PERFIL COLLAB STM: A ARTE LIVRE DE GUILHERME HAGLER

PERFIL COLLAB STM: A ARTE LIVRE DE GUILHERME HAGLER

Ser livre! Como é bom ser livre! Quando se trata de arte então, não tem nada melhor! Ser livre para criar, para explorar os mais diversos temas. Da racionalidade ao ocultismo, da crítica social ao amor idealizado! Ser livre para fazer arte seja como for. Na dança, na fotografia ou desenhando! Carregado de muito talento e muitas referências legais de cultura pop, o trampo do Guilherme Hagler transmite essa liberdade, um conjunto que tem tudo a ver com a Strip Me.

O Guilherme Hagler é mineiro nascido em Juiz de Fora e criado em Belo Horizonte. Ele cresceu dentro de uma família de mulheres talentosas, artistas que não tiravam seu sustento da arte, mas estavam sempre pintando, bordando, fotografando, fazendo música… Era um incentivo natural para que, ainda garoto, ele tivesse sua criatividade aguçada e se expressasse artisticamente. Do hábito de ler histórias e curtir desenhos, Hagler começou a desenhar e se envolver cada vez mais com arte.

Como todo bom artista livre, Guilherme Hagler não se limitou a só uma forma de expressão. Já se aventurou na fotografia e na dança, mas foi nas artes plásticas que ele encontrou seu caminho. E se dedicou muito. Inspirado por artistas impressionistas e surrealistas, em especial Paul Ranson e suas temáticas obscuras, começou a fazer reproduções de suas obras favoritas, além de muitas naturezas mortas, que são ótimas para reforçar conceitos de proporção e luz e sombra. Com o tempo, adicionou às suas referências o cinema e a música, através dos sentimentos transmitidos nas melodias e nas imagens dos videoclipes, para formatar seu trabalho autoral.

O trampo autoral do Hagler impressiona porque é muito original, mesmo sendo super iconoclasta, usando figuras conhecidos, referências da cultura pop, em especial o cinema e obras de arte famosas. Os desenhos dele demonstram muita técnica e muita sensibilidade. Por causa disso tudo, não tinha como o Guilherme Hagler não fazer parte do seleto rol de collabs da Strip Me. Um artista que tem tudo a ver com a marca! Pra finalizar, você confere o nosso bate bola com o próprio Guilherme. Se liga aí no que ele tem a dizer.

Strip Me Analógico ou digital? Você desenha direto no computador/tablet ou curte a tinta no papel?

Guilerme Hagler Eu nunca usei uma mesa digitalizadora na minha vida. Tenho vontade e receio de achar estranho hahaha. Gosto de desenhar direto no papel, com lápis e caneta. Quando o desenho fica pronto, eu fotografo ele em um ambiente bem iluminado, evitando ao máximo as distorções da câmera, pra depois transferir as “linhas” para o computador, onde eu adiciono as cores, sombras, refino as linhas, assino.

STM Além de desenhar e passar nervoso, o que tem feito em casa, durante a pandemia?

GH Muita música (sempre caçando coisas novas) e muitas horas de sono. Também descobri que podcasts me ajudam a me sentir menos sozinho nessa pandemia. Como estou trabalhando em casa, uso meu tempo livre para espairecer ou descansar (quando não estou desenhando ou fazendo tudo ao mesmo tempo)

STM Não precisa nem dizer que sua arte sempre passa uma mensagem, de todo o tipo, aliás. Tem alguma coisa que você queria dizer para as pessoas e ainda não conseguiu traduzir em um desenho?

GH Definitivamente ainda tenho muito a dizer. Mas uma das coisas que eu mais gosto na arte, são as possibilidades de interpretação. Por isso, deixo minha arte aberta a isso. Ela é o que você quiser que ela seja. Acho que se eu virar pra você e dizer exatamente o que eu estou querendo passar com uma imagem que eu fiz, posso acabar limitando a sua visão sobre ela. Já escutei interpretações de pessoas que atingiram níveis de profundidade que nem eu mesmo havia imaginado, acho essa troca muito rica.

A Barbie de cabeça pra baixo no copo d’água, por exemplo, foi uma homenagem à uma irmã que nunca foi muito fã do universo feminino. Quanto era bem pequena, ela literalmente arrancava os cabelos das Barbies que ganhava e mergulhava elas na água, rejeição total. E eu tenho certeza que muitas meninas também se sentem assim. Ser mulher não é necessariamente ser feminina. Nascer mulher não é necessariamente ser mulher. Gosto de sátiras que utilizam elementos da cultura pop.

STM Quem ou o quê te inspira e te faz desenhar? E quem ou o quê te desanima a pegar na caneta?

GH Minha vontade de desenhar é espontânea, ela não vem em momentos pontuais… Me sinto inspirado a desenhar quando tenho alguma ideia que julgo interessante, ou quando me sinto inspirado por algo que vi, uma imagem, um vídeo, um poema. Minha primeira série de desenhos foi baseada no conto “Cinco Mulheres”, do Machado de Assis. Quando começo um desenho, fico na ansiedade de terminar logo, então, mesmo que eu esteja me sentindo cansado, eu não paro. Dificilmente vou começar um desenho se tiver tido um dia muito estressante, por exemplo, mentalmente ou fisicamente. A não ser que eu tenha um prazo.

STM Os heróis do Cazuza morreram de overdose. E os seus heróis, na vida e na arte, ainda estão por aí? Quem são eles?

GH Apesar de não ser muito fã do conceito de “herói” ou “ídolo”, admiro sim artistas que morreram de overdose, Amy Winehouse é a primeira que vem na minha mente. Ainda fico triste quando escuto as músicas dela. Mas também tenho “heróis” que morreram por outras causas hahahaha… Gauguin, Dalí, Magritte, Frida, Lygia Clark, Edith Head, Elsa Schiaparelli, Chadwick Boseman… A lista é longa! E se ainda for pensar nos que estão vivos… Marina Abramovic, Rosana Paulino, Laura Callaghan, Oh de Laval, Hajime Sorayama… Caramba! Vai ser até injusto tentar montar uma lista, não quero deixar ninguém de fora. Tem MUITA gente foda e inspiradora por aí (vivos ou não).

STM Diversão e arte além dos teus desenhos, o que você curte?

GH Gosto de tudo que mantem minha mente trabalhando, que me instiga intelectualmente. Procuro informação a todo momento. A internet tem muita coisa interessante, se você souber onde procurar… Adoro assistir debates, escutar podcasts, jogar online com amigos. (Isso quando não estou escutando música ou assistindo algum filme) Tenho procurado livros para ler também, faz tempo que não leio algo que não seja acadêmico.

STM Qual a sensação de saber que seus desenhos enchem o peito de muita gente Brasil afora através da Strip Me?

GH A sensação é de validação e de muita alegria, especialmente em um momento tão complicado quanto o que estamos vivendo. Fiquei super feliz quando fui convidado pra essa parceria e acho incrível quando marcas colaboram com artistas, especialmente os pequenos, é um diferencial. Se dedicar à arte pode ser um projeto de vida bem arriscado, ainda mais no Brasil. Mas quando o reconhecimento vem, qualquer que seja, é extremamente gratificante e motivante. Hoje estou me especializando em Moda e nunca havia imaginado pessoas andando com as minhas estampas por aí, é incrível! Sou muito grato e tenho grande admiração pela Strip Me, que já faz parte da minha história.

Siga o Gilherme Hagler no Instagram: @guilhermehagler

Vai fundo!

Para ouvir: Como sempre acontece nos textos dedicados aos collabs da Strip Me, a playlist fica por conta do próprio artista. Então confere lá as top 10 tracks favoritas do Hagler!

Arte & Treta na Renascença.

Arte & Treta na Renascença.

Você já parou pra pensar o que seria do mundo sem a treta? Claro, seria um lugar onde reinaria a paz e harmonia entre todos os seres humanos e tal. Mas será que teríamos chegado tão longe? Obras de arte magníficas ainda teriam sido produzidas, pesquisas e descobertas científicas teriam sido realizadas se não existisse aquele sentimento, aquele pensamento interior dizendo “Quem aquele f*#% d# p@%*# pensa que é? Ele acha que é melhor que eu? Pois vai ele ver só!”. Desde que o mundo é mundo e o homem vive em sociedade, rivalidades, desafetos e intrigas fazem parte da nossa história. E não é difícil supor que essas rivalidades contribuíram para que alguns gênios buscassem a perfeição. Os exemplos são muitos: Mozart e Salieri, Shakespeare e Marlowe, Darwin e Owen, Tesla e Edison, João Gordo e Dolabella… mas hoje vamos falar da grande treta da Renascença: Leonardo Da Vinci vs. Michelangelo!

