Nostalgia STM: 8 Festivais que marcaram época e não existem mais.

Categoria: Comportamento, Cultura Pop, Música, Posts

Nostalgia STM: 8 Festivais que marcaram época e não existem mais.

11/09/2024 | Por Paulo Argollo | Nenhum comentário

O Brasil tem um histórico notável de festivais de música, todos com momentos inesquecíveis. A Strip Me mostra hoje que nem só de Rock in Rio e Lollapalooza vive o brasileiro.

Juntar vários artistas num mesmo palco não é um negócio novo. Muito antes da contra cultura hippie, Woodstock e etc, já rolavam as caravanas de artistas, que viajavam de cidade em cidade tocando em feiras agropecuárias e quermesses de igrejas. Isso tanto na gringa como aqui no Brasil. Vamos lembrar que nos anos 50, umas dessas caravanas no sul dos Estados Unidos carregava Johnny Cash, Jerry Lee Lewis e Elvis Presley. Mas, sim, o conceito de festival de música como a gente conhece hoje, nasceu ali nos anos 60. Já falamos sobre isso aqui no blog, num texto bem legal sobre o Woodstock, que você pode ler aqui. No Brasil não foi diferente. Do mesmo jeito que rolavam as caravanas, que reuniam Inezita Barroso, Chitãozinho e Xororó e outros artistas, também nos anos 60 os hippies tupiniquins organizaram um mega festival, o nosso Woodstock, a ser realizado no Parque do Ibirapuera, em São Paulo. Batizado de Festival da Primavera, e carinhosamente apelidado de Ibirastock, o rolê estava marcado para os dias 15 e 16 de novembro de 1969. Porém, os militares fizeram com que o festival fosse cancelado dias antes. O que sobrou, e foi amplamente reproduzido, se tornando item de decoração, foi o cartaz psicodélico criado pelo artista Antonio Peticov.

Mas a história do Brasil com festivais de música vai muito além da ditadura militar. Antes do Ibirastock, os festivais realizados pelos canais de televisão já geravam um fuzuê danado tendo cenas antológicas como Gilberto Gil e Os Mutantes tocando Domingo no Parque, o bossanovista Sérgio Ricardo full pistola espatifando seu violão, Caetano Veloso cantando É Proibido Proibir e fazendo um discurso indignado contra o público, gritando “Vocês não entendem nada! Nada!”… enfim, isso tudo, é claro, até 1968, quando o AI 5 foi decretado e a censura se instaurou de vez, culminando no cancelamento dp Ibirastock. Porém, dali em diante, a contra cultura, músicas de protesto e a cultura pop em geral faziam com que artistas e bandas seguissem produzindo e nunca faltou quem quisesse fazer um festivalzinho aqui e ali. Até que, em 1975, finalmente rolou o Festival de Águas Claras, e o Brasil nunca mais ficou sem ter um festival de música rolando. Hoje a Strip Me relembra os festivais mais importantes que rolaram por aqui, mas que não existem mais.

Festival de Águas Claras

Os hippies brasileiros finalmente conseguiram ter seu Woodstock em 1975, graças aos esforços de um estudante de engenharia e amante da música, que resolveu realizar um festival na fazenda de sua família, na pequena cidade de Iacanga, no interior de São Paulo. Entre o cancelamento do Ibirastock em 1969 e o Festival de Águas Claras, outros festivais até rolaram, mas com pouca expressão e muita repressão. O jovem organizador do Festival de Águas Claras, era bem articulado e tinha boas conexões. Usou isso em seu favor e conseguiu autorizações do DOPS e outros orgãos de censura para realizar o festival. A primeira edição, em 1975, contou com várias bandas de rock como O Som Nosso de Cada Dia, Os Mutantes, O Terço e outros. A segunda edição foi a mais bem sucedida, aconteceu em 1981, quando já havia começado a abertura política da ditadura. Contou com um line up mais variado e estrelado, com nomes como João Gilberto, Gilberto Gil, Alceu Valença, Raul Seixas, Luiz Gonzaga e muitos outros. O festival ainda contou com duas outras edições, em 1983 e 1984, mas sem a mesma qualidade. A crise econômica e um certo amadorismo que, no início dava certo charme ao festival, acabaram atrapalhando. No ano seguinte veio o Rock in Rio e elevou o nível de maneira tão radical, que desanimou os organizadores a produzir novas edições.

M2000 Summer Concerts

O que se pode dizer, logo de cara, sobre o festival M2000 Summer Concerts, é que foi um baita evento ousado. Organizado pela então muito popular marca de tênis M2000, foi um festival emblemático porque levou essa estrutura de grandes festivais para o litoral, para cidades que, com exceção do Rio de Janeiro, não estavam habituadas a receber eventos daquele tamanho. Além do mais, os shows foram de graça, na areia da praia. E, para completar, os shows rolaram entre janeiro e fevereiro de 1994, época em que rolava em São Paulo e no Rio o legendário Hollywood Rock. O M2000 Summer Concerts rolou em 4 cidades do litoral: Santos, Rio de Janeiro, Florianópolis e Capão da Canoa, no Rio Grande do Sul. O festival contou com nomes internacionais de peso como Three Walls Down, Chaka Demus, Shabba Ranks, Fito Paez, Helmet, Rollins Band, Lemonheads e Mr. Big. O M2000 Summer Concerts ficou marcado por ser o primeiro festival de grande porte a levar milhares de pessoas para praia para curtir shows de graça. Também tem sua importância por ter sido o primeiro palco grande onde se apresentaram Chico Science & Nação Zumbi e também os Raimundos, que em seguida ganhariam notoriedade nacional.

Claro Q É Rock!

Em 2004 a empresa de telefonia Claro, com a intenção de fortalecer sua marca, resolveu promover um festival de música. A organização acertou a mão ao se concentrar num nicho que era muito pouco levado em conta nos line ups dos principais festivais, o rock e pop alternativo. A grande atração do evento foi a banda Placebo. O festival rolou em São Paulo e teve uma aceitação imensa do público. O que motivou a empresa em investir ainda mais no ano seguinte. A segunda edição do Claro Q É Rock, em 2005, foi realmente memorável com Iggy Pop, Sonic Youth, Flaming Lips, Fantômas, Good Charlotte e Nine Inch Nails. Um line up nunca antes visto, juntando tudo quanto é tipo de gente. O festival rolou na Chácara do Jockey, em São Paulo, no final de novembro, época de muita chuva. Mas o lamaçal não atrapalhou e o que se viu ali foram shows realmente inesquecíveis. Destaque para Mike Patton a frente dos Fantômas destilando bizarrices sonoras, mas também tocando um ou outro clássico do Faith no More, o vocalista dos Flaming Lips dentro de uma bolha rolando acima do público, Iggy Pop incansável fazendo mosh e chamando o público para invadir o palco e o Nine Inch Nails com um show absurdamente pesado e recheado de hits. Infelizmente, o festival parou por aí, mas deixou sua marca na história.

Planeta Terra Festival

Em 2007 o grupo de telecomunicação Terra Network resolveu entrar na onda dos festivais de música para alavancar sua marca entre os jovens. Malandramente, a organização acabou indo na mesma onda do Claro Q É Rock, que causou tanto furor em 2005. Na sua primeira edição, trouxeram nomes como Kasabian, Lily Allen e os mega influentes Devo. A fórmula funcionou muito bem. Tanto que o festival, a cada ano trazia pelo menos um nome desses, que é super importante e influente, mas não necessariamente tão popular. Assim, em 2008, trouxeram os papas do shoegaze The Jesus and Mary Chain, em 2009 Iggy Pop & The Stooges e Sonic Youth, em 2010 Smashing Pumpkins e Pavement, em 2011 The Strokes e Beady Eye, em 2012 Garbage e Kings of Leon e em 2013 Blur e Lana DelRey. Em 2014 a organização do festival anunciou que por conta da Copa do Mundo no Brasil e das eleições presidenciais, o evento não iria acontecer, mas prometeram que voltaria em 2015. O que nunca aconteceu. Ficamos orfãos de um dos festivais mais legais que já passaram por aqui, com line ups sempre surpreendentes.

Skol Beats

Sacando que nem tudo nessa vida é rock e de olho na alta popularidade que a música eletrônica e a cultura DJ tinham na virada do milênio, a cervejaria Skol decidiu realizar um festival de música eletrônica para promover sua marca.. Sua primeira edição aconteceu no ano 2000 e cobriu todos os estilos que estavam bombando na época como Jungle, Drum ‘n’ Bass, Trance, House e o Techno, trazendo nomes de peso como Paul Oakenfold, Armand van Helden, Frankie Knuckles, Bob Sinclar, DJ Rap, Fabio, Optical, Green Velvet, Stacey Pullen, além de nacionais como DJ Marky, Anderson Noise e Mau Mau. O Skol Beats rolou todo ano, de 2000 a 2008, na cidade de São Paulo e, nesse período se consolidou como o maior evento de música eletrônica da América do Sul. O festival nunca parou de crescer em seus 9 anos de existência. Portanto, todo mundo recebeu com surpresa a notícia de que a Skol estava cancelando a realização do festival de 2009 em diante, pois a marca não queria mais se envolver na realização de grandes eventos, mais sim patrocinar shows e eventos menores. Até hoje estamos tentando entender essa lógica e morrendo de saudade do festival Skol Beats.

SWU

O SWU foi um festival sem precedentes no Brasil. Idealizado por um publicitário e realizado por um grupo diverso de pessoas, o SWU Music & Arts Festival uniu a importância de se discutir a sustentabilidade com manifestações artísticas e música. Realizado no interior de São Paulo, o festival contava com uma infra estrutura que condizia com o seu ideal, utilizando geradores de energia movidos a biodiesel, por exemplo. Além de promover palestras e fóruns sobre sustentabilidade, o SWU, sigla para Starts With You, trouxe grandes nomes da música em suas duas edições. Trouxe pela primeira vez ao Brasil Rage Against the Machine, Lynyrd Skynyrd e Stone Temple Pilots, além de grandes nomes como Pixies, Faith No More, Alice in Chains, Dave Matthews Band, Regina Spektor, Joss Stone, Black Eyed Peas, Queens of the Stone Age, Linkin Park, Duran Duran… olha, foram realmente duas edições memoráveis, ocorridas em 2010 e 2011. Não se sabe a razão pela qual o festival deixou de ser realizado. Especula-se que o crescimento e surgimento de cada vez mais festivais no país, ou seja, a concorrência cada vez maior, fez com que os organizadores desistissem do projeto.

