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Filhos de Manchester: As 10 bandas mais importantes do berço do rock alternativo.

| Por Paulo Argollo | Nenhum comentário
Filhos de Manchester: As 10 bandas mais importantes do berço do rock alternativo.

Depois de Londres, a cidade inglesa que mais gerou grandes bandas foi Manchester. A Strip Me dá um panorama da cidade e fala sobre as 10 bandas mais importantes que vieram de lá.

É muito comum ver gente traçando paralelos e fazendo associações entre as cidades Manchester e Seattle. De fato, rolam várias similaridades. O clima frio e chuvoso, são cidades essencialmente industriais e ambas geraram dezenas de bandas de rock que são relevantes até hoje. Mas cada uma tem suas nuances e particularidades, que sempre tornam tudo mais saboroso e interessante.

Nosso foco aqui é Manchester. Cidade que fica a noroeste da Inglaterra, é banhada pelo rio Mersey e cuja fundação não se sabe bem quando ocorreu, mas especula-se que tenha sido no século I, muito antes do Reino Unido ser o que é hoje. Manchester carrega uma história de luta e pioneirismo. Foi a primeira cidade a ter uma máquina a vapor operando na indústria têxtil, sendo assim um marco na Revolução Industrial. Justamente por seu caráter fabril, uniu uma diversidade étnica de trabalhadores muito diversa, bem como forjou uma classe trabalhadora unida e atuante socialmente. Estando longe demais das capitais, ensimesmou-se, criando, ao mesmo tempo, um certo orgulho de suas origens, um humor autodepreciativo e até mesmo criando rivalidade entre si mesma, com dois times de futebol de tradição e torcidas apaixonadas. Who needs London, anyway?

Tudo isso ajudou a forjar em Manchester uma sociedade criativa, trabalhadora e orgulhosa de si. Manchester e Liverpool sempre tiveram muito em comum, por serem cidades vizinhas, ligadas pelo rio Mersey. Por isso, quando começaram a despontar bandas de rock na região, no comecinho dos anos 60, esse movimento ficou conhecido como Merseybeat. Obviamente que o Merseybeat tinha como grande ícone os Beatles. Mas na sequência, duas grandes bandas de Manchester pintaram para engrossar o caldo do que ficaria conhecida como British Invasion. Anos depois, já no início da década de 1970, o clima em toda a Inglaterra era de desânimo e revolta. Uma crise econômica assolava o país, deixando milhares desempregados. Terreno fértil para o inconformismo do movimento punk. Os anos oitenta não foram muito melhores, e Manchester, nesse período, viu crescer pelo menos meia dúzia de grandes bandas alimentadas pela pobreza e desilusão.

Nesse contexto todo, a Strip Me selecionou as 10 bandas mais importantes surgidas em Manchester desde os anos 60 até hoje.

The Hollies

Uma das bandas mais importantes da Merseybeat. Eram camaradas dos Beatles e tem seu mérito por serem grandes compositores. Souberam criar lindas harmonias de vozes à la Beach Boys, mas sem serem tão ensolarados. Allan Clarke e Graham Nash formavam uma dupla ímpar. A banda não durou tanto tempo com sua formação clássica, mas seguiu com novos integrantes, e estão tocando até hoje. Em 1968 o guitarrista Graham Nash deixou a banda e trocou a chuvosa Manchester pela festiva California, onde integrou o super grupo Crosby, Stills, Nash & Young.

Herman’s Hermits

Apesar de ter caído no ostracismo da década de 1970 em diante, os Herman’s Hermits foram uma das bandas mais importantes da British Invasion. Entre 1965 e 1966 foi a banda que chegou mais perto de ser tão popular quantos os Beatles nos Estados Unidos, graças a sucessos como No Milk Today, I’m Henry VIII, I Am e There’s a Kind of Hush. Mas, para muita gente, vai ser sempre lembrada como a banda da clássica canção I’m Into Something Good, imortalizada num hilariante videoclipe no filme Corra que a Polícia Vem Aí!

Buzzcocks

Não é preciso cavar muito fundo para descobrir que uma das principais referências e inspiração para Bad Religion, Green Day, Blink 182 e toda a turma do punk californiano, é a banda de Manchester Buzzcocks. Formada em 1976 após um show dos Sex Pistols na cidade, o grande diferencial dos Buzzcocks é que eles trocaram as letras políticas e de protesto por temas existenciais adolescentes, com muita ironia e bom humor. Banda fundamental!

Joy Division

O show dos Sex Pistols citado acima aconteceu no dia 20 de junho de 1976. E não só a rapaziada que formaria os Buzzcocks estavam presentes e resolveram montar uma banda. Tinha uma outra molecada ali que ficou tão impactada com o show dos Pistols, que correu pra montar uma banda também. Ian Curtis, Bernard Sumner, Peter Hook e Stephen Morris se juntaram e montaram uma banda chamada Warsaw, influenciada basicamente por Sex Pistols e The Stooges. Mas logo a banda resolveu mudar de rumo. Trocou de nome para Joy Division e começaram a criar um som único, misturando Velvet Underground e Kraftwerk. Assim, acabaram por fundar um novo gênero, o pós punk e ser determinante para a cena gótica que se criava. Até hoje segue sendo uma das bandas mais influentes de todos os tempos.

New Order

A gente até poderia botar Joy Division e New Order no mesmo balaio. Mas o New Order tem uma carreira tão distinta e influente para além do estilo soturno do Joy Division, que merece ser citada à parte. O New Order nada mais é do que o Joy Division sem o vocalista Ian Curtis, que cometeu suicídio em maio de 1980. Sem Curtis, a banda decidiu abraçar de vez a sonoridade eletrônica do Kraftwerk e mais uma vez cunhou um novo gênero, o eletro rock. Por revolucionar a música eletrônica e o rock com um acento pop fabuloso, o New Order é uma das bandas mais revolucionárias e influente dos anos 80. Se você gosta de Massive Attack, The Killers, LCD Soundsystem, Arcade Fire e etc, agradeça a Peter Hook e sua turma.

The Smiths

Dá pra cravar que a os Smiths são os pais do indie rock. Ok, muita gente pode dizer que é o Joy Division. Mas podemos colocar nos seguintes termos: Joy Division e The Smiths são para o indie o que The Stooges e Ramones são para o punk. A banda começou em 1982 e despontou logo de cara na Inglaterra. Não só Morrisey criou uma nova linguagem no rock, com um tom confessional e melancólico nas letras, como Johnny Marr também trouxe muita inovação com sua guitarra limpa e inventiva, trocando solos virtuosos por acordes e riffs surpreendentes. Os caras mudaram completamente o cenário, reinventaram o pós punk e desovaram mundo afora uma infinidade de bandas tristes que vão de Legião Urbana a Belle and Sebastian.

The Stone Roses

Os Stone Roses encabeçam dois movimentos importantíssimos e que cresceram paralelamente: Madchester e Britpop. A fama de Manchester de ser a Seattle inglesa vem dessa época em que, depois dos Smiths, bandas pipocavam por todo o canto e acabaram criando um uma cena muito forte que, assim como o grunge, não era musicalmente muito similar, mas tinha aquela camaradagem entre as bandas. O primeiro disco dos Stone Roses, lançado em 1989, é um dos melhores discos dos anos oitenta, com uma sonoridade forte e grandes melodias. Assim como os Sex Pistols fizeram os caras dos Buzzcocks e Joy Division querem estar numa banda, o embrião do que seria o Oasis surgiu depois de um show dos Stone Roses. Liam Gallagher disse que foi os Stone Roses foi a primeira banda que ele viu ao vivo, e Noel já afirmou que quando ouviu pela primeira vez Sally Cinnamon, primeiro single dos Stone Roses lançado em 1987, ele teve certeza que seria músico.

Happy Mondays

Happy Mondays é o tipo de banda que se destaca pela excentricidade. Claro, é uma banda competente e talentosa, mas não chega aos pés de Stone Roses, por exemplo. Mas contribuiu muito para moldar o movimento Madchester, musical e esteticamente. O Happy Mondays trouxe um ar de loucura e psicodelia que outras bandas não tinham. conta ponto a favor também saber que o nome da banda é uma brincadeira com o maior hit do New Order, a música Blue Monday. Aqui no Brasil a banda não ficou tão conhecida. Ganhou alguma popularidade quando vieram ao Brasil em 1991 para o Rock in Rio 2 e fizeram um show surpreendente. Além disso, o vocalista Shaun Ryder causou certa polêmica ao declarar para a Folha de S. Paulo tinha a intenção de vir ao Brasil trazendo mil tabletes de ecstasy, mas desistiu quando soube das condições das cadeias brasileiras, e preferiu não correr o risco de experimentar uma cela no país.

Oasis

Pois é. Atualmente não se fala em outra coisa. O retorno do Oasis é pauta em tudo quanto é lugar. Não à toa. Ainda que não sejam tão influentes quanto alguns de seus conterrâneos, certamente, é a banda mais popular da história de Manchester. O Oasis personifica o velho padrão do rock, a dupla criativa como Lennon e McCartney, Jagger e Richards e etc. Os irmãos Liam e Noel Gallagher são compositores fabulosos. Ambos funcionam bem em carreira solo, mas juntos rola uma química inexplicável. Se pegar qualquer lista dos melhores discos dos anos 90, certamente você vai ver um disco do Oasis lá, ou até mesmo dois. O Oasis fez parte do tal britpop, teve ali, no meio dos anos noventa uma tentativa de criar uma rivalidade com o Blur que não foi adiante (até porque o Oasis é claramente bem melhor que o Blur)… mas no fim, a banda extrapolou isso tudo, conquistando popularidade no mundo todo com uma obra invejável. Certamente é um dos filhos favoritos de Manchester.

The Chemical Brothers

A dupla Ed Simons e Tom Rowlands se conheceu em Manchester e acabou ajudando a revolucionar a música eletrônica. E não tinha lugar melhor para isso do que a cidade que gerou o New Order, que junto com Kraftwerk e Cabaret Voltaire, sempre foi uma das principais influências da dupla. O movimento Madchester, que começou ali com The Stone Roses e Happy Mondays, já tinha em seu DNA uma boa dose de música eletrônica, assim, foi natural que, mesmo não sendo uma banda de rock convencional, o duo The Chermical Brothers se tornasse um dos principais expoentes do Madchester. Indo além disso, junto com Prodigy e Fat Boy Slimn, o Chemical Brothers deu uma nova cara à música eletrônica.

Camiseta Ouvindo Smiths
Camiseta Maybe
Camiseta The Strip Me

Que cidade fulgurante é Manchester! Um lugar que respira boa música e exala grandes melodias Um lugar assim merece mais que nosso respeito, mas nossa homenagem! E a Strip Me, que tem uma verve musical que não é só pra inglês ver, celebra Manchester e começa setembro com várias camisetas lindas inspiradas no rock n’ roll. Pra conferir, é só colar no nosso site e ver os últimos lançamentos. e você pode ainda dar uma olhada nas camisetas de música, arte, cinema, cultura pop e muito mais.

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist fina e elegante com o que de melhor saiu de Manchester. Manchester top 10 tracks.

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Camiseta Lado B
Camiseta Cesta de Rosas
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8 Bandas que se separam e se reuniram com sucesso anos depois.

| Por Paulo Argollo | Nenhum comentário
8 Bandas que se separam e se reuniram com sucesso anos depois.

No dia 27 de agosto a banda Oasis anunciou seu retorno tão aguardado pelos fãs. Para celebrar essa ótima notícia, a Strip Me relembra 8 bandas que se separaram, mas voltaram tempos depois e se deram bem.

Vamos combinar que o convívio em sociedade não é nada fácil. Sempre que um grupo de pessoas tem que passar muito tempo junto, coisas boas e ruins resultam disso. Pode ser que surja uma amizade para a vida toda, como pode originar desafetos incorrigíveis. Na real, quanto mais a relação entre esse grupo depender de tomada de decisões e assumir responsabilidades, maior a chance de dar alguma merda e sair uma briga. E os motivos para isso acontecer são os mais variados. Desde de uma piadinha inocente sendo mal interpretada, até alguém mal intencionado tentar levar muita vantagem em cima dos demais. Um dos exemplos mais claros desse tipo de situação pode ser observada numa banda de rock.

Vamos pegar aqui o estereótipo mais tradicional possível de uma banda, ou seja, três ou quatro amigos que gostam do mesmo estilo de música e resolvem aprender a tocar instrumentos e fazer seu próprio som. Seguindo nos clichês que já cansamos de ler em biografias de estrelas do rock, se a banda alcança sucesso comercial, logo os problemas se intensificam. A pressão de empresários faz com que surjam divergências entre os músicos sobre fazer um som mais comercial ou mais agressivo, sexo e drogas passam a fazer parte da rotina, nublando a percepção de realidade… a amizade começa a rachar, e de repente, do nada, o baixista joga uma garrafa de Jack Daniel’s na cabeça do guitarrista no camarim e pronto. A banda acaba. Se essa relação de amizade e parceria musical vai cicatrizar e voltar a ser como antes, só o tempo e a necessidade de dinheiro dirão.

E muitas dessas relações acabam voltando sim. E com êxito. A Strip Me selecionou 8 grandes bandas que se separaram por um tempo, voltaram a tocar anos depois e se deram bem.

Sex Pistols

Os Sex Pistols é um caso único na história do rock n’ roll. A banda durou apenas dois anos, lançou um único disco, e mesmo assim deixou uma marca permanente na música pop e é reverenciada até hoje. A banda começou em 1976 com John Lydon no vocal, Paul Cook na bateria, Steve Jones na guitarra e Glen Matlock no baixo. Matlock foi substituído por Sid Vicious no início de 1977, ainda antes da banda entrar em estúdio para gravar o indispensável disco Never Mind The Bollocks, Here’s the Sex Pistols. Ironicamente, Glen Matlock foi contratado como músico de estúdio para gravar algumas linhas de baixo no lugar de Sid, que era um músico bem ruinzinho. A banda era um verdadeiro caos. O comportamento agressivo de Lydon e o abuso desenfreado de drogas de Sid Vicious fez a banda entrar em colapso durante uma tour nos Estados Unidos no início de 1978, que decretou o fim da banda.