Bom, Leonardo Da Vinci e Michelangelo Buonarroti dispensam apresentação, né? Dois dos maiores artistas de todos os tempos. Ambos pintores e escultores que viveram a virada do século XV para o XVI e conceberam obras admiradas até hoje. Apesar da diferença de idade entre eles, Da Vinci era 23 anos mais velho que Michelangelo, a rivalidade entre os dois era inevitável. Quando Michelangelo chegou à idade adulta e começou a se destacar, Da Vinci já era um artista consagrado. Mesmo assim, Michelangelo se recusava a aceitar que Da Vinci era esse gênio todo que se dizia, já que ele considerava a si próprio sim como o grande artista de seu tempo. Ainda que pensasse desta forma, Michelangelo não deixou de absorver minuciosamente as técnicas de pintura desenvolvidas por Da Vinci, de claro e escuro, luz e sombra e esfumaçado, bem como os estudos da anatomia humana a que Da Vinci tanto se dedicou.

O Homem Vitruviano de Leonardo Da Vinci

Eram realmente artistas antagônicos. Da Vinci ficou famoso pela procrastinação. O acervo de rascunhos e obras inacabadas dele é vasto, já suas pinturas que foram totalmente concluídas, são apenas 16, muito pouco para um artista que viveu até os 67 anos de idade. Já Michelangelo era o que se pode chamar de workaholic. Vivia em seu ateliê mais de 12 horas por dia trabalhando incansavelmente em suas obras. Da Vinci era conhecido por ser um homem sociável, de personalidade amistosa e calma, sempre bem vestido e arrumado. Já Michelangelo era comparável a um pinscher, era baixinho, arrogante e muito briguento. Ambos viviam na mesma cidade, Florença, um dos principais polos da arte renascentista. E foi justamente o governo da cidade que começou a treta entre os dois.

Palazzo della Signoria, Florença

Em 1504 o governo convidou Da Vinci e Michelangelo para pintarem, cada um em uma parede do Palazzo della Signoria, então sede do governo florentino e hoje conhecido como Palazzo Vecchio, um afresco retratando alguma batalha em que o povo de Florença tivesse lutado e saído vitorioso, claro. Os dois artistas já não iam muito com a cara um do outro, mas o dinheiro oferecido era bom demais pra se recusar. Então lá foram eles. Nos meses que se seguiram um alfinetava o outro constantemente, e as obras mesmo, nada de sair. Ficou famoso o comentário de Da Vinci vendo os esboços de Michelangelo, que sempre gostou de retratar os homens extremamente fortes e com músculos bem definidos. Da Vinci teria dito que não entendia por que Michelangelo insistia em retratar os homens como se fossem uma noz aberta.

Corpo masculino nu (estudo para o teto da capela Sistina) – Michelangelo, 1511

Mas o ápice da treta entre os dois aconteceu na rua. Antes de contar o que rolou, vale dizer que Da Vinci era um pintor irrepreensível, mas não era tão genial esculpindo. As esculturas de Da Vinci são poucas, e são bem acima da média, mas não são incríveis. E isso o frustrava muito. Uma dessas esculturas era o Cavalo de Sforza. E não preciso dizer que Michelangelo era um escultor brilhante, tá aí o Davi até hoje, que não me deixa mentir. Bom, Da Vinci estava na praça principal de Florença conversando com uma turma. E eles falavam sobre a obra de Dante Alighieri, o grande escritor. Coincidentemente Michelangelo passava por ali, e Michelangelo era admirador e grande conhecedor da obra de Dante. Da Vinci, sabendo disso, aparentemente sem más intenções, chamou Michelangelo para a conversa com uma frase do tipo: “Ô Michelangelo, chega aqui, estamos falando do Dante e tô sabendo que você manja do assunto.”. Como bom pinscher, Michelangelo ouviu o convite de Da Vinci como um desaforo cheio de ironia e sarcasmo e, raivoso, descarregou um caminhão de insultos a Da Vinci. Um dos insultos teria sido algo como: “Quem é você pra falar comigo, nem esculpir um cavalo você consegue, fez aquela aberração do Sforza!”. Da Vinci ficou ofendidíssimo e foi embora deprimido, se sentindo um artista medíocre.

Depois disso, ambos abandonaram o trampo no Palazzo della Signoria e foram embora de Florença. Da Vinci se mudou para Milão e Michelangelo foi pra Roma a convite do Papa, para fazer um job na Capela Sistina. É claro que não foi só a discussão na praça que motivou a mudança dos dois. Com certeza, eles foram atrás de melhores ofertas de trabalho. Mas com certeza a inimizade contribuiu para que abandonassem o trabalho no palácio e adiantassem sua saída de Florença, claro, os dois levando o pagamento do trabalho que ficou lá inacabado.

A Criação de Adão – Michelangelo

No fim das contas, histórias como essas são, de certa forma, um alívio para nós. Da Vinci foi o artista mais completo e brilhante de todos os tempos, além de pinturas icônicas como Mona Lisa e Dama com Arminho, era cientista, arquiteto e acadêmico. Michelangelo era um artista pungente e conseguia transformar blocos de mármore em figuras fascinantes, como é Davi e a Pietá, além de seu afresco incomparável na Capela Sistina. Foram verdadeiros gênios. Ainda bem que ficaram também registros como este contado aqui, do lado humano desses caras, que nos coloca em pé de igualdade com eles. Somos todos reles mortais sempre atrás de diversão e arte, e, de vez em quando, de uma boa treta.

Vai fundo!

Para ouvir: Uma seleção de canções para embalar aquela treta no meio da festa! Top 10 tracks da treta!

Para assistir: Uma das tretas mais célebres da história é a de Mozart e Salieri. Uma história incrivelmente bem retratada na excelente cinebiografia de Mozart, Amadeus, filme de Milos Forman lançado em 1984.

Alfred Hitchcock e a invenção do suspense.

Alfred Hitchcock e a invenção do suspense.

A definição mais sintética e objetiva da arte pode ser a seguinte:
talento + técnica = arte de qualidade.
Claro que a arte é uma parada muito intangível e que tem significados e representações distintas, que variam de pessoa para pessoa. Mas, de maneira geral, a equação acima é válida. A fotografia é a manifestação artística que melhor exemplifica isso. Se o fotógrafo conhece todas as técnicas de medição de luz, proporções de abertura de diafragma e obturador, foco e etc, mas não tem um olhar apurado e a sensibilidade para captar a cena desejada, ele vai obter um bom resultado, mas não será uma grande obra de arte. Já se o fotógrafo tem a sensibilidade  e o olhar apurado suficiente para captar um momento incrível, mas não tem as técnicas de manuseio da câmera, o resultado também pode até ser bom, mas não será uma obra de arte. Agora, se o fotógrafo consegue juntar tudo, aí sim terá uma foto incrível, que será admirada como verdadeira obra de arte.

Crédito da imagem: Silverscreen Archives

Mas tem alguma coisa a mais. Tem um elemento misterioso, um brilho, uma parada natural em poucas pessoas, que, somada a técnica e ao talento, consegue conceber obras primas, incomparáveis e eternas. Já que falamos de fotografia, vamos dar um pulinho e ir pro cinema, para falar de um dos grandes mestres desta que é conhecida como a sétima arte. Alfred Hitchcock foi um dos mais produtivos e geniais cineastas da história. Concebeu mais de 50 filmes, inventou um dos gêneros  mais populares e foi responsável por uma verdadeira revolução no cinema.

Crédito da imagem: Rex Features Archives

“Todos temos dentro de si um lugar escuro, cheio de violência e horror. Eu sou apenas o cara no canto com uma câmera, assistindo.” Com essa frase, Hitchcock conseguiu resumir sua obra. O suspense e o terror psicológico são invenções dele. Numa época em que o cinema era extremamente conservador, Hitchcock apresentava tramas sombrias, repletas de traições, cobiça e mistério. Seus personagens não eram claramente bons ou ruins, apesar de serem sempre carismáticos. Desta forma, tornaram-se clássicos filmes como Festim Diabólico (1948), Disque M Para Matar (1954), Janela Indiscreta (1954), O Homem que Sabia Demais (1956), Um Corpo que Cai (1958), Os Pássaros (1963) e sua obra máxima, Psicose (1960). Com estes filmes, Hitchcock apresentou ao mundo uma nova maneira de fazer cinema, tanto na estética, como na forma de contar as histórias e até na atuação dos atores.

Quando lançou Psicose, Hitchcock já era um diretor consagrado em Hollywood, Mas foi com este filme que ele quebrou todas as barreiras. Tanto é que produtora nenhuma encarou financiar o filme, com medo de lança-lo e ter prejuízo, acreditando que o público não aceitaria tanta violência e sadismo, isso se o filme chegasse ao público, porque corria o risco de ele esbarrar na censura. Por fim, o diretor bancou o filme do seu próprio bolso, fazendo dele uma produção independente. E ele investiu pesado.

Crédito da imagem: Rex Features Archives

Pra começar, o filme é adaptado de um livro. Psicose foi escrito por Robert Bloch, publicado originalmente em 1959 e inspirado num caso de assassinatos famoso na época, o caso Ed Gein, conhecido como o assassino de Wisconsin. Quando Alfred Hitchcock leu o livro, no ato comprou os direitos para filmá-lo e mandou comprar todos os exemplares à venda em todas as grandes cidades do país, para que ninguém soubesse o final da história. O protagonista da história se tornaria no futuro um verdadeiro clichê do cinema, um clichê muito eficiente, diga-se: o assassino esquizofrênico, travestido, sedutor e violento. Isso sem falar da icônica cena do chuveiro.