Free Jazz Festival/Tim Festival

A empresa de cigarros Souza Cruz se aventurou no negócio de festivais de música modestamente em 1975, dando origem a um dos festivais mais importantes da história do Brasil, o Hollywood Rock, que naquele ano foi idealizado pelo escritor Nelson Motta. A experiência não foi das mais positivas. Até que em 1985, com o sucesso do Rock in Rio a marca resolveu investir nesse ramo mais uma vez. Porém, preferiu se distanciar do rock, até para evitar comparações com o Rock in Rio, e foi criado o Free Jazz Festival. Além de trazer uma das marcas mais populares da empresa, o nome deixava claro que o foco era o jazz, mas havia liberdade para que outros estilos comparecessem. O festival rolou anualmente de 1985 a 2001, sendo que em apenas 1990 o evento não aconteceu por conta da crise econômica causada pelo famigerado Plano Collor. O Free Jazz fez história pelo seu ecletismo e grandes nomes da música que trouxe para tocar no Brasil, de Chet Baker a Fatboy Slim, passando por Ray Charles, Nina Simone, John Lee Hooker, Dizzy Gillespie, Duke Ellington, Albert King, Bo Diddley, Chuck Berry, James Brown, BB King, Stevie Wonder, Jamiroquai, Isaac Hayes, Bjork, Jeff Beck, Ben Harper, Sean Lennon, Manu chao, Belle and Sebastian… realmente eram line ups admiráveis. Em 2003, uma das prerrogativas da lei antitabagista aprovada pelo governo era que marcas de cigarro não poderiam patrocinar eventos culturais. Assim, a organização do festival passou para as mãos da empresa de telefonia Tim, passando a se chamar Tim Festival. O Tim Festival seguiu a mesma linha do Free Jazz, dando maior ênfase ao jazz, à música eletrônica e alternativa. Sob o nome Tim festival, ao longe de suas 6 edições, entre 2003 e 2008, vieram ao Brasil nomes como The White Stripes, Public Enemy, Kanye West, Cat Power, Arctic Monkeys, The Killers, Herbie Hancock, Patti Smith, Daft Punk, Arcade Fire, Wilco, Libertines e muito mais. O festival encerrou as atividades por conta da crise financeira de 2008, e nunca mais voltou.

Hollywood Rock

Pois é, como já foi dito acima, a primeiríssima edição do Hollywood Rock foi organizada pelo Nelson Motta em 1975, e a Souza Cruz entrou como patrocinadora, mas não deu pitaco na organização do festival, que contou apenas com artistas brasileiros. O evento rolou no estádio do Botafogo, no Rio de Janeiro, e foi marcado por muitos problemas técnicos, aparelhagem ruim e muita chuva. Mesmo assim, shows de Raul Seixas, Mutantes, Rita Lee & Tutti Frutti, o Peso e Vímana foram marcantes. Em 1988, com o Free Jazz dando bons resultados, a marca resolveu investir no Hollywood Rock, mas agora tendo mais autonomia sobre a organização. Com o know how do Free Jazz nas costas, trouxeram grandes atrações como UB40, Simply Red, Duran Duran e Supertramp. Foi um sucesso. Em 1989 o festival não rolou, por conta da caótica campanha para eleições presidenciais. Em 1990 o Hollywood Rock se consolidou de vez ao trazer Bob Dylan, Marillion e Bon Jovi, que estava no auge de sua carreira. Em 1992 seguiu trazendo grandes nomes e proporcionando uma estrutura cada vez melhor. Os destaques daquele ano foram EMF, Seal, Living Colour, Skid Row e Extreme. 1993 foi o ano mais emblemático do festival. O ano do grunge, cujo line up trazia L7, Alice in Chains, Red Hot Chilli Peppers e, é claro, Nirvana. O show do Nirvana em São Paulo é considerado o pior show da banda, já o do Rio de Janeiro entrou para história por Kurt Cobain ter cuspido nas câmeras da Rede Globo e exposto suas partes íntimas. A passagem do Nirvana pelo Brasil graças ao Hollywood Rock rendeu diversas histórias que serão lembradas para sempre, como a noitada de Cobain com João Gordo por São Paulo e o bilhete que Kurt escreveu para Arnaldo Baptista, mostrando ser fã dos Mutantes. Depois disso, o festival ainda durou por mais 3 anos. Em 1994 trouxe Ugly Kid Joe, Poison, Aerosmith e Robert Plant, em 1995 recebeu a tour Voodoo Lounge dos Rolling Stones, tendo Spin Doctors como banda de abertura e em 1996 trouxe Page & Plant, The Cure, Smashing Pumpkins, Supergrass e Black Crowes. Com as primeiras leis antitabagismo circulando a partir de 1997, a Souza Cruz precisou fazer cortes de custo e optou por manter o Free Jazz e cancelar o Hollywood Rock.

Poucas coisas são tão divertidas quanto estar num festival de música, curtindo com a turma shows de seus artistas favoritos. Por isso a Strip Me faz questão de celebrar os festivais que fizeram história no Brasil e, é claro, também os festivais que ainda estão por aí gerando grandes momentos e memórias. Se você, assim como nós, é apaixonado por música, precisa conferir a nossa coleção de camisetas de música. Mas não só isso, para os melhores rolês e festivais, temos ainda camisetas de arte, cultura pop, cinema, bebidas e muito mais. Passa lá no nosso site e aproveita para ficar por dentro de todos os nossos lançamentos, que pintam toda semana.

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist no talo com músicas gravadas ao vivo de bandas que passaram pelos festivais aqui citados! Festival top 10 tracks.

Para assistir: Vale a pena conferir na Netflix o ótimo documentário O Barato de Iacanga, que conta a história do Festival de Águas Claras, o Woodstock brasileiro.

Categoria: Comportamento, Cultura Pop, curiosidades, Música

Filhos de Manchester: As 10 bandas mais importantes do berço do rock alternativo.

05/09/2024 | Por Paulo Argollo | Nenhum comentário

Depois de Londres, a cidade inglesa que mais gerou grandes bandas foi Manchester. A Strip Me dá um panorama da cidade e fala sobre as 10 bandas mais importantes que vieram de lá.

É muito comum ver gente traçando paralelos e fazendo associações entre as cidades Manchester e Seattle. De fato, rolam várias similaridades. O clima frio e chuvoso, são cidades essencialmente industriais e ambas geraram dezenas de bandas de rock que são relevantes até hoje. Mas cada uma tem suas nuances e particularidades, que sempre tornam tudo mais saboroso e interessante.

Nosso foco aqui é Manchester. Cidade que fica a noroeste da Inglaterra, é banhada pelo rio Mersey e cuja fundação não se sabe bem quando ocorreu, mas especula-se que tenha sido no século I, muito antes do Reino Unido ser o que é hoje. Manchester carrega uma história de luta e pioneirismo. Foi a primeira cidade a ter uma máquina a vapor operando na indústria têxtil, sendo assim um marco na Revolução Industrial. Justamente por seu caráter fabril, uniu uma diversidade étnica de trabalhadores muito diversa, bem como forjou uma classe trabalhadora unida e atuante socialmente. Estando longe demais das capitais, ensimesmou-se, criando, ao mesmo tempo, um certo orgulho de suas origens, um humor autodepreciativo e até mesmo criando rivalidade entre si mesma, com dois times de futebol de tradição e torcidas apaixonadas. Who needs London, anyway?

Tudo isso ajudou a forjar em Manchester uma sociedade criativa, trabalhadora e orgulhosa de si. Manchester e Liverpool sempre tiveram muito em comum, por serem cidades vizinhas, ligadas pelo rio Mersey. Por isso, quando começaram a despontar bandas de rock na região, no comecinho dos anos 60, esse movimento ficou conhecido como Merseybeat. Obviamente que o Merseybeat tinha como grande ícone os Beatles. Mas na sequência, duas grandes bandas de Manchester pintaram para engrossar o caldo do que ficaria conhecida como British Invasion. Anos depois, já no início da década de 1970, o clima em toda a Inglaterra era de desânimo e revolta. Uma crise econômica assolava o país, deixando milhares desempregados. Terreno fértil para o inconformismo do movimento punk. Os anos oitenta não foram muito melhores, e Manchester, nesse período, viu crescer pelo menos meia dúzia de grandes bandas alimentadas pela pobreza e desilusão.

Nesse contexto todo, a Strip Me selecionou as 10 bandas mais importantes surgidas em Manchester desde os anos 60 até hoje.

The Hollies

Uma das bandas mais importantes da Merseybeat. Eram camaradas dos Beatles e tem seu mérito por serem grandes compositores. Souberam criar lindas harmonias de vozes à la Beach Boys, mas sem serem tão ensolarados. Allan Clarke e Graham Nash formavam uma dupla ímpar. A banda não durou tanto tempo com sua formação clássica, mas seguiu com novos integrantes, e estão tocando até hoje. Em 1968 o guitarrista Graham Nash deixou a banda e trocou a chuvosa Manchester pela festiva California, onde integrou o super grupo Crosby, Stills, Nash & Young.

Herman’s Hermits

Apesar de ter caído no ostracismo da década de 1970 em diante, os Herman’s Hermits foram uma das bandas mais importantes da British Invasion. Entre 1965 e 1966 foi a banda que chegou mais perto de ser tão popular quantos os Beatles nos Estados Unidos, graças a sucessos como No Milk Today, I’m Henry VIII, I Am e There’s a Kind of Hush. Mas, para muita gente, vai ser sempre lembrada como a banda da clássica canção I’m Into Something Good, imortalizada num hilariante videoclipe no filme Corra que a Polícia Vem Aí!

Buzzcocks

Não é preciso cavar muito fundo para descobrir que uma das principais referências e inspiração para Bad Religion, Green Day, Blink 182 e toda a turma do punk californiano, é a banda de Manchester Buzzcocks. Formada em 1976 após um show dos Sex Pistols na cidade, o grande diferencial dos Buzzcocks é que eles trocaram as letras políticas e de protesto por temas existenciais adolescentes, com muita ironia e bom humor. Banda fundamental!

Joy Division

O show dos Sex Pistols citado acima aconteceu no dia 20 de junho de 1976. E não só a rapaziada que formaria os Buzzcocks estavam presentes e resolveram montar uma banda. Tinha uma outra molecada ali que ficou tão impactada com o show dos Pistols, que correu pra montar uma banda também. Ian Curtis, Bernard Sumner, Peter Hook e Stephen Morris se juntaram e montaram uma banda chamada Warsaw, influenciada basicamente por Sex Pistols e The Stooges. Mas logo a banda resolveu mudar de rumo. Trocou de nome para Joy Division e começaram a criar um som único, misturando Velvet Underground e Kraftwerk. Assim, acabaram por fundar um novo gênero, o pós punk e ser determinante para a cena gótica que se criava. Até hoje segue sendo uma das bandas mais influentes de todos os tempos.

New Order

A gente até poderia botar Joy Division e New Order no mesmo balaio. Mas o New Order tem uma carreira tão distinta e influente para além do estilo soturno do Joy Division, que merece ser citada à parte. O New Order nada mais é do que o Joy Division sem o vocalista Ian Curtis, que cometeu suicídio em maio de 1980. Sem Curtis, a banda decidiu abraçar de vez a sonoridade eletrônica do Kraftwerk e mais uma vez cunhou um novo gênero, o eletro rock. Por revolucionar a música eletrônica e o rock com um acento pop fabuloso, o New Order é uma das bandas mais revolucionárias e influente dos anos 80. Se você gosta de Massive Attack, The Killers, LCD Soundsystem, Arcade Fire e etc, agradeça a Peter Hook e sua turma.

The Smiths

Dá pra cravar que a os Smiths são os pais do indie rock. Ok, muita gente pode dizer que é o Joy Division. Mas podemos colocar nos seguintes termos: Joy Division e The Smiths são para o indie o que The Stooges e Ramones são para o punk. A banda começou em 1982 e despontou logo de cara na Inglaterra. Não só Morrisey criou uma nova linguagem no rock, com um tom confessional e melancólico nas letras, como Johnny Marr também trouxe muita inovação com sua guitarra limpa e inventiva, trocando solos virtuosos por acordes e riffs surpreendentes. Os caras mudaram completamente o cenário, reinventaram o pós punk e desovaram mundo afora uma infinidade de bandas tristes que vão de Legião Urbana a Belle and Sebastian.

The Stone Roses

Os Stone Roses encabeçam dois movimentos importantíssimos e que cresceram paralelamente: Madchester e Britpop. A fama de Manchester de ser a Seattle inglesa vem dessa época em que, depois dos Smiths, bandas pipocavam por todo o canto e acabaram criando um uma cena muito forte que, assim como o grunge, não era musicalmente muito similar, mas tinha aquela camaradagem entre as bandas. O primeiro disco dos Stone Roses, lançado em 1989, é um dos melhores discos dos anos oitenta, com uma sonoridade forte e grandes melodias. Assim como os Sex Pistols fizeram os caras dos Buzzcocks e Joy Division querem estar numa banda, o embrião do que seria o Oasis surgiu depois de um show dos Stone Roses. Liam Gallagher disse que foi os Stone Roses foi a primeira banda que ele viu ao vivo, e Noel já afirmou que quando ouviu pela primeira vez Sally Cinnamon, primeiro single dos Stone Roses lançado em 1987, ele teve certeza que seria músico.

Happy Mondays

Happy Mondays é o tipo de banda que se destaca pela excentricidade. Claro, é uma banda competente e talentosa, mas não chega aos pés de Stone Roses, por exemplo. Mas contribuiu muito para moldar o movimento Madchester, musical e esteticamente. O Happy Mondays trouxe um ar de loucura e psicodelia que outras bandas não tinham. conta ponto a favor também saber que o nome da banda é uma brincadeira com o maior hit do New Order, a música Blue Monday. Aqui no Brasil a banda não ficou tão conhecida. Ganhou alguma popularidade quando vieram ao Brasil em 1991 para o Rock in Rio 2 e fizeram um show surpreendente. Além disso, o vocalista Shaun Ryder causou certa polêmica ao declarar para a Folha de S. Paulo tinha a intenção de vir ao Brasil trazendo mil tabletes de ecstasy, mas desistiu quando soube das condições das cadeias brasileiras, e preferiu não correr o risco de experimentar uma cela no país.

Oasis

Pois é. Atualmente não se fala em outra coisa. O retorno do Oasis é pauta em tudo quanto é lugar. Não à toa. Ainda que não sejam tão influentes quanto alguns de seus conterrâneos, certamente, é a banda mais popular da história de Manchester. O Oasis personifica o velho padrão do rock, a dupla criativa como Lennon e McCartney, Jagger e Richards e etc. Os irmãos Liam e Noel Gallagher são compositores fabulosos. Ambos funcionam bem em carreira solo, mas juntos rola uma química inexplicável. Se pegar qualquer lista dos melhores discos dos anos 90, certamente você vai ver um disco do Oasis lá, ou até mesmo dois. O Oasis fez parte do tal britpop, teve ali, no meio dos anos noventa uma tentativa de criar uma rivalidade com o Blur que não foi adiante (até porque o Oasis é claramente bem melhor que o Blur)… mas no fim, a banda extrapolou isso tudo, conquistando popularidade no mundo todo com uma obra invejável. Certamente é um dos filhos favoritos de Manchester.

The Chemical Brothers

A dupla Ed Simons e Tom Rowlands se conheceu em Manchester e acabou ajudando a revolucionar a música eletrônica. E não tinha lugar melhor para isso do que a cidade que gerou o New Order, que junto com Kraftwerk e Cabaret Voltaire, sempre foi uma das principais influências da dupla. O movimento Madchester, que começou ali com The Stone Roses e Happy Mondays, já tinha em seu DNA uma boa dose de música eletrônica, assim, foi natural que, mesmo não sendo uma banda de rock convencional, o duo The Chermical Brothers se tornasse um dos principais expoentes do Madchester. Indo além disso, junto com Prodigy e Fat Boy Slimn, o Chemical Brothers deu uma nova cara à música eletrônica.

Que cidade fulgurante é Manchester! Um lugar que respira boa música e exala grandes melodias Um lugar assim merece mais que nosso respeito, mas nossa homenagem! E a Strip Me, que tem uma verve musical que não é só pra inglês ver, celebra Manchester e começa setembro com várias camisetas lindas inspiradas no rock n’ roll. Pra conferir, é só colar no nosso site e ver os últimos lançamentos. e você pode ainda dar uma olhada nas camisetas de música, arte, cinema, cultura pop e muito mais.

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist fina e elegante com o que de melhor saiu de Manchester. Manchester top 10 tracks.

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Skate & Música: 10 artistas que são skatistas.

09/08/2024 | Por Paulo Argollo | Nenhum comentário

Depois de se tornar esporte olímpico, o skate vem ganhando cada vez mais popularidade. E a música sempre esteve intrinsicamente ligada ao skate. Hoje a Strip Me explica essa ligação e aponta 10 artistas que são entusiastas e praticantes do skate.

Na trilogia de filmes De Volta Para o Futuro um dos elementos mais importantes é o skate. Além de ser o principal meio de transporte de Marty McFly, a cena de perseguição em 1955, ao contrário do que muita gente pensa, não fez de McFly o precursor do skate. Já se a franquia profetizou a invenção e popularização de skates sem rodas, sendo apenas uma prancha flutuando no chão, provavelmente ainda teremos que esperar para saber. Não se sabe ao certo quem inventou o skate e nem exatamente quando. O que sabemos é que isso aconteceu na mesma California da cidade fictícia de Hill Valley, entre Los Angeles e San Francisco por jovens surfistas no início dos anos 50, que ficavam ociosos em tempos de maré baixa e poucas ondas. Nessa época, era uma brincadeira perigosa, já que os surfistas simplesmente adaptaram rodinhas de ferro em pranchas. Essas rodinhas eram muito escorregadias, sem aderência ao solo, causando vários tombos.

O skate passou a ser fabricado em série e vendido em lojas em 1959. Mas a parada evoluiu mesmo nos anos 70. Em 1972 surgiram as rodinhas de poliuretano, uma espécie de plástico muito resistente, e os eixos foram melhorados, dando mais controle e flexibilidade. Os skatistas começam a invadir espaços de grandes cidades e criar manobras em escadarias e rampas, e acabaram sendo vistos como marginais por uma parcela da sociedade. Na mesma época o punk rock emergia de centros urbanos como New York trazendo uma mensagem de desprezo por essa sociedade careta e introduzindo o conceito “do it yourself”. Claramente o skate e o punk foram feitos um para o outro. Enquanto os skatistas entravam na onda faça você mesmo e desenvolviam rampas de madeira e criavam pistas e circuitos, a energia do som das bandas punk eram a trilha sonora perfeita para as manobras alucinadas. Nos anos 80 a cena punk da California fundiu de vez as duas coisas, criando festivais com bandas tocando e onde rolavam competições de skate.

À medida que a popularidade do skate crescia, os skatistas desenvolviam também diferentes personalidades. O inerente fator cosmopolita do esporte acabou também sendo abraçado pelo movimento do hip hop que crescia no fim dos anos 80. Foi nesse período que o skate realmente ganhou popularidade, graças à MTV e às locadoras de fitas VHS. Enquanto a MTV exibia clipes de bandas como Circle Jerks, Suicidal Tendencies e Bad Religion, onde aparecem várias manobras de skate, a Espn produzia competições que ficaram conhecidas como X Games, que eram filmados e depois disponibilizados em home videos, fitas de VHS, que eram alugadas. E é claro que a trilha sonora dessas fitas era toda composta por bandas de punk e hardcore. Essas fitas, inclusive ajudaram muito a tornar conhecidas mundo afora algumas bandas como Offspring e Pennywise, que eram conhecidas apenas na cena californiana. Ou seja, a música sempre alimentou o skate, e o skate também sempre alimentou a música. Para deixar isso mais claro, a Strip Me elencou 10 nomes da música que tem forte ligação com o skate. Confere aí.

Ben Harper

Além de um baita compositor e multi instrumentista, Ben Harper também manda bem nas quatro rodinhas. Já fez demonstrações em alguns desses programas de TV late nights norte americanos e, vira e mexe, é flagrado rodando em cidades como Lisboa ou Paris. Ele já declarou que anda de skate desde moleque, mas que nunca entrou na pira de competir. Manja de várias manobras e tem se dedicado a ensiná-las a seus filhos.

Jeff Ament

O baixista da banda Pearl Jam é um notório skatista do rock. Na real, Ament sempre esteve muito envolvido com esportes. Uma das coisas que ajudou a estreitar os laços entre ele e Eddie Vedder no começo da banda foi a paixão por basquete. Na época, recém chegado de San Diego, Vedder curtia surfar, mas não era tão ligado ao skate. Já Jeff Ament sempre teve o skate e os Ramones como suas grandes paixões.

Henry Rollins

Henry Rollins é o exemplo perfeito dessa simbiose entre o skate e o punk. Ainda antes de se tornar vocalista da fundamental banda punk Black Flag, Rollins já andava de skate e era envolvido no esquema do ti yourself. Junto com os Dead Kennedys, a banda Black Flag ajudou a remodelar o punk na California, estabelecendo as bases do que ficou conhecido como hardcore. E por várias vezes Rollins aparecia no palco fazendo uns flips em seu skate enquanto a banda tocava.

James Hetfield

O vocalista do Metallica também era desses que andava de skate desde moleque. Quando sua banda começou a ganhar fama e fazer turnês cada vez mais longas, Hetfield via no skate uma maneira de matar o tempo, andando em estacionamentos de hotel e onde mais pudesse. Até que em 1987, durante a tour do disco Master of Puppets, em que eles abriam os shows do Ozzy Osbourne, Hatfield foi mandar um down hill, caiu do skate e quebrou o pulso, tendo que fazer os shows seguintes apenas cantando, sem tocar guitarra. Desde então o empresário da banda fez com que todos assinassem um contrato proibindo skates durante as turnês.

Travis Barker

Barker é a personificação do jovem californiano dos anos noventa. Cresceu assistindo os X Games e indo aos shows de Bad Religion, Circle Jerks, Black Flag e tantas outras bandas. Portanto, não é surpresa para ninguém que o baterista do Blink 182 seja um apaixonado por skate, até porque os clipes da banda sempre tiveram uma ou outra ceninha ali com imagens de skate.

Avril Lavigne

Finalmente uma mulher nessa lista! Avril apareceu na cena do rock justamente com uma música sobre skate, Sk8ter Boi. Ela aparece no clip da música andando de skate, inclusive, e já foi vista várias vezes em momentos de lazer e descontração rodando por aí. Apesar de muito roqueiro mala torcer o nariz para ela, Avril Lavigne ajudou muito a mostrar que tem muita menina por aí que manja de skate e de rock n’ roll, e que elas merecem igual visibilidade e respeito.

Devendra Banhart

Devendra Banhart não é só o maior ícone do folk psicodélico moderno, é também um ávido skatista, que inclusive já quebrou a perna mais de uma vez rodando por aí. Autor de declarações polêmicas como “Os Mutantes são melhores que os Beatles.” o maluco também já disse em entrevistas que começou a se interessar por rock assistindo aos vídeos de skate da Espn. Justifica-se assim a presenca dele nesta lista.

Miley Cyrus

Miley Cyrus aprendeu a andar de skate em 2012, com seu então noivo, Liam Hemsworth. Desde então vem se mostrando uma entusiasta do esporte e é frequentemente flagrada nas ruas de Los Angeles dando rolezinho em seu skate. Abraçando a cultura do skate, a cantora reforça ainda mais sua ligação com o rock n’ roll, provando que é muito mais que uma estrela pop qualquer.

Lil’ Wayne

Representante brabo do hip hop no skate, Lil’ Wayne dispensa apresentações. Mesmo sendo o quinto rapper mais rico do mundo, segue curtindo dar um rolê de skate, como fazia quando era moleque na quebrada de New Orleans, onde cresceu. Aliás, numa ação em 2022 ele se juntou a Torey Pudwill, Keelan Dadd e Yosef Ratleff, três grandes skatistas profissionais, para presentear as crianças do bairro onde Lil’ Wayne cresceu com kits de skate, com capacetes, joelheiras e tudo.

Justin Bieber

Sim, Justin Bieber. Ainda que ele seja uma celebridade sem muita expressão para quem tem mais de 30 anos de idade, Justin Bieber tem seu valor. É um artista controverso, em constante atividade e sempre tentando se desvencilhar dessa imagem de crush de menininhas de 15 anos. Uma das maneiras de transmitir um pouco mais de rebeldia é andando de skate, coisa que ele faz desde moleque, antes da fama, vale dizer. Portanto, aí está. Justin Bieber também é do skate!

O skate é realmente uma parada fascinante, ainda mais quando combinada à boa música. E agora, com o Brasil mandando bem nas Olimpíadas, o skate cresce cada vez mais e se coloca como um esporte divertido, democrático e contestador, afinal é sobre ele que os jovens tomam conta dos espaços públicos. Skate é música e cultura pop! Portanto, também está ali, na miríade encantadora de influências da Strip Me para desenvolver camisetas de música, cinema, arte, cultura pop, games, bebidas e muito mais. Cola lá na nossa loja pra conferir e ficar por dentro de todos os nossos lançamentos, que pintam por lá toda semana.

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Para ouvir: Uma playlist caprichada pra curtir em alto volume rodando de skate por aí! Skate top 10 tracks.

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Guia Dia dos Pais STM: O presente ideal para papais de todos os estilos. Parte 1

23/07/2024 | Por Paulo Argollo | Nenhum comentário

Dia dos Pais chegando e a Strip Me está prontinha pra facilitar a sua vida! Nest post e em outro semana que vem, te entregaremos sugestões incríveis de presente para cada estilo de pai.

A paternidade é uma viagem sem volta. E, ainda bem que é assim. São muitos os clichês que exprimem o quão transformadora e surpreendente é a chegada de um filho. Mas a base de tudo é saber que a paternidade não é um complemento da maternidade, mas sim uma totalidade, um conjunto de sentimentos, ações e pensamentos que, por óbvio e naturalmente, vão se conectar e somar ao mesmo conjunto da mãe. Não tem fórmula ou explicação teórica para ser pai, o importante mesmo, no fim das contas, é ser presente e autêntico. E é exatamente na autenticidade que este texto se ancora. Neste texto e no que será publicado na semana que vem, a Strip Me vai dar uma geral nos diferentes estilos de pai, para assim sugerir o presente ideal para o seu pai.

O Papai Folião.

Ele é incansável e divertidíssimo! Não só topa todas as brincadeiras, como vai fundo encarando fantasias e outras caracterizações. É assim o ano inteiro. Mas em fevereiro… Ah, no Carnaval é onde ele se encontra em seu habitat natural, é seu momento de brilhar! Na casa do papai folião nunca falta música e dança, em especial aquele sambinha bom, que quem não gosta é ruim da cabeça ou doente do pé. A coleção de Carnaval da Strip Me é perfeita para este pai tão animado e alegre. A camiseta Malemolência, por exemplo, traz estampada no peito tudo que o papai tem de sobra. Já a camiseta Folião é mais objetiva e vai direto ao ponto, pero sin perder la ternura. Por fim, a camiseta Cartola traz este homem que foi a personificação do samba em sua imagem mais famosa., ideal para aquele papai que é folião e e realmente apaixonado por música.

O Papai Gamer.

É o papai companheiro, parceiro para todas as horas e que, mesmo sendo super competitivo, vai deixar o filho ganhar no videogame (sendo que, quando o filho crescer e pegar as manhas, é ele quem vai deixar o pai ganhar de vez em quando, só pra não ficar chato). O papai gamer manja tudo de tecnologia e está sempre ligado nas mais novas tendências dos games, porém não vai deixar jamais de ter à mão um Super Mario clássico pra relaxar. Mas claro que precisamos ter em mente que as pessoas são multifacetadas, e ninguém tem só um hobby ou interesse. Falando em mente, os papais que curtem games e outras cores, sempre com a cabeças feita, certamente vão se encantar com a camiseta Psy Station. Já aqueles que viveram intensamente os anos 90, certamente vão amar a camiseta Super Smile. Já o papai que está sempre com um pé no game e outro na luta de classes, não pode ficar sem a camiseta Activism.

O Papai das Plantas.

Há quem diga que, para crescer saudável, criança tem brincar na terra. Para o papai das plantas isso é uma realidade. É aquele pai que vai tomar banho de chuva no jardim com as crianças nos dias quentes de verão. Em geral é um papai vegetariano que manja dos temperos e sempre faz rangos deliciosos. Mas, acima de tudo é o pai que vai ensinar sua prole a amar e cuidar da natureza, a começar pelo cuidado com as plantinhas da casa. Todo papai de plantas que se preze sabe que não tem nada mais importante do que defender a preservação dos nossos biomas. E a camiseta Mata Atlântica, além de linda, deixa isso claro. Para o papai que cultiva com esmero uma exuberante urban jungle, sugerimos a descolada camiseta Monstera Deliciosa. E para o papai que tem aquela plantinha escondida ali no meio do jardim, e que de vez em quando fica com uma baita fome do nada, a camiseta THC pode ser uma boa pedida.

Exclusiva do Papai.

Independente de gostos, estilos e interesses, lógico que cada pai é único e original. E isso é algo a ser celebrado, certamente. Para tal, a gente te lembra que a Strip Me, além de todas as suas coleções lindas, também oferece a possibilidade de você presentear seu pai com uma camiseta exclusiva, personalizada. É a qualidade inconteste das nossas camisetas, produzidas com tecido certificado com selo BCI e de caimento perfeito, com a estampa que você quiser. Para isso, basta você ir até o nosso site e acessar a seção “Personalize” e seguir as instruções. Você manda a sua arte, escolhe a cor e tamanho da camiseta e pronto. O resto fica por nossa conta.

Camiseta Written and Directed – Personalizada

O Dia dos Pais é uma data realmente especial. A paternidade é essa viagem sem volta por um novo mundo desafiador e irresistível. E se você ainda não identificou o estilo do seu pai neste texto, se prepara, que semana que vem tem mais. Vamos dar continuidade falando sobre papais incríveis e seus estilos, bem como sugerindo um presente melhor que o outro! E se você quiser continuar lendo sobre sugestões de presentes para o Dia dos Pais, dá uma olhada aqui, neste texto que publicamos aqui ano passado. Lembrando que na nossa loja você encontra camisetas para todos os estilos! São coleções de camisetas de música, cinema, arte, cultura pop, bebidas, games, brasilidades, sustentabilidade e muito mais, além dos lançamentos que pintam por lá toda semana.

Vai fundo.

Para ouvir: Uma playlist daquelas, com músicas que falam sobre a paternidade. Dia dos Pais top 10 tracks.

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Samba rock: o que é, quem inventou e os 10 discos essenciais.

17/07/2024 | Por Paulo Argollo | Nenhum comentário

No embalo do mês do rock, a Strip Me traz o rock à brasileira por excelência. O samba-rock começou na década de 1950 e segue sendo uma das mais genuínas expressões artísticas do Brasil. Saiba tudo sobre este gênero aqui.

“Eu só boto bebop no meu samba quando o Tio Sam tocar um tamborim. Quando ele pegar no pandeiro e na zabumba, quando ele aprender que o samba não é rumba. Aí eu vou misturar Miami com Copacabana, chiclete eu misturo com banana e o meu samba vai ficar assim. Olha aí o samba-rock, meu irmão!” Ironicamente a primeira menção ao termo samba-rock se encontra nesta música de 1959, um dos grandes clássicos da música brasileira, interpretada pelo mestre Jackson do Pandeiro. E a ironia é que a canção é justamente um manifesto em prol da pureza do samba contra os estrangeirismos que invadiam o Brasil naquela época, exigindo que, se é pra rolar essa fusão, que seja feita igualmente. Nem mesmo ritmicamente a música remete ao gênero. Ainda assim, pode ser considerada um dos pontos de origem do samba-rock. Hoje a Strip Me dá uma geral no samba-rock, com suas origens, principais nomes e os 10 discos essenciais do gênero.

No passinho.

O samba-rock é um caso interessante, onde a dança veio antes que a música. Anos antes de Jorge Ben eternizar sua batida de violão inigualável no clássico Samba Esquema Novo, já rolavam em São Paulo grandes bailes, onde pessoas de classe média e classe baixa se divertiam e dançavam ao som dos grandes sucessos internacionais e brasileiros da época. Em meados dos anos 50 os melhores salões de baile da cidade de São Paulo eram animados por grandes orquestras e prevalecia um elitismo descarado, com segregação racial e tudo. Já os bailes frequentados pelas classes menos abastadas eram animados por grandes sistemas de som, onde rolavam os discos de sucesso do momento. Como era comum rolar um rock e depois um samba no som, o pessoal começou a misturar os passos de dança. Principalmente os negros que frequentavam esses bailes, começaram a desenvolver passos de twist e rock no ritmo do samba. E isso virou febre, essa nova dança acabou chegando no Rio de Janeiro e ganhou o nome de samba-rock.

Tudo Ben.

Se a gente quiser ser muito técnico e racional, podemos dizer que o samba-rock é um samba onde a acentuação rítmica é alterada, sendo o compasso do samba, que é binário (2/4), adaptado ao compasso quaternário (4/4) do rock. Além disso, é marcante o uso de guitarra, baixo e bateria, com o adicional de alguma percussão e naipe de metais. Mas como toda arte realmente expressiva e original, tudo aconteceu naturalmente, de maneira instintiva.

É senso comum que quem realmente inventou o samba-rock foi Jorge Ben Jor (à época conhecido apenas como Jorge Ben). O próprio já contou em entrevistas que, sendo um músico autodidata, acabou desenvolvendo uma batida de violão única ao tentar emular o violão bossanovista de João Gilberto. Isso fez com que ele tivesse uma batida de violão mais suingada e sincopada, que ficava entre a bossa nova e o rock. Apesar do disco de estreia de Jorge Ben, Samba Esquema Novo, ser um clássico absoluto, com músicas como Mais que Nada e Chove Chuva, seus 4 primeiros discos são discos mais convencionais, de samba e bossa nova. Foi em 1969, com o disco entitulado simplesmente Jorge Ben, que Jorge conscientemente começou a lapidar seu estilo, criando algo novo. Neste disco estão hits como País Tropical, Que Pena (Ela Não Gosta Mais de Mim), Charles Anjo 45, Take it Easy My Brother Charles e Cadê Tereza. E o samba-rock seria cristalizado definitivamente como gênero musical distinto no antológico disco de 1974 A Tábua de Esmeralda, onde Jorge Ben realmente alcança seu auge criativo.

10 discos essenciais do samba-rock.

Jorge Ben (1969) A Tábua de Esmeralda (1974) África Brasil (1976)

Jorge Ben Jor estabeleceu os fundamentos do samba-rock nesses 3 discos. No disco de 1969 ainda encontramos muitos elementos, incluindo as bases rítmicas, mais voltadas para o samba, mas tanto na temática das letras quanto nos arranjos, dá pra sacar algo mais. São canções mais ensolaradas e empolgantes. N’A Tábua de Esmeralda Jorge Ben já consolidou uma cadência singular e arrebatadora. A real é que convencionou-se chamar o gênero de samba-rock, simplesmente por misturar a música brasileira com elementos da música negra norte americana, o rock aí incluso. Mas, além do rock, também o soul e o funk fazem parte dessa mistura. A Tábua de Esmeralda já abre com uma levada de violão irresistível, que nada mais é do que um samba funkeado. E o disco todo tem essa toada, com composições brilhantes. Em África Brasil Jorge Ben atinge um nível altíssimo de qualidade em suas canções. Um disco conceitual muito bem elaborado onde, através de canções como Ponta de Lança Africano, Taj Mahal, Xica da Silva, A História de Jorge, África Brasil (Zumbi), Jorge Ben se conecta seus ancestrais e conta a história dos negros no Brasil. É um disco irretocável.

Di Melo – Di Melo (1975) Cheio de Razão – Bebeto (1978) Branca Mete Bronca – Branca di Neve (1987)

Como já foi dito, o samba-rock também tem em seu DNA muito do soul e funk. E foram artistas mais ligados nesse tipo de som que embarcaram na onda do samba-rock, alguns com mais ênfase no groove, o que deu uma nova cara ao estilo. Por isso, o disco do pernambucano Di Melo figura entre os mais relevantes não só do samba-rock, mas da música popular brasileira dos anos 70. Com grandes canções, Di Melo mescla ritmos e estilos com naturalidade. O disco em questão, seu primeiro LP, ainda hoje é reverenciado pela sua inventividade, sendo sampleado por muitos DJs mundo afora. Já com o pé mais fincado no samba, Bebeto foi outro que entendeu bem a mensagem de Jorge Ben e conseguiu conceber um disco delicioso de se ouvir, cheio de suíngue e boas melodias. O percussionista Branca di Neve foi outro que soube como poucos compor grandes canções com muito sambalanço. Branca di Neve era paulista e fez parte do lendário grupo Os Originais do Samba, além de ter sido músico de apoio de artistas como Toquinho e Nara Leão. Depois de toda uma vida dedicada a tocar com outros artistas, somente no fim dos anos oitenta resolveu gravar suas próprias composições. Branca Mete Bronca é uma aula de samba-rock.

Por Pouco – Mundo Livre S/A (2000) Samba Esporte Fino – Seu Jorge (2001) Samba Rock – Trio Mocotó (2001)

A excelente banda Mundo Livre S/A tem sua existência completamente ligada ao movimento manguebeat e ao rock mais convencional. Ainda assim, em seu quarto disco de estúdio acabaram por cometer uma obra que reverencia e referencia o samba-rock e, em especial, Jorge Ben Jor. Com letras impactantes, as canções vão além do suíngue do samba-rock ao incorporar também elementos de hip hop e outros estilos. Uma obra prima que abre as portas do século XXI na música brasileira com muita classe. No ano seguinte Seu Jorge lança seu primeiro disco, uma obra arrebatadora. Puxado pelo hit Carolina, é um disco saborosíssimo, desses que não dá vontade de pular nenhuma faixa. Compositor de mão cheia, Seu Jorge usa o samba-rock, o soul e a gafieira pra enfileirar grandes canções, a maioria exaltando o Rio de Janeiro. No mesmo ano, o legendário Trio Mocotó retornou às atividades depois de um hiato de décadas. E aqui estamos falando de verdadeiros mestres do samba-rock, afinal o grupo foi a banda de apoio de Jorge Ben entre 1969 e 1971, para em seguida seguir carreira solo. O Trio Mocotó gravou com Jorge Ben os discos Jorge Ben (1969), Força Bruta (1970) e Negro é Lindo (1971). Em 1973 a banda lançou seu primeiro disco próprio, que teve boa repercussão na mídia, mas não vendeu muito e a banda se separou em seguida. Voltaram só em 2001 com um disco arrebatador e irresistível. Excelentes canções executadas com brilhantismo e uma produção moderna e vigorosa! Um disco fundamental.

Gil & Jorge – Gilberto Gil e Jorge Ben (1975)

Mais do que um disco essencial para entender o samba-rock, Gil & Jorge é um disco monumental da música brasileira, cuja história da concepção do álbum é das mais pitorescas. No início de 1975 calhou de vir passar uns dias de férias no Brasil ninguém menos que Eric Clapton. André Midani, diretor da gravadora Philips, ao saber da notícia, logo tratou de organizar uma festinha para o guitarrista inglês, contando com vários dos artistas brasileiros contratados da gravadora. Lá estavam Caetano Veloso, Rita Lee, Gilberto Gil e Jorge Ben, entre outros. Festa rolando, eis que pintam uns instrumentos e uma jam é iniciada. Em certo ponto, só estão Clapton, Gil e Jorge Ben, o primeiro com uma guitarra o os outros dois com violões, rolando altos improvisos. Mas logo Clapton desiste de tocar, um pouco incomodado. O fato é que os improvisos de Gil e Jorge, com ritmos cambaleantes e harmonias truncadas deram um nó na cabeça do guitarrista inglês. A dupla seguiu improvisando em cima de temas já existentes e também criando novos. No dia seguinte à festa, Midani reservou alguns horários num dos estúdios da gravadora e fez com que Gilberto Gil e Jorge Ben reproduzissem aquela jam com uma banda de apoio e que tudo fosse gravado. Assim surgiu o disco antológico Gil & Jorge. E, de fato, é um disco fenomenal.

Assim como o gênero musical segue firme e se renovando, o samba-rock enquanto dança também ainda resiste e é praticado em salões por todo o país. Definitivamente uma expressão cultural brasileira única, riquíssima e recheada de boas histórias. Um prato cheio para instigar e inspirar a Strip Me. Vem conferir a nossa coleção de camisetas de música e de brasilidades pra se conectar com esse sambalanço gostoso. Aproveita pra dar uma olhada nas coleções de camisetas de arte, cinema, cultura pop, bebidas, games e muito mais. No nosso site, além disso tudo, você também fica por dentro de todos os nossos lançamentos, que pintam por lá toda semana.

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Para ouvir: Uma playlist cheia de suíngue com o que tem de melhor no samba-rock! Samba-rock top 10 tracks.

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8 artistas sul-americanos que ganharam o mundo.

19/06/2024 | Por Paulo Argollo | Nenhum comentário

Os sons ancestrais, vibrantes e plurais de europeus, indígenas e africanos, quando combinados à música contemporânea pop são irresistíveis. E não é de hoje. Portanto, a Strip Me apresenta 8 artistas da América do Sul que ficaram mundialmente famosos e você precisa conhecer melhor.

O imperialismo cultural está por aí faz séculos. Claro, a coroa passou por diferentes cabeças, mas sempre esteve presente. Do ponto de vista ocidental, no passado ainda tinha a vantagem de o mundo ser um lugar bem menor. Antes das navegações, o que se conhecia era ali a Europa, um pedacinho da África e um pedacinho da Ásia. Quem mandava culturalmente no mundo eram os romanos. Depois, com a criação dos reinos e o advento das navegações, Espanha e Portugal dominaram, mas por pouco tempo. Logo a Inglaterra se destacou e passou a ter influência fortíssima, mais política e econômica do que cultural, é verdade. No século XIX a França despontou como grande pólo de artes, literatura, música e teatro, ditando tendências para o mundo até o comecinho do século XX. Depois disso, os Estados Unidos dominaram a parada e até hoje são sua música e cinema que dominam o mundo.

Mas se a maioria dos artistas da música conhecidos mundialmente são dos Estados Unidos (ou da Inglaterra, vá lá…), vira e mexe pintam algumas exceções. Artistas que não cantam em inglês, mas que conseguem se comunicar e expressar uma arte tão vigorosa e única, que acabam conquistando o mundo. E olha que isso não se restringe ao nosso mundo acidental. Tá aí o K-Pop que não nos deixa mentir. Mas aqui a gente, descaradamente, puxa a sardinha pro nosso lado, então a Strip Me está aqui hoje para mostrar que a América do Sul sempre foi celeiro de artistas brilhantes e que conquistaram fama mundial. Confere aí a nossa lista dos principais.

Carmen Miranda

A história da Carmen Miranda é louqíssima, cheia de êxitos e reveses. A gente já fez um texto só pra ela aqui no blog, dá uma olhada aqui. Cantora extraordinária, afinadíssima, e dona de uma beleza e carisma magnéticos. Ela fez sucesso no Brasil, depois foi para os Estados Unidos, onde caiu nas graças de Hollywood e levou a música brasileira e toda uma estética de cores e alegria para todo o mundo. Ela nasceu em Portugal, mas se mudou para o Brasil antes de completar um ano de idade. Passou perrengue na infância, começou a trabalhar ainda adolescente, com 21 anos se descobriu cantora e logo foi alçada ao posto de grande cantora do rádio. No fim dos anos 30, começo dos anos 40, conquistou os Estados Unidos e o mundo se apresentando na Broadway e protagonizando filmes. Passou por um casamento complicado e morreu nova, aos 46 anos. Uma das primeiras divas do showbusiness do mundo!

Astor Piazzolla

Muita gente acredita que, para alguém ser considerado um gênio, antes precisa ser incompreendido. Se isso é uma verdade absoluta a gente não sabe, mas com certeza o argentino Astor Piazzolla se encaixa encaixa nessa descrição. Músico desde garoto, Piazzolla sempre foi apaixonado pelo tango, começou a tocar bandoneón com oito anos de idade. Viveu alguns anos de sua juventude nos Estados Unidos, onde tomou gosto pelo jazz. Com vinte e poucos anos, começou a compor e misturar seus conhecimentos de música erudita, tango tradicional e jazz. Foi taxado de louco e herege pelos puristas, por desvirtuar as bases tradicionais do tango. Mas criou uma música envolvente e contemporânea que conquistou o mundo. Chegou a gravar com grandes nomes como Gary Burton e o nosso maestro Tom Jobim. Hoje em dia Piazzolla não só é reconhecido no mundo todo como um dos músicos mais notáveis, como é um dos grandes orgulhos dos argentinos.

Tom Jobim

Falando no maestro, não tem como não incluir nessa seleta lista o nome de Antônio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim. Afinal, estamos falando do cara que praticamente inventou a bossa nova, junto com João Gilberto e Vinícius de Moraes, e o autor da segunda música mais regravada em todo o mundo, ficando atrás apenas de Yesterday, dos Beatles. Tom Jobim era único! Multi instrumentista, arranjador, e compositor, fazia tudo com perfeição. Não por acaso, dizia que sua maior influência era a natureza, ele gostava de ir pro meio do mato ouvir os passarinhos cantar. Por isso sua música era sofisticada e simples ao mesmo tempo. Morou um tempo nos Estados Unidos, onde chegou a gravar um disco com Frank Sinatra e acabou influenciando muita gente da música norte americana. Ainda hoje reverenciado aqui no Brasil e lá fora, o homem que é brasileiro até no nome é um dos maiores compositores do mundo.

Lucho Gatica

Luis Enrique Gatica Silva nasceu no Chile e, ainda jovem, deu início a uma carreira promissora como cantor de boleros. Com uma voz imponente e carisma indubitável, viu seu sucesso crescer gradativamente, o que permitiu que ele tivesse uma centrada, sem se entregar a excessos. Em 1956 fez uma turnê que percorreu a costa do pacífico, do Chile até a Venezuela, consolidando sua carreira na América Latina. No ano seguinte conquistou a América Central e decidiu, por fim, se estabelecer no México, onde se casou. Em 1959, ia regularmente aos Estados Unidos, onde fez amizade com celebridades tais quais Elvis Presley e Nat King Cole. Gatica foi um dos responsáveis por tornar o bolero um gênero musical popular no mundo inteiro. Em sua voz se tornaram clássicos absolutos No Me Platiques Mas, Con Mi Corazón Te Espero, Tu Me Acostumbraste e a inconfundível Besame Mucho. Hoje isso tudo pode parecer meio irrelevante, o bolero é coisa de velho e tal… mas a real é que caras como Lucho Gatica foram responsáveis por levar a cultura sul-americana para o mundo, fazendo sucesso sem abrir mão de sua música e nem mesmo seu idioma. Gatica atuou ainda como apresentador de televisão e ator, se apresentou nos palcos de todos os continentes do mundo e, em 2008 ganhou uma estrela na Calçada da Fama em Hollywood. Faleceu aos 90 anos de idade em 2018, encerrando uma carreira de 70 anos.

Jorge Drexler

Drexler é um desses personagens tão brilhantes quanto pitorescos. É uruguaio e teve uma formação rígida e formal. É formado e atua como médico otorrinolaringologista. Além disso é um compositor com fama mundial. Após cumprir suas obrigações perante a família, completando os estudos e se formando médico, investiu em sua grande paixão: a música. E não é que ele acabou se mostrando um compositor de talento? Com 14 discos lançados desde 1992 até agora, foi em 2005 que Drexler ganhou notoriedade para além de América Latina. Sua canção Al Otro Lado del Rio foi incluída na trilha sonora do filme Diários de Motocicleta e acabou por se tornar a primeira música cuja letra não é cantada em inglês, a ganhar o Oscar de Melhor Canção Original. Desde então, Jorge Drexler tem seus discos muito elgiados e com boas vendas nos Estados Unidos, Europa e, é claro, aqui na América do Sul.

Shakira

Shakira é, indiscutivelmente, um fenômeno, uma força da natureza. Nasceu de uma família modesta na Colômbia. Aos 8 anos de idade, estava com os pais num restaurante árabe e se encantou com uma apresentação de dança do ventre e o som do doumbek, instrumento de percussão típico do Oriente Médio. Desde então passou a viver para a música e dança. Lançou seu primeiro disco aos 13 anos de idade, com canções de sua autoria. Seus dois primeiros discos, lançados em 1991 e 1993 respectivamente, foram razoavelmente bem sucedidos na Colômbia. Já em 1995, influenciada por mulheres como Alanis Morissette, Shakira amadureceu suas canções e lançou o ótimo disco Pies Descalzos. Este foi o disco que deu o pontapé definitivo nas portas do mundo, entrando na lista de mais vendidos da Billboard nos Estados Unidos. De lá pra cá, já são 12 discos lançados e turnês mundiais super concorridas. Além de uma estrela pop mundial, Shakira é atriz e empresária no ramo da moda, além de ser a embaixadora da Unicef na Colômbia e manter uma importante entidade de acolhimento á crianças desamparadas. Um diva do tamanho do mundo.

Anitta

Por falar em mulheres fortes e empreendedoras, também não poderia ficar de fora a maior diva brasileira dos últimos tempos. Anitta é um exemplo a ser seguido, muito mais por sua postura perante a vida do que pelo conteúdo de sua obra musical. Mas, calma. Claro que a música da Anitta é relevante e tem qualidade, mas assim como boa parte da produção de funk, pop e reggaeton, muitas das letras giram em torno de festas, ostentação e frases de duplo sentido, o que para conservadores em geral, pode soar um pouco chocante. Mas o importante é saber que Anitta veio de uma comunidade pobre do Rio de Janeiro, cantou em coral de igreja, deu aula de dança de salão e estudou administração e marketing, até que teve a oportunidade de ter uma música sua lançada pelo selo de funk Furacão 2000. A faixa Mega e Abusada viralizou e abriu caminho para o seu primeiro disco, lançado em 2012 e impulsionado pelo megahit Show das Poderosas. De cara, seu primeiro disco já foi indicado no Grammy Latino. Daí em diante, Anitta, que até hoje gerencia e planeja suas ações de marketing, já fez de tudo. Atuou em séries e cinema, empresaria outros artistas, lança linhas de cosméticos com seu nome, além de, em sua carreira musical, estar em frequente movimento, não se prendendo a um estilo. Já fez parcerias com muita gente, de Caetano Veloso a Madonna, já ganhou prêmios no mundo inteiro e é, ainda hoje, uma das artistas mais ouvidas no Spotify no mundo inteiro! Ufa!

Alok

Alok Achkar Peres Petrillo nasceu em Goiânia num lar já envolto em música. Seus pais, Adriana Peres Franco e Juarez Achkar Petrillo são DJs profissionais, foram os precursores do psy trance no Brasil e idealizaram o maior festival de música eletrônica do país, o Universo Paralello. Alok viajou o mundo acompanhando os pais e tomou gosto pela profissão. Em 2004 iniciou sua carreira com o projeto Lógica, um duo com seu irmão Bhaskar Petrillo. Em 2013, já como artista solo, Alok emplacou o sucesso We Are Underground em seu perfil do Soundcloud e no Youtube, sendo convidado a se apresentar em vários festivais ao redor do mundo. Em 2016 ganhou o mundo de vez com o hit Hear Me Now, que, à época de seu lançamento, encabeçou a lista de mais executadas no iTunes e Spotify, além de superar 10 milhões de views no Youtube. Hoje é considerado um dos melhores DJs em atividade no mundo, é produtor musical e dono de um selo e foi considerado recentemente uma das pessoas mais influentes do mundo com menos de 30 anos de idade. Ainda com 32 anos de idade e um currículo desses, o céu é o limite.

Bonus Track

Para não dizerem por aí que somos muito bairristas, faremos uma menção honrosa a dois artistas latinos que não são sul-americanos, mas que tem imensa relevância na música mundial. Um é o conjunto cubano Buena Vista Social Club, formado por músicos veteranos da cena de Havana sob a coordenação musical do guitarrista Ry Cooder. Em 1996 Cooder produziu e gravou um disco do conjunto, que acabou vendendo milhões, tirou do ostracismo músicos de mais de 70 anos de idade como Compay Segundo e Ibrahim Ferrer e rendeu um documentário, lançado em 1999, dirigido por Wim Wenders, que não só rendeu uma indicação ao Oscar, como reavivou o interesse do mundo pela música cubana. E o disco é realmente maravilhoso. Também não dá pra deixar de falar da banda mexicana Cafe Tacvba, uma das bandas mais inventivas e interessantes da década de 90. O segundo disco da banda, Re, foi lançado em 1994 e é considerado sua obra prima. O disco extrapolou as fronteiras do México e conquistou toda a América Latina, além de ser considerado um dos melhores discos do ano pela revista Rolling Stone. A Cafe Tacvba carrega ainda o êxito de ser a primeira banda a gravar um disco acústico lançado oficialmente pela MTV dos Estados Unidos cantando em outra língua que não o inglês. E, tanto o Re, como o MTV Unplugged da banda são maravilhosos. Aliás, toda sua discografia é sensacional.

Esse mundão véio sem porteira é maravilhoso e tem de tudo! Mas é sempre bom a gente lembrar das coisas boas que a gente tem aqui em volta de nós, né? E nós, aqui do Brasil, precisamos valorizar cada vez mais o que é produzido pelos nossos vizinhos, afinal, estamos todos no mesmo barco. E a América Latina como um todo produz tanta coisa incrível, que a Strip Me tem uma coleção toda dedicada a essa latinidade, a Coleção Tropics. Mas tem também as camiseta de música, cinema, arte, cultura pop, brasilidades, bebidas… dá uma olhada lá no nosso site! Lá você também fica por dentro de todos os lançamentos, que pintam toda semana.

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist caprichada com cada artista que foi citado neste texto. Latinos no Mundo Top 10 Tracks!

Para assistir: Vale a pena demais conferir o documentário Quebra Tudo! A História do Rock na América Latina, uma produção da Netflix lançada em 2020. Nos 6 episódios do doc, aparecem bandas vindas desde a Argentina até o México. É muito interessante e dá pra ficar conhecendo muita banda legal.

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8 atributos que justificam a majestade absoluta de Madonna na música pop.

25/04/2024 | Por Paulo Argollo | Nenhum comentário

Ousada e icônica, ela é a própria definição da reinvenção. A Strip Me apresenta 8 argumentos irrepreensíveis que explicam porquê Madonna é a rainha do pop, conquistando o mundo com sua música, estilo e atitude inconfundíveis.

Madonna é uma dessas artistas inexplicáveis, difíceis de serem definidas. Mas se a gente dissecar sua vida e obra, camada por camada, vamos descobrir que o que torna Madonna tão especial é sua habilidade de se reinventar a cada era. Ela não apenas segue as tendências, ela as define. Dos trajes provocantes à espiritualidade de Like a Prayer, passando pela música eletrônica de Ray of Light e chegando à exploração das sonoridades latinas em Music, Madonna sempre esteve à frente de seu tempo.

Aos 66 anos, Madonna continua a desafiar as expectativas e a quebrar barreiras. Fazendo turnês, produzindo música e se engajando em causas sociais, ela esbanja uma energia inigualável e vai deixando um legado brilhante e imortal. Para reforçar isso tudo, a Strip Me traz 8 faces da personalidade de Madonna que justificam seu status de rainha.

Mulher de família.

Apesar do que muita gente pensa, Madonna não é apelido, é nome mesmo. Ela nasceu Madonna Louise Ciccone em 16 de agosto de 1958. Foi batizada com o mesmo nome da mãe, que também ao contrário do que se pensa, não era italiana, mas sim franco-canadense. O pai dela sim era descendente de italianos. É a terceira de seis filhos que o casal Madonna e Silvio tiveram. Porém, a mamãe Madonna faleceu aos 30 anos, vítima de um câncer, quando Madonna filha tinha apenas cinco anos de idade. Madonna cresceu muito ligada à família, que era toda católica, o que viria a influenciar sua música e opiniões controversas no futuro. Madonna foi casada duas vezes e tem seis filhos, sendo dois deles biológicos e quatro adotivos. Suas relações familiares dizem muito sobre sua carreira. Madonna sempre foi crítica ao fanatismo religioso e ativista humanitária.

Rock n’ Roll Girl.

Desde nova Madonna já apresentava aptidão para as artes, dançava e cantava. Adolescente, ouvia tudo que tocava no rádio. Eram os anos 70 e a música negra de James Brown, Sly and The Family Stone e muitos outros, dominava o dial. Com 20 anos de idade e 35 dólares no bolso, Madonna se despediu da família em Bay City, cidade provinciana do estado de Michigan, para ser dançarina profissional em New York. Foi a primeira vez que ela viajou de avião e, chegando em NY, pela primeira vez andou de taxi. Em New York ela fez parte de alguns grupos de dança, até que começou a namorar um músico e passou a conhecer a cena punk e new wave da cidade. Logo montou uma banda com o namorado, chamada Breakfast Club, onde tocava bateria, e guitarra em uma ou outra música. A banda durou pouco e, em seguida ela entrou em outra banda, chamada Emmy, onde desta vez ela era vocalista e guitarrista. Madonna sempre afirmou que consome e gosta de todo tipo de música, mas sempre coloca Debbie Harry e Chrissie Hynde como suas grandes influências.

Rainha dos anos 80.

Mas Madonna começou pra valer seu reinado quando abandonou a banda Emmy e decidiu tentar uma carreira solo apostando em suas próprias composições. Ela então conseguiu assinar com a Sire Records, um selo vinculado ao grupo Warner, que lançou Ramones, Talking Heads, Blondie e tantos outros artistas da cena novaiorquina. Seu primeiro disco, Madonna, lançado em 1983, já chegou de cara ao top 10 da Billboard, impulsionado peplo hit Holiday. Em 1984 sai Like a Virgin e Madonna é realmente alçada ao estrelato. Em 1986 True Blue vende como água contendo clássicos como Papa Don’t Preach e La Isla Bonita. A década é encerrada com o lançamento do polêmico Like a Prayer em 1989, que, além de tudo, teve participação do Prince. Em resumo, Madoona se sagrou a artista que mais vendeu discos na década de 80, emplacando dezenas de hits entre 1983 e 1989. Ali começou o reinado que ninguém conseguiu tirar dela até hoje (e nunca vão tirar).

Empresária de sucesso.

Madonna entrou na década de 90 como uma das maiores artistas do mundo, faturando alto com seus shows e discos. Ao invés de torrar essa grana toda, ela investiu em alguns imóveis e fundou uma empresa multimídia chamada Maverick. A empresa engloba vários setores de mídia como uma gravadora (Maverick Records), uma produtora de filmes (Maverick Films), edição de livros, edição de música, uma divisão de discos latino (Maverick Musica) e uma produtora de televisão. Assim, ela passou a lançar seus discos de maneira quase independente, só dependendo de uma grande gravadora (no caso, a Warner) para distribuição. O primeiro lançamento da empresa foi justamente o polêmico disco Erotica. Além disso, Madonna ganha dinheiro co produzindo filmes, fazendo lançamentos no segmento da moda em parceria com H&M e Dolce & Gabbana, e abrindo até uma rede de academias chamada Hard Candy Fitness com unidades por todo Estados Unidos e outros cinco países. Além disso tudo, ela também investe em obras de arte, adquirindo originais de Fernand Legér, Tamara de Lempicka, Frida Kahlo e Pablo Picasso.

Ativista.

Por desde a adolescência ser questionadora dos dogmas da igreja católica e conviver no meio artístico, Madonna desenvolveu uma noção de empatia por minorias como a comunidade gay. Logo que começou a ter maior autonomia, passou a produzir cada vez mais músicas e vídeo clipes provocativos e questionadores. Com o tempo passou a também a atuar em prol do combate à pobreza, fundando a instituição Raising Malawi. Além disso, sempre se declara a favor da comunidade LGBTQIA+, já ajudou organizações de assistência a portadores do HIV, e defendeu grupos feministas. Madonna também é vegetariana e defende frequentemente este hábito, que faz parte de um discurso que defende a sustentabilidade do meio ambiente e o cuidado com os animais.

Multi-Mulher.

Madonna entendeu logo que entrou no mundo do showbiz que fazer só o básico do que esperam de um artista não é suficiente. Assim, ela se dedicou a muitas outras atividades além da música. Pra começar, assim que conquistou sucesso na música, Madonna já voltou sua atenção para o cinema. Entre 1985 e 2006 ela atuou em mais de dez filmes, e em 2008 estreou como diretora, assinando o filme Filth and Wisdom. Em 2011 repetiu a dose dirigindo o longa W.E. Madonna também se aventurou no munda da literatura infantil escrevendo uma série de 5 livros chamada As Rosas Inglesas. Isso tudo sem falar no seu lado empresarial. Madonna é incansável!

Recordista.

Tanto trabalho tem que gerar algum resultado, né? O primeiro, claro, é financeiro. Madonna é uma das mulheres mais ricas e bem sucedidas do mundo. E, sendo a música o foco principal de sua vida profissional, claro que ela acabou acumulando alguns recordes na indústria musical. Madonna entrou para o Guinnness Book, o livro dos recordes, em 2023, ao atingir a marca de 400 milhões de álbuns vendidos. Com isso, Madonna se tornou a artista feminina mais vendida da história, e, no geral, ficou atrás apenas dos Beatles, Elvis Presley e Michael Jackson. Em 1993 colocou 120 mil pessoas dentro do estádio do Maracanã, o maior público para quem ela já se apresentou até hoje. Com suas turnês gigantescas, é a artista que mais vendeu ingressos de shows na história da música pop! Ou seja, qualquer superlativo utilizado para se referir à Madonna é justificado.

Influente.

Bom, não precisamos nem dizer que se não fosse pela Madonna não existiriam Britney Spears, Lady Gaga, Rihanna, Dua Lipa e muitas outras cantoras pop. Mas Madonna é mais do uma figura influente entre artistas. Ela ajudou a moldar a cara dos anos 80 e 90 ao se preocupar tanto com a estética de seus videoclipes, o figurino que usava em shows e nos filmes. Ajudou a criar um perfil de mulher mais independente, bem resolvida com sua sexualidade e decidida a romper com o patriarcado e machismo que vigoraram tanto até os anos 90, e vêm arrefecendo desde as duas últimas décadas. Que nos perdoem mulheres incríveis como Billie Holiday, Carole King, Joan Baez e Janis Joplin, mas não existe umas mulher no mundo que tenha exercido maior influência artística e de comportamento do que Madonna.

Pronto! Está mais do que justificada a majestade soberana de Madonna. A mulher que reinventou o conceito de diva pop, que começou com lá atrás com as pin-ups e atrizes como Marilyn Monroe. A maior cantora dos últimos 40 anos. Diante de um reinado tão virtuoso, só resta à Strip Me se curvar e prestar sua reverência. Por isso, dentro da nossa coleção de camisetas de música, você vai encontrar, claro, algumas estampas fazendo referência à Madonna, pra você arrasar no look quando for pro show da diva aqui no Brasil. E tem também as nossas coleções de arte, cinema, cultura pop, brasilidades e muito mais. É só colar no nosso site pra conferir e ficar por dentro dos nossos lançamentos, que pintam toda semana.
Vida longa à rainha!

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist com o crème de la crème da obra da Madonna. Madonna Top 10 tracks.

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8 fatos que você precisa saber sobre o Blink-182.

19/03/2024 | Por Paulo Argollo | Nenhum comentário

O Lollapalooza está chegando! E com ele o aguardadíssimo show da banda Blink-182. Para preparar o espírito para esse momento memorável, a Strip Me te conta 8 fatos interessantes sobre o trio mais engraçadinho do punk rock.

Blink-182, a banda que tornou “What’s my age again?” o hino dos eternos adolescentes em todo o mundo. Formada por Mark Hoppus, Tom DeLonge e Travis Barker, a banda passou com competência e muito bom humor pela porta do mainstream, aberta pelo Green Day e Offspring. Assim, conquistou uma legião de fãs com seu punk rock entusiasmado e letras irreverentes. E justamente envelhecer parece que não foi fácil para o trio, que ficou famoso, além da música, por aprontar mil travessuras fora dos palcos e não levar a vida nada a sério. Mas, por fim, parece que tudo foi se ajeitando. A banda foi ícone teen, foi desprezada e tida como vendida pelos punks, mas foi amadurecendo e ganhando o respeito da crítica musical e da cena punk. Hoje é uma das bandas com os shows mais disputados do mundo.

E, finalmente chegou a vez do Brasil conferir esse show, depois de três tentativas frustradas da banda vir para a terra tupiniquim. Isso graças ao festival Lollapalooza, que desde 2012 nos brinda com shows incríveis e toda a estrutura de um grande festival. Era para a banda ter tocado ano passado no festival, mas acabou cancelando sua vinda, mas para este ano o show está garantidíssimo! Para te ajudar a ir esquentando os motores para este show tão esperado, a Strip Me conta 8 fatos para você ficar conhecendo melhor Mark Hoppus e sua turma.

Blink antes do 182.

A banda foi formada por um trio de amigos adolescentes, ainda no colégio, em 1992. Quando começou a realmente ser levada a sério por seus integrantes, Mark Hoppus, baixo e voz, Tom DeLonge, guitarra e voz, e Scott Raynor, bateria, a banda foi batizada Blink. Em 1994 lançam seu primeiro disco, Cheshire Cat. Mesmo lançado de forma independente, o disco chama atenção. Tanto que a banda é processada por uma banda da Irlanda com o mesmo nome. Para evitar uma treta judicial, eles decidem colocar um número da na frente do nome. Surge Blink-182. De onde veio esse número, ninguém sabe. Provavelmente os caras acharam que soava bem. Mas ao longo do tempo, deram várias explicações malucas. Por exemplo, dizem que 182 é o peso de um dos integrantes da banda em libras, ou que 182 é o número de vezes em que Al Pacino diz “fuck” no filme Scarface.

A escolha.

No início de 1993 a banda Blink começava a crescer para além dos arredores de San Diego, California, onde se originou. A banda tomava cada vez mais tempo dos três jovens. Mark Hoppus tinha uma namorada ciumenta nessa época, que lhe deu um ultimato: “A banda ou eu!” E por algumas semanas, quase dois meses, ele escolheu a namorada. Mas, um tempo depois, sentiu saudade da sua turminha do barulho, mandou o namoro às favas e retomou seu lugar na banda bem a tempo de gravar a demo que daria origem ao seu primeiro disco.

Dança das baquetas.

Scott Rayner manteve o posto de baterista do Blink-182 até 1998. Em 1996 a banda dava o que falar e as gravadoras estavam desesperadas procurando um novo Green Day. O trio de San Diego acabou assinando com uma major ainda naquele ano, e em 1997 lançaram seu segundo disco, Dude Ranch, que fez um baita sucesso nos Estados Unidos. A fama fez com que Rayner perdesse as estribeiras e afundasse feio na bebida. Depois de algumas mancadas e sumiços em dias de show, Hoppus e DeLonge o expulsaram da banda. Por sorte, eles excursionavam com uma banda chamada The Aquabats, cujo baterista era um prodígio. Para não deixar Hoppus e DeLonge na mão em um show, o baterista Travis Barker, aprendeu a tocar o repertório do Blink-182 em uma tarde. E não saiu de trás dos tambores da banda desde então.

Enema of the State.

E foi em 1999 que o Blink-182 ganhou o mundo, com um disco inspirado e aquele empurrãozinho maroto da MTV. Os clipes de What’s My Age Again?, All the Small Things e Adam`s Song bombaram no mundo inteiro e o punk adolescente voltou para as cabeças. O disco Enema of the State teve duas capas diferentes. A primeira tiragem do disco saiu com o nome da banda com “B” maiúsculo e uma cruz vermelha no chapéu da enfermeira na capa. O trio preferia a grafia do nome com todas as letras minúsculas. Na mesma época a Cruz Vermelha, entidade internacional de saúde, ameaçou processar a gravadora pelo uso de seu símbolo de forma pejorativa, quase obscena, segundo a entidade. Para evitar confusão, foi retirada a cruz do chapéu da enfermeira, e uma nova tiragem do disco saiu com a capa com o nome da banda escrita em letras minúsculas e o chapéu sem a cruz. Aliás, a enfermeira em questão era ninguém menos que Janine Lindemulder, uma estrela em ascensão do cinema pornô na época, o que explica o desconforto do pessoal da Cruz Vermelha. Pra completar, o título do disco é um trocadilho malicioso com a expressão “enemy of the state”(inimigo do estado, ou do governo). A palavra “enema”, que substitui “enemy”, significa em português esperma. Trocadilho típico de quinta série. De fato, what’s my age again?

O preço da fama.

Enquanto a fama e popularidade da banda escalavam em alta velocidade, sua credibilidade dentro da comunidade punk despencava. Enquanto todas as bandas punks no começo do século vinte e um produziam músicas de protesto, incluindo os outrora adolescentes meