso, ela é considerada uma das pioneiras do rock. Quando a SG pintou no mercado, Sister Rosetta a adotou, e em suas apresentações mais notáveis no começo dos anos 60, ela toca uma bela SG branca. E, é claro, a SG, se tornou a marca registrada de Angus Young e é o modelo que remete imediatamente ao AC DC.

Gibson Les Paul

Apesar das críticas lá nos anos 60, a Les Paul nunca deixou de ser fabricada, e nem de vender muito. Sim, ela é uma guitarra pesada. Mas justamente pelo seu corpo sólido mais largo, ela tem um timbre tão marcante e profundo. Esse timbre também se deve aos dois captadores hambucker que produzem um som cristalino, sem ruídos e muito encorpado. Na real, é impossível conseguir um timbre igual ao de uma Les Paul com outro modelo de guitarra. A combinação desse timbre intenso da Les Paul com um amplificador valvulado como um Marshall produzem um som poderoso e irresistível. É por isso que a Les Paul é um dos modelos mais vendidos no mundo até hoje e é um dos maiores ícones do rock. Basta pensar em caras como Jimmy Page, Slash, Pete Townshend, Frank Zappa, Ace Frehley, Zakk Wylde, Marc Bolan e Neil Young, que automaticamente você verá uma guitarra Les Paul.

Fender Stratocaster

Não tem pra ninguém. A boa e velha Strato é a guitarra número 1 do mundo. Além de ser absoluta no rock, é uma guitarra versátil que serve muito bem a músicos de todos os estilos. Ao contrário da Les Paul, a Stratocaster é muito versátil, tem 3 captadores single coil, que permitem várias combinações de sonoridade. Apesar de serem captadores mais suscetíveis a ruídos e microfonias, tem um som com mais brilho e presença. A Strato é uma guitarra confortabilíssima de se tocar, com um braço fino e corpo leve. E seu design é marcante e imponente, o símbolo máximo do rock ‘n roll. Uma Strato plugada num amplificador Fender Twin Reverb é incomparável! Não é à toa que é a guitarra escolhida por Jimi Hendrix, Eric Clapton, Jeff Beck, Ritchie Blackmore, Rory Gallagher, Steve Ray Vaughan, John Mayer, David Gilmour e tantos outros. Aliás, David Gilmour é sabidamente o proprietário da Fender Stratocaster com o número de série 0001, fabricada em 1954. Se uma Fender fabricada hoje em dia já custa uma grana alta, imagine essa aí.

Menção honrosa: Frankenstrat

Se estamos falando de guitarras que ajudaram a revolucionar a música, não dá pra não falar de Eddie Van Halen e sua inigualável guitarra. Eddie Van Halen revolucionou o jeito de tocar guitarra no heavy metal. Além de sua habilidade assombrosa e inventividade, ele buscou inovar também em seu equipamento. Assim, não só desenvolveu efeitos e distorções próprias, como foi até a fábrica da Fender propor algumas alterações em sua Stratocaster. A guitarra batizada como Frankenstrat é uma Stratocaster com um captador hambucker na ponte e dois single coil no meio e no braço, além de uma ponte floyd rose, microafinação e uma pintura vermelha com traços brancos e pretos. A sonoridade de Eddie Van Halen com sua Frankenstrat influenciou diretamente guitarristas não só do metal, mas de vários gêneros, ajudando a popularizar guitarras com ponte floyd rose e microafinação.

Alguns anos atrás circulou uma notícia, verdadeira diga-se, de que a venda de guitarras elétricas tinha caído vertiginosamente ao redor do mundo. Isso aconteceu por vários motivos, incluindo o imediatismo inerente às novas gerações, acostumadas a ter tudo pronto no celular e também pela popularização de ferramentas digitais de produção musical. Mas assim como a guitarra nunca vai deixar de existir e empolgar jovens sedentos por música e boas doses de rebeldia, o rock ‘n roll também segue firme e forte. Pode não ser o gênero mais popular do mundo, como já foi outrora, mas certamente é o que mais tem consumidores fiéis e apaixonados. A Strip Me, que exala rock ‘n roll por todos os poros, concorda que todo dia é dia de rock, por isso nossa coleção de camisetas de música está recheada de estampas lindas com as mais variadas referências ao rock. Uma pegada, aliás, que se encontra em todo o nosso catálogo, incluindo as camisetas de arte, cinema, cultura pop, bebidas, games e muito mais. Cola lá no nosso site pra conferir e ficar por dentro de todos os nossos lançamentos, que pintam por lá toda semana.

Vai fundo.

Para ouvir: Uma playlist com grandes canções de alguns dos guitarristas citados neste texto. Guitarra top 10 tracks.

Para assistir: Para quem se liga em guitarras e guitarristas, vale a pena conferir o documentário A Todo Volume, que reúne Jimmy Page, Jack White e The Edge para conversar sobre música, guitarras e para tocar também, é claro.

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8 fatos que você precisa saber sobre o Blink-182.

19/03/2024 | Por Paulo Argollo | Nenhum comentário

O Lollapalooza está chegando! E com ele o aguardadíssimo show da banda Blink-182. Para preparar o espírito para esse momento memorável, a Strip Me te conta 8 fatos interessantes sobre o trio mais engraçadinho do punk rock.

Blink-182, a banda que tornou “What’s my age again?” o hino dos eternos adolescentes em todo o mundo. Formada por Mark Hoppus, Tom DeLonge e Travis Barker, a banda passou com competência e muito bom humor pela porta do mainstream, aberta pelo Green Day e Offspring. Assim, conquistou uma legião de fãs com seu punk rock entusiasmado e letras irreverentes. E justamente envelhecer parece que não foi fácil para o trio, que ficou famoso, além da música, por aprontar mil travessuras fora dos palcos e não levar a vida nada a sério. Mas, por fim, parece que tudo foi se ajeitando. A banda foi ícone teen, foi desprezada e tida como vendida pelos punks, mas foi amadurecendo e ganhando o respeito da crítica musical e da cena punk. Hoje é uma das bandas com os shows mais disputados do mundo.

E, finalmente chegou a vez do Brasil conferir esse show, depois de três tentativas frustradas da banda vir para a terra tupiniquim. Isso graças ao festival Lollapalooza, que desde 2012 nos brinda com shows incríveis e toda a estrutura de um grande festival. Era para a banda ter tocado ano passado no festival, mas acabou cancelando sua vinda, mas para este ano o show está garantidíssimo! Para te ajudar a ir esquentando os motores para este show tão esperado, a Strip Me conta 8 fatos para você ficar conhecendo melhor Mark Hoppus e sua turma.

Blink antes do 182.

A banda foi formada por um trio de amigos adolescentes, ainda no colégio, em 1992. Quando começou a realmente ser levada a sério por seus integrantes, Mark Hoppus, baixo e voz, Tom DeLonge, guitarra e voz, e Scott Raynor, bateria, a banda foi batizada Blink. Em 1994 lançam seu primeiro disco, Cheshire Cat. Mesmo lançado de forma independente, o disco chama atenção. Tanto que a banda é processada por uma banda da Irlanda com o mesmo nome. Para evitar uma treta judicial, eles decidem colocar um número da na frente do nome. Surge Blink-182. De onde veio esse número, ninguém sabe. Provavelmente os caras acharam que soava bem. Mas ao longo do tempo, deram várias explicações malucas. Por exemplo, dizem que 182 é o peso de um dos integrantes da banda em libras, ou que 182 é o número de vezes em que Al Pacino diz “fuck” no filme Scarface.

A escolha.

No início de 1993 a banda Blink começava a crescer para além dos arredores de San Diego, California, onde se originou. A banda tomava cada vez mais tempo dos três jovens. Mark Hoppus tinha uma namorada ciumenta nessa época, que lhe deu um ultimato: “A banda ou eu!” E por algumas semanas, quase dois meses, ele escolheu a namorada. Mas, um tempo depois, sentiu saudade da sua turminha do barulho, mandou o namoro às favas e retomou seu lugar na banda bem a tempo de gravar a demo que daria origem ao seu primeiro disco.

Dança das baquetas.

Scott Rayner manteve o posto de baterista do Blink-182 até 1998. Em 1996 a banda dava o que falar e as gravadoras estavam desesperadas procurando um novo Green Day. O trio de San Diego acabou assinando com uma major ainda naquele ano, e em 1997 lançaram seu segundo disco, Dude Ranch, que fez um baita sucesso nos Estados Unidos. A fama fez com que Rayner perdesse as estribeiras e afundasse feio na bebida. Depois de algumas mancadas e sumiços em dias de show, Hoppus e DeLonge o expulsaram da banda. Por sorte, eles excursionavam com uma banda chamada The Aquabats, cujo baterista era um prodígio. Para não deixar Hoppus e DeLonge na mão em um show, o baterista Travis Barker, aprendeu a tocar o repertório do Blink-182 em uma tarde. E não saiu de trás dos tambores da banda desde então.

Enema of the State.

E foi em 1999 que o Blink-182 ganhou o mundo, com um disco inspirado e aquele empurrãozinho maroto da MTV. Os clipes de What’s My Age Again?, All the Small Things e Adam`s Song bombaram no mundo inteiro e o punk adolescente voltou para as cabeças. O disco Enema of the State teve duas capas diferentes. A primeira tiragem do disco saiu com o nome da banda com “B” maiúsculo e uma cruz vermelha no chapéu da enfermeira na capa. O trio preferia a grafia do nome com todas as letras minúsculas. Na mesma época a Cruz Vermelha, entidade internacional de saúde, ameaçou processar a gravadora pelo uso de seu símbolo de forma pejorativa, quase obscena, segundo a entidade. Para evitar confusão, foi retirada a cruz do chapéu da enfermeira, e uma nova tiragem do disco saiu com a capa com o nome da banda escrita em letras minúsculas e o chapéu sem a cruz. Aliás, a enfermeira em questão era ninguém menos que Janine Lindemulder, uma estrela em ascensão do cinema pornô na época, o que explica o desconforto do pessoal da Cruz Vermelha. Pra completar, o título do disco é um trocadilho malicioso com a expressão “enemy of the state”(inimigo do estado, ou do governo). A palavra “enema”, que substitui “enemy”, significa em português esperma. Trocadilho típico de quinta série. De fato, what’s my age again?

O preço da fama.

Enquanto a fama e popularidade da banda escalavam em alta velocidade, sua credibilidade dentro da comunidade punk despencava. Enquanto todas as bandas punks no começo do século vinte e um produziam músicas de protesto, incluindo os outrora adolescentes meio bobocas do Green Day, o Blink-182 saía na capa da revista CosmoGirl (a versão norte americana da Capricho) e ganhava o prêmio Nickelodeon’s Kids’ Choice Award. Realmente ficava difícil levar os caras a sério. E isso acabou sendo um ponto de virada, pois o trio ficou realmente incomodado com isso e resolveu mudar.

Amadurecimento.

Em 2003 a banda lançou seu quinto álbum. Intitulado simplesmente Blink-182, o disco mostrava que a banda realmente amadureceu, trazendo novos elementos à sua música, para além dos power acordes rápidos, soando ora como uma banda indie noventista, ora como uma banda new wave dos anos oitenta. O disco chegou a ser comparado com The Police e U2, mas os integrantes da banda afirmam que na época estavam ouvindo muito The Cure, o que ajudou a inspirá-los a escrever letras mais confessionais e questionadoras. Nessa mesma época, para mostrar que estava realmente querendo fazer as pazes com o mundo, durante uma turnê no Reino Unido, o trio foi até a Irlanda e fez questão de conhecer a tal banda Blink, que quase os processou na época do lançamento do Cheshire Cat. Mas essa fase paz e amor durou pouco. Em 2005 a banda anuncia que estava se separando.

Travis Barker nas asas do destino.

Em 2008 Travis estava num avião particular com mais cinco pessoas. Sobrevoando o estado da Carolina do Sul, o avião teve uma pane, pegou fogo e caiu. Apenas Travis e mais um rapaz amigo dele sobreviveram. O baterista teve 68% do seu corpo com queimaduras severas. O acidente fez com Barker adquirisse uma verdadeira fobia a aviões. Mas também fez com que ele e Hoppus voltassem a se falar depois de três anos sem se verem. Começava ali o retorno da banda. E, graças ao esforço e apoio de sua esposa, a socialite Kourtney Kardashian, Travis superou seu medo e voltou a viajar de avião em 2001, facilitando muito a vida da banda, que até então voltara a tocar e se esforçava para fazer turnês sem depender de aviões.

Vindas frustradas ao Brasil.

Já superado o trauma, ao contrário do que dizia Belchior, não foi por medo de avião que Travis Barker não pôde vir tocar no Lollapalooza Brasil em 2023, mas sim porque ele teve um problema nas articulações dos dedos das mãos e teve que passar por uma cirurgia. O show da banda acabou sendo cancelado meio em cima da hora. Mas não foi a única vez que o trio californiano ameaçou vir, mas não veio. Em 2004 DeLonge disse numa entrevista que a banda faria uma turnê mundial e passaria pela América do Sul no segundo semestre de 2005. Criou-se uma grande expectativa, que acabou frustrada com a declaração da separação da banda no começo de 2005. Já em 2001, a banda estava cotada para tocar no Rock In Rio e chegou até a ser anunciada como uma das atrações, mas acabou não rolando. Em uma entrevista ao ex-Malhação André Marques, no extinto programa Video Show, DeLonge disse que estava tudo certo para a banda participar do festival, mas Axl Rose não aceitou que o Blink-182 tocasse na mesma noite que ele, certamente com medo de o Guns n’ Roses fosse eclipsado pela performance magnífica do trio de San Diego. DeLonge disse isso sério e, depois de uma breve pausa, riu e disse que estava de sacanagem e que não sabia por quê a banda tinha sido retirada do line up do festival. E mesmo sem o Blink-182, naquele ano Axl Rose foi às lágrimas no palco.

Enfim, o Blink-182 é uma banda realmente cativante. Seja pelo seu bom humor, ou pelas suas ótimas canções, ou pelas duas coisas juntas. Blink-182 é puro barulho, diversão e arte. Uma banda dessa não ia ficar de fora da trilha sonora da Strip Me, que tem não só o Blink-182, mas também outras bandas punk representadas na excelente coleção de camisetas de música, onde tais bandas são apresentadas em estampas originais e super descoladas. E tem também as coleções de camisetas de cinema, arte, cultura pop, bebidas, games e muito mais. No nosso site você confere isso tudo e ainda fica por dentro de todos os nossos lançamentos, que pintam toda semana.

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist deliciosa com o que há de melhor na discografia do Blink-182. Blink-182 Top 10 tracks.

Para ler: Altamente recomendável o livro Travis Barker. Vivendo a Mil, Enganando a Morte e Batera, Batera, Batera, a autobiografia de Travis Barker, livro lançado em 2016 pela editora Ideal. Numa narrativa envolvente o baterista conta sua vida, as idas e vindas da banda e seu traumático acidente de avião.

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Foo Fighters One by One: Todos os discos, do pior ao melhor!

06/09/2023 | Por Paulo Argollo | Nenhum comentário

O queridão Dave Grohl e sua turma tocam no Brasil neste fim de semana. Para esquentar os motores para os shows, a Strip Me deu uma geral na discografia da banda.

É realmente incrível que os Foo Fighters estejam em turnê depois de tanta coisa. Nós, brasileiros, lembramos muito bem de março do ano passado, quando fomos surpreendidos com o cancelamento do show da banda no Lollapalooza, por conta da morte de Taylor Hawkins. Em agosto do mesmo ano, a mãe de Dave Grohl também faleceu, deixando o vocalista despedaçado. Com tanta tragédia, era de se esperar que a banda, ainda que não encerrasse oficialmente suas atividades, pelo menos embarcasse num hiato por um período de tempo. Mas qual o quê! Após poucos meses de luto, os Foos se juntaram em estúdio com um novo baterista, o competente Josh Freese, e conceberam, simplesmente, um dos melhores discos de 2023, o excelente But Here We Are. O disco saiu em junho deste ano e a banda já está em turnê mundo afora. Eles tocam no Brasil no dia 7 de setembro em Curitiba e no dia 9 em São Paulo, como atração do festival The Town.

Para se preparar para os shows, nada melhor do que dar uma geral na carreira da banda e ouvir alguns discos. Por isso, a Strip Me realizou a quase hercúlea tarefa de selecionar todos os discos dos Foo Fighters do pior ao melhor. Então confere aí como ficou essa lista. Ah, sim, estão inclusos aqui somente os 11 discos de estúdio, com canções inéditas. Discos ao vivo e coletâneas não entraram.

11 Concrete and Gold (2017)

No final de 2015 os Foo Fighters lançaram um EP chamado Saint Cecilia, com 5 canções. O lançamento foi feito em homenagem às vítimas dos atentados terroristas de Paris, em novembro daquele ano. Com o EP. Dave Grohl divulgou uma carta aberta, que dava a entender que a banda poderia encerrar as atividades, mas que um novo disco seria feito antes. Este disco é Concrete and Gold. Sem dúvida o disco menos inspirado dos Foo Fighters, apesar das boas influências que ele carrega. Dave Grohl parece ter entrado no estúdio com o Álbum Branco dos Beatles embaixo do braço. Mais do que isso, Paul McCartney em pessoa participa do disco. Talvez a sanha de misturar essas influências sessentistas com o rock de arena da banda tenha feito Dave Grohl escrever boas canções, mas sem aquele brilho que faz o parquinho pegar fogo. É um disco morno. A maior prova de que a banda estava desmotivada e sem vontade de trabalhar pra valer é que subutilizaram a presença de Paul McCartney, o colocando para tocar bateria em uma das faixas, e nada mais!

10 Sonic Highways (2014)

Em 2012 Dave Grohl disse que os Foo Fighters fariam uma pausa por tempo indeterminado, para descansar, depois de anos ininterruptos de turnês intermináveis. Mas, como tem gente que gosta de descansar carregando pedra, Grohl pegou esse tempo livre e concebeu o ótimo documentário Sound City. Em meados de 2013 já rolava um zum zum zum de que a banda estava em estúdio produzindo material novo. Em dezembro, Grohl confirmou os boatos e disse que o disco já tinha nome, Sonic Highways, e que seria feito de uma maneira muito diferente. De fato, o disco foi gravado na estrada, cada música gravada numa cidade diferente com algum convidado local e com um contexto. A ideia é realmente ótima. Mas nem sempre uma boa idéia acaba sendo bem realizada. O disco é irregular e sem inspiração nenhuma. Sabe quando a gente vê na tv aqueles reality shows de culinária e alguém faz um prato lindo, cheio de conceito, mas que quando os jurados provam, não tem gosto de nada? Então. É isso. Sonic Highways é um um prato lindo e cheio de conceito, mas sem nenhum tompêro.

9 In Your Honor (2005)

Apesar de Dave Grohl parecer um cara simples, sem afetações, hábitos excêntricos ou vaidade, ele certamente tem alguns arroubos de megalomania em se tratando de música. In Your Honor foi o primeiro deles. Depois de passar meses compondo ao violão em sua casa, Grohl decidiu que o próximo disco dos Foos seria um disco duplo, onde um disco conteria somente músicas agitadas e cheias de distorção e outro somente com faixas acústicas. Além disso, o vocalista acabara de construir em sua casa, em LA, um estúdio profissional. Foi lá que a banda gravou todo o disco, e também a banda assina a produção da obra. É complicado dizer que o disco que entrega Best of You é um dos mais fracos da banda. Mas é a mais pura verdade. A real é que o disco plugado é bem bom e traz os destaques do álbum como um todo. Best of You, DOA e No Way Back são ótimas músicas. Do acústico, salvam-se ali Friend of a Friend e Miracle. O fato é que se condensassem os dois discos num só, teríamos um álbum muito bom. Mas acaba ficando pra trás por ser um disco longo e cansativo, com uma ou outra pérola no caminho.

8 Medicine of Midnight (2021)

Apesar da recepção fria de Concrete and Gold por parte de crítica e público em 2017, a banda se lançou em suas costumeiras turnês mundiais e tudo estava bem. Em 2019 Grohl já acumulava uma boa quantidade de músicas novas e a banda começou a produzir o disco no fim daquele ano. Era para o disco sair no início de 2020. E aqui entra aquela frase, a mais dita na década atual: Mas aí veio a pandemia, né? Por fim, o disco foi lançado em fevereiro de 2021 e foi uma grata surpresa! A banda que vinha desacreditada, depois de dois discos fracos, ressurgiu com um disco moderno, inspirado e divertido de se ouvir, sem perder a mão do bom, velho e sujo rock n` roll. O disco equilibra bem as guitarras saturadas com batidas e ritmos inspirados, com Taylor Hawkins em seu auge como baterista. O disco emula um som oitentista, mas sem soar datado. Em vários momentos lembra Bowie na fase Let`s Dance/Scary Monsters. Um disco revigorante para uma banda que estava se perdendo dentro de si mesma.

7 Echoes, Silence, Patience and Grace. (2007)

Lá em 1997, depois de uma exaustiva turnê, Pat Smear, guitarrista que acompanhava Grohl em empreitadas musicais desde os tempos do Nirvana, resolveu deixar os Foo Fighters, alegando esgotamento. Em 2005, durante a turnê de In Your Honor, Pat Smear fez algumas participações com a banda, mas ainda receoso de voltar definitivamente. Ainda sem Smear de volta, mas vira e mexe tocando em alguns shows, a banda lança o ao vivo Skin and Bones em 2006 e se recolhe para compor material novo. Para alavancar o disco,. Grohl convidou o produtor Gil Norton, responsável pelo clássico The Colour and the Shape e Pat Smear para gravar uma canção. Echoes, Silence, Patience and Grace foi recebido com entusiasmo. Emplacou 3 singles no primeiro lugar da Billboard e trouxe de volta um Foo Fighters direto e cheio de energia, com grandes canções como The Pretender, Long Road to Ruin e Let it Die. É um disco que só não está mais perto do top 5 porque acaba tendo algumas canções sem graça, que tornam o disco um pouco cansativo do meio para o fim. É o caso da balada insossa Stranger Things Have Happened e da dispensável instrumental Ballad of the Beaconsfield Miners.

6 But Here We Are (2023)

Como foi dito no início, é fantástico que depois de tanta tragédia, em especial para Dave Grohl, a banda esteja tão afiada, e tenha concebido um disco tão brilhante. Mas, na real, é aquela coisa, a dor foi transformada em música. A faixa título do disco diz tudo. “Você está pronto agora? Dor. Separação. Reverência. De braços dados, estamos para sempre. Eu te dei meu coração. Mas aqui estamos nós.” Acontece que, além dessa carga dramática toda transformada em arte, Dave Grohl foi capaz de revisitar praticamente todas as fases da banda, em especial as mais prolíficas. Show me How e Under You poderiam facilmente figurar entre o repertório de There`s Nothing Left to Lose. Rescued poderia estar no The Colour and the Shape. But Here We Are é um disco coeso, empolgante e inspirador! Só não entrou no top 5 porque… porra, porque daqui pra frente é só disco muito f#d@!

5 One by One (2002)

One by One é o terceiro disco da banda. Foi concebido em meio a muita treta e insegurança. O disco anterior, There`s Nothing Left to Lose tinha ido super bem, rolou uma mega turnê bem sucedida… mas quando a banda parou para compor novas canções o clima não foi dos melhores. Discussões começaram a pintar entre os músicos quanto a que rumo tomar com o novo disco, estavam inseguros com relação a qualidade das novas músicas… E, numa hora de crise, Dave Grohl fez o que qualquer um faria: Deixou tudo de lado e foi tocar bateria com outra banda. Grohl assumiu temporariamente as baquetas do Queens of the Stone Age e, com eles, gravou o disco Songs for the Deaf e saiu em turnê com a banda no primeiro semestre de 2002. No segundo semestre, os Foo Fighters estavam escalados para tocar em alguns festivais. Mas o clima estava péssimo, e a banda em voltas de terminar. Porém, os shows que fizeram foram muito empolgantes, a banda se reconectou e foi todo mundo para Alexandria, cidade do estado de Washington onde Grohl morava, e gravaram ali o One By One. E é um petardo. O disco já abre com All My Life. Depois seguem Times Like These, Tired of You, Halo, Burn Away e muitas outras. Um disco sensacional! Talvez um pouco longo (15 canções). Mas ainda assim, um disco muitíssimo acima da média.

4 Foo Fighters (1995)

O primeiro disco dos Foo Fighters é um disco solo do Dave Grohl. Ele só batizou a obra como Foo Fighters porque não queria que o disco ficasse conhecido como “o disco do cara do Nirvana”. Funcionou. O disco foi gravado em outubro de 1994, seis meses depois de Kurt Cobain cometer suicídio. Após a morte de Cobain, Dave Grohl cogitou abandonar a vida de músico. Mas acabou encontrando na música uma forma de se curar. Ele já vinha compondo algumas músicas desde 1991, 1992, quando morou com Kurt compôs músicas como Marigold, que chegou a ser gravada pelo Nirvana. Depois de gravar e batizar a compilação de músicas simplesmente como Foo Fighters, Grohl saiu distribuindo cópias. Quando viu que todo mundo curtiu e tinha até uma gravadora interessada, recrutou Nate Mendel e William Goldsmith, baixista e baterista da banda Sunny Day Real Estate, e Pat Smear, seu parceiro no Nirvana, e colocou a banda na estrada para divulgar o disco. Assim surgiu Foo Fighters como banda propriamente dita. Ah, sim, e o disco é ótimo, assim como em But Here We Are quase trinta anos depois, Grohl transformou sofrimento em grandes canções. Destaque para Big Me, This is a Call, Alone + Easy Target e I`ll Stick Around. É um disco com grandes canções, mas sem muito equilíbrio. Mas Dave Grohl só estava começando a moldar sua inigualável fórmula para unir barulho e melodia.

3 Wasting Light (2011)

Em 2009 os Foo Fighters encerraram a turnê do disco Echoes, Silence, Patience and Grace e resolveram tirar uns meses de férias. Mais uma vez, Dave Grohl foi descansar carregando pedra e montou a banda Them Crooked Vultures, uma superbanda na real, já que contava com Grohl na bateria, Josh Homme, do Queens of the Stone Age, na guitarra e ninguém menos que John Paul Jones, ex baixista do Led Zeppelin! A banda passou o ano fazendo shows e gravou um ótimo disco. Com todo mundo descansado e cheio de energia, os Foo Fighters voltam a se reunir em 2010 e Pat Smear é oficialmente reintegrado à banda. E os planos eram promissores. O novo disco seria gravado na garagem da casa de Dave Grohl, usando somente equipamentos analógicos e tendo como produtor Butch Vig, o cara que produziu o Nevermind, o clássico do Nirvana. Tudo conspirou e o disco é sensacional! Pesado, com boas melodias e algumas canções memoráveis. A cereja no bolo para os fãs mais antigos de Dave Grohl foi a participação de Krist Novoselic no disco. O ex baixista do Nirvana toca na faixa I Should Have Known. O disco ainda conta com a participação de Bob Mould, do Husker Dü, tocando guitarra e fazendo backing vocals em Dear Rosemary, umas das melhores músicas do disco. Wasting Light é um dos melhores discos dos Foos por trazer canções brilhantes interpretadas por uma banda madura e bem entrosada.

2 There’s Nothing Left To Lose (1999)

Fãs do Foo Fighters com uma queda por rock mais pesado certamente colocariam Wasting Light como o segundo melhor disco da banda. Mas vamos segurar essa emoção e pensar racionalmente. There`s Nothing Left To Lose é um disco impecável. Mas como Dave Grohl e companhia chegaram a ele? Bom, pra começo de conversa, este disco marca a entrada de Taylor Hawkins na bateria. Na real, foi uma fase de muita mudança na formação da banda. Vamos lembrar que Pat Smear deixou a banda em 1997, depois da tour de The Colour and the Shape. O baterista William Goldsmith também já tinha deixado a banda. Goldsmith foi substituído por Hawkins e Pat Smear foi substituído por Franz Stahl, guitarrista que tocara com Grohl na banda Scream nos anos 80. Em 1998 Grohl, Mendel, Stahl e Hawkins se reuniram para compor material para um disco novo. Porém, as ideias não estavam batendo entre Stahl e o resto da banda, o que culminou em sua demissão. There`s Nothing Left To Lose foi concebido e gravado basicamente pelo trio Grohl, Mendel e Hawkins. Como sempre, na adversidade, Dave Grohl tira da cartola canções inspiradíssimas. Trata-se de um disco impecável porque é nele que Grohl encontrou o equilíbrio perfeito na sua fórmula de misturar barulho e melodia. A união do Teenage Fanclub com o Motorhead. Neste disco estão clássicos absolutos como Learn to Fly, Next Year, Breakout e Generator, além de pérolas como Aurora e Headwires. É um disco que não tem como não gostar!

1 The Colour and the Shape (1997)

Quis o destino que o disco mais impactante e que ficaria para sempre estabelecido como o melhor de toda a obra da banda de Dave Grohl fosse o segundo disco, assim como Nevermind foi o segundo disco do Nirvana. E não é exagero nenhum cravar que The Colour and the Shape é um dos melhores discos da segunda metade dos anos 90. Depois de gravar sozinho o disco de estreia da banda, Dave Grohl conseguiu o que queria. Não ser mais visto como “o cara do Nirvana”, mas sim como o vocalista dos Foo Fighters. A boa aceitação da de crítica e público e a boa relação entre os músicos dentro da banda, que na época contava com Dave Grohl e Pat Smear nas guitarras, Nate Mendel no baixo e William Goldsmith na bateria, inspirou Grohl a compor canções grandiosas e irresistíveis! Vale dizer aqui que uma das grandes forças do disco é a bateria cavalar… que foi gravada pelo próprio Dave Grohl. Reza a lenda que, após ouvir a primeira mixagem das músicas, com Goldsmith na bateria, Grohl achou as baterias das músicas sem pegada, sem inspiração. E ele foi lá e regravou tudo. Lógico que Goldsmith ficou puto e saiu da banda. Foi quando Grohl, que precisava de alguém pra começar a tour do disco, conseguiu convencer o baterista da banda da Alanis Morissette a abandonar a cantora e se juntar a ele nos Foos. E Taylor Hawkins estava dentro. Bom, The Colour and the Shape é um disco brilhante, impecável e atemporal. Duvida? Ouça ele inteiro. O disco fala por si. E ali estão alguns dos maiores clássicos da banda, como Monkey Wrench, Everlong e My Hero.

Certa vez, Grohl disse numa entrevista: “Adoro estar em uma banda de rock, mas não sei se necessariamente quero estar em uma banda de rock alternativo dos anos 90 pelo resto da minha vida.” A frase é perfeita e explica a longevidade dos Foo Fighters. Fazer o que ama, mas não se acomodar. Procurar sempre inovar, encontrar caminhos diferentes, mas sem perder a personalidade e originalidade. Uma inspiração e tanto para a Strip Me, que está às margens de completar 10 anos de barulho, diversão e arte, procurando sempre novos caminhos. E é claro que você encontra estampas referentes aos Foo Fighters e muitas outras bandas na nossa coleção de camisetas de música, pra você curtir o show dos Foos no maior estilo! Além disso, na nossa loja ainda tem as camisetas de cinema, bebidas, arte, cultura pop e muito mais. Dá uma olhada lá no nosso site, e aproveita para ficar por dentro dos nossos lançamentos, que pintam toda semana!

Vai fundo!

Para ouvir: Nossa prática aqui é sempre fazer um top 10. Mas hoje vamos abrir uma exceção para essa banda tão maravilhosa e fazer um top 11, com uma música de cada discos dos Foo Fighters. Mas não aquelas óbvias, tá? Everlong, Learn to Fly, Best of You… todo mundo conhece. Vamos pinçar aqui músicas menos óbvias, porém igualmente excelentes. Foo Fighters top 11 Tracks.

Para assistir: É imperdível o divertidíssimo documentário Foo Fighters Back and Forth, dirigido pelo James Moll e lançado em 2011, praticamente junto com o disco Wasting Light. O doc dá uma geral na história da banda e apresenta sua trajetória desde as gravações de Grohl sozinho 1994 até os bastidores de Wasting Light. Enfim, é bom demais e vale a pena ver.

Para ler: Dave Grohl já foi contemplado com pelo menos três bons livros contando sua trajetória. Mas o definitivo, claro, é o escrito por ele mesmo. Bom humorado e com muita fluidez Grohl escreve suas memórias no excelente livro Contador de Histórias: Memórias da Vida e Música, lançado em 2022 no Brasil pela editora Intrínseca. Leitura recomendada!

Categoria: Comportamento, Cultura Pop, curiosidades, Moda, Música, Posts

Anarchy in the UK: A explosão do punk na Inglaterra.

19/10/2022 | Por Paulo Argollo | Comentários desativados

Sujeira, anarquia, drogas, contestação, estética kitsch, faça você mesmo… e mais um pouquinho de sujeira. Certamente a década de 70 foi a mais insana da humanidade nos últimos dois séculos. E, sem dúvida, o filho pródigo dessa década é o movimento punk. Antes de mais nada, deixamos claro que, até pode ser que o punk enquanto música tenha surgido nos Estados Unidos, entre Detroit e New York. Mas a personificação, a estética e o lifestyle são todos originais da Inglaterra, e ninguém contesta. Tal qual o rock n’ roll, o punk nasceu nos Estados Unidos de maneira genuína e inequívoca, mas foi moldado e ganhou sua melhor versão na terra da finada rainha.

A Inglaterra do início dos anos 70 não ia nada bem. A economia ia mal, o desemprego estava altíssimo, havia conflitos por toda a parte, a Irlanda queimava sob os protestos do IRA e o então primeiro ministro, Edward Heath, era um conservador convicto, o que fazia da Inglaterra um país desigual, onde eram mantidas as aparências de uma sociedade de pompa, circunstância e moralismo. Só que essa sociedade era uma minoria aristocrata. Foi nessa época que a maioria dos grandes artistas da música, como Led Zeppelin, Rolling Stones, Rod Steward e tantos outros se mudaram de sua terra natal para fugir dos altos impostos. O rock n’ roll parecia ser uma boa saída para que jovens expurgassem suas frustrações e tédio através da música. Mas instrumentos e equipamentos eram caros para poder montar uma banda. Mas para alguns, havia uma solução.

Em 1972 um moleque de 17 anos chamado Steve estava entre as milhares pessoas no primeiro show de uma temporada que David Bowie faria no Hammersmith Odeon, em Londres, apresentando a turnê do disco The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. Após o concerto, Steve ficou perambulando dentro da casa de show. Quando deu por si, o lugar estava vazio. Olhou para o palco e viu todo o equipamento da banda lá montado. Olhou em volta e não viu nenhum segurança. Pulou para cima do palco e se colocou no centro, na frente do microfone onde Bowie havia cantado, microfone este que ainda estava com uma mancha de batom, da maquiagem de Bowie. Tirou o microfone do pedestal, desconectou o cabo e colocou o microfone no bolso. Em seguida, olhou em volta. Pegou um carrinho e colocou um amplificador de baixo, pratos da bateria, mesa de som, mais microfones… e se mandou empurrando aquilo tudo rua afora. Foi com esse equipamento que ele montou sua primeira banda, The Strand, com seus amigos Paul Cook e Wally Nightingale.

O tal Steve era Steve Jones, um jovem vindo de uma família pobre e problemática. Analfabeto e inconformado aprendeu desde cedo a praticar furtos para satisfazer seus desejos, fosse comer um chocolate ou dar uma volta num carro esportivo. Não era violento, não assaltava e tal. Mas sabia como roubar sem ser percebido. Um dos lugares que ele frequentava para “pegar” algumas roupas era uma boutique descolada chamada Sex. Na real, seus furtos, de vez em quando, eram até notados, mas tolerados. O dono da boutique, Malcom McLaren, gostava do Steve e sabia que ele pegava roupas para dar estilo á sua banda. E McLaren já estava ligado no negócio do rock n’ roll fazia um tempo.

Malcom McLaren era um agitador cultural contestador. Com ideais anarquistas e uma vasta bagagem de arte de vanguarda, via nas bandas mais viscerais de rock um instrumento de protesto valioso. No início dos anos 70 esteve nos Estados Unidos, conviveu com a excêntrica turma de Andy Warhol e chegou a ser empresário da banda New York Dolls, uma das bandas seminais do punk novaiorquino. Quando retornou a Londres em 1975, McLaren se depara com uma safra de bandas que chamam a atenção pela crueza de seu som e por seus membros serem jovens pobres, da classe operária. Eram chamadas de pub rock bands, pois tocavam em pubs londrinos noite adentro canções autorais e covers que iam de The Kinks a Iggy Pop & The Stooges. Em uma dessas bandas, McLaren viu potencial para abalar não só a música pop, mas o establishment moralista da velha Inglaterra. Era a banda de Steve Jones, The Strand, que McLaren rebatizou de Sex Pistols e passou a empresariar.

A cena do tal pub rock estava realmente crescendo. A cada dia surgiam novas bandas. As duas principais e mais relevantes bandas até então eram Eddie and the Hot Rods e The 101’ners. Além deles, bandas como The Stranglers, Dr. Feelgood, Brinsley Schwarz, The Deviants e Doctor of Madness são todas bandas consideradas proto punks, assim como foram MC5, Television e The Modern Lovers nos Estados Unidos. Ou seja, o som das bandas, ao vivo nos pubs, cru, barulhento e longe do perfeccionismo do rock progressivo, vigente nas rádios, já era essencialmente punk. E é curioso notar que isso acontecia nos Estados Unidos e na Inglaterra ao mesmo tempo, sem que houvesse muito contato de uma cena com a outra.

O primeiro show dos Sex Pistols foi um divisor de águas. Eles tocaram numa festa da Saint Martin’s School Of Art no dia 6 de novembro de 1975, abrindo o show da banda Bazooka Joe’s. Um dos presentes naquela noite era o guitarrista da banda 101’ners. Ele ficou impressionado com a energia e com o tom crítico das letras das músicas, entendeu que sua própria banda deveria também mudar sua atitude. O guitarrista dos 101’ners em questão era Joe Strummer. E justamente sob este impacto do primeiro show dos Pistols, Strummer conhece dias depois Mick Jones, que tinha uma banda chamada London SS, e que já ensaiava algumas letras mais politizadas. Os dois se juntam e formam o The Clash. No ano seguinte, 1976, no dia 4 de julho, os Ramones se apresentam pela primeira vez na Inglaterra, tocando no Roundhouse, em Londres. Esse show foi histórico e marca a explosão do punk britânico. Quem viu aquele show e ainda não fazia parte de uma banda, saiu de lá e correu para montar uma. Todos dos Sex Pistols e The Clash estavam lá, bem como integrantes do The Damned, The Buzzcoks, The Pretenders e muitos outros.

Ainda em outubro de 1976 foi lançado o que se considera o primeiro single do punk britânico: New Rose/Help, do Dammed. Na sequência, em novembro, é lançado Anarchy in the UK. Os Sex Pistols ganham atenção da mídia e o punk se espalha por toda a Inglaterra. Em dezembro, a banda é convidada a se apresentar e ser entrevistada no programa de TV do jornalista Bill Grundy. O apresentador estava claramente incomodado com a aparência e comportamento de seus convidados. O clima era tenso. Os Pistols foram ao programa levando mais 4 amigos, entre eles, Siouxsie Sioux e Steven Severin, da banda Siouxsie and the Banshees. Durante a entrevista a tensão aumenta. Em certo ponto, depois de uma pífia comparação, claramente provocadora, de Grundy entre os Pistols e Mozart ou Beethoven, Johnny Rotten murmura algo como “”Era só a merda do trabalho deles.”. O programa era ao vivo, em horário nobre. E pela primeira vez na história da TV britânica alguém dizia a palavra “merda”. Mas, claro, era só o começo. Do meio para o fim da entrevista, todos já nervosos, após uma insinuação de Grundy para a Siouxie Sioux, Steve Jones dispara “You dirty fucker”. E o programa acaba. Não só merda, como fodido, foram as palavras ditas em horário nobre pela primeira vez na história da TV na Inglaterra.

No dia seguinte o jornal Daily Mirror estampa em sua capa a manchete The filth and the fury!, a sujeira e a fúria, com uma foto da banda e uma matéria sobre os Sex Pistols. Foi como jogar gasolina numa fogueira. A cena punk se espalha por toda a Inglaterra, bandas começam a surgir por todo o lado. Em 1977, considerado o ano do punk, alguns dos discos mais importantes do movimento são lançados, entre eles, Never Mind The Bollocks, Here’s The Sex Pistols, o primeiro disco do The Clash, autointitulado, Damned Damned Damned, dos Damned, Stranglers IV (Rattus Norvegicus), dos Stranglers e Life on the Line, de Eddie and The Hot Rods. O punk estava oficialmente deflagrado na Inglaterra e faria história. Enquanto a cena punk de New York se contentava com os excessos de drogas e uma pretensa vanguarda artística, produzindo canções hedonistas sobre tédio e chapação, os ingleses traziam uma fúria incontrolável contra um sistema moralista e opressor, e uma crise econômica aguda.

Justamente por essa diferença, o punk como o conhecemos hoje, tanto na estética quanto na atitude, é o punk inglês, de moicano colorido, jeans rasgado, adereços fetichistas, alfinetes e sempre contra o establishment e qualquer tipo de repressão ou cerceamento de liberdades. Sobre as duas bandas mais importantes daquela época, os Sex Pistols lançaram um único disco e a banda se separou no ano seguinte. Steve Jones se tornou produtor musical, Johnny Rotten formou a banda Public Image e Sid Vicious, o baixista, morreu de overdose em 1979, após, supostamente, esfaquear sua namorada, Nancy Spugen. Já o The Clash teve uma carreira mais longeva. Joe Strummer e Mick Jones viviam entre os bairros de Notting Hill e Brixton, que abrigava uma grande comunidade de jamaicanos e operários. Não só suas letras eram mais políticas, como eles agregavam ao seu som elementos do ska e reggae. A banda lançou 6 discos entre 1977 e 1985, sendo que em 1979 lançam o seminal London Calling, em 1981 mais um disco fundamental, Combat Rock, e, em 1983, Mick Jones sai da banda, acabando com a parceria com Joe Strummer. O Clash se manteve com Strummer até meados de 1986, quandoa banda finalmente encerrou atividades. Em 2002 Joe Strummer e Mick Jones se reuniram novamente num show da banda The Mescaleros, de Strummer. Eles tocaram as canções White Riot e London’s Burning, tocando juntos no mesmo palco pela primeira vez desse 1983. Um mês depois deste show, Joe Strummer morreu, vítima de um ataque cardíaco. Mick Jones segue em atividade. Nos anos 80 montou a banda Big Audio Dynamite – BAD, banda de beat reggae dub, no fim dos anos 90 participou da banda Carbon/Silicon e também fez parte da moderninha banda virtual Gorillaz.

O punk foi uma verdadeira revolução cultural. Foi não. Ainda é! Não só mudou a música, dando luz a bandas tão empolgantes e diversas, como também mudou a moda, muito por conta do estilo visionário e anárquico de Vivienne Westwood, dona da boutique Sex, esposa de Malcom McLaren na época do surgimento dos Sex Pistols e até hoje uma estilista influente. Mas o mais importante, o movimento punk mudou o comportamento! Incentivou os jovens a agirem por conta própria, se informar e se posicionar por uma sociedade livre e plural. O punk faz parte da essência da Strip Me, uma empresa totalmente Do it Yourself! Então é claro que aqui você encontra camisetas de música com estampas relacionadas ao punk e muito mais, tudo com personalidade e muito estilo. Além de música, rolam camisetas de arte, cinema, cultura pop, comportamento e muito mais. Na nossa loja você conhece todas elas e ainda fica por dentro dos nossos lançamentos mais recentes.

Vai fundo!

Para ouvir: Playlist feroz com o mais puro e concentrado suco de punk britânico. UK Punks Top 10 tracks.

Para assistir: A série Pistol, disponível na Star+, é simplesmente maravilhosa e recomendadíssima! Lançada neste ano, a série retrata a trajetória dos Sex Pistols sob a ótica do guitarrista Steve Jones. A fotografia é incrível, as atuações são ótimas, o roteiro é muito bom e a trilha sonora é excelente! Vale a pena demais conferir! Ah, sim, e a direção é do Danny Boyle, diretor do clássico Trainspotting!

Para ler: Crescendo com os Sex Pistols: Precisa-se de Sangue Novo é um ótimo livro para conhecer a história dos Sex Pistols por uma ótica mais imparcial, já que rola muita divergência entre as versões de Steve Jones, John Lydon e Malcom McLaren. O livro foi escrito em parceria entre Alan Parker, cineasta e escritor, e o jornalista Mick O’Shea. Foi lançado em 2012 e é uma leitura muito agradável de uma história quase inacreditável!

Categoria: Comportamento, Cultura Pop, Música

CBGB & OMFUG e o nascimento de todo mundo

13/10/2015 | Por Strip Me Clothing | Comentários desativados

por Guilherme Bonilha –

Em 1973, o nova-iorquino Hilly Kristal abriu no sul de Manhattan o CBGB & OMFUG. O nome do bar era uma abreviação de Country, Bluegrass, Blues & Other Music for Uplifting Gormandizers (algo como Contry, Bluegrass, Blues e outras músicas para gulosos musicais) e já mostrava a visão de Kristal, montar um bar para apreciadores de estilos tipicamente norte-americanos. Para agradar esse público, Kristal só pedia que as bandas apresentassem sets com sons próprios e dava preferência para artistas de Nova Iorque.

Atraídos por uma leitura de poemas que acontecia no CBGB, os músicos da crescente cena punk e new wave de Nova Iorque começaram a frequentar o bar e após algum tempo o Televison tornou-se a primeira banda desse movimento a se apresentar por lá, em 1974, fazendo shows todos os domingos até gravarem o álbum “Marquee Moon”. O local ajudou o punk rock a conquistar o mundo e ficou marcado na história de bandas como Television, Ramones, Patti Smith, Johnny Thunders & The Heartbreakers, Blondie, Talking Heads e The Misfits, para citar alguns. Mas não só as bandas americanas que fizeram sucesso por lá, os britânicos do The Jam e The Police tocaram no palco do CBGB, além do bar receber visitas esporádicas dos membros do Sex Pistols, que, invariavelmente, passavam lá para provocar o caos.

Na década de 80, a cena que movimentou o espírito do CBGB foi o hardcore, com bandas como Bad Brains, Cro-Mags, Dead Boys, Sick of it All, Gorilla Biscuits e Agnostic Front, destaques das cenas de Nova Iorque e Washington. O The Dead Boys tocou tanto no CBGB que Hilly Kristal chegou a ser o empresário da banda por um tempo. O espaço reservado para o hardcore no CBGB ficou conhecido como Trash Day e acontecia nas tardes de domingo. No fim da década de 1980, Hilly Kristal se cansou das frequentes brigas que rolavam em frente ao CBGB e colocou um fim no Trash Day em 1990.

A década de 1990 trouxe transformações para o CBGB. Entre o fim da década 1980 e início da década de 1990, bandas como Guns and Roses, Social Distortion, Hole e Sonic Youth ainda faziam apresentações por lá que representavam o que havia de novo no rock and roll, porém, com o passar dos anos, o palco começou a ser procurado por bandas que já estavam consagradas de alguma maneira, e o lugar acabou se tornando um grande ponto turístico.

Após uma briga judicial com os donos do famoso prédio, Hilly Kristal decidiu fechar o CBGB em Nova Iorque devido ao aluguel abusivo que os proprietários pediam, e originalmente tinha planos de levar o bar (e seus famosos urinóis) para Las Vegas, porém, a ideia não foi pra frente. Para a despedida do CB, uma semana com a apresentação de vários ícones da história do bar foi planejada. Bad Brains, The Dictators e Blondie, com um set acústico, foram os destaques. Finalmente, no dia 15 de outubro de 2006, um domingo, Patti Smith fez o último show no sujo e lendário palco do CBGB.

Sobre a Strip Me.

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Categoria: Música

My Way: A vida de Sid Vicious em 11 desastres

28/07/2015 | Por Strip Me Clothing | 1 Comentário

Sid Vicious é a melhor representação do visual e da atitude punk. Esse título não é algo vazio ou simples resultado de um bom trabalho de marketing, mas sim fruto de uma vida rápida, crua, suja e intensa, como manda o figurino. Por vezes sua história se confunde com o nascimento do punk, e vamos listar alguns desses episódios a seguir.

1. Nascido em 1957, John Ritchie era filho de um guarda do Palácio de Buckingham (e trompetista de jazz nas horas vagas) e uma ex-oficial da força aérea da Inglaterra. Menos de um ano após seu nascimento, Sid e sua mãe foram abandonados pelo pai e se mudaram para o centro de Londres.

2. Sid conheceu John Lydon (Johnny Rotten para os mais íntimos) em 1973, quando os dois estudaram juntos. Sid era o nome do rato de estimação de Lydon. O bicho mordeu o jovem John Ritchie, que ao reclamar dizendo que Sid era muito violento, acabou criando seu apelido Sid Vicious, Sid violento, em uma tradução livre.

3. Aos 17 anos, Sid Vicious se mudou para um squat (nome dado a prédios abandonados ocupados clandestinamente na Europa) com Johnny Rotten, e lá conheceram Chrissie Hynde, futura vocalista do The Pretenders, que havia acabado de se mudar para Londres. Chrissie queria se casar com Sid de qualquer maneira para conseguir permissão para continuar na Inglaterra, porém ele recusou a proposta.

4. A dupla era muito quebrada na época e pra descolar uns trocos os dois faziam música pelas ruas de Londres. Johnny cantava e Sid tocava tamborim, mas segundo o próprio Rotten a dupla era tão ruim que as pessoas davam dinheiro para que parassem de tocar.

5. Sid Vicious começou sua carreira musical em 1976 com a banda The Flowers of Romance, além de ser o baterista do primeiro show de Siouxsie and the Banshees. Nessa época Sid se envolveu em uma briga em um clube de Londres. Ele arremessou um copo contra um ex-companheiro de banda, porém, já bêbado, errou o alvo e os pedaços de vidro cegaram uma garota que estava no bar. O episódio colocou Sid na cadeia pela primeira vez.

6. Em 1975 o empresário Malcolm McLaren formou a banda Sex Pistols, que começou a fazer barulho pela cena musical de Londres. Em 1977 o próprio McLaren demitiu o baixista Glen Matlock porque o mesmo “ficou falando muito sobre Paul McCartney e os Beatles” e chamou Sid para entrar em seu lugar por conta do visual do rapaz. Apesar de não saber tocar baixo, Vicious entrou para a banda.

7. Pouco depois de entrar na banda, Sid conheceu a groupie americana Nancy Spungen e os dois começaram um dos relacionamentos mais explosivos do rock. Ou de qualquer outro meio existente. Na época, Sid já usava todo tipo de droga, sua mãe chegou a confessar que fornecia muitas dessas para Vicious, mas foi Nancy que o apresentou à heroína.

8. A falta de habilidade de Sid e uma internação por hepatite na época das gravações mantiveram o baixista fora de ‘Never Mind the Bollocks, Here’s the Sex Pistols’. Durante a turnê norte-americana da banda em 1978 o consumo de heroína de Sid cresceu muito e o fez perder vários shows. Quando aparecia, ele acabava brigando com o público, chegando ao extremo de golpear um desavisado na cabeça com seu baixo em um dos shows. Ao fim desse caos que chamaram de turnê, os Sex Pistols decretaram seu fim.

9. Depois do fim dos Sex Pistols, Sid Vicious seguiu em carreira solo com Nancy Spungen como sua empresária. Com membros do The Clash e New York Dolls na banda de apoio, Sid fez uma temporada de shows em Kansas City e gravou a música ‘My Way’ de Frank Sinatra, seu maior sucesso solo.

10. Em outubro de 1978, Sid acordou de mais uma noite regada a heroína e encontrou Nancy Spungen morta do banheiro do hotel em que o casal estava hospedado. A morte foi causada por uma facada na região do abdômen da garota, que tinha apenas 20 anos na época. Apesar de negar a autoria do crime, Vicious foi preso.

11. Sid foi liberado sob fiança em fevereiro de 1979. Durante uma festa organizada por sua mãe para comemorar sua liberdade, Sid sofreu uma overdose de heroína e morreu algumas horas mais tarde. Ele foi cremado e, atendendo a seu pedido, suas cinzas foram jogadas sob o túmulo de Nancy.

Sobre a Strip Me

A camiseta Sex Pistols Sid é a homenagem da Strip Me ao cara mais style do punk: Sid Vicious! Na nossa loja online você encontra mais camisetas de cinema, camisetas de rock e camisetas de cultura pop com estampas exclusivas e super descoladas. Confira em www.stripme.com.br!

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Iggy Pop no SPFW + 10 curiosidades sobre o ícone

14/04/2015 | Por Strip Me Clothing | Comentários desativados

Iggy Pop realmente tem tesão pela vida: tem 67 anos e não tem hora pra acabar. Prova disso é a participação do rock star no São Paulo Fashion Week: foi convidado por uma marca para quebrar (isso mesmo, quebrar) um óculos gigante usando um bastão. Punk ou não?

O músico, que vira e mexe também ataca de ator nas horas vagas, surpreendeu os fashionistas no SPFW mostrando toda a sua atitude punk e contando em diversos veículos: “Sou fã do Brasil. E, desta vez, tive tempo para conhecer a cena rock de São Paulo. Circulei por aí, tranquilamente, por alguns bares de rock, e gostei muito do que ouvi”.

Fãs que somos aqui na Strip Me do ex-líder dos Stooges – inclusive já dedicamos uma de nossas estampas a ele, separamos 10 momentos curiosos da vida de Iggy Pop pra você relembrar e, obviamente, se divertir. Dá um look!

1. Iggy Pop foi criado em um estacionamento de trailers. Isso explica muita coisa.

2. Durante a adolescência ficou amigo dos irmãos trouble makers Ron e Scott Asheton e Jason Alexander. Anos mais tarde, montaram o The Stooges e lançaram três discos (Stooges, Fun House e Raw Power) que marcaram a história do rock, influenciando do punk ao heavy metal.

http://www.youtube.com/watch?v=EDNzQ3CXspU

3. James Newell Osterberg (nome de nascença), ganhou o apelido “Iggy Pop” quando tocava na bandaThe Iguanas.

4. Iggy Pop também é um baterista foda, inclusive largou a Universidade de Michigan para tocar com músicos de blues em Chicago.

5. Iggy causava em suas apresentações: sangrava, ficava pelado, rolava em cacos de vidro e bebia o seu próprio vômito durante seus shows. Marilyn Manson curtiu isso.

6. O cantor também tem uma carreira no cinema underground. Participou de clássicos cult como Sid & Nancy, O Corvo: Cidade dos Anjos, Sobre Cafés e Cigarros, e até em Star Trek: Deep Space Nine.

7. O disco favorido de Pop é Bringing It All Back Home, de Bob Dylan. <3

8. A equipe de animação responsável pelo filme O Senhor dos Anéis se inspirou no cantor para criar o corpitcho do personagem Gollum. My precious!

9. Físico esse que aparentemente também apeteceu diversas moçoilas, na listinha de casos e namoricos estão: Debbie Harry, Angela Bowie (na época, casada com David Bowie), Nico (1938-1988), Bebe Buell, Patti Smith entre outras.

10. O músico já declarou que “é triste ser o avô do punk rock”. A gente discorda, Iggy! 😀

Sobre a Strip Me

Na música Lust For Life Iggy Pop canta sobre os prazeres de uma vida nada convencional, tanto que acabou virando o tema do clássico do cinema cult Trainspotting. Essa é a homenagem da Strip Me a um lema que também aderimos: o tesão pela vida! Está disponível na loja online, assim como diversas outras camisetas de bandas, camisetas de filmes e cultura pop. Dá um pulo lá: www.stripme.com.br e have fun!

Cigar Box Guitar

Gretsch Country Gentleman

Fender Telecaster

Rickenbacker 360/12

Gibson ES 335

Mosrite Ventures II

Fender Jaguar

Gibson SG

Gibson Les Paul

Fender Stratocaster

Menção honrosa: Frankenstrat

Blink antes do 182.

A escolha.

Dança das baquetas.

Enema of the State.

O preço da fama.

Amadurecimento.

Travis Barker nas asas do destino.

Vindas frustradas ao Brasil.

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