Crédito da imagem: Silverscreen Archives

Por ser um filme independente, com orçamento reduzido, tudo foi feito a toque de caixa, além do mais, Hitchcock não entregou o roteiro todo de uma vez na mão dos atores, e filmava as cenas sem muitas repetições, para captaras reações mais naturais possível dos atores ao se depararem com as cenas. O filme todo foi filmado em 6 semanas, tempo curtíssimo para os padrões de Hollywood. Todas as cenas foram filmadas de bate pronto, no máximo com três ou quatro takes. A exceção foi a cena do chuveiro, que levou uma semana para ser concluída. Provavelmente Hitchcock tinha consciência que aquela cena seria o ponto alto do filme.

Marion Crane, a personagem interpretada pela atriz Janet Leigh, era uma mulher insatisfeita com a vida, trabalhava num pequeno escritório e tinha um amante, com quem não podia se casar. Quando ela consegue algum dinheiro, combina com seu amante que fujam para finalmente se casar. É nessa fuga que ela vai parar no Bates Motel, um hotelzinho fuleiro de beira de estrada, gerenciado por Norman Bates, um homem simples, que vive sob os caprichos de sua velha mãe. Marion é a protagonista do filme. E, passada apenas meia hora do início do longa, ela é morta a facadas no chuveiro. Além da cena ser icônica, era novidade no cinema uma personagem principal morrer tão cedo, aliás, de maneira geral, personagens principais raramente morriam. Os cortes rápidos, tensão, uma trilha sonora inacreditável, closes e ângulos fechados, fizeram da cena do chuveiro a cartilha que todos os filmes de suspense e terror até hoje seguem.

A extensa filmografia de Alfred Hitchcock é permeada de filmes brilhantes, como os que já foram citados aqui. Não é à toa que ele é conhecido como o mestre do suspense. Hitchcock mudou o jeito de se fazer e de se consumir cinema. Para se ter ideia, antes de Psicose, era muito comum as pessoas entrarem numa sala de cinema com o filme já pela metade, aí a pessoa voltava em outra sessão para ver do começo e ia embora  quando entrava a parte que já tinha visto. Ou seja, era um entra e sai dos infernos durante a sessão. Os primeiros cartazes de divulgação de Psicose traziam uma foto do próprio Hitchcock informando que ninguém deveria entrar na sala de cinema se o filme já tivesse começado, além de instruir os donos de cinema a impedirem que isso acontecesse, para que as pessoas tivessem a experiência completa.

Enfim, Hitchcock foi um cineasta genial, uma dos maiores nomes do cinema, cultuado até hoje. Por isso ele tem tudo a ver com a Strip Me, um cara que representa o encontro entre o entretenimento (diversão) e a arte, com personalidade e sem barreiras para a criatividade.

Vai fundo!

Para ouvir: Já que o filme mais famoso de Hitchcock é Psicose, preparamos uma playlist com 10 canções sobre psicopatas, esquizofrênicos e malucos em geral. Curte aí esse Top 10 Psycho Tracks!

Para assistir: Lógico que toda a obra do Hitchcock é mai que recomendada e está espalhada por aí, em plataformas digitais, boxes de DVDs e blurays e etc. Então, vamos recomendar o ótimo filme Hitchcock, lançado em 2012 e que conta a história da produção de Psicose com um elenco matador (com o perdão do trocadilho). Hitchcock é interpretado por Anthony Hopkins, Helen Mirren interpreta Alma, a esposa do diretor e Scarlett Johansson interpreta Janet Leigh. A direção é de Sacha Gervasi e é um filme mais que recomendado.

Para ler: A excelente editora Darkside, especializada em literatura de terror e livros com um acabamento e concepção gráfica invejáveis, relançou Psicose, o livro de Robert Bloch lançado originalmente em 1959, numa edição lindíssima. Além do livro ser uma delícia de se ler e ter muito mais detalhes sórdidos dos crimes do que no filme, tem uma capa linda. Um livro que vale a pena ler e ter em destaque na estante.

Imunização Racional

Imunização Racional

É muito famoso o episódio em que os Beatles, entre outros artistas famosos, foram até Rishikesh, na Índia, para um retiro espiritual baseado nas tradições hindus de meditação. A estadia dos Beatles por lá acabou mal, numa situação que já apareceu em tantas versões diferentes, inclusive por parte dos rapazes de Liverpool, que ninguém sabe exatamente o que aconteceu. Supostamente, o guia espiritual Maharish Mahesh Yogi, que era muito admirado por todos e se dizia casto e livre de pensamentos mundanos e das drogas ou sexo, havia tentado abusar sexualmente da atriz Mia Farrow durante o retiro. Lennon e Harrison se revoltaram e foram questionar o guru. Após da discussão, os Beatles abandonaram o retiro acusando o Maharish de ser mentiroso, de se fazer valer da fama da banda para se divulgar e etc. Isso aconteceu em 1968. No início dos anos 1970, quando os Beatles se separaram, essa história já era conhecidíssima em todo o mundo. Mas aparentemente, o cantor brasileiro Tim Maia, se soube dessa história, não prestou muita atenção. Ainda bem.

Crédito: Imagem de Divulgação do artista

Em 1974 Tim Maia já tinha 3 discos de sucesso estrondoso no currículo. Mas além de ser conhecido pela música, Tim Maia também era famoso por ser um puta louco, que não media esforços para consumir uma dieta farta em comidas altamente calóricas, muito álcool, nicotina e todo o tipo de drogas imagináveis. Naquele ano, em uma de suas costumeiras visitas a seu amigo Tibério Gaspar, Tim Maia, que estava viajando de mescalina, viu jogado na sala de Tibério um livro. Ele pegou e começou a folhear, se interessou, levou pra casa e o leu inteiro. Por alguma razão desconhecida, aquele livro fez todo o sentido na cabeça de Tim. O livro era O Universo em Desencanto .

Crédito: Acervo da família

Pra resumir, esse livro dizia o seguinte: Nós, humanos, não somos originalmente da Terra. Somos do planeta Racional Superior, e estamos exilados na Terra. Aqui estamos animalizados, sujos e magnetizados por forças negativas. Todos precisamos alcançar a imunização racional, que só pode ser alcançada lendo e seguindo os ensinamentos do livro O Universo em Desencanto. Uma vez imunizados, estaremos prontos para que os discos voadores venham nos buscar e nos levar para nosso planeta de origem. Só mesmo o Tim Maia louco de mescalina pra cair numa patacoada dessa! Mas ele não só caiu, como forçou toda a sua banda a entrar na mesma onda. Dali por diante, todo mundo só poderia usar roupa branca, porque muitas cores nos magnetizam, ninguém mais pode beber, fumar, cheirar, fazer sexo sem fins de reprodução e nem comer carne vermelha.

Crédito: Imagem de divulgação do artista

Claro que a banda não gostou nada da brincadeira. Mas, a princípio, todo mundo  fingia que estava seguindo tudo direitinho, porque eles estavam produzindo um som inacreditável. Tim Maia vinha de um fim de relacionamento que o devastou, mas o deixou muito criativo. Além do mais, ele estava ouvindo feito louco Curtis Mayfield, Isaac Hayes, Sly & Family Stone… e produzindo canções inspiradíssimas, influenciadas por essa turma. Quando pintou o lance Racional, Tim Maia simplesmente pegou essas canções incríveis que tinha escrito, colocou letras falando única e exclusivamente sobre imunização racional e o O Universo em Desencanto. Gravou assim o Tim Maia Racional. Com o disco pronto, Tim levou até sua gravadora para que fosse prensado e distribuído. Óbvio, que a gravadora não aceitou. Todo mundo admitia a qualidade musical da bolacha, mas as letras das músicas  faziam do disco um suicídio comercial. Tim Maia, então, abandona a gravadora, cria seu próprio selo, a Seroma Discos, e lança de forma independente Tim Maia Racional Vol1 e Vol2. Vale dizer também que, sob a filosofia Racional, Tim Maia parou de beber, fumar, usar drogas e comer carne vermelha. Ele emagreceu e sua voz ganhou uma potência e brilho assustadores. A performance vocal dele nessa época é de arrepiar.

Acontece que esse papo chato de imunização racional era dose mesmo. Ninguém aguentava. Mas o Tim Maia trabalhava incansavelmente em prol da causa Racional. Mas a vida dele só piorava. Ele estava sem dinheiro, a mulher o abandonou (de novo), estava sem gravadora, os músicos estavam de saco cheio e também ameaçavam deixar a banda… até que em setembro de 1975, já há um ano insistindo nessa maluquice, Tim Maia acordou com uma puta vontade de comer uma picanha mal passada, tomar cerveja e fumar um baseado (não necessariamente nessa ordem). Foi ter uma conversa com o guru da parada, o seu Manuel Jacintho Coelho, ninguém sabe o que exatamente foi dito, mas Tim Maia saiu de lá irritado, foi pro seu apartamento, botou fogo na suas roupas brancas, mandou quebrar todos os discos que ainda não tinham sido vendidos e, peladão, enquanto suas roupas pegavam fogo, gritava da sua janela um caminhão de palavrões dirigidos ao guru Racional.

Crédito: Imagem de divulgação do artista

A vida voltou ao normal, Tim Maia na sua dieta de sempre, voltou a compor canções pop de altíssimo nível e acabou transformando seus discos da fase Racional em verdadeiras relíquias da música brasileira. Como ele ficou puto (com razão) com tudo que aconteceu, nunca mais falou no assunto e deu fim nos discos, que se tornaram raríssimos. Depois da morte de Tim Maia em 1998, os dois discos da fase racional foram redescobertos, viraram cults e os poucos discos existentes começaram a aparecer sendo vendido por mais de 2 mil reais. Mas não acaba aí. Ninguém sabia, mas estava guardado num estúdio pequeno no Rio o Tim Maia Racional Vol3. As fitas foram gravadas pouco antes de Tim Maia deixar a seita e ficaram guardadas nesse tal estúdio porque Tim Maia não havia pago pelas horas de gravação, e o dono não liberou as gravações pro Tim. Em 2011 o músico e produtor carioca Kassim pegou esse material bruto, deu um talento e disco foi finalmente lançado.

Crédito: Sonia D’Almeida

O que a gente mais precisa nos dias de hoje é imunização. E quem precisa ser racional são os governantes. Mas tá difícil, né. Enquanto a nossa imunização não chega (sem falar na racionalidade do governo), o jeito é esperar de boa. Vai que a Cultura Racional tá certa e a gente acaba vendo algum disco voador por aí. Aliás, não sei se você sabe, mas na música mais famosa dessa fase, a clássica, Imunização Racional (Que Beleza), Tim Maia não canta meros “uh uh uh, que beleza”. Mas sim ele canta “UFO UFO UFO, que beleza”. Pega pra ouvir com calma, com o fone de ouvido que você vai se ligar. Por essa nem o Fox Mulder esperava, hein… então a gente finaliza por aqui. A verdade está lá fora. De máscara, claro.

Vai fundo!

Para ouvir: Aquela playlist imunizada no capricho! Selecionamos o que há de melhor nos 3 volumes do Tim Maia Racional. Um Top 10 Tracks Tim Maia Racional.

Pra ler e assistir: Não dá pra deixar de recomendar a biografia do Tim Maia escrita de forma deliciosa pelo Nelson Motta. Vale Tudo: O Som e a Fúria de Tim Maia é um livro sensacional que conta todos os causos, a obra e a trajetória da vida do Tim Maia. E o filme Tim Maia, lançado em 2014, dirigido pelo Mauro Lima tem o roteiro adaptado do livro do Nelson Motta. E, olha, o filme tá disponível no catálogo da Netflix.

Perfil Collab STM: Adão Iturrusgarai

Perfil Collab STM: Adão Iturrusgarai

Não tem nada mais controverso, apaixonante, provocante e original do que o humor!  Pode se teorizar em cima o quanto for, tentar impor limites, regras… o humor de verdade só funciona quando incomoda, quando te faz rir e pensar ao mesmo tempo. Exemplo disso é a obra inteira do Adão Iturrugarai. Cartunista, roteirista, escritor e artista visual, sempre com um pé na comédia, quando não com o corpo todo. Não é à toa que um artista desse naipe faz parte dos collabs da Strip Me.

O Adão nasceu em Cachoeira do Sul, cidade gaúcha localizada no centro do estado, na região conhecida como Depressão Central, onde o relevo é de baixa altitude. Inserido em plena depressão central, Adão não viu outra opção senão ser humorista e contrariar tudo que estivesse ao seu alcance. Pra ajudar ainda tinha o rock n’ roll, que também servia de incentivo a rebeldia. Adão achou no desenho a sua voz, e desenhava em tudo quanto é lugar. Calçadas, muros, paredes do banheiro da escola… às vezes até numa folha de papel. Tudo isso de caso pensado, sabendo que ia incomodar.

As primeiras referências vieram do legendário Pasquim com seu humor crítico e os desenhos do genial Henfil. Mas a parada mudou mesmo quando tomou contato com o Angeli, Laerte, Glauco… aquela geração de artistas que realmente revolucionou o cartum brasileiro. Com eles, vieram as obras de Robert Crumb e Gilbert Shelton, e Adão realmente achou seu caminho. Claro, tudo isso misturado ao rock n’ roll e ao cinema, que já era uma paixão, aqueles filmes franceses da nouvelle vague e tal. Tudo isso moldou um artista de personalidade forte e muito plural. Tanto que, além do desenho, Adão já trampou como roteirista em programas como o divertido TV Colosso e o ótimo Casseta e Planeta, ambos na Globo dos anos 1990.

Mas o Adão é conhecido mesmo pelos desenhos. Criou personagens emblemáticos como a dupla Rocky & Hudson, cowboys gays que precederam o famoso filme Brokeback Mountain, e a Aline, uma mocinha bem libertária, pra dizer o mínimo. Nos anos 1990 chegou a editar uma revista, além de participar de publicações como a Chiclete com Banana, do Angeli. Ah, inclusive ele participou como um quarto amigo no clássico trio Los Tres Amigos (Angel Villa, Laerton y Glauquito). De lá pra cá, seus cartuns, charges e tiras ilustram publicações brasileiras e de vários outros países na América Latina e Europa.

E foi essa mistura de inquietação, cultura pop, rebeldia e rock n’ roll que ligou o Adão Iturrusgarai com a Strip Me. Sempre ligado em ícones pop, Adão sempre curtiu fazer releituras de obras famosas e capas de discos, desenhos que funcionaram perfeitamente como estampas de camisetas. Depois de recriar capas de discos como Nevermind, Velvet Underground and Nico, Goo, entre outros, Adão viu que o Abaporu dava pano pra manga. Aí vieram várias versões incríveis e divertidíssimas deste ícone do modernismo antropofágico brasileiro. Aliás, total antropofágicas artisticamente essas versões do Adão.

O Adão é um baita artista massa, que a Strip Me se orgulha demais de ter como collab. Com certeza um dos cartunistas mais importantes do Brasil, criativo e questionador, que deixou para trás a depressão central em que vivia quando jovem, para hoje desfrutar de caminhadas matutinas, onde seu cérebro incansável fervilha de ideias que serão colocadas no papel ou não). Pra conhecer o trampo do Adão além das estampas da Strip Me, você pode acessar o site dele que tem muito conteúdo legal e também o Instagram.
iturrusgarai.com
@adaoiturrusgarai

Vai fundo!

Para ouvir: Claro que a playlist deste post foi concebida pelo próprio Adão. E como o bicho é do contra, acabou selecionando 11 canções, ao contrário das costumeiras 10 tracks. Mas tudo bem, a gente acabou liberando diante das ótimas escolhas que ele fez. Confere aí o Top 10+1 tracks do Adão.

Caetano Veloso

Caetano Veloso

O Caetano Veloso é um dos artistas mais surpreendentes do cenário musical brasileiro. Não é exagero, é fato. Porque a verdade é que poucas pessoas conhecem a obra e a vida do Caetano com profundidade suficiente. De maneira geral, as pessoas conhecem fragmentos dele. E são muitos fragmentos! Há quem o conheça por suas canções mais famosas, como Sampa, Leãozinho, Você é Linda e etc. Uma turma mais descolada, conhece o Caetano tropicalista e vanguardista dos discos Transa e Araçá Azul. A turma menos ligada em música e mais conservadora, conhece ele por seu polêmico casamento e seu posicionamento político. E a turma mais nova, que já nasceu com a internet na ponta dos dedos, talvez não conheça nada de sua vida e obra, mas o conhece pelo já clássico meme “Você é burro, cara.”. Sem falar que é um artista tão emblemático que seu nome já virou verbo, desde muito criança tinha um gosto musical inusitado, ajudou a conceber e divulgar o axé music e o carnaval dos trios elétricos de Salvador, já fez um disco à partir de uma improvável inspiração numa barulhenta banda alternativa norte americana… olha, é tanta história!

Caetano Veloso (1967)

Caetano Emanuel Vianna Teles Veloso nasceu em Santo Amaro da Purificação, interior do estado da Bahia, no dia 07 de agosto de 1942. Filho de José Veloso e Dona Canô. foi o quinto dos sete filhos do casal.  Quando Caetano tinha 4 anos, sua mãe deu a luz a uma menina. Os pais então pediram para que cada um dos 5 irmãos da recém nascida escolhesse um nome, que seria, cada nome, escrito num papel e depois sorteado igual amigo secreto. Na época, Caetano, mesmo muito novinho, já escutava muito rádio e adorava os boleros sofridos que faziam sucesso na voz de Nelson Gonçalves. Uma desses boleros era a canção chamada Maria Bethânia. O garoto adorava a música e escolheu aquele nome para sua irmã. Acabou que foi este o nome sorteado pelo pai. Maria Bethânia acabou se ligando a música e se tornou uma das cantoras mais respeitadas do país no futuro.

Transa (1972)

Caetano Veloso cresceu ouvindo Nelson Gonçalves, Luis Gonzaga e Orlando Silva. Aos dez anos já fazia aulas de piano e começou a alimentar a ideia de viver de música. Com 16 anos foi um dos tantos jovens impactados pelo revolucionário disco Chega de Saudade, de João Gilberto. Em 1965 conheceu Gilberto Gil e Gal Costa. Um ano depois passou a participar dos festivais de música com suas composições e se ligar a outros músicos como Tom Zé, Rogério Duprat e Os  Mutantes. Nascia assim o Tropicalismo, movimento bicho grilagem dos trópicos que já foi contado em detalhes aqui. Nessa mesma época, Caetano se encantava com o carnaval de rua de Salvador, com seus blocos que misturavam tradições africanas com instrumentos contemporâneos. Essa música diferente era tocada em carros de som, depois chamados trios elétricos. Dodô e Osmar desenvolveram a guitarra baiana, uma guitarra de tamanho reduzido, uma espécie de cavaquinho de corpo maciço e com captadores, que protagonizavam os grupos. Um dos trios mais famosos era o dos Novos Baianos. Encantado com essa festa toda, Caetano compõe a famosa Atrás do Trio Elétrico, um dos sucessos do seu terceiro disco, lançado em 1969. A toada empolgante e melódica de Atrás do Trio Elétrico iria contagiar jovens como  Luiz Caldas, que iriam tornar o carnaval da Bahia nacionalmente famoso e dar início ao movimento que ficaria conhecido como Axé Music na década seguinte.

O tropicalismo já deixava claro que Caetano tinha em seu dna o rock n’ roll, ainda que não fosse um gênero presente em sua formação musical, mas que foi incorporado com muita naturalidade ao conviver com músicos tão diferentes. Em 1969 Caetano e Gil foram presos e exilados. Acabaram indo para Londres, onde ficaram até 1972. Na capital inglesa Caetano gravou dois discos: Caetano Veloso, lançado em 1971 e Transa, lançado em 1972. Em ambos os discos, se misturam letras cantadas em inglês e português, além de muitas referências  do rock e pop, influências que permaneceriam e dariam as caras ao longo de toda a obra futura do compositor. O disco Transa inicia uma fase que é considerada por muitos a mais inspirada de Caetano, que se estende até 1977. Neste período estão, além de Transa, os discos Araçá Azul, Qualquer Coisa e Jóia.

Bicho (1977)

No fim dos anos 1970 e começo os 1980, Caetano se reinventa, monta uma banda de apoio nova e incorpora sonoridades modernas, do pop e discothèque. Por isso foi muito criticado, mas lançou ótimos trabalhos, sem deixar de lado a brasilidade que faz parte de sua personalidade. Tanto é que é nessa época que foram lançados alguns de seus maiores sucessos, a dançante Odara e a bossanovista Sampa. Nos anos 1990 mais uma virada. A gravadora passou a insistir que ele gravasse um disco com suas músicas vertidas ao espanhol, para alcançar o púbico latino, Caetano se recusa, preferindo gravar um disco dedicado a este público somente com músicas latinas de compositores latinos, canções que ele sempre gostou. É lançado então Fina Estampa em 1994, disco com músicas belamente arranjadas por Jacques Morelenbaum. Uma das canções gravadas nessa fase entrou na trilha sonora do ótimo filme Fale com Ela, do Almodóvar. Em 2009 Caetano dá outra guinada em sua carreira. Passou a tocar com jovens de vinte e poucos anos, amigos de Moreno Veloso, um de seus filhos. Em uma noite, um desses rapazes colocou pra tocar um disco dos Pixies enquanto todos batiam papo na sala. Caetano pirou no disco e quis fazer um disco mais rock n’ roll, lançando naquele ano o esquisito disco Zii & Zie.

Tá vendo, é muita história que esse cara tem. Um baita compositor, sempre se reinventando e influenciando muita gente! Um dos artistas que mais foi influenciado pelo Caetano foi o músico e compositor Djavan, que acabou o homenageando de maneira inusitada, transformando o nome do baiano num verbo. Trata-se da música Sina, um dos maiores sucessos de Djavan, que contém os versos “Virá lapidar o sonho até gerar o som. Como querer caetanear o que há de bom”. Claro, vale dizer que Djavan rivaliza de igual para igual com Jorge Benjor quando se trata de escrever letras de música que não fazem o menor sentido. Mas enfim, não deixa de ser uma homenagem do Djavan ao Caetano. Da mesma maneira, não dá pra negar que Caetano deu algumas bolas fora ao longo de sua trajetória. Afinal, não dá pra aguentar a melosa e breguíssima Sozinho, bem como a interpretação sofrível que ele fez para Come As You Are, do Nirvana, no disco A Foreign Sound, de 2003.

Zii & Zie (2009)

Mas Caetano Veloso é um baita artista, que merece ser reverenciado por tudo que já fez na música brasileira. Com certeza conhecer cada um dos seus fragmentos, suas fases e sua obra por inteiro vai te surpreender mais do que você imagina!

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist cremosa com o que há de melhor de cada fase do Caetano Veloso! Confere lá nossa playlist Caetano Veloso – Top 10 tracks.

Para assistir: A história do envolvimento do Caetano com o carnaval da Bahia e os trios elétricos é muito bem retratado no excelente documentário Axé: Canto do Povo de um Lugar, lançado em 2016 e dirigido por Chico Kertész. Além da relação de Caetano com o axé, o doc é interessantíssimo e oferece uma perspectiva profunda sobre o tema. Tem na Netflix e eu recomendo demais.

Para ler: Um dos principais cronistas da música popular brasileira entre as décadas de 1960 e 1980 é o jornalista Nelson Motta. Entre tantos livros que ele escreveu, o Noites Tropicais é o meu favorito. Uma coletânea de crônicas e memórias do autor sobre os mais inacreditáveis, engraçados e curiosos acontecimentos do mundo musical. O livro é da editora Ponto de Leitura e foi lançado em 2009. Leitura agradabilíssima e enriquecedora.

Este e outros Carnavais.

Este e outros Carnavais.

O carnaval é parte essencial da identidade do Brasil. Não há como negar. Você pode não gostar de samba, de folia, de multidões pelas ruas… mas ainda que você simplesmente aproveite esses dias de feriado para ir para uma cachoeira no meio do mato, ou ficar em casa lendo livros ou vendo filmes, o carnaval já te influenciou também. Sem falar que o carnaval está aqui desde os tempos do descobrimento e ajuda a contar a história do país! As marchinhas, sambas e sambas enredo são verdadeiras crônicas de sua época. E, em alguns casos, os compositores desses sambas acabaram se tornando grandes ícones, extremamente influentes, da música e cultura popular brasileira.

Carnaval Rio de Janeiro circa 1950 – Photo by Marcel Gautherot

De cara, já vamos falar do ilustre Angenor de Oliveira. Nascido em 1908, o nome escolhido pelo seu Sebastião e dona Aida de Oliveira, pais do bebê, era Agenor. Mas na hora do registro no cartório, acabou saindo Angenor. Mas isso ninguém ficou sabendo. Porque todo mundo chamava ele de Agenor mesmo na infância. Morando no bairro das Laranjeiras, o menino ganhou um cavaquinho aos 8 anos de idade e já saiu pela rua acompanhando os blocos que rolavam por lá. Quando ele já era adolescente e torcedor do Fluminense, a família, com problemas financeiros, se mudou para um favela que começava a se desenvolver no morro da Mangueira. Lá fez amizade com um jovem um pouco mais velho chamado Carlos Cachaça. Para levantar um dinheiro, Angenor começou a trabalhar como ajudante de pedreiro.  Para evitar chegar em casa todo dia com o cabelo sujo e cheio de cimento, ele trabalhava usando um velho chapéu de seu pai, o que lhe rendeu o eterno apelido de Cartola. Com Carlos Cachaça, Cartola não só compôs grandes canções como também fundou a Estação Primeira de Mangueira, escola de samba mais emblemática do país.

Cartola com as premiações da Mangueira em 1969 – Photo by Maureen Bissiliat

Na mesma época em que Cartola escrevia seus primeiros sambas na Mangueira, em outro bairro do Rio de Janeiro, outro jovem se destacava como grande compositor de sua comunidade. No bairro de Vila Isabel, em 1910 dona Marta Rosa teve um parto complicadíssimo, em que se fez necessário o uso do fórceps para salvar as vidas da mãe e do bebê. Como se não bastasse, o rebento ainda nasceu com hipoplasia, uma má formação da mandíbula. O que fez com que ele crescesse com uma fisionomia muito particular. Por nascer em dezembro, perto do Natal, o nome escolhido pela dona Marta e seu Manuel Rosa foi Noel. A família Rosa não era rica, mas tinha uma vida confortável. Noel estudou no famosos Colégio de São Bento, mas apesar de demonstrar ser muito inteligente, era avesso aos estudos, que trocou facilmente pela música e a vida boêmia. Seu primeiro sucesso veio em 1930, o clássico Com que Roupa Eu Vou? Seus sambas passaram a ser gravados pelos maiores nomes do rádio e embalavam os blocos de carnaval de todo o Rio de Janeiro e, posteriormente, do Brasil. Mas para Noel Rosa a festa durou pouco. Dado aos excessos, morreu de tuberculose aos 26 anos de idade.

Noel Rosa em ensaio fotográfico de 1934 – Photo by Arquivo Nirez

Aliás, é importante dizer que esse lance de escola de samba é coisa nova, do começo do século XX. Porque o negócio antes era só bloquinho de rua mesmo. E era uma loucura. Você já sabe que o carnaval é uma festa que remonta a tempos antigos, muito antes do cristianismo. Em 520 a.C. já rolava a Saceia, na Babilônia, uma festa em que por 5 dias os principais criminosos condenados a morte eram considerados reis e tinham todos seus desejos atendidos, até que no quinto dia, eles era torturados e mortos. Depois vieram as festas gregas e romanas como a Saturnália, no Egito tinham as festas em homenagem a deusa Isis, deusa da fertilidade… eram todas festas de liberou geral, muito vinho, aglomeração e etc. Até que veio o cristianismo. Por volta do século VII o Papa Gregório Magno instaurou a festa de carnis nevale, do latim se traduz como negação da carne ou proibição. Ou seja, era um dia de preparação, em que se consumia muita carne, para que se ficasse os próximos quarenta dias sem comer nada de origem animal, a famosa quaresma que antecede a páscoa. A turma reclamou que um dia era pouco, o vaticano deu o braço a torcer e viraram três dias, e era uma festa daquelas! E lógico que isso chegou no Brasil junto com os portugueses, que eram um povo muito católico. As primeiras cidades brasileiras foram Salvador, Olinda e Rio de Janeiro, cidades que mantém até hoje a tradição inabalável do carnaval.. Com essa tradição católica, misturou a cultura indígena e africana, em Pernambuco o Maracatu começa a ser desenvolvido, como você já leu aqui… e cá estamos nós hoje.

Carnaval de rua no Rio de Janeiro da década de 1950 – Photo by José Medeiros

Cá estamos nós hoje sem carnaval, aliás, né! Mas tudo bem. Não é a primeira vez que o Brasil fica sem carnaval. Já passamos por isso em 1892 e 1912. Mas isso é outra história. Até porque se é pra falar de história, vamos falar do carnaval de 1919! Esse sim! O carnaval mais triunfante, arrebatador e alucinante de todos os tempos! Foi o carnaval que comemorou o fim da Gripe Espanhola. Depois de um ano e meio de confinamento, sofrimento, morte, falta de remédio, falta de vacina, falta de ação do governo… finalmente a epidemia da Gripe Espanhola estava controlada e todos podiam sair às ruas! A alegria era tanta que os foliões invadiam as casas por onde passavam arrastando os moradores para a rua para pular o carnaval!

Capa da Gazeta de Noticias sobre o carnaval de 1919

O carnaval deste ano, que não existiu, já passou. Falta pouco pra gente poder sair por aí, aglomerar gostoso e fazer folia, cada um do seu jeito. A gente não vê a hora de fazer o nosso carnaval! Seja no bloquinho de rua ou na cachoeira. Diversão e arte, e os melhores rolês, Strip Me vai estar sempre presente.

Vai fundo!

Para ouvir: A gente falou de Cartola e Noel Rosa, mas são muitos os nomes fundamentais no samba e carnaval. Lamartine Babo, Haroldo Lobo, Chiquinha Gonzaga, Martinho da Vila, Adoniran Barbosa… tudo isso você confere na nossa playlist carnavalesca. Top 10 tracks do bom e velho carnaval.

Para assistir: No texto sobre bossa nova, publicado aqui anteriormente, foi citada a peça Orfeu Negro, escrita por Vinícius de Moraes com música de Tom Jobim. Pois em 1999 foi lançado Orfeu, filme de Cacá Diegues que faz uma releitura da obra de Vinícius de Moraes. O filme é ótimo e, entre outras qualidades conta com uma ótima trilha sonora sob o comando de Caetano Veloso. Não é um filme tão fácil de achar, mas vale o esforço.

Para ler: Com certeza um dos melhores livros que li até hoje é a biografia de Adoniran Barbosa, o mestre do samba paulista. Adoniran – Uma Biografia, escrito por Celso de Campos Jr é um livro excelente! Lançado em 2004 pela editora Globo, este livro apresenta não só a história detalhada da vida de Adoniran Barbosa, como entrega um panorama da comunicação no Brasil, o rádio e o surgimento da televisão. Livro recomendadíssimo!

Maracatu Atômico!

Maracatu Atômico!

A intenção deste blog não é ficar dando aula de história, ter um tom professoral, nem nada do gênero. Estamos aqui pra falar de tudo que envolve o universo da Strip Me de maneira agradável, empolgante e divertida. Por isso mesmo, normalmente usamos causos e histórias interessantes envolvendo o tema abordado, que por si só consigam ilustrar e dar um panorama sobre o que está sendo falado. Foi assim que falamos aqui sobre os modernistas e o movimento antropofágico e sobre a bossa nova, por exemplo. Mas o assunto deste texto é tão interessante e tem uma origem tão forte, que vale a pena a gente fazer uma abordagem através da história do Brasil.

Photo by: Yuri Graneiro
Photo by: Ueslei Marcelino
Photo by: Percio Campos

Afinal, qual é a manifestação cultural mais genuinamente brasileira? De pronto muita gente pode dizer que é o samba. Outros podem ir mais fundo e dizer que são as danças e pinturas corporais dos índios. Porém, a essência do Brasil é a mistura. É verdade que essas terras já eram dos índios há muito tempo. Mas não dá pra negar que o Brasil nasceu, de fato, com a chegada dos europeus no século XVI. Sendo Assim, podemos dizer que que a manifestação cultural brasileira mais autêntica é o maracatu! A origem da palavra é tupi: maracá-tu, que significa batida do maracá. Maracá é um chocalho, um instrumento de percussão. Entretanto, o maracatu era praticado essencialmente por negros e mamelucos, escravos. E tinham em sua simbologia, cortesãos, estandartes, reis e rainhas, influência dos europeus. Mais brasileiro impossível, né?

Photo by: Yuri Graneiro
Photo by: Ueslei Marcelino

No século XVII Pernambuco era a maior região produtora de açúcar no país. Ali, os senhores de engenho reprimiam qualquer manifestação cultural ou religiosa dos escravos. Mas havia uma exceção: a coroação do rei e da rainha do Congo. O rei do Congo era uma espécie de líder dos negros da região, tinha contato direto com os senhores de engenho e muitas vezes era quem conseguia conter possíveis revoltas e fugas, por isso, a coroação do rei e da rainha do Congo era uma festividade tolerada. Era um dia de festa onde havia muita música e alegorias, que foram inseridas pelos negros para facilitar a aceitação dos europeus, como estandartes coloridos e personagens interpretando vassalos e cortesãos do rei e da rainha. Também neste evento os negros aproveitavam para fazer seus rituais e orações aos orixás. Essa festa foi a semente do maracatu. Mas ele tomou forma na zona da mata pernambucana, nos quilombos de escravos que fugiam das fazendas. Ali negros se misturavam aos índios, e a festa de coroação do rei do Congo recebia influência das tradições indígenas, como a dança em roda e também uma mistura de ritmos tribais. Com o passar do tempo, tudo isso foi se misturando e criando uma identidade única.

Photo by: Percio Campos
Photo By: João Velozo

No século XVIII o maracatu já era uma tradição enraizada na cultura de todos os escravos de Pernambuco. No século seguinte, com a abolição dos escravos, as festas de maracatu migraram para os terreiros de candomblé e passou a ir para as ruas durante os dias de carnaval, onde a população abraçava o ritmo, as cores e alegorias. Entre os anos 1950 e 1980 o maracatu esteve em baixa. Não foi esquecido, mas ficou restrito a poucos terreiros de Pernambuco, perdendo espaço para o frevo, que também era um ritmo muito apreciado e, para a população em geral, tinha a vantagem de não ter nenhuma ligação religiosa.

Photo by: Yuri Graneiro
Photo by: Marcus Leoni

Na década de 1990 vários artistas e agitadores culturais de Pernambuco começaram a resgatar o maracatu, o desvinculando do candomblé, tornando-o mais atrativo. Na frente deste movimento estava a Mangue Beat, cena musical que resgatava o maracatu usando instrumentos contemporâneas como guitarras e também misturando diferentes estilos musicais. Estamos falando de Mestre Ambrósio, Mundo Livre SA e, é claro, Chico Science & Nação Zumbi. Nunca o Maracatu Atômico de Jorge Mautner fez tanto sentido.

Photo by: Ueslei Marcelino
Photo by: Marcus Leoni

Hoje o maracatu está presente no carnaval pernambucano e segue firme e forte com grupos que, além de serem agremiações carnavalescas, são centros comunitários que ensinam música, teatro e mantém viva a história do estado de Pernambuco. Alguns desses grupos são tradicionalíssimos e estão em atividade desde o século XIX. Além do mais, pode se dizer sem medo de errar que o samba surgiu desses batuques do maracatu que extrapolaram os terreiros de candomblé. O maracatu é a essência da cultura popular brasileira. Uma mistura de influências e raças que resultam numa explosão de cores, ritmos e muita história. Com certeza o maracatu faz parte da nossa identidade, ainda mais se ele vem misturado com uma guitarrinha distorcida e um som de arrebentar  pra todo mundo poder curtir. Afinal, esse é o nosso negócio: Diversão e arte!

Photo by: Percio Campos
Photo by: Marcus Leoni

 Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist cheia de ritmo pra você conhecer, entender e gostar de maracatu. Top 10 tracks maracatu!

Para assistir: Recomendo um documentário simples, mas bem interessante e repleto de imagens incríveis sobre a cena cultural, em especial no período do carnaval, na cidade de Olinda. Olinda – Cidade Cultura tem direção do Marcelo de Paula, foi lançado em 2002 e conta com depoimentos de artistas do naipe de Alceu Valença! Vale a pena ver. Disponível no catálogo da Amazon Prime Video.

Para ler: A editora Cobogó tem uma coleção de livros publicados chamada O Livro do Disco. Até agora são 21 livros, cada um dissecando um disco influente da música pop. Tem de tudo, do Low, do Bowie, ao Clube da Esquina, do Estudando o Samba, do Tom Zé, ao In Utero, do Nirvana. E, claro, está lá O Livro do Disco Da Lama Ao Caos – Chico Science & Nação Zumbi, escrito pela excelente jornalista Lorena Calábria e lançado em 2019. Livro mega recomendado, bem como todos desta coleção.

Bossa Nova!

Bossa Nova!

“Em 1958 o Brasil estava irreconhecivelmente inteligente!”

Foi oque escreveu o crítico e jornalista Roberto Schwarz sobre este período realmente efervescente do país. Em 1955 Juscelino Kubitschek assumiu a presidência e, com seu plano desenvolvimentista, batizado “50 anos em 5”, abriu o comércio estrangeiro, alavancou a economia e construiu a cidade de Brasília em espantosos 3 anos. Em harmonia com essa onda de euforia e esperança política e econômica, o Brasil foi campeão da Copa do Mundo de futebol pela primeira vez em 1958, na Suécia, imortalizando as pernas tortas de Garrincha e mostrando ao mundo um jovem e talentoso jogador de 17 anos chamado Pelé. O Cinema Novo dava seus primeiro passos após o lançamento de Rio 40 Graus, de Nelson Pereira dos Santos, e, principalmente, foi lançado em 1958 o compacto de Chega de Saudade, canção de Tom Jobim e Vinicius de Moraes interpretada por João Gilberto.

Crédito da imagem: cbf.com.br

A Bossa Nova não foi um movimento artístico na concepção mais ortodoxa do termo. Ela não foi pensada, arquitetada, teve seus dogmas e características bem definidos. Eram apenas jovens de classe média alta carioca que queriam tocar samba e gostavam de jazz, viviam em apartamentos de frente para o mar e, apesar de gostarem muito de samba, não se identificavam com as letras e interpretações dramáticas de Nelson Gonçalves e Orlando Silva, era muita dor de cotovelo. Essa molecada de Ipanema e Copacabana, no Rio de Janeiro, se reunia pra ouvir Chet Baker e Cole Porter, e também João Donato, Cartola, Dorival Caymmi. Dessa mistura, começaram a surgir as primeiras canções. Mas tudo muito disperso. Cada um tocava de um jeito. A unidade surgiu através da Santíssima Trindade da Bossa Nova: Tom Jobim, Vinícius de Moraes e João Gilberto.

Ipanema na década de 1950 – Photo by: José Jonas Almeida
Vinícius de Moraes, Tom Jobim e João Gilberto – Photo by: Paulo Peres

Em 1954 Vinícius de Moraes, poeta já aclamado em todo o país, escreveu a peça de teatro Orfeu da Conceição, adaptação do clássico grego transposto para a realidade dos morros cariocas. Vinícius procurava algum músico para musicar os poemas que faziam parte da peça. Nessa época, Tom Jobim era muito jovem, vinte e poucos anos, tocava em algumas boates e fazia alguns bicos durante o dia pra pagar o aluguel. Havia um bar em Copacabana onde ele sempre parava no fim da tarde pra tomar uma cervejinha antes de ir pra casa. Numa dessas tardes, lá estava Vinícius de Moraes com alguns amigos bebendo e papeando. Um amigo em comum chamou Tom para a mesa e o apresentou ao Vinícius, dizendo que aquele garoto era o cara certo para musicar os poemas de Orfeu da Conceição. Vinícius então passou a explicar toda a ideia da peça, os poemas, como ele queria a música… falou entusiasmado por um tempão. Tom Jobim ouviu calmamente tudo que Vinícius tinha a dizer. Quando acabou, Tom Jobim olhou para o Poetinha e disse: “Tá tudo muito bom, muito bonito. Mas vai rolar um dinheirinho?”. Vinícius olhou bem para a cara do rapaz por alguns segundos em silêncio, para em seguida explodir numa gargalhada. Nascia ali uma amizade e parceria que duraria por toda a vida.

Em 1956 as músicas de Orfeu da Conceição foram lançadas em vinil como trilha sonora da peça. Foi o primeiro disco da parceria Tom e Vinícius, que já trazia um clássico: a música Se Todos Fossem Iguais a Você. A parceria entre Tom Jobim e Vinícius de Moraes não parou mais desde então. Em abril de 1958 aconteciam as gravações do disco Canção do Amor Demais, um álbum inteiro de composições da dupla interpretadas pela Elizete Cardoso, umas das mais renomadas cantoras da época. Este disco é a pedra fundamental da bossa nova. Apesar de Elizete Cardoso ser uma cantora à moda antiga, com voz forte e marcante, além do disco ser inteiro de composições de Tom e Vinícius, um jovem músico baiano recém chegado ao Rio de Janeiro participou da gravação como músico contratado, tocando violão. Era João Gilberto. Uma das músicas do disco era Chega de Saudade. Durante a gravação da música, João Gilberto interrompeu a cantora dizendo: “Olha, não é assim não a música. Você está cantando errado.”. Todo mundo no estúdio congelou com a audácia daquele jovem corrigindo uma das divas do rádio brasileiro. O problema estava no trecho da música que diz: “apertado assim, calado assim, abraços e beijinhos…”. Ela, incomodada, falou: “Estou cantando errado? Então por que você não me ensina como é?”. Elizete estava cantando o trecho de forma corrida, muito reta. João Gilberto então cantou baixinho, enfatizando cada pausa das notas entre as palavras. Um produtor que assistia as gravações, em seguida convidou João Gilberto para gravar um disco, cujo primeiro compacto foi justamente Chega de Saudade, cantada com toda a sua suavidade e beleza. Foi quando toda aquela turma da zona sul do Rio de Janeiro entendeu como tocar samba. Nascia a Bossa Nova.

João Gilberto dizia para seus novos amigos, os jovens cariocas como Roberto Menescal, Carlos Lyra, Nara Leão e tantos outros, que o problema de tocar samba no violão é que o ritmo do samba tem muitos instrumentos fazendo coisas diferentes. O segredo é escolher um, no caso o tamborim. A batida do violão na bossa nova nada mais é do que o ritmo que o tamborim imprime no samba. Com essa turma toda já escolada e com essa nova formatação musical elaborada pela santíssima trindade: Os acordes de jazz de Tom Jobim, as letras delicadas e ensolaradas de Vinícius de Moraes e o ritmo e jeito de cantar peculiar de João Gilberto, fizeram com que a bossa nova se espalhasse pelo mundo. Em especial os Estados Unidos se renderam ao banquinho e violão de maneira impressionante. O saxofonista de jazz Stan Getz gravou um disco com João Gilberto e até mesmo Frank Sinatra chegou a gravar um disco inteiro em parceria com Tom Jobim, imortalizando The Girl From Ipanema. Para concluir, em 1962 o Carnegie Hall, em NYC, recebeu três shows com os principais nomes da bossa nova, todas as apresentações absolutamente lotadas. Por muitos anos a frente Garota de Ipanema e Wave renderam a Tom Jobim o posto de segundo compositor  mais regravado no mundo, perdendo somente para os Beatles. Certa vez Tom Jobim foi perguntado a respeito disso e respondeu bem humorado: “Vamos lembrar que os Beatles são 4. Eu sou um só.”.

No fim, não importa muito entender os fundamentos da Bossa Nova, quem influenciou quem, quem inventou o quê… o que importa é o rolê, são as histórias divertidas, é a turma reunida chacoalhando o violãozinho. Até porque muita coisa rolou depois. Com o golpe de 1964, teve um racha nessa turma, uma parte achava que tinha que fazer música de protesto e outra parte queria se manter fiel às raízes, cantando que o barquinho vai e a noitinha cai. Depois veio Tropicália e absorveu algumas coisas da bossa nova, depois veio os anos 80, world music, David Byrne, mais pra frente Stereolab, Beck e Sean Lennon encantados com as brasilidades… E já estamos em 2021 e a Bossa Nova ainda está por aí, continua representando a boa música, as amizades e os bons rolês!

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist deliciosa que mistura clássicos da bossa nova dos anos 1960 e seus ecos dos anos 1990 pra frente. Um top 10 tracks cheias de bossa!

Para assistir: Além de figura essencial para a bossa nova, Vinícius de Moraes foi um dos artistas mais completos e geniais do Brasil. Por isso, o documentário Vinicius, do diretor Miguel Faria JR. e lançado em 2005 é fundamental e delicioso de se ver. Só pela rima sobre o Poetinha que Tônia Carrero declama já vale a pena assistir: “Se eu tivesse, se eu tivesse muitos vícios, o meu nome então seria Vinicius. Mas estes vícios fossem muito imorais, então eu seria o Vinicius de Moraes.”. Ah, e tá fácil de ver. Tem na Netflix.

Para ler: Para entender melhor este período histórico tão mágico, o livro Feliz 1958- o Ano que Não Devia Terminar é leitura obrigatória. Escrito pelo escritor e jornalista Joaquim Ferreira dos Santos e lançado em 1998 pela Editora Record, é uma obra que conta a delícia de ser brasileiro naquele final sorridente dos anos 50. O autor entrevistou personagens daquele ano, mergulhou nos arquivos de O Cruzeiro, ouviu fitas da Rádio Nacional e trouxe um perfil do período mais exuberante do país no século XX.

Perfil Collab STM: As curvinhas mágicas de IAANKS

Perfil Collab STM: As curvinhas mágicas de IAANKS

A gente gosta do mundo assim: sem barreiras, sem limites para a arte, com muito bom humor, e onde todo mundo, mas todo mundo mesmo, tenha seu espaço para se expressar. Não por mera coincidência, rola essa identificação tão massa entre a Strip Me e a Iaanks, afinal a gente acredita nas mesmas coisas.

A Iaanks é uma artista que representa com fidelidade o mundo novo. Nascida no Piauí, passou a infância no Maranhão e hoje, morando em Goiás, ela traz dentro de si a cultura nordestina do cordel e suas instigantes xilogravuras, mas carrega também as delícias dos desenhos animados matutinos, de He-Man a O Fantástico Mundo de Bobby. Na juventude, pintaram Laerte, Angeli, Adão Iturrusgarai, Robert Crumb, Hayao Miyazaki… só mestre, né? Além de todas essas referências, ela é formada em Artes Visuais na UFG (Universidade Federal de Goiás) e atualmente é mestranda em Arte e Cultura Visual na mesma universidade.  Ou seja, um encontro entre a brasilidade com a cultura global, a intersecção entre o conhecimento acadêmico e a leveza da simplicidade pop. Enfim, já deu pra sacar o quanto a Iaanks manja do riscado.

Aliás, curioso notar que ela costuma se referir aos seus desenhos como rabiscos, que, no fim das contas não deixam de ser, só que são muito mais. Suas ilustrações de curvinhas acabam definindo um traço único, cheio de personalidade e vida. Segundo ela mesma, são desenhos que falam “sobre situações rotineiras que atravessam medos, angústias e desejos, manifestando crises, conquistas e relatos que vão além do meu olhar.”. Justamente por serem uma interpretação de um olhar tão pessoal, os desenhos da Iaanks são muito originais. Com muito sarcasmo e cores pastéis eles refletem uma mulher consciente, forte e muito criativa.

Importante reforçar isso. Uma mulher. Em especial no cartum, mas nas artes visuais de maneira geral, poucas são as mulheres que tem sua arte devidamente valorizada, em contra partida, são muitas as artistas mulheres que produzem obras de qualidade incansavelmente. A Iaanks citou algumas delas: Tais Koshino, Flávia Brioschi, Júlia Balthazar, Helena Obersteiner, Lara Fuke, Estela May, Fabiane Langona, Fernanda Bornancin, Mariana Corteze e muitas outras. A gente quer um mundo sem barreiras, mas ainda há muitas a serem quebradas.

Mas a gente vai quebrando essas barreiras como dá! De preferência com bom humor, dando aquelas alfinetadas gostosas em quem merece e com muita diversão e arte! Por isso que a collab da Iaanks com a Strip Me segue firme e forte.  Pra finalizar você confere um pouco do nosso bate papo com a Iaanks.

STMAnalógica ou digital? Você desenha direto no computador/tablet ou curte a tinta no papel?

Iaanks – Dos dois modos, não abro mão da experiência de desenhar no papel mas peguei uma birrinha de tinta e lápis de cor então, faço o desenho com lápis e canetinha nanquim, digitalizo em um scanner velho, jogo no Photoshop e faço todo o restante, cor, luz etc. É basicamente esse todo o processo, sigo acumulando pilhas de papel que acabam virando outros trabalhos, mas não ando fazendo as melequinhas bouas com tinta ou lápis de cor.

STMAlém de desenhar e passar nervoso, o que tem feito em casa, durante a pandemia?

Iaanks – Tenho estudado e escrito bastante porque estou chegando na fase final da minha pesquisa de mestrado, inclusive tem sido difícil conciliar o trabalho de pesquisadora com os trabalhos de ilustração, um dos lados sempre acaba sofrendo e minha ansiedade escalando alturas maiores. rs

STM Não precisa nem dizer que sua arte sempre passa uma mensagem, de todo o tipo, aliás. Tem alguma coisa que você queria dizer para as pessoas e ainda não conseguiu traduzir em um desenho?

Iaanks – Pizza com café é uma delícia!

STMQuem ou o quê te inspira e te faz querer desenhar? E quem ou o quê te desanima a pegar na caneta?

Iaanks – Minhas amigas e amigos me inspiram diariamente, sempre que me sinto frustrada em relação a alguma situação complicada ou desanimada em concluir projetos super desgastantes elas/eles estão por perto me arrancando um riso frouxo com os causos mais bestas, esses causos sempre se contorcem em várias ilustrações. Estou em um relacionamento há onze anos e dessa história também saem muitos desenhos, bons, ruins, engraçados, aleatórios do tipo “que merda é essa?” Meu companheiro também é ilustrador então, nossas ideias se cruzam por vezes resultando em muitas ilustrações que as vezes até seguem a mesma linha de pensamento, apesar de muito diferentes. Mas costumo me inspirar mesmo é nas pessoas que observo de longe, pessoas que vejo na rua, nos lugares onde frequento (ou frequentava, pois, pandemia!), nas atitudes rotineiras vistas pela janela do ônibus, durante a aula, no balcão do bar… Sabe aquela pessoa que fica de ouvidão nas conversas do ônibus, sou eu, é eu sei… Pois dessas conversas ouvidas pela metade, saem muitos desenhos. Hehe

O que me desanima de verdade é ver gente que descredita meu trabalho, que divulga minhas artes apagando minha assinatura ou sem citar meu nome, que usa sem autorização para fins que nem de longe se aproximam com o que acredito e defendo.

STM – Os heróis do Cazuza morreram de overdose. E os seus heróis, na vida e na arte, ainda estão por aí? Quem são eles?

Iaanks – São elas! Mulheres que fazem e fomentam arte independente, que estão no corre diário por um espaço onde seu trabalho possa ser protagonista de novas narrativas. Mulheres empreendedoras, cientistas sociais, professoras como minha mãe, nordestina paulera que apesar de todas as condições de insalubridade nos presídios onde deu aula, nunca deixou de lado os desejos que impulsionavam a gastança de canela debaixo de um sol de 40 graus…

STM Diversão e arte além dos teus desenhos, o que você curte?

Iaanks – Gosto muito de patinar, jogar vídeo game, fazer festinha aqui em casa e chamar gente até não caber mais (inclusive, vem logo vacina!), ler quadrinho, ver filme de animação 2D e sair pra conhecer gentes, gosto muito de falar então conhecer gente me dá margem pra exercitar o cunversêro. :p

STMQual a sensação de saber que seus desenhos enchem o peito de muita gente Brasil afora através da Strip Me?

Iaanks – Coração vira uma bolinha de manteiga derretendo no fundo da frigideira quente, bestinha de alegria.

STMManda aquele recadinho fofo de Ano Novo pro pessoal.

Iaanks – 2021 também vai ser uma merda.

É isso. Sendo este o primeiro post do ano, mandamos aquele f*32-se caprichado pra 2020, e que venha 2021! A Strip Me já vai começar o ano cheia de novidades. Fica de olho!

Feliz Ano Novo!

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist caprichada com o que não sai dos ouvidos da Iaanks. Um top 10 tracks escolhidas a dedo por ela!

Para assistir: Na onda de valorizar cada vez mais a arte feita por mulheres, recomendo demais o ótimo filme A Voz Suprema do Blues (título original: Ma Rainey’s Black Bottom). Produção da Netflix, esse filmaço mostra uma sessão de gravação tensa da Ma Rainey, a primeira cantora de blues a ter um contrato numa grande gravadora. A atuação de Viola Davis é absurda e o filme como um todo é sensacional! Tem na Netflix e é recomendadíssimo!

Para ler: Gemma Correll é uma ilustradora britânica muito criativa! Ela já tem vários livros lançados, infelizmente, nem todos saíram aqui no Brasil O que eu recomendo hoje é um dos que não tem versão em português, entretanto, vale a pena demais conferir! É tão crítico quanto engraçado e com ótimos desenhos. O livro se chama The Worrier’s Guide to Life e dá pra comprar o ebook facinho.

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