Em 1996, para a surpresa de muitos, é anunciada a reunião dos Sex Pistols para uma série de shows. A turnê foi apropriadamente intitulada Filthy Lucre (lucro sujo), já que declaradamente, o quarteto não era mais o que se pode chamar de bons amigos. John Lydon, Steve Jones, Paul Cook e Glen Matlock empreenderam uma tour de 6 meses que passou pela Europa, Austrália, América do Norte e América do Sul, e certamente rendeu bons lucros para a banda. Em 2000 foi lançado o documentário The Filth and The Fury, que incentivou a banda a se reunir para mais shows, que foram se sucedendo com êxito até 2008. Depois disso, o clima pesou de novo entre John Lydon e Steve Jones, e o vocalista deixou a banda definitivamente. Mas Jones, Cook e Matlock seguiram tocando juntos colocando Frank Carter no lugar de Lydon. Com essa formacão, os Sex Pistols, vira e mexe, ainda aparecem em algum festival.

Velvet Underground

Apesar de não ser tão popular, o Velvet Underground é uma das bandas mais influentes e fundamentais do rock. Uma banda totalmente anticlimax, que propunha uma sonoridade letárgica e letras sombrias, em contraponto com o clima festivo de paz e amor vigente entre a juventude da época. Lou Reed, John Cale, Sterling Morrison e Maureen Tucker são os avós do punk rock e da música alternativa. Existe muita mística envolvendo a história da banda e seu desenvolvimento. Os abusos de heroína e outras drogas e o ambiente caótico e alienante do submundo artístico de New York fez com que a banda, ainda que muito criativa, produzisse muito pouco e vivesse mais de shows. Lou Reed e John cale, os dois principais compositores, se desentendiam frequentemente, em 1969 Cale foi expulso da banda por Reed e substituído pelo guitarrista Doug Yule, e foi o começo do fim. Em 1970 Lou Reed decide abandonar a banda para seguir carreira solo. O Velvet Underground ainda segue com Sterling Morrison, Maureen Tucker e Doug Yule, que assumiu os vocais, até 1973, quando a banda finalmente encerra suas atividades.

Em 1990 Lou Reed e John Cale se juntam para gravar o disco Songs for Drella, compostas pela dupla em homenagem a Andy Warhol, morto em 1987 e amigo íntimo de todos da banda. Com o disco, começam a pipocar boatos sobre uma reunião do Velvet Underground. A reunião se concretiza em 1992, quando a banda sai em uma celebrada tour pela Europa e Estados Unidos. A tour é um sucesso, em seguida a banda começa a excursionar com o U2 e pinta até um convite da MTV para que a banda grave um acústico. Tudo ia muito bem até que, em 1994, Reed e Cale brigam novamente. Para finalizar qualquer possibilidade da banda produzir algo novo, Sterling Morrison morreu em agosto de 1995, vítima de um linfoma. Foi uma reunião breve, é verdade, mais muito significativa, dada a importância da banda. Afinal, tenha certeza que sem Velvet Underground, não existiria Ramones, Talking Heads, Sonic Youth, Strokes…

Pixies

Por falar em banda influente, os Pixies não poderiam ficar de fora desta lista. Assim como o Velvet Underground, os Pixies nunca foram um sucesso estrondoso de público, mas desde de seu primeiro EP, Come on Pilgrim, de 1987, é elogiadíssima pela crítica. A banda começou em Boston em 1986, formado por Black Francis na guitarra e voz, Kim Deal no baixo e voz, Joey Santiago na guitarra e Dave Lovering na bateria. Com seu som melódico e barulhento os Pixies conquistaram o coração de caras como Kurt Cobain, que inúmeras vezes rasgou elogios à banda na imprensa e chegou a declarar que Smells Like Teen Spirit havia sido uma tentativa de emular o som dos Pixies. Entre 1987 e 1991 a banda lançou 4 discos excelentes e fez muitos shows, mas o comportamento autoritário de Black Francis e a verve rebelde e criativa de Kim Deal fizeram com a banda se separasse em 1992.

Em 2004 foi anunciado o retorno dos Pixies aos palcos com sua formação original, tendo Black Francis e Kim Deal se reconciliado. Com a internet já popular e o público tendo mais acesso à informações e discos, o retorno dos Pixies foi muito celebrado, e a banda fez uma turnê mundial extensa e muito bem sucedida, passando inclusive pelo Brasil. Até 2013 a banda seguiu fazendo shows e começou a pintar até a vontade de gravar um novo disco de inéditas. Foi aí que o caldo desandou, e Black Francis e Kim Deal se desentenderam de novo. Deal anunciou sua saída, mas a banda seguiu em frente contratando a baixista Paz Lenchantin. De lá pra cá, a banda segue em plena atividade, tendo lançado 4 discos de inéditas.
Nota do editor: O show dos Pixies em Curitiba, em 2004, foi memorável, um dos melhores que já vi na vida.

The Police

O Police fez história como uma das bandas mais competentes da história, um power trio imbatível. O baixista e vocalista Sting tinha um histórico de músico de jazz, já o baterista Stewart Copeland vinha do rock progressivo e o guitarrista Andy Summers, ainda que um músico muito técnico, trazia a linguagem do punk e da new wave. Os três componentes se condensaram e o resultado foi um pop afiadíssimo, moderno e cativante. A banda atuou de 1977 a 1983 enfileirando hits radiofônicos e ganhando Grammys. Neste período lançaram 5 discos, todos resultando em altas vendas e turnês mundiais. Realmente, a banda praticamente não parou de trabalhar ao longo desses 6 anos. A convivência e as pressões de gravadora e empresários deixou o trio exausto e sedento por explorar novos caminhos. Assim, em 1983, anunciaram uma pausa das atividades da banda, para que cada integrante pudesse se dedicar a outros projetos. Essa pausa acabou se prolongando tanto, que acabou sendo considerada o fim do Police.

Ainda que o trio tenha voltado a tocar junto esporadicamente em um ou outro evento especial, foi só em 2007 que foi anunciado o triunfal retorno do Police. A banda fez uma extensa turnê mundial entre 2007 e 2008 que realmente consagrou o Police como uma das bandas mais importantes dos últimos tempos. Essa tour passou pelo Brasil lotando o Maracanã numa noite histórica. Depois disso, em 2008, coube a Stewart Copeland anunciar que a banda estava definitivamente encerrando as atividades de uma vez por todas. Como curiosidade, vale citar que cada membro do trio seguiu com seus projetos próprios. O guitarrista Andy Summers acabou se ligando muito ao Brasil. Gravou disco com a Fernanda Takai e montou uma banda chamada Call The Police, onde toca com o baixista Rodrigo Santos (ex-Barão Vermelho) e João Barone (Paralamas do Sucesso) os maiores sucessos do Police desde 2014 até atualmente.

Blink 182

O Blink 182 é uma dessas bandas cuja formação considerada “clássica” não é a original. A banda começou em 1992 com Tom DeLonge na guitarra, Mark Hoppus no baixo e Scott Reynor na bateria. Com essa formação a banda lançou dois discos, alcançando até certo reconhecimento no mainstream, empurrados pela onda punk que assolava as rádios graças ao Green Day e Offspring. Porém, à medida que a popularidade da banda crescia, o baterista Scott Reynor foi se perdendo cada vez mais nas farras e bebedeiras. Durante uma tour em 1998 ele simplesmente desapareceu, deixando a banda na mão. Convocado às pressas, Travis Barker não deixou a baqueta cair e assumiu os tambores da banda definitivamente. No ano seguinte, a banda lança Enema of the State e estoura de vez, ficando conhecida no mundo inteiro. Em 2005 a banda anunciou oficialmente que estava encerrando as atividades, por divergências musicais entre os integrantes da banda.

Em 2009 a banda apareceu de surpresa na cerimônia do Grammy e anunciou seu retorno aos palcos. E foi uma volta retumbante. As tours foram sucesso de público, o que incentivou a banda a começar a trabalhar em novas canções. Em 2011 lançam o disco Neighborhoods e seguem em frente a todo vapor. A alegria durou até 2015, quando DeLonge anunciou que estava saindo da banda, pois queria se dedicar a outros projetos para além do universo da música. Hoppus e Barker continuaram trabalhando com Matt Skiba no lugar de DeLonge. Em 2021, Mark DeLonge publicou em suas redes sociais estar em tratamento por conta de um câncer. Em 2022, já curado e grato aos fãs pela enxurrada de boas vibrações que recebeu, anunciou seu retorno à banda, que lançou um disco novo em 2023 e saiu em turnê mundo afora, chegando a desembarcar no Brasil, inclusive. E não dão sinais de que vão parar tão cedo.

Faith No More

Outra banda cuja formação clássica não é a original. Na real, o Faith No More é o tipo de banda que acabou sendo identificada muito mais pelo seu frontman do que pelos demais integrantes. Ainda que o Faith No More não seja o Faith No More sem a presença do batera Mike Bordin, do baixista Billy Gould e do tecladista Roddy Bottum, sem dúvida é Mike Patton que carrega o nome da banda nas costas. Faith no More começou em 1982, além de Bordin, Gould e Bottum, fazia parte da banda o guitarrista Jim Martin. Até ficarem com Chuck Mosley, muita gente passou pela cargo de vocalista da banda, até mesmo uma ilustre desconhecida até então chamada Courtney Love, que na época era namorada do tecladista. Mosley ficou na banda de 1984 até 1989 e chegou a gravar dois discos. Insatisfeitos com as limitações vocais e excessos alcoólicos de Mosley, o vocalista foi demitido. Em seu lugar entra Mike Patton e tudo muda! A banda grava, logo de cara, um disco avassalador, que vende milhões de cópias mundo afora. Em pouco tempo, Patton toma conta da banda com sua energia criativa e bizarrices sonoras. Apesar de Jim Martin ter seu valor e ter feito parte dos discos mais importantes da banda (The Real Thing e Angel Dust), ele não concordava com as estripulias de Patton e saiu fora em 1993. Muitos guitarristas passaram pela banda desde então. O Faith No More encerrou as atividades em 1998, depois de todos os integrantes estarem encarando a banda como um reles emprego, estanto todos interessados em outros projetos.

Em 2009 a banda anuncia que está se reunindo para fazer uma turnê europeia. O curioso dessa história é que Patton e companhia, nas entrevistas sobre o retorno da banda, não tinham nenhum pudor em afirmar que o retorno da banda estava acontecendo porque todos eles estavam precisando levantar uma grana. Desta forma despretensiosa, a banda acabou fazendo uma tour que, além da Europa, passou pela América do Norte e América do Sul, incluindo o Brasil, claro. Com shows bombásticos, o Faith No More surpreendeu o público mundo afora fazendo shows e até mesmo lançando um disco de inéditas em 2015. Atualmente, a banda está oficialmente parada porque Mike Patton está em tratamento, desde 2020, após ser diagnosticado com agorafobia, um distúrbio que causa crises de ansiedade e pânico.
Nota do editor: O show do Faith No More em São Paulo em 2009 também figura entre os mais memoráveis que já presenciei.

Guns n’ Roses

Uma convergência de fatores fez com que os Guns n’ Roses fossem considerados a maior banda de rock do mundo entre 1987 e 1991, quando foram atropelados pelo grunge. A banda começou em 1985 como uma dissidência da banda L.A. Guns. Tracii Guns (guitarra solo), Ole Beich (baixo) e Robbie Gardner (bateria), que faziam parte dos L.A. Guns se juntaram aos amigos Axl Rose, que era vocalista, e Izzy Stradlin, guitarrista. A junção de L.A. Guns com Axl Rose, gerou o nome Guns n’ Roses. Mas essa formação durou pouco. Tretas e chapações fizeram a banda se separar, mas Axl e Izzy ficaram com o nome e convocaram o guitarrista Slash, o baixista Duff McKagan e o batera Steve Adler. e o resto é história. O talento inegável de Axl Rose e Slash para compor grandes canções, a pose hedonista e a MTV dando seus primeiros passos, sedenta por bandas que aparecessem bem na telinha, alçaram rapidamente os Guns n’ Roses ao estrelato. Na real, a banda nunca encerrou suas atividades oficialmente. Axl Rose manteve o nome da banda de pé, mesmo sem nenhum dos integrantes da fase áurea da banda (leia-se os discos Appetite for Destruction e Use Your Illusion 1 e 2). O primeiro a deixar a banda foi Slash, em 1995. Em 1997 Duff McKagan foi o último dos integrantes daquela época a deixar a banda nas mãos de Axl Rose.

Depois de muita negociação, conversas entre os ex-integrantes e até mesmo um histórico desabafo choroso de Axl Rose no palco em pleno Rock in Rio 2001, a trinca de ouro dos Guns n’ Roses, Axl Rose, Slash e Duff McKagan acertaram os ponteiros e finalmente anunciaram que voltariam a tocar juntos. O retorno rolou em grande estilo, no festival Coachella de 2016. Desde então a banda segue excursionando mundo afora e disparando seus grandes hits, que marcaram toda uma geração de moleques cabeludos.

Oasis

Pra finalizar, não poderíamos deixar de falar sobre a banda que inspirou a elaboração dessa lista! Oasis tem uma história interessante de apropriação. Começou com o baixista Paul McGuigan, o guitarrista Paul “Bonehead” Arthurs, o baterista Tony McCarroll e Chris Hutton nos vocais, que formavam uma banda chamada Rain, em 1991. Insatisfeitos com as performances do vocalista, Hutton foi substituído por Liam Gallagher, que era camarada dos caras da banda. Logo ao entrar, Liam propôs que a banda trocasse de nome para Oasis, sugestão aceita. Eles seguiram tocando pelos bares de Manchester sem grandes pretensões. Noel, irmão mais velho de Liam, costumava acompanhar a banda e dar uma força como roadie. Notando que a banda tinha potencial, mas não conseguia desenvolver boas canções, Noel propôs entrar para a banda com uma condição: ele ser o líder, e único compositor, e que os músicos se comprometessem a encarar a busca pelo sucesso com seriedade. Por alguma razão, aquela molecada que era quatrou ou cinco anos mais nova, aceitou. Noel virou o dono da banda e… não é que deu certo? Logo eles conseguem assinar com uma grande gravadora, lançam um disco de estreia soberbo e começam uma escalada veloz rumo ao estrelato. Mas, claro, no meio do caminho haviam egos inflados, drogas, pressão de empresários, gravadoras… e mais egos inflados. Liam passou a disputar as atenções e liderança com Noel e entre 1996 até meados da década de 2000, foi uma sucessão de briga e volta entre os dois irmãos, e, de fato, acabou que a banda se resumiu aos dois mesmo. A coisa toda se arrastou até 2009, quando Noel anunciou sua saída e, por consequência, o fim da banda, numa nota em que dizia: “É com tristeza e grande alívio que venho dizer que deixei o Oasis hoje à noite. As pessoas vão escrever e dizer o que quiserem, mas eu simplesmente não poderia continuar trabalhando com Liam por mais um só dia.”

Desde então, órfãos do Oasis sonham com uma reunião dos irmãos Gallagher nos palcos, e quem sabe nos estúdios, compondo material novo. Enquanto isso, se contentam com as carreiras solo de Liam e Noel. Até que, dias atrás, pintou no Instagram da banda uma imagem com a data “27 de agosto de 2024”. Todo mundo ficou alvoraçado com uma possível volta da banda. E esse retorno realmente se confirmou! Na última terça feira, dia 27 de agosto, foi anunciada e já começaram as vendas de uma tour da banda pelo Reino Unido, e já rolam várias especulações sobre uma tour mundial! Só nos resta torcer e aguardar.
Nota do editor: Caso se confirme um show do Oasis no Brasil, pretendo estar presente, certo de que será mais um entre os memoráveis shows que já vi.

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Nada como a notícia da reunião de uma banda amada pra aquecer os nossos corações! E se é show bom que está por vir, a Strip Me já está prontinha pra te fornecer as mais incríveis e charmosas camisetas para vestir nesses momentos! A nossa coleção de camisetas de música é um arraso! Vai lá na nossa loja conferir! E tem também as camisetas de cinema, arte, cultura pop, bebidas e muito mais. Ah, sim. No nosso site você também fica por dentro de todos os nossos lançamentos, que pintam por lá toda semana.

Vai fundo!

Para ouvir: Aquela playlist arrasadora com as bandas que foram, mas voltaram! Back Together top 10 tracks.

Para assistir: Para entender bem esse lance todo de como funciona uma banda por dentro e sacar porque as bandas acabam se separando, mesmo quando estão por cima, vale a pena assistir a divertidíssima minissérie Daisy Jones and The Six, a história de uma banda fictícia que se deu bem e depois se deu mal. Além de uma fotografia linda e roteiro super bem escrito, a trilha sonora é ótima!

Camiseta WTF
Camiseta Jam
Camiseta Stoners
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Humor STM – 6 shows de stand up imperdíveis na Netflix.

| Por Paulo Argollo | Nenhum comentário
Humor STM – 6 shows de stand up imperdíveis na Netflix.

O humor é marca indelével de todo o catálogo da Strip Me. Seja uma piada descarada ou uma ironia discreta, as nossas camisetas unem estilo e bom gosto com muito bom humor. Por isso, não podemos deixar de falar sobre comédia e seus variados gêneros. E hoje a bola da vez é o stand up comedy.

O riso é uma reação complexa que começa no cérebro. Quando algo engraçado é percebido, o cérebro processa essa informação e desencadeia a resposta, o riso. A região do cérebro conhecida como córtex pré-frontal é a responsável por interpretar o humor. Quando uma situação é percebida como engraçada, essa informação é enviada para o sistema límbico, a área do cérebro associada às emoções. Dentro desse sistema, a amígdala e o hipotálamo desempenham papéis cruciais. A amígdala ajuda a regular as emoções e respostas emocionais, enquanto o hipotálamo coordena as reações físicas do riso, como a contração dos músculos faciais e a ativação dos sistemas respiratório e vocal. Ao rir, os batimentos cardíacos aumentam um pouco, o que melhora a circulação sanguínea, e a hipófise, uma glândula no cérebro, produz e libera a endorfina, um hormônio delícia que promove bem estar e prazer.

Muitas vezes o riso desperta de maneira involuntária. O que nos leva a crer que desde que o ser humano se entende por gente, sacou que rir é uma parada bem gostosinha e começou a criar situações engraçadas, para rir e se sentir bem. A comédia, portanto, é tão antiga quanto a humanidade e vem se desenvolvendo desde as pinturas rupestres até as plataformas de streaming. E, no meio disso, pintou a tal stand up comedy. A grosso modo, a comédia stand up surgiu nos Estados Unidos no começo do século XX com os apresentadores, ou mestres de cerimônia, de feiras de variedades, que faziam umas piadolas antes de apresentar os artistas. Se formos cavar um pouco mais fundo, podemos encontrar suas sementes plantadas nos espetáculos de vaudeville do final do século XIX, mas acaba que é quase a mesma coisa.

Na virada dos anos 50 para os anos 60 que a parada começou pra valer. Caras como Lenny Bruce e Bill Cosby se tornaram famosos se apresentando apenas fazendo observações cômicas sobre o cotidiano e sobre si mesmos. Clubes de comédia como o The Comedy Store em Los Angeles e o The Improv em New York se tornaram trampolins para comediantes que surgiam, como Woody Allen, George Carlin, Andy Kaufman, Richard Pryor, Steve Martin e muitos outros. A televisão logo viu potencial nessa turma e o legendário programa Saturday Night Live, por exemplo, virou um antro de comediantes de stand up. Nos anos 80 o gênero perdeu força, mas nunca chegou a desaparecer. Nos anos 90 uma nova geração de comediantes trouxe o stand up para as cabeças de novo, graças a Jerry Seinfeld, que inseriu o stand up numa sitcom irresistível. Paralelamente, e surfando na onda de Seinfeld, vieram grandes comediantes como Ellen DeGeneres, Tim Allen, Chris Rock e Ray Romano. Daí em diante, a popularização da TV à cabo e, posteriormente, os streamings deram a liberdade que esses artistas precisavam para filmar seus shows e se tornarem cada vez mais populares no mundo todo. Inclusive no Brasil.

Apesar de pouco popular, e sequer reconhecido pelo nome de comédia stand up, o gênero já rolava em terras tupiniquins desde os anos 70. O primeiro a fazer um show nos moldes do stand up por aqui foi o genial Zé Vasconcelos. Em seguida, Jô Soares e Chico Anysio também começaram a fazer shows no mesmo estilo. Mas a coisa virou mesmo só no começo dos anos 2000. Entre 2004 e 2005 surgem os primeiros grupos de stand up em São Paulo e no Rio de Janeiro, com comediantes veteranos como Marcelo Mansfield e Márcio Ribeiro e jovens talentos como Rafinha Bastos, Diogo Portugal, Fábio Rabin e Fábio Porchat. Uma década depois, uma nova geração revoluciona o gênero e dá, de fato, um tempero brasileiro ao stand up, com uma linguagem mais dinâmica, interações frequentes com a platéia e um foco maior em histórias pessoais. Dessa nova geração, se destacam nomes como Afonso Padilha, Igor Guimarães, Thiago Ventura, Bruna Louise e outros.

Na era dos streamings ninguém investe mais na comédia stand up do que a Netflix. A plataforma produz e veicula especiais de comédia do mundo inteiro e tem uma extensa lista de ótimos shows em seu catálogo. Para concluir esta singela celebração a este gênero tão delicioso da comédia, a Strip Me selecionou 6 shows do catálogo da Netflix para te recomendar, 3 gringos e 3 brasileiros. Confere aí.

Wanda Sykes – Not Normal 2019

Abrindo a lista com chave de ouro, a brilhante Wanda Sykes apresenta aqui um show verborrágico e engraçadíssimo, mas sempre com um subtexto corrosivo de crítica social e política. De todos os comediantes da atualidade, Sykes é quem chega mais perto do estilo feroz de George Carlin. É um show ideal para quem revira os olhos e não disfarça o desânimo quando alguém começa a falar das benesses do liberalismo e de como a meritocracia é importante.

Maurício Meirelles – Levando o Caos 2020

O título do especial de comédia de Maurício Meirelles não poderia ser mais apropriado. Seu texto de pouco mais de uma hora aborda tantos assuntos diferentes, que passa realmente a impressão de ser algo caótico. Entretanto, o comediante conduz tudo com muita firmeza e coesão, e com ótimas piadas! Ele se equilibra bem entre temas espinhosos como feminismo e drogas, intercalando com situações de sua vida pessoal. É uma ótima pedida para quem tem um churrasquinho marcado no fim de semana e quer chegar apavorando com umas opiniões descoladas e engraçadinhas sobre o cotidiano.

Ricky Gervais – Armageddon 2023

Podemos estabelecer, de cara, que Ricky Gervais é um dos melhores comediantes da atualidade, certo? Ok. Além de filmes e séries (incluindo aí The Office), Gervais lança com certa periodicidade seus especiais de stand up. E Armageddon, o mais recente, é simplesmente excelente! Nele Gervais aborda o fim dos tempos, que seria basicamente o tempo presente. Ou seja, o homem evoluiu, conquistou o planeta, dominou os outros animais… E agora se ofende com palavras! Ele costura com brilhantismo críticas à cultura woke e outras alucinações com memórias de sua infância. Show mais que recomendado para quem ouve as músicas da fase racional do Tim Maia e acha que até tem um fundo de verdade ali naquelas letras.

Bruna Louise – Demolição 2022

Bruna Louise carrega o mérito de ser a primeira mulher brasileira a ter um especial de comédia na Netflix. Também é considerada um dos grandes nomes do stand up comedy no Brasil. E isso de maneira geral, não só entre mulheres. Este seu solo, entitulado Demolição porque chega justamente para quebrar tabus (a começar pela conquista de ter seu especial na plataforma), é carregado de feminismo, sim senhor. Mas nem precisa achar ruim, porque Bruna Louise tem um ótimo texto e boas piadas, bem amarradas através de experiências pessoais e histórias hilárias de relacionamentos amorosos. Show que cai como uma luva para a galerinha que curte bloquinho do Baixo Augusta e que se recusa a admitir que leu algum livro do Monteiro Lobato na infância.

Richard Pryor – Live in Concert 1979

Pryor é um gênio. Ator estupendo e comediante mordaz. Este show é uma aula de stand up comedy. Ao assistí-lo você vai se dar conta que todo mundo que veio depois tem Richard Pryor como referência. Tem de tudo nessa apresentação. Humor físico que influenciou caras como Robin Williams, piadas de protesto que inspiraram Chris Rock, humor negro que encantou Dave Chappelle… tudo com um ritmo alucinante e timing perfeito para cada piada que Pryor vai soltando aos montes. Show indispensável para pessoas que falam que precisam acordar cedo pra não ir pra balada, mas ficam assistindo filme dos anos 80 pela milhonésima vez na TV.

Afonso Padilha – Alma de Pobre  2020

Sem dúvida Afonso Padilha é o mais workaholic dos comediantes brasileiros. O que é ótimo, porque seu texto é muito bem acabado e muito, mas muito engraçado mesmo! Quando ele se mete a falar de qualquer assunto, ele pesquisa antes, vai atrás pra saber como é… e volta com um amontoado de ótimas piadas a respeito. Neste show, no entanto, ele trocou a pesquisa pela sua própria vivência, e conta com muita graça como as pessoas que eram pobres e enriqueceram (ele incluso) não perdem uma certa essência de pobre, que pode soar pejorativa a princípio, mas ao longo do show se prova o oposto disso. Show ideal para quem já tem grana suficiente para pagar Spotify Premium sem reclamar, mas ainda compra requeijão no copo de vidro, só pra poder reutilizar o copo depois.

Bonus Track

Poderíamos aqui citar muitos outros especias de comédia de artistas incríveis. Por exemplo, o impagável show de 1999 do Chris Rock, entitulado Bigger and Blacker, onde ele destila um texto hilário e contundente sobre racismo e que está disponível na HBO Max. Ou ainda o excelente show Tá Embaçado, do Fábio Rabin, lançado ano passado na Amazon Prime Video, onde Rabin apresenta um texto envolvente sobre vários dilemas da sociedade moderna. Mas a bonus track em questão aqui é um show de 2022 produzido pela Netflix chamado The Hall, onde é criado uma espécie de Hall of Fame para comediantes, e 4 comediantes já falecidos são homenageados por 4 colegas ainda em atividade. assim, temos George Carlin, Robin Williams, Joan Rivers, e Richard Pryor sendo homenageados por Jon Stewart, John Mulaney, Chelsea Handler, e Dave Chappelle. Vale a pena demais conferir.

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Pois é. A comédia nada mais é do que um espelho, mas um desses espelhos que aumentam tudo, deixando na cara todas as qualidades e todos os defeitos ali refletidos. E esse espelho pode estar voltado para a sociedade ou para o próprio comediante. E a Strip Me, muitas vezes se faz valer desse espelho, para criar camisetas incríveis que vão acabar deixando você bem na fita em qualquer situação. Em todas as nossas coleções, você vai encontrar pitadas generosas de bom humor, seja nas camisetas de música, cinema, arte, cultura pop, bebidas, games e tantas outras. Cola lá na nossa loja pra conferir e ficar por dentro de todos os lançamentos, que pintam por lá toda semana.

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist hilariante só com músicas engraçadinhas. Comédia Top 10 tracks.

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Brasileirês: 12 palavras que só o brasileiro entende.

| Por Paulo Argollo | Nenhum comentário
Brasileirês: 12 palavras que só o brasileiro entende.

A língua portuguesa é um idioma encantador, sem dúvida um dos mais bonitos do ocidente. Mas o brasileiro o eleva a níveis de originalidade sem precedentes, e a Strip Me te mostra isso com muita propriedade.

São 9 no mundo os países que tem o português como idioma oficial. Angola, Brasil, Cabo Verde, Guiné-Bissau, Guiné-Equatorial, Moçambique, Portugal, Timor-Leste e São Tomé e Príncipe. Certamente cada um deles tem seu sotaque, suas gírias e palavras que foram incluídas no dicionário local. Mas a gramática e estrutura linguística são as mesmas. Então, se um português, um angolano, um brasileiro e um timorense se encontrarem no bar, eles vão conseguir se comunicar tranquilamente. Além de ter uma baita cara de começo de piada, esse encontro no bar seria uma experiência muito interessante para constatar as semelhanças e diferenças entre um mesmo idioma.

Na verdade, a gente sabe que o português brasileiro é muito mais rico e interessante do que os outros portugueses falados mundo afora. Afinal, onde mais você vai ouvir uma frase como “A parada começou na zueira, mas depois virou uma puta treta, mas tudo se resolveu na mais pura malemolência!” O brasileirês é maravilhoso, justamente porque é nosso, tão nosso quanto a jabuticaba, o brigadeiro, o dia dos namorados em junho e o cheque pré-datado. E tem algumas palavrinhas que podem até constar no dicionário de outros países de língua portuguesa, mas que ninguém as utiliza com a destreza e com o “borogodó”do brasileiro. A Strip Me listou 12 delas para você conferir.

Abestado.

No nordeste do Brasil é uma gíria muito antiga. É uma palavra auto explicativa, trata-se de um adjetivo para alguém bobo, lerdo, ingênuo… enfim, besta. Nos anos 90 se espalhou para o resto do país, principalmente através do sucesso de cantores nordestinos como Tiririca e Genival Lacerda.

Bamboleio.

Temos aqui uma palavra que exemplifica muito bem o português BR. É uma derivação da palavra bamba, que tem origem africana e significa valentia, coragem. Tanto que ainda se usa muito dizer que quem é o maioral em alguma coisa é o bambambã. Em certo ponto, ganhou outra conotação, quando surgiu a expressão “andar na corda bamba”, designando que quem o faz tem coragem para correr riscos e se equilibrar. Assim surgiu o verbo bambolear. E o bamboleio é essa ginga brasileira, de se equilibrar, ter jogo de cintura. Isso em tudo na vida.

Borogodó.

Provavelmente a mais brasileira das palavras. O borogodó não tem uma etimologia conhecida. Provavelmente tem ali uma origem africana, mas nunca se identificou isso de fato. Além do mais, é uma palavra relativamente nova. Começou a aparecer entre as décadas de 1920 e 1930 e se popularizou rapidamente, logo sendo utilizada na música e na literatura. E o que é o borogodó? Borogodó é um elemento que torna alguém ou alguma coisa muito cativante, irresistível e única. Carmen Miranda era cheia de borogodó, Pelé era cheio de borogodó… enfim, o Brasil é puro borogodó!

Firmeza.

Para qualquer outro país de língua portuguesa, firmeza é simplesmente uma derivação da palavra firme, que define algo como sólido, rígido. Mas aqui no Brasil vai muito além disso. A premissa é a mesma, mas pra nós, firmeza é alguém ou alguma coisa com muitas qualidades, admirável, confiável. Pode muito bem ser substituída pela expressão ponta firme, que tem a mesma conotação. Firmeza também ganhou o status de cumprimento, substituindo a palavra beleza. É uma palavra mais utilizada no sudeste do Brasil, especificamente em São Paulo, mas pode ser ouvida Brasil afora, graças ao som de gente como Racionais e Emicida. Que, aliás, são muito firmeza!

Maínha.

De maneira objetiva, é o diminutivo de mãe. Aliás, o diminutivo de mãezinha. Termo usado desde sempre no nordeste brasileiro. Mas acabou virando gíria nacional, sendo que em todo o Brasil você vai encontrar gente que, quando quer se referir à mãe de maneira mais afetuosa, logo mete um maínha na frase. Mas em boa parte do nordeste, a palavra não se limita a referir-se à mãe com carinho, mas sim é uma substituta direta de mãe ou mamãe. Por exemplo, uma criança baiana pode dizer um carinhoso “Maínha, eu te amo.” como um corriqueiro “Maínha, acabei, vem me limpar!”

Malemolência.

Tal qual o borogodó, a etimologia precisa de malemolência é desconhecida. Por óbvio, deduzimos que é uma derivação da palavra mole, como molenga, por exemplo, mas com uma conotação mais leve e positiva.A malemolência remete a uma leveza sedutora, um gingado suave. A malemolência é um samba do Martinho da Vila, é uma tapioca quentinha com manteiga e um cafezinho coado na hora. Malemolência, acima de tudo é um estado de espírito!

Perrengue.

Certamente esta é a palavra com a origem mais inusitada. Na verdade, trata-se de uma palavra de origem espanhola, que era muito popular até o século XVII na Espanha e suas colônias, mas que depois disso caiu em desuso. É uma derivação da palavra perro, cachorro em espanhol. Na época, para os espanhóis, perrengue era adjetivo para pessoas teimosas, arredias. Quando queriam dizer que Fulano é teimoso como um cachorro, diziam Fulano é um perrengue. A palavra sobreviveu ao tempo só no Brasil (que, sim, foi colônia da Espanha entre 1580 e 1640), e no século XIX ganhou a conotação de situação complicada, problemática. Isso porque, da palavra perro também derivam os termos aperrear e emperrar, significando situação que é travada, obstruída à força. Ao longo do tempo, devem ter rolado algumas confusões de significado, sendo palavras da mesma origem e bem parecidas. Assim, perrengue virou isso aí… uma situação embaçada, tá ligado? Um perrengue!

Ranço.

É uma palavrinha que, assim como firmeza, certamente é utilizada em outros países de língua portuguesa. Mas não com a mesma malemolência que nós usamos por aqui! A etimologia da palavra ranço do latim rancidus, significa podre, fétido, ou seja, um adjetivo para uma coisa que cheira mal. Mas por aqui, transformamos essa palavra num sentimento, que extrapola o significado da palavra em si. Afinal, um cheiro podre, ruim, causa na gente o sentimento de asco e desprezo. Assim, passamos a utilizar a palavra ranço para demonstrar esse desprezo e nojo de certas pessoas ou situações. Por exemplo, é muito comum a gente dizer que tem ranço de gente homofóbica e intolerante.

Remelexo.

Remelexo, meus amigos e minha amigas, nada mais é do que o bom e velho rebolado! Numa linguagem mais formal, movimento em que os quadris se movem de maneira ritmada. Obviamente deriva da palavra mexer , mais precisamente remexer. O fofinho Rei Julian se remexe muito e tem lá seu valor, mas jamais terá o remelexo do brasileiro numa roda de samba!

Treta.

Treta vem do latim tret, que significa perspicácia na prática da esgrima, daí, derivou-se a palavra treita no português arcaico significando manha, jeito. Atualmente, treta, em Portugal, ainda tem essa conotação de habilidade. Presume-se que, uma vez que treta é um jargão da esgrima, ou seja, de uma luta, no Brasil a palavra ganhou esse significado de confusão, briga, situação caótica. Mas tá tudo bem. Cada país com o sua treta. Não vai ser por isso que nós vamos arranjar treta com os portugueses, até porque pode ser que eles venham com as tretas deles pra cima de nós.

Ziriguidum.

Essa é fácil! Ziriguidum é o samba em seu esplendor! A etimologia da palavra, claro, é incerta e duvidosa. Mas é 100% brasileira, isso não há dúvida. Sua origem, muito provavelmente, é onomatopeica, ou seja, é a reprodução em palavra de um som. No caso, é o som do movimento do pandeiro junto com a batida do samba entre um e outro compasso. “Dum dum ziriguidum dum dum”. Mas claro que nós ampliamos o sentido da palavra para caracterizar algo tipicamente brasileiro, dá pra dizer que é uma palavra meio irmã do borogodó.

Zueira.

Mais uma palavra de origem onomatopeica, zueira deriva de zumbido, que, por sua vez, emula o som dos insetos voadores. Sabe aquele pernilongo que curte dar uns rasantes perto da sua orelha quando você tá tentando dormir? Então… Convencionou-se chamar de zueira, um lugar onde tem muito ruído, ou muito zumbido. Agora, como a palavra ganhou a conotação de brincadeira, sacanagem, piada… ninguém sabe. Talvez seja porque toda boa baguncinha boa que se preze seja bem barulhenta, uma zueira danada! Mas caso você ache que não tem nada a ver, e que a gente está aqui de zueira, tudo bem.

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Gonçalves Dias já dizia que as aves que aqui gorjeiam, não gorjeiam como lá. Sendo assim, como poderíamos nós, brasileiríssimos e cheios de borogodó, falar o mesmo português que eles falam lá, ora pois? E a Strip Me, sempre com muita malemolência e ziriguidum, se inspira nesse jeitinho brasileiro todo especial para criar camisetas lindas e super estilosas que esbanjam brasilidade! Basta conferir as nossas coleções de Carnaval, Verão e Tropics, isso sem falar nas camisetas de música, cinema, arte, bebidas, cultura pop… olha, é muita coisa! Vai lá na nossa loja conferir, e aproveita pra ficar por dentro dos nossos lançamentos que pintam lá toda semana!

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist do balacobaco cheia de brasilidades! Borogodó Top 10 tracks.

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Skate & Música: 10 artistas que são skatistas.

| Por Paulo Argollo | Nenhum comentário
Skate & Música: 10 artistas que são skatistas.

Depois de se tornar esporte olímpico, o skate vem ganhando cada vez mais popularidade. E a música sempre esteve intrinsicamente ligada ao skate. Hoje a Strip Me explica essa ligação e aponta 10 artistas que são entusiastas e praticantes do skate.

Na trilogia de filmes De Volta Para o Futuro um dos elementos mais importantes é o skate. Além de ser o principal meio de transporte de Marty McFly, a cena de perseguição em 1955, ao contrário do que muita gente pensa, não fez de McFly o precursor do skate. Já se a franquia profetizou a invenção e popularização de skates sem rodas, sendo apenas uma prancha flutuando no chão, provavelmente ainda teremos que esperar para saber. Não se sabe ao certo quem inventou o skate e nem exatamente quando. O que sabemos é que isso aconteceu na mesma California da cidade fictícia de Hill Valley, entre Los Angeles e San Francisco por jovens surfistas no início dos anos 50, que ficavam ociosos em tempos de maré baixa e poucas ondas. Nessa época, era uma brincadeira perigosa, já que os surfistas simplesmente adaptaram rodinhas de ferro em pranchas. Essas rodinhas eram muito escorregadias, sem aderência ao solo, causando vários tombos.

O skate passou a ser fabricado em série e vendido em lojas em 1959. Mas a parada evoluiu mesmo nos anos 70. Em 1972 surgiram as rodinhas de poliuretano, uma espécie de plástico muito resistente, e os eixos foram melhorados, dando mais controle e flexibilidade. Os skatistas começam a invadir espaços de grandes cidades e criar manobras em escadarias e rampas, e acabaram sendo vistos como marginais por uma parcela da sociedade. Na mesma época o punk rock emergia de centros urbanos como New York trazendo uma mensagem de desprezo por essa sociedade careta e introduzindo o conceito “do it yourself”. Claramente o skate e o punk foram feitos um para o outro. Enquanto os skatistas entravam na onda faça você mesmo e desenvolviam rampas de madeira e criavam pistas e circuitos, a energia do som das bandas punk eram a trilha sonora perfeita para as manobras alucinadas. Nos anos 80 a cena punk da California fundiu de vez as duas coisas, criando festivais com bandas tocando e onde rolavam competições de skate.

À medida que a popularidade do skate crescia, os skatistas desenvolviam também diferentes personalidades. O inerente fator cosmopolita do esporte acabou também sendo abraçado pelo movimento do hip hop que crescia no fim dos anos 80. Foi nesse período que o skate realmente ganhou popularidade, graças à MTV e às locadoras de fitas VHS. Enquanto a MTV exibia clipes de bandas como Circle Jerks, Suicidal Tendencies e Bad Religion, onde aparecem várias manobras de skate, a Espn produzia competições que ficaram conhecidas como X Games, que eram filmados e depois disponibilizados em home videos, fitas de VHS, que eram alugadas. E é claro que a trilha sonora dessas fitas era toda composta por bandas de punk e hardcore. Essas fitas, inclusive ajudaram muito a tornar conhecidas mundo afora algumas bandas como Offspring e Pennywise, que eram conhecidas apenas na cena californiana. Ou seja, a música sempre alimentou o skate, e o skate também sempre alimentou a música. Para deixar isso mais claro, a Strip Me elencou 10 nomes da música que tem forte ligação com o skate. Confere aí.

Ben Harper

Além de um baita compositor e multi instrumentista, Ben Harper também manda bem nas quatro rodinhas. Já fez demonstrações em alguns desses programas de TV late nights norte americanos e, vira e mexe, é flagrado rodando em cidades como Lisboa ou Paris. Ele já declarou que anda de skate desde moleque, mas que nunca entrou na pira de competir. Manja de várias manobras e tem se dedicado a ensiná-las a seus filhos.

Jeff Ament

O baixista da banda Pearl Jam é um notório skatista do rock. Na real, Ament sempre esteve muito envolvido com esportes. Uma das coisas que ajudou a estreitar os laços entre ele e Eddie Vedder no começo da banda foi a paixão por basquete. Na época, recém chegado de San Diego, Vedder curtia surfar, mas não era tão ligado ao skate. Já Jeff Ament sempre teve o skate e os Ramones como suas grandes paixões.

Henry Rollins

Henry Rollins é o exemplo perfeito dessa simbiose entre o skate e o punk. Ainda antes de se tornar vocalista da fundamental banda punk Black Flag, Rollins já andava de skate e era envolvido no esquema do ti yourself. Junto com os Dead Kennedys, a banda Black Flag ajudou a remodelar o punk na California, estabelecendo as bases do que ficou conhecido como hardcore. E por várias vezes Rollins aparecia no palco fazendo uns flips em seu skate enquanto a banda tocava.

James Hetfield

O vocalista do Metallica também era desses que andava de skate desde moleque. Quando sua banda começou a ganhar fama e fazer turnês cada vez mais longas, Hetfield via no skate uma maneira de matar o tempo, andando em estacionamentos de hotel e onde mais pudesse. Até que em 1987, durante a tour do disco Master of Puppets, em que eles abriam os shows do Ozzy Osbourne, Hatfield foi mandar um down hill, caiu do skate e quebrou o pulso, tendo que fazer os shows seguintes apenas cantando, sem tocar guitarra. Desde então o empresário da banda fez com que todos assinassem um contrato proibindo skates durante as turnês.

Travis Barker

Barker é a personificação do jovem californiano dos anos noventa. Cresceu assistindo os X Games e indo aos shows de Bad Religion, Circle Jerks, Black Flag e tantas outras bandas. Portanto, não é surpresa para ninguém que o baterista do Blink 182 seja um apaixonado por skate, até porque os clipes da banda sempre tiveram uma ou outra ceninha ali com imagens de skate.

Avril Lavigne

Finalmente uma mulher nessa lista! Avril apareceu na cena do rock justamente com uma música sobre skate, Sk8ter Boi. Ela aparece no clip da música andando de skate, inclusive, e já foi vista várias vezes em momentos de lazer e descontração rodando por aí. Apesar de muito roqueiro mala torcer o nariz para ela, Avril Lavigne ajudou muito a mostrar que tem muita menina por aí que manja de skate e de rock n’ roll, e que elas merecem igual visibilidade e respeito.

Devendra Banhart

Devendra Banhart não é só o maior ícone do folk psicodélico moderno, é também um ávido skatista, que inclusive já quebrou a perna mais de uma vez rodando por aí. Autor de declarações polêmicas como “Os Mutantes são melhores que os Beatles.” o maluco também já disse em entrevistas que começou a se interessar por rock assistindo aos vídeos de skate da Espn. Justifica-se assim a presenca dele nesta lista.

Miley Cyrus

Miley Cyrus aprendeu a andar de skate em 2012, com seu então noivo, Liam Hemsworth. Desde então vem se mostrando uma entusiasta do esporte e é frequentemente flagrada nas ruas de Los Angeles dando rolezinho em seu skate. Abraçando a cultura do skate, a cantora reforça ainda mais sua ligação com o rock n’ roll, provando que é muito mais que uma estrela pop qualquer.

Lil’ Wayne

Representante brabo do hip hop no skate, Lil’ Wayne dispensa apresentações. Mesmo sendo o quinto rapper mais rico do mundo, segue curtindo dar um rolê de skate, como fazia quando era moleque na quebrada de New Orleans, onde cresceu. Aliás, numa ação em 2022 ele se juntou a Torey Pudwill, Keelan Dadd e Yosef Ratleff, três grandes skatistas profissionais, para presentear as crianças do bairro onde Lil’ Wayne cresceu com kits de skate, com capacetes, joelheiras e tudo.

Justin Bieber

Sim, Justin Bieber. Ainda que ele seja uma celebridade sem muita expressão para quem tem mais de 30 anos de idade, Justin Bieber tem seu valor. É um artista controverso, em constante atividade e sempre tentando se desvencilhar dessa imagem de crush de menininhas de 15 anos. Uma das maneiras de transmitir um pouco mais de rebeldia é andando de skate, coisa que ele faz desde moleque, antes da fama, vale dizer. Portanto, aí está. Justin Bieber também é do skate!

Camiseta Raws
Camiseta Offline
Camiseta My Age

O skate é realmente uma parada fascinante, ainda mais quando combinada à boa música. E agora, com o Brasil mandando bem nas Olimpíadas, o skate cresce cada vez mais e se coloca como um esporte divertido, democrático e contestador, afinal é sobre ele que os jovens tomam conta dos espaços públicos. Skate é música e cultura pop! Portanto, também está ali, na miríade encantadora de influências da Strip Me para desenvolver camisetas de música, cinema, arte, cultura pop, games, bebidas e muito mais. Cola lá na nossa loja pra conferir e ficar por dentro de todos os nossos lançamentos, que pintam por lá toda semana.

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist caprichada pra curtir em alto volume rodando de skate por aí! Skate top 10 tracks.

Camiseta Espírito Esportivo
Camiseta Punk Guitars
Camiseta Games California

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Guia Dia dos Pais STM: O presente ideal para papais de todos os estilos. Parte 2

| Por Paulo Argollo | Nenhum comentário
Guia Dia dos Pais STM: O presente ideal para papais de todos os estilos. Parte 2

Dia dos Pais chegando e a Strip Me está prontinha pra facilitar a sua vida! Nest post apresentamos a segunda parte das nossas sugestões incríveis de presente para cada estilo de pai.

Pai. O herói que não usa capa. O amigão, o coruja, o cara que tem a difícil tarefa de disciplinar, ensinar e divertir, ao mesmo tempo. Aquele que, como dizia aquele dinossaurinho cor de rosa, não é a mamãe, mas consegue se virar e fazer a função com amor e dedicação. No fim das contas, há quem diga que pai é tudo igual, mas a gente sabe que não é bem assim. Claro, a essência é a mesma, de amor incondicional e dedicação, mas, para ficar ainda nos chavões, cada um é cada um. E está chegando o dia de celebrar todos os tipos de pais. A Strip Me te dá uma forcinha para dar o presente ideal para cada tipo de papai. Então se liga na segunda parte das nossas sugestões de presente para o Dia dos Pais.

O Papai Cervejeiro.

O papai cervejeiro é um mestre dos sabores. Tem forte ligação com a gastronomia de maneira geral e, em sua maioria, curte se aventurar na cozinha. Mas sua paixão, claro, é a boa e velha cervejinha. Animado, é um pai sempre disposto a brincar com os filhos e promover confraternizações. Afinal, os papais cervejeiros costumam se reunir frequentemente, fazendo de um simples churrasquinho de fim de semana uma grande festa com a criançada correndo e brincando junta e os papais e mamães botando a conversa em dia. Para aquele papai que se liga em esportes para além do levantamento de copo, a camiseta Pódio é uma excelente pedida. Já para os mais nostálgicos, que curtem as good vibes daquele fim de tarde no boteco, a camiseta Duas Cervejas é uma escolha certeira. Tem também o pai cervejeiro que se amarra em música e, em especial, no rock n’ roll. Para ele, a cerveja Beer Fans é sucesso garantido.

Camiseta Pódio
Camiseta Duas Cervejas
Camiseta Beer Fans

O Papai Estradeiro.

Metódico e com espírito livre, o papai estradeiro é aquele que está sempre pronto para embarcar numa viagem. Pode ser uma road trip sem destino definido, uma viagem à praia, ou até mesmo uma esticada rápida até uma cachoeira da região. Como toda viagem requer um mínimo de planejamento, o pai estradeiro é organizado e muito tranquilo. Isso tudo faz com que ele seja um pai amoroso, que consegue educar sem precisar ser rígido ou muito exigente, além de sempre proporcionar grandes aventuras. O papai estradeiro sempre tem um pouco de alma hippie, já que tem uma forte ligação com a música (afinal, não dá pra pegar estrada sem uma boa playlist engatilhada) e com a natureza. Justamente por isso, tanto a camiseta Paz, como a camiseta Things são, além de lindas, ideais para este tipo de pai. Quem curte viajar, acaba também se ligando em fotografia, para registrar cada momento especial. Sendo assim, a camiseta Photo Wave é outra opção super descolada que certamente vai agradar.

Camiseta Paz
Camiseta Things
Camiseta Photo Wave

O Papai Minimalista.

O papai minimalista é uma figura fascinante. Calmo, de bem com a vida, parece não ter preocupações. Se liga em arte e design e vive na linha tênue entre o “está tudo sob controle” e o “deixa a vida me levar”. Com os filhos é um pai que gosta de conversar e saber tudo sobre qualquer assunto do interesse das crianças. Gosta de brincadeiras mais tranquilas e faz questão de sempre arrumar os brinquedos na prateleira ou em caixas organizadoras no fim do dia. Para este estilo de pai, as camisetas básicas da Strip Me são um arraso! Com cores lindas e caimento perfeito, são um presente e tanto! Mas também tem aquelas camisetas com estampas discretas e sofisticadas. Por exemplo, qualquer papai minimalista certamente vai se derreter pela camiseta Bauhaus 1923. E para deixar claro que o negócio é relaxar, a camiseta Just Chilling é super estilosa e vai rapidamente se tornar uma das favoritas do guarda roupas do papai.

Camiseta Bauhaus 1923
Kit Monocromático 3 Camisetas Strip Me
Camiseta Just Chilling

Exclusiva do Papai.

Independente de gostos, estilos e interesses, lógico que cada pai é único e original. E isso é algo a ser celebrado, certamente. Para tal, a gente te lembra que a Strip Me, além de todas as suas coleções lindas, também oferece a possibilidade de você presentear seu pai com uma camiseta exclusiva, personalizada. É a qualidade inconteste das nossas camisetas, produzidas com tecido certificado com selo BCI e de caimento perfeito, com a estampa que você quiser. Para isso, basta você ir até o nosso site e acessar a seção “Personalize” e seguir as instruções. Você manda a sua arte, escolhe a cor e tamanho da camiseta e pronto. O resto fica por nossa conta.

Camiseta Written and Directed – Personalizada
Camiseta Branca Personalizada
Camiseta Bootleg Personalizada – Raios

Enfim, o amor paterno em todas as formas tem mais é que ser celebrado. Afinal, pai é quem gera, mas também é quem cria, quem adota, quem dá amor e quem está sempre presente! E presente para o Dia dos Pais é o que não falta aqui na Strip Me. Você pode conferir outras sugestões de presente na primeira parte deste texto, publicada. na semana passada ou no texto que produzimos para o Dia dos Pais do ano passado. E, é claro, você pode ir no nosso site e conferir todas as estampas sugeridas neste post, explorar a nossa loja todinha e ainda ficar por dentro de todos os nossos lançamentos, que pintam toda semana!

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist daquelas, com músicas que falam sobre a paternidade. Dia dos Pais top 10 tracks.

Categoria: Comportamento, Cultura Pop, curiosidades, Moda, Posts

Guia Dia dos Pais STM: O presente ideal para papais de todos os estilos. Parte 1

| Por Paulo Argollo | Nenhum comentário
Guia Dia dos Pais STM: O presente ideal para papais de todos os estilos. Parte 1

Dia dos Pais chegando e a Strip Me está prontinha pra facilitar a sua vida! Nest post e em outro semana que vem, te entregaremos sugestões incríveis de presente para cada estilo de pai.

A paternidade é uma viagem sem volta. E, ainda bem que é assim. São muitos os clichês que exprimem o quão transformadora e surpreendente é a chegada de um filho. Mas a base de tudo é saber que a paternidade não é um complemento da maternidade, mas sim uma totalidade, um conjunto de sentimentos, ações e pensamentos que, por óbvio e naturalmente, vão se conectar e somar ao mesmo conjunto da mãe. Não tem fórmula ou explicação teórica para ser pai, o importante mesmo, no fim das contas, é ser presente e autêntico. E é exatamente na autenticidade que este texto se ancora. Neste texto e no que será publicado na semana que vem, a Strip Me vai dar uma geral nos diferentes estilos de pai, para assim sugerir o presente ideal para o seu pai.

O Papai Folião.

Ele é incansável e divertidíssimo! Não só topa todas as brincadeiras, como vai fundo encarando fantasias e outras caracterizações. É assim o ano inteiro. Mas em fevereiro… Ah, no Carnaval é onde ele se encontra em seu habitat natural, é seu momento de brilhar! Na casa do papai folião nunca falta música e dança, em especial aquele sambinha bom, que quem não gosta é ruim da cabeça ou doente do pé. A coleção de Carnaval da Strip Me é perfeita para este pai tão animado e alegre. A camiseta Malemolência, por exemplo, traz estampada no peito tudo que o papai tem de sobra. Já a camiseta Folião é mais objetiva e vai direto ao ponto, pero sin perder la ternura. Por fim, a camiseta Cartola traz este homem que foi a personificação do samba em sua imagem mais famosa., ideal para aquele papai que é folião e e realmente apaixonado por música.

Camiseta Folião
Camiseta Malemolência
Camiseta Cartola

O Papai Gamer.

É o papai companheiro, parceiro para todas as horas e que, mesmo sendo super competitivo, vai deixar o filho ganhar no videogame (sendo que, quando o filho crescer e pegar as manhas, é ele quem vai deixar o pai ganhar de vez em quando, só pra não ficar chato). O papai gamer manja tudo de tecnologia e está sempre ligado nas mais novas tendências dos games, porém não vai deixar jamais de ter à mão um Super Mario clássico pra relaxar. Mas claro que precisamos ter em mente que as pessoas são multifacetadas, e ninguém tem só um hobby ou interesse. Falando em mente, os papais que curtem games e outras cores, sempre com a cabeças feita, certamente vão se encantar com a camiseta Psy Station. Já aqueles que viveram intensamente os anos 90, certamente vão amar a camiseta Super Smile. Já o papai que está sempre com um pé no game e outro na luta de classes, não pode ficar sem a camiseta Activism.

Camiseta Psy Station
Camiseta Super Smile
Camiseta Activism

O Papai das Plantas.

Há quem diga que, para crescer saudável, criança tem brincar na terra. Para o papai das plantas isso é uma realidade. É aquele pai que vai tomar banho de chuva no jardim com as crianças nos dias quentes de verão. Em geral é um papai vegetariano que manja dos temperos e sempre faz rangos deliciosos. Mas, acima de tudo é o pai que vai ensinar sua prole a amar e cuidar da natureza, a começar pelo cuidado com as plantinhas da casa. Todo papai de plantas que se preze sabe que não tem nada mais importante do que defender a preservação dos nossos biomas. E a camiseta Mata Atlântica, além de linda, deixa isso claro. Para o papai que cultiva com esmero uma exuberante urban jungle, sugerimos a descolada camiseta Monstera Deliciosa. E para o papai que tem aquela plantinha escondida ali no meio do jardim, e que de vez em quando fica com uma baita fome do nada, a camiseta THC pode ser uma boa pedida.

Camiseta Monstera Deliciosa
Camiseta Mata Atlântica
Camiseta THC

Exclusiva do Papai.

Independente de gostos, estilos e interesses, lógico que cada pai é único e original. E isso é algo a ser celebrado, certamente. Para tal, a gente te lembra que a Strip Me, além de todas as suas coleções lindas, também oferece a possibilidade de você presentear seu pai com uma camiseta exclusiva, personalizada. É a qualidade inconteste das nossas camisetas, produzidas com tecido certificado com selo BCI e de caimento perfeito, com a estampa que você quiser. Para isso, basta você ir até o nosso site e acessar a seção “Personalize” e seguir as instruções. Você manda a sua arte, escolhe a cor e tamanho da camiseta e pronto. O resto fica por nossa conta.

Camiseta Written and Directed – Personalizada
Camiseta Branca Personalizada
Camiseta Bootleg Personalizada – Raios

O Dia dos Pais é uma data realmente especial. A paternidade é essa viagem sem volta por um novo mundo desafiador e irresistível. E se você ainda não identificou o estilo do seu pai neste texto, se prepara, que semana que vem tem mais. Vamos dar continuidade falando sobre papais incríveis e seus estilos, bem como sugerindo um presente melhor que o outro! E se você quiser continuar lendo sobre sugestões de presentes para o Dia dos Pais, dá uma olhada aqui, neste texto que publicamos aqui ano passado. Lembrando que na nossa loja você encontra camisetas para todos os estilos! São coleções de camisetas de música, cinema, arte, cultura pop, bebidas, games, brasilidades, sustentabilidade e muito mais, além dos lançamentos que pintam por lá toda semana.

Vai fundo.

Para ouvir: Uma playlist daquelas, com músicas que falam sobre a paternidade. Dia dos Pais top 10 tracks.

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Samba rock: o que é, quem inventou e os 10 discos essenciais.

| Por Paulo Argollo | Nenhum comentário
Samba rock: o que é, quem inventou e os 10 discos essenciais.

No embalo do mês do rock, a Strip Me traz o rock à brasileira por excelência. O samba-rock começou na década de 1950 e segue sendo uma das mais genuínas expressões artísticas do Brasil. Saiba tudo sobre este gênero aqui.

“Eu só boto bebop no meu samba quando o Tio Sam tocar um tamborim. Quando ele pegar no pandeiro e na zabumba, quando ele aprender que o samba não é rumba. Aí eu vou misturar Miami com Copacabana, chiclete eu misturo com banana e o meu samba vai ficar assim. Olha aí o samba-rock, meu irmão!” Ironicamente a primeira menção ao termo samba-rock se encontra nesta música de 1959, um dos grandes clássicos da música brasileira, interpretada pelo mestre Jackson do Pandeiro. E a ironia é que a canção é justamente um manifesto em prol da pureza do samba contra os estrangeirismos que invadiam o Brasil naquela época, exigindo que, se é pra rolar essa fusão, que seja feita igualmente. Nem mesmo ritmicamente a música remete ao gênero. Ainda assim, pode ser considerada um dos pontos de origem do samba-rock. Hoje a Strip Me dá uma geral no samba-rock, com suas origens, principais nomes e os 10 discos essenciais do gênero.

No passinho.

O samba-rock é um caso interessante, onde a dança veio antes que a música. Anos antes de Jorge Ben eternizar sua batida de violão inigualável no clássico Samba Esquema Novo, já rolavam em São Paulo grandes bailes, onde pessoas de classe média e classe baixa se divertiam e dançavam ao som dos grandes sucessos internacionais e brasileiros da época. Em meados dos anos 50 os melhores salões de baile da cidade de São Paulo eram animados por grandes orquestras e prevalecia um elitismo descarado, com segregação racial e tudo. Já os bailes frequentados pelas classes menos abastadas eram animados por grandes sistemas de som, onde rolavam os discos de sucesso do momento. Como era comum rolar um rock e depois um samba no som, o pessoal começou a misturar os passos de dança. Principalmente os negros que frequentavam esses bailes, começaram a desenvolver passos de twist e rock no ritmo do samba. E isso virou febre, essa nova dança acabou chegando no Rio de Janeiro e ganhou o nome de samba-rock.

Tudo Ben.

Se a gente quiser ser muito técnico e racional, podemos dizer que o samba-rock é um samba onde a acentuação rítmica é alterada, sendo o compasso do samba, que é binário (2/4), adaptado ao compasso quaternário (4/4) do rock. Além disso, é marcante o uso de guitarra, baixo e bateria, com o adicional de alguma percussão e naipe de metais. Mas como toda arte realmente expressiva e original, tudo aconteceu naturalmente, de maneira instintiva.

É senso comum que quem realmente inventou o samba-rock foi Jorge Ben Jor (à época conhecido apenas como Jorge Ben). O próprio já contou em entrevistas que, sendo um músico autodidata, acabou desenvolvendo uma batida de violão única ao tentar emular o violão bossanovista de João Gilberto. Isso fez com que ele tivesse uma batida de violão mais suingada e sincopada, que ficava entre a bossa nova e o rock. Apesar do disco de estreia de Jorge Ben, Samba Esquema Novo, ser um clássico absoluto, com músicas como Mais que Nada e Chove Chuva, seus 4 primeiros discos são discos mais convencionais, de samba e bossa nova. Foi em 1969, com o disco entitulado simplesmente Jorge Ben, que Jorge conscientemente começou a lapidar seu estilo, criando algo novo. Neste disco estão hits como País Tropical, Que Pena (Ela Não Gosta Mais de Mim), Charles Anjo 45, Take it Easy My Brother Charles e Cadê Tereza. E o samba-rock seria cristalizado definitivamente como gênero musical distinto no antológico disco de 1974 A Tábua de Esmeralda, onde Jorge Ben realmente alcança seu auge criativo.

10 discos essenciais do samba-rock.

Jorge Ben (1969) A Tábua de Esmeralda (1974) África Brasil (1976)

Jorge Ben Jor estabeleceu os fundamentos do samba-rock nesses 3 discos. No disco de 1969 ainda encontramos muitos elementos, incluindo as bases rítmicas, mais voltadas para o samba, mas tanto na temática das letras quanto nos arranjos, dá pra sacar algo mais. São canções mais ensolaradas e empolgantes. N’A Tábua de Esmeralda Jorge Ben já consolidou uma cadência singular e arrebatadora. A real é que convencionou-se chamar o gênero de samba-rock, simplesmente por misturar a música brasileira com elementos da música negra norte americana, o rock aí incluso. Mas, além do rock, também o soul e o funk fazem parte dessa mistura. A Tábua de Esmeralda já abre com uma levada de violão irresistível, que nada mais é do que um samba funkeado. E o disco todo tem essa toada, com composições brilhantes. Em África Brasil Jorge Ben atinge um nível altíssimo de qualidade em suas canções. Um disco conceitual muito bem elaborado onde, através de canções como Ponta de Lança Africano, Taj Mahal, Xica da Silva, A História de Jorge, África Brasil (Zumbi), Jorge Ben se conecta seus ancestrais e conta a história dos negros no Brasil. É um disco irretocável.

Di Melo – Di Melo (1975) Cheio de Razão – Bebeto (1978) Branca Mete Bronca – Branca di Neve (1987)

Como já foi dito, o samba-rock também tem em seu DNA muito do soul e funk. E foram artistas mais ligados nesse tipo de som que embarcaram na onda do samba-rock, alguns com mais ênfase no groove, o que deu uma nova cara ao estilo. Por isso, o disco do pernambucano Di Melo figura entre os mais relevantes não só do samba-rock, mas da música popular brasileira dos anos 70. Com grandes canções, Di Melo mescla ritmos e estilos com naturalidade. O disco em questão, seu primeiro LP, ainda hoje é reverenciado pela sua inventividade, sendo sampleado por muitos DJs mundo afora. Já com o pé mais fincado no samba, Bebeto foi outro que entendeu bem a mensagem de Jorge Ben e conseguiu conceber um disco delicioso de se ouvir, cheio de suíngue e boas melodias. O percussionista Branca di Neve foi outro que soube como poucos compor grandes canções com muito sambalanço. Branca di Neve era paulista e fez parte do lendário grupo Os Originais do Samba, além de ter sido músico de apoio de artistas como Toquinho e Nara Leão. Depois de toda uma vida dedicada a tocar com outros artistas, somente no fim dos anos oitenta resolveu gravar suas próprias composições. Branca Mete Bronca é uma aula de samba-rock.

Por Pouco – Mundo Livre S/A (2000) Samba Esporte Fino – Seu Jorge (2001) Samba Rock – Trio Mocotó (2001)

A excelente banda Mundo Livre S/A tem sua existência completamente ligada ao movimento manguebeat e ao rock mais convencional. Ainda assim, em seu quarto disco de estúdio acabaram por cometer uma obra que reverencia e referencia o samba-rock e, em especial, Jorge Ben Jor. Com letras impactantes, as canções vão além do suíngue do samba-rock ao incorporar também elementos de hip hop e outros estilos. Uma obra prima que abre as portas do século XXI na música brasileira com muita classe. No ano seguinte Seu Jorge lança seu primeiro disco, uma obra arrebatadora. Puxado pelo hit Carolina, é um disco saborosíssimo, desses que não dá vontade de pular nenhuma faixa. Compositor de mão cheia, Seu Jorge usa o samba-rock, o soul e a gafieira pra enfileirar grandes canções, a maioria exaltando o Rio de Janeiro. No mesmo ano, o legendário Trio Mocotó retornou às atividades depois de um hiato de décadas. E aqui estamos falando de verdadeiros mestres do samba-rock, afinal o grupo foi a banda de apoio de Jorge Ben entre 1969 e 1971, para em seguida seguir carreira solo. O Trio Mocotó gravou com Jorge Ben os discos Jorge Ben (1969), Força Bruta (1970) e Negro é Lindo (1971). Em 1973 a banda lançou seu primeiro disco próprio, que teve boa repercussão na mídia, mas não vendeu muito e a banda se separou em seguida. Voltaram só em 2001 com um disco arrebatador e irresistível. Excelentes canções executadas com brilhantismo e uma produção moderna e vigorosa! Um disco fundamental.

Gil & Jorge – Gilberto Gil e Jorge Ben (1975)

Mais do que um disco essencial para entender o samba-rock, Gil & Jorge é um disco monumental da música brasileira, cuja história da concepção do álbum é das mais pitorescas. No início de 1975 calhou de vir passar uns dias de férias no Brasil ninguém menos que Eric Clapton. André Midani, diretor da gravadora Philips, ao saber da notícia, logo tratou de organizar uma festinha para o guitarrista inglês, contando com vários dos artistas brasileiros contratados da gravadora. Lá estavam Caetano Veloso, Rita Lee, Gilberto Gil e Jorge Ben, entre outros. Festa rolando, eis que pintam uns instrumentos e uma jam é iniciada. Em certo ponto, só estão Clapton, Gil e Jorge Ben, o primeiro com uma guitarra o os outros dois com violões, rolando altos improvisos. Mas logo Clapton desiste de tocar, um pouco incomodado. O fato é que os improvisos de Gil e Jorge, com ritmos cambaleantes e harmonias truncadas deram um nó na cabeça do guitarrista inglês. A dupla seguiu improvisando em cima de temas já existentes e também criando novos. No dia seguinte à festa, Midani reservou alguns horários num dos estúdios da gravadora e fez com que Gilberto Gil e Jorge Ben reproduzissem aquela jam com uma banda de apoio e que tudo fosse gravado. Assim surgiu o disco antológico Gil & Jorge. E, de fato, é um disco fenomenal.

Camiseta Roda de Samba
Camiseta Malemolência
Camiseta Color Palette

Assim como o gênero musical segue firme e se renovando, o samba-rock enquanto dança também ainda resiste e é praticado em salões por todo o país. Definitivamente uma expressão cultural brasileira única, riquíssima e recheada de boas histórias. Um prato cheio para instigar e inspirar a Strip Me. Vem conferir a nossa coleção de camisetas de música e de brasilidades pra se conectar com esse sambalanço gostoso. Aproveita pra dar uma olhada nas coleções de camisetas de arte, cinema, cultura pop, bebidas, games e muito mais. No nosso site, além disso tudo, você também fica por dentro de todos os nossos lançamentos, que pintam por lá toda semana.

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist cheia de suíngue com o que tem de melhor no samba-rock! Samba-rock top 10 tracks.

Camiseta Chico Caetano
Camiseta Atento e Forte
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Dia do Rock: As 10 guitarras que mudaram a música.

| Por Paulo Argollo | Nenhum comentário
Dia do Rock: As 10 guitarras que mudaram a música.

Para celebrar o Dia do Rock, nada mais adequado do que falar sobre o símbolo máximo do gênero, a guitarra. A Strip Me elenca os 10 modelos de guitarra mais marcantes da história do rock ‘n roll e da música pop.

O que veio primeiro? A guitarra ou o rock ‘n roll? Este não é um caso do ovo ou a galinha. Claramente a guitarra veio primeiro, desenvolvida na década de 1940. Não existe um consenso sobre um marco zero, ou o registro da primeira guitarra fabricada e quem a criou. Técnicos e músicos foram desenvolvendo ao longo do tempo, primeiro tentando amplificar o som do violão e depois, com a invenção do captador, começou a evolução da guitarra. O captador foi criado em 1923 pelo músico e engenheiro acústico americano Lloyd Loar. Trata-se de um dispositivo que transforma a vibração das cordas de aço em sinais elétricos, que são transformados em ondas sonoras num amplificador. Em 1932 um músico suíço radicado nos Estados Unidos ficou amigo de Loar, conheceu sua invenção e desenvolveu um protótipo de um instrumento de braço longo e corpo com curvas arredondadas, equipado com uma placa eletrificada com o captador de Loar. Este protótipo foi patenteado por seu criador, Adolf Rickenbacker, e é considerado por alguns historiadores como a primeira guitarra propriamente dita.

Mas desde que Bill Haley gravou a seminal faixa Rock Around the Clock empunhando uma Gibson ES 300 o mundo nunca mais foi o mesmo. Em seguida, Chuck Berry imortaliza a Gibson ES 335 com seu duck walk e Elvis Presley leva o rock ‘n roll para todos os cantos do mundo, sempre acompanhado de seu fiel escudeiro, o guitarrista Scotty Moore, que tocava uma linda Gibson ES 295 dourada, guitarra esta que ficou conhecida como a guitarra que mudou o mundo. Apesar de inicialmente ser um instrumento pensado mais para o jazz e blues, logo a guitarra se tornou a locomotiva do rock. E muitos foram os diferentes modelos desenvolvidos nesses 70 anos de excessivo uso da escala pentatônica. A Strip Me traz os 10 modelos de guitarra que entraram para a história do rock.

Cigar Box Guitar

Se a gente pensar no rock ‘n roll como atitude e life style, dá pra considerar que tudo começou mesmo no fim do século XIX. Os Estados Unidos viviam uma depressão econômica grave. Para quem curtia fazer um som, a situação era delicada, já que os instrumentos musicais eram caríssimos. Assim, no melhor estilo Do It Yourself, músicos de bluegrass e blues aproveitavam caixas de charutos, que eram de madeira e davam boa acústica, para criar instrumentos que simulavam banjos e rabecas. Eram instrumentos que iam de 1 a 4 cordas. No começo do século XX, depois da invenção do captador, músicos de blues eletrificaram esses instrumentos, buscando novas sonoridades. Quem primeiro se notabilizou ao utilizar uma cigar box fazendo as vezes da guitarra foi Blind Willie Johnson, um dos pioneiros do blues. Mas não podemos chamar o instrumento de guitarra, já que a cigar box ali tinha menos cordas e um braço mais curto. Foi outro bluesman quem fez da cigar box uma guitarra de fato. Bo Diddley adorava a sonoridade da cigar box e levou a ideia para um luthier. A ideia era fazer uma guitarra convencional, com 6 cordas e braço de 21 escalas, além de um captador, mas o corpo sendo uma caixa quadrada de madeira. Outros guitarristas curtiram a ideia e as cigar box guitars se popularizaram. Além de Diddley, Billy Gibbons do ZZ Top, os mestres do blues Albert King e Buddy Guy e até mesmo Paul McCartney já se aventuraram tocando uma cigar box guitar.

Gretsch Country Gentleman

A Gretsch começou como uma pequena fábrica e loja de instrumentos de percussão. Com bom olho para os negócios, o jovem Fred Gretsch se ligou na crescente popularidade das guitarras Gibson entre músicos de jazz e big bands e começou a fabricar guitarras similares, mas mais baratas. Com ótimo senso estético, as guitarras de Gretsch tinham um design mais elegante e cheio de detalhes. Nos anos 50, sua sonoridade encorpada encantou guitarristas que começavam a se aventurar no r’n’b e rock ‘n roll e foi parar nas mãos de gente como Chet Atkins, Carl Perkins e Eddie Cochran. Se tornou assim o maior símbolo do rockabilly, estilo que, além dos músicos citados, teve no início representantes como Elvis Presley e Jerry Lee Lewis. Nos anos 80 a banda Stray Cats reacendeu a chama do rockabilly, tendo a frente o talentoso guitarrista Brian Setzer, que sempre usou guitarras Gretsch. Para além do rockabilly, a guitarra Gretsch Country Gentleman já foi um dos instrumentos favoritos de George Harrison e é o sonho de consumo de muito guitarrista por aí.

Fender Telecaster

Fender e Gibson rivalizam desde os anos 50, disputando o posto de marca favorita dos músicos. Até 1950 a Gibson dominava o mercado e, até então só existiam guitarras semi acústicas ou acústicas. Foi Leo Fender que desenvolveu a primeira guitarra de corpo maciço a se tornar popular. O fato de o corpo do instrumento não ser oco diminuía microfonia e permitia um som com mais sustentação. A Tele foi logo adotada por vários guitarristas, em especial músicos de country, que apreciavam seu som mais seco e grave. Já no final dos anos sessenta, a Tele se popularizou entre os guitarristas de rock. No lendário show dos Beatles em cima do prédio da Apple, George Harrison usa uma linda Telecaster rosewood, e essa mesma guitarra foi utilizada na gravação de boa parte do disco Let It Be. Mas a tele se tornou icônica mesmo nas mãos de dois gênios. Um é Keith Richards, que imortalizou a tele com a afinação aberta em sol, sem a corda mi mais grave. O outro é The Boss Bruce Springsteen, com riffs simples, mas brilhantes.

Rickenbacker 360/12

A Rickenbacker sempre produziu bons instrumentos, mas até o começo dos anos 60 era uma marca modesta e sem grande expressão. Quem catapultou a marca foram os Beatles. John Lennon e George Harrison se encantaram com o timbre mais estridente e vigoroso das guitarras da marca e passaram a utilizá-las. Mas foi o modelo 360/12 que realmente mudou tudo. Foi a primeira guitarra de 12 cordas que a Rickenbacker fabricou, e acertou logo de cara. George Harrison logo a adotou e é possível ouví-la em várias gravações dos Beatles entre 1964 e 1966, incluindo clássicos como A Hard Day’s Night e Ticket to Ride. A sonoridade límpida e única dessa guitarra encantou também outros músicos (por causa dos Beatles, diga-se). Assim, a Rickenbacker 360/12 tornou-se uma das marcas registradas da sonoridade da banda The Byrds e toda a cena folk rock que se formava na California. Este modelo também brilhou nas mãos de caras como Tom Petty, Johnny Marr, Pete Townshend e Jeff Buckley.

Gibson ES 335

Certamente uma das guitarras mais marcantes da história da música. Uma guitarra semi acústica robusta e versátil. Um de seus diferenciais é a combinação dos dois captadores hambucker com as reentrâncias do corpo do instrumento, criando um som mais denso, que num volume mais alto, mesmo sem nenhum efeito, pode soar levemente distorcido. Foi um dos primeiros modelos desenvolvidos pela Gibson e logo se tornou o mais popular, sendo desbancado apenas pelo modelo Les Paul anos depois. Mas até hoje é o segundo modelo da marca mais vendido. A ES 335 é simplesmente a guitarra de Chuck Berry. A lendária guitarra Lucille do mestre B.B. King é uma Gibson ES 335 preta. Também é a guitarra favorita de Andy Summers, John McLaughin, Johnny Rivers, Noel Gallagher e muitos outros. Ah, sim. Também é a guitarra que Marty McFly usa para tocar Johnny B. Goode em 1955.

Mosrite Ventures II

Samie Moseley era guitarrista e aprendiz de luthier. Trabalhou na fábrica da Rickenbacker, onde aprendeu muito. Na metade da década de 50 decidiu abrir sua própria fábrica de guitarras. Nascia a Mosrite. Moseley se ligou no sucesso que a Telecaster e a recém criada Stratocaster, da Fender, estavam fazendo e investiu na criação de guitarras de corpo sólido, com design mais moderno. No começo dos anos 60 fez uma parceria que mudou o rumo da empresa. Junto com o guitarrista Don Wilson, Moseley criou uma guitarra especial para a banda de Don, The Ventures. Era um instrumento cuja sonoridade era mais aguda e parecia ter um vibrato natural. Além disso, tinha um design diferente, mais alongado. E foi o modelo Mosrite Ventures II que mudou o mundo, ao se tornar a guitarra preferida de um moleque em New York no começo dos anos 70. Claro que estamos falando de John Cummings, que ficaria mais conhecido como Johnny Ramone. Por causa dos Ramones, a Mosrite se tornou símbolo do punk rock. Até porque, antes do Johnny Ramone, Dave Alexander dos Stooges e Fred Smith do MC5 já usavam guitarras Mosrite. E décadas depois, uma Mosrite também foi a primeira guitarra de Kurt Cobain.

Fender Jaguar

Falando em Kurt Cobain, a Fender Jaguar não pode ficar de fora dessa lista. Criada pela Fender em 1962 justamente para competir com a Mosrite, era a guitarra ideal para a crescente onda de surf music de bandas como The Shadows e The Ventures. A Jaguar é uma evolução da Jazzmaster, instrumento que a Fender criou para agradar os guitarristas de jazz, com um timbre mais encorpado e versátil. A Jaguar vinha com mais possibilidades de sons através do controle independente dos captadores. Foi um modelo que dominou o mercado nos anos 60, mas depois perdeu espaço para a Les Paul e novos modelos da Gretsch. Mas nos anos 80 foi redescoberta na Inglaterra pela turminha pós punk, sendo a guitarra número 1 do Johnny Marr, guitarrista dos Smiths, e nos Estados Unidos pelos alternativos como Thurston Moore e Lee Ranaldo do Sonic Youth. Mas quem fez a Jaguar voltar com tudo mesmo, foi Kurt Cobain (que começou a usá-la justamente por influência do Sonic Youth). Nessa época, a Jaguar já havia passado por algumas reformulações e, agora vinha com captadores hambucker, mais robustos que os single coil utilizados nas primeiras levas do modelo nos anos 60. A Jaguar ficou marcada como a guitarra de Cobain, mas também teve muitos outros guitarristas célebres a empunhando, como Elvis Costello, Tom Verlaine, Mark Arm, Black Francis e muitos outros.

Gibson SG

A Gibson começou a fabricar a Les Paul em 1952, para entrar no mercado das guitarras de corpo sólido. Ganhou adeptos e tudo ia bem. Mas, no começo dos anos 60 as vendas da Les Paul começaram a cair. Além do valor, os guitarristas tinham duas reclamações recorrentes sobre o modelo: era muito pesada e o acesso às últimas escalas do braço era desconfortável. Assim, a Gibson se empenhou em desenvolver uma nova guitarra sólida, com a mesma qualidade da Les Paul, mas mais leve e com novo design. Nascia a Gibson SG (abreviação de Solid Guitar). E funcionou. A SG se popularizou rapidamente. Além do timbre potente, braço mais confortável e corpo mais fino e mais leve, seu design moderno agradou a turma do rock ‘n roll. Se tornou a guitarra de pesos pesados como Tony Iommi, Carlos Santana, Robby Krieger, Mark Farner e Max Cavalera. Também foi a guitarra que conquistou uma das mulheres mais importantes do rock ‘n roll. Sister Rosetta Tharpe já tocava guitarra com distorção no blues, muito antes do rock, e por isso, ela é considerada uma das pioneiras do rock. Quando a SG pintou no mercado, Sister Rosetta a adotou, e em suas apresentações mais notáveis no começo dos anos 60, ela toca uma bela SG branca. E, é claro, a SG, se tornou a marca registrada de Angus Young e é o modelo que remete imediatamente ao AC DC.

Gibson Les Paul

Apesar das críticas lá nos anos 60, a Les Paul nunca deixou de ser fabricada, e nem de vender muito. Sim, ela é uma guitarra pesada. Mas justamente pelo seu corpo sólido mais largo, ela tem um timbre tão marcante e profundo. Esse timbre também se deve aos dois captadores hambucker que produzem um som cristalino, sem ruídos e muito encorpado. Na real, é impossível conseguir um timbre igual ao de uma Les Paul com outro modelo de guitarra. A combinação desse timbre intenso da Les Paul com um amplificador valvulado como um Marshall produzem um som poderoso e irresistível. É por isso que a Les Paul é um dos modelos mais vendidos no mundo até hoje e é um dos maiores ícones do rock. Basta pensar em caras como Jimmy Page, Slash, Pete Townshend, Frank Zappa, Ace Frehley, Zakk Wylde, Marc Bolan e Neil Young, que automaticamente você verá uma guitarra Les Paul.

Fender Stratocaster

Não tem pra ninguém. A boa e velha Strato é a guitarra número 1 do mundo. Além de ser absoluta no rock, é uma guitarra versátil que serve muito bem a músicos de todos os estilos. Ao contrário da Les Paul, a Stratocaster é muito versátil, tem 3 captadores single coil, que permitem várias combinações de sonoridade. Apesar de serem captadores mais suscetíveis a ruídos e microfonias, tem um som com mais brilho e presença. A Strato é uma guitarra confortabilíssima de se tocar, com um braço fino e corpo leve. E seu design é marcante e imponente, o símbolo máximo do rock ‘n roll. Uma Strato plugada num amplificador Fender Twin Reverb é incomparável! Não é à toa que é a guitarra escolhida por Jimi Hendrix, Eric Clapton, Jeff Beck, Ritchie Blackmore, Rory Gallagher, Steve Ray Vaughan, John Mayer, David Gilmour e tantos outros. Aliás, David Gilmour é sabidamente o proprietário da Fender Stratocaster com o número de série 0001, fabricada em 1954. Se uma Fender fabricada hoje em dia já custa uma grana alta, imagine essa aí.

Menção honrosa: Frankenstrat

Se estamos falando de guitarras que ajudaram a revolucionar a música, não dá pra não falar de Eddie Van Halen e sua inigualável guitarra. Eddie Van Halen revolucionou o jeito de tocar guitarra no heavy metal. Além de sua habilidade assombrosa e inventividade, ele buscou inovar também em seu equipamento. Assim, não só desenvolveu efeitos e distorções próprias, como foi até a fábrica da Fender propor algumas alterações em sua Stratocaster. A guitarra batizada como Frankenstrat é uma Stratocaster com um captador hambucker na ponte e dois single coil no meio e no braço, além de uma ponte floyd rose, microafinação e uma pintura vermelha com traços brancos e pretos. A sonoridade de Eddie Van Halen com sua Frankenstrat influenciou diretamente guitarristas não só do metal, mas de vários gêneros, ajudando a popularizar guitarras com ponte floyd rose e microafinação.

Camiseta Guitarras Icônicas
Camiseta Guitarra Vintage
Camiseta Punk Guitars

Alguns anos atrás circulou uma notícia, verdadeira diga-se, de que a venda de guitarras elétricas tinha caído vertiginosamente ao redor do mundo. Isso aconteceu por vários motivos, incluindo o imediatismo inerente às novas gerações, acostumadas a ter tudo pronto no celular e também pela popularização de ferramentas digitais de produção musical. Mas assim como a guitarra nunca vai deixar de existir e empolgar jovens sedentos por música e boas doses de rebeldia, o rock ‘n roll também segue firme e forte. Pode não ser o gênero mais popular do mundo, como já foi outrora, mas certamente é o que mais tem consumidores fiéis e apaixonados. A Strip Me, que exala rock ‘n roll por todos os poros, concorda que todo dia é dia de rock, por isso nossa coleção de camisetas de música está recheada de estampas lindas com as mais variadas referências ao rock. Uma pegada, aliás, que se encontra em todo o nosso catálogo, incluindo as camisetas de arte, cinema, cultura pop, bebidas, games e muito mais. Cola lá no nosso site pra conferir e ficar por dentro de todos os nossos lançamentos, que pintam por lá toda semana.

Vai fundo.

Para ouvir: Uma playlist com grandes canções de alguns dos guitarristas citados neste texto. Guitarra top 10 tracks.

Para assistir: Para quem se liga em guitarras e guitarristas, vale a pena conferir o documentário A Todo Volume, que reúne Jimmy Page, Jack White e The Edge para conversar sobre música, guitarras e para tocar também, é claro.

Camiseta McFly
Camiseta Jimi Smoke
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Menu de Bar: As 10 delícias que são marca registrada de um bom boteco.

| Por Paulo Argollo | Nenhum comentário
Menu de Bar: As 10 delícias que são marca registrada de um bom boteco.

Bar, boteco, botequim… o nome varia, mas define um lugar simples, aconchegante e repleto de sabores! A Strip Me entrega hoje a real sobre o que há de melhor no cardápio do boteco.

Vovó já dizia que saco vazio não pára em pé. Lógico que, na maioria das vezes, a gente vai no boteco pra jogar conversa pra fora e cerveja pra dentro da goela. Mas se alimentar durante esse processo é fundamental, tanto para equilibrar o nível alcoólico no organismo, como para realmente apreciar uma gastronomia que compensa uma possível falta de requinte com muito sabor e fartura. Sim, comer bem também faz parte da aura do boteco.

Mas antes de realmente adentrarmos nos pormenores do cardápio, é importante definirmos aqui a que tipo de boteco nos referimos. Repare bem, existem vários tipos de bares. Tem aquele mais raiz, que se resume a um balcão, três ou quatro mesas com cadeiras estampadas com marca de cerveja, engradados empilhados num canto e um senhor de meia idade, normalmente mal-humorado atrás do balcão. Fica aberto o dia todo e em raríssimos casos tem mais de 3 opções de alimento disponíveis. Outro é o barzinho do happy hour, ele abre só depois das cinco da tarde, tem ali um espetinho sendo feito na hora e outras opções de tira gosto, mas não permanece aberto noite adentro. Tem também o bar da noite, um boteco mais bem preparado, com um cardápio legal de porções, atendimento bom, uma tv passando futebol sem áudio, enquanto toca um sambinha no som ambiente. É o bar que fica até de madrugada e onde uma ou outra mesa acumula um número considerável de saideiras.

Mas o bar ao qual nos referimos hoje é aquele que fica aberto desde de manhã até o começo da noite e funciona como padaria, lanchonete, restaurante e bar do happy hour. Geralmente está localizado em centros urbanos de grande movimento, tem um balcão extenso com banquetas, além das mesas e cadeiras de madeira, normalmente as paredes são revestidas de azulejos, atrás do balcão tem uma grande chapa, na parede, uma prateleira metálica com frutas para o preparo de sucos, no caixa uma plataforma de acrílico com uma grande variedade de marcas de cigarro e rola uma movimentação frenética entre o pessoal que trabalha ali, mas tudo parece funcionar bem, como uma colmeia de abelhas. É um lugar mágico e delicioso, onde todos os seus sentidos são provocados. E é em lugares assim que encontramos o menu mais democrático e delicioso do mundo.

Pão na chapa

Como dissemos, este tipo de boteco funciona como padaria. Não que as pessoas vão lá para comprar pão, mas sim para tomar um café da manhã rápido antes de ir trabalhar. E qual melhor opção para um desjejum do que um pingado quentinho e um pão na chapa com bastante manteiga? Não existe registro da origem do pão na chapa, mas especula-se que surgiu nas padarias de São Paulo nos anos 40, e logo se popularizou Brasil afora. Tanto que o carioca Noel Rosa, um dos maiores nomes do samba, imortalizou a receita no clássico samba Conversa de Botequim, ao pedir ao garçom que lhe trouxesse depressa uma boa média que não fosse requentada, um pão bem quente com manteiga à beça, um guardanapo e um copo d’água bem gelado.

PF

Muita gente vai no boteco pra almoçar. Afinal, o boteco é a casa do PF, o prato feito! O PF é uma instituição brasileira. E, no boteco reina o calendário semanal do PF, que consiste em: Segunda feira virado à paulista, terça feira picadinho, quarta feira e sábado feijoada, quinta feira frango à milanesa e sexta feira peixe frito. As guarnições são sempre um arroz e feijão bem temperados e uma salada de folhas ou maionese de legumes. Este calendário pode variar de lugar pra lugar, mas tradicionalmente, é isso aí. Além de tudo, o boteco proporciona essa refeição com um preço acessível, quantidade generosa de comida e sempre tem aquele molhinho de pimenta da casa que dá o toque final! PF de boteco é simplesmente uma refeição inigualável, cujo sabor é impossível de ser reproduzido em outra cozinha, senão a do próprio boteco.

Conservas

A partir do meio da tarde, o boteco já começa a ser frequentado por pessoas que buscam relaxar, tomar uma cervejinha e conversar. Uma das opções clássicas de um bom boteco são as conservas. Existem 4 que são as mais comuns e populares: o ovo de codorna, a mini salsicha, a cebolinha e o tremoço.São conhecidos como conservas porque são conservados imersos numa mistura de água, vinagre e temperos variados. O ovo de codorna ganha uma textura mais rígida, mas também um sabor mais intenso. A mini salsicha, já naturalmente condimentada, também agrega complexidade ao seu sabor. A cebolinha, de sabor forte, funciona como adstringente, tornando cada gole de cerveja mais refrescante e o tremoço, o rei dos milhos, é uma iguaria única, imortalizada pelos botecos do Brasil e adorada por qualquer botequeiro que se preze. Os potes de conserva acabam sendo parte da identidade e decoração do boteco.

Porção fria

Aqui já entramos de vez no cardápio do boteco relacionado aos petiscos que vão acompanhar e engrandecer o bate papo e a cervejinha. No caso da porção fria, cada boteco tem a sua particularidade, mas em geral, se resume a uma porção com salaminho fatiado, azeitonas verdes com caroço e queijo cortado em cubinhos, normalmente muçarela, tudo regado com limão e azeite de oliva e já com alguns palitinhos espetados para facilitar a vida do cliente. É sempre uma porçãozinha simples, mas muito saborosa. Lembrando que não é de bom tom questionar a procedência dos produtos. Isso pode enfurecer o dono do estabelecimento, e a resposta pode ser um tanto desanimadora para você.

Pastel

Uma iguaria trazida pelos orientais, mas que o brasileiro já abraçou como sua há muito tempo. Pode aparecer no boteco de duas maneiras. Uma em seu tamanho normal, aproximadamente 15x15cm e de consumo individual, outra em porção de mini pastel, para ser compartilhada. Ambas são deliciosas e imperdíveis. Tamanha é a criatividade do brasileiro, que já existem pastéis com os mais inusitados sabores, de strogonoff a brigadeiro. Mas o boteco tem uma aura retrô por natureza e costuma evitar tais extravagâncias. Portanto, no caso do pastel normal, os sabores podem variar entre carne, queijo e pizza (presunto, muçarela, tomate e orégano), já na porção de mini pastel, os sabores se restringem a carne e queijo, sendo que uma porção pode conter ambos os sabores. Ao pedir pastel, é primordial solicitar junto o molho de pimenta da casa.

Mandioca frita

A mandioca é o símbolo máximo da gastronomia brasileira. Nativa dessas terras desde tempos imemoriais, a mandioca já era a base da alimentação dos povos originários, que não só a consumiam como farinha, como também extraíam dela um caldo que, após fermentado, era bebido e dava um barato, o famoso cauim, uma espécie de cachaça de mandioca, altamente alcoólica e muito usada em rituais pelos indígenas. Hoje em dia, a mandioca segue presente na nossa culinária, tanto na farofinha, quanto cortada, cozida com sal e depois bem fritinha. Uma porção clássica de boteco que permanece super popular. Realmente, o brasileiro tem mais é que saudar a mandioca mesmo!

Peixe frito

Aqui temos uma porção muito comum na maioria dos botecos. Uma das explicações para isso, apesar de não ter nenhuma comprovação científica ou empírica, é que, em geral, o dono de bar é aquele senhor de meia idade que não perde a oportunidade de fazer uma pescaria num domingo de tarde qualquer. Claro, essa é uma teoria, uma suposição, mas é tão sugestiva, que a gente aceita como verdade. Neste caso, temos também duas possibilidades. Uma, a mais comum, é que a porção seja preparada com iscas de filé de tilápia, ou algum outro peixe de água doce criado em cativeiro. Já a outra opção, mas difícil de encontrar, mas extremamente saborosa, é a porção de lambari frito. O lambari é um peixe pequeno, que depois de limpo, é preparado inteiro. É uma porção simplesmente maravilhosa, além de atestar com mais categoria a expertise de pescador do dono do bar, já que o lambari não é tão fácil assim de pegar.

Torresmo

O torresmo é o rei absoluto do boteco, isso é inquestionável. Seu sabor intenso, a textura que mistura a crocância da gordura bem frita com a carne tenra da barriga do porco, sua coloração convidativa de um dourado queimado, e o valor acessível também, é claro, fazem do torresmo a porção mais tradicional e mais consumida do boteco. Cabe aqui incluir a pururuca como iguaria igualmente ímpar e popular no boteco, mas vale uma ressalva para não haver confusão. Afinal, são petiscos parecidos, mas de preparo diferente. O torresmo consiste em pedaços da pele e gordura, eventualmente com carne, da barriga do porco, que é frita, ficando crocante por fora e macio por dentro. Já a pururuca consiste apenas na pele da barriga do porco, que é frita em óleo até ficar completamente desidratada e crocante. Ambas as porções são irresistíveis e reinam impávidas no topo dos menus, sendo as porções mais pedidas.

Caldos

Dando um tempo nas frituras, temos sempre nos bons botecos a opção de saborosos caldos quentes. Normalmente são poucas opções de sabores, sendo os mais populares os caldos de feijão e de mocotó. No inverno, alguns botecos investem e oferecem alguns sabores a mais, como o caldo de mandioca com costela ou o caldo de peixe. Nos estabelecimentos mais rústicos o caldinho é servido num copo americano, mas também pode ser servido em cumbucas, para se consumir com uma colher. Para ficar nos dois mais populares, o caldo de feijão é sempre delicioso, o feijão é cozido com bastante toucinho e bacon, a maior parte desse feijão vai ser servido nos PFs, mas uma parte do caldo e um punhado de feijões cozidos são batidos no liquidificador, formando um caldo cremoso, que será servido com salsinha e cubinhos de bacon. Já o mocotó nada mais é do que o tutano extraído das patas do boi. Tem um sabor intenso e riquíssimo em colágeno. Deve ser bem cozido, com bastante tempero com molho de tomate e cheiro verde. Apesar de ter gente que torce o nariz com um pouco de nojo, é uma iguaria deliciosa e barata.

Cafezinho

Antes de passar a régua e fechar a conta, não pode faltar o cafezinho pra equilibrar o paladar. O cafezinho do boteco tem sempre um sabor especial, mas também varia um pouco de lugar para lugar. Alguns botecos possuem aquelas grandes cafeteiras de aço que comportam mais de 30 litros e mantém o café bem quente. Já outros lugares optam por coar café várias vezes ao longo do dia, mantendo numa garrafa térmica comum. Nestes casos, é muito comum que o café já seja adoçado, normalmente beeem adoçado, inclusive. Mas seja depois de almoçar aquele exuberante PF, ou tomar algumas cervejinhas e comer um petisco, o cafezinho pra fechar a tampa cai como uma luva! Assim como o boteco, é uma das nossas mais importantes instituições nacionais.

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O ambiente plural, democrático e tão instigante para os sentidos que é o tradicional boteco é um dos mais preciosos pilares da cultura popular brasileira. Berço e inspiração para tantos sambas e modas de viola, o menu do boteco também conta uma história e tem um valor que supera o simplesmente monetário. Tudo isso faz parte da nossa cultura e nos inspira de tal forma, que a Strip Me tem toda uma coleção de camisetas dedicadas à brasilidade e ao nosso estimado boteco! Basta conferir as coleções de Bebidas, Carnaval, Verão e Tropics, além, é claro das camisetas de música, cinema, arte, cultura pop e muito mais. na nossa loja você fica por dentro disso tudo e também dos nossos lançamentos, que pintam toda semana.

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist caprichada só com canções sobre boteco. Menu de Bar top 10 tracks.


Para assistir: Para entender esse ambiente único e acolhedor ao qual nos referimos neste texto, vale assistir ao maravilhoso Tarantino’s Mind, um curta genial da dupla Bernanrdo Dutra e Manitou Felipe lançado em 2006, onde Selton Mello e Seu Jorge nos papéis de suas vidas, interpretam dois amigos num boteco conjecturando sobre a obra de Quentin Tarantino.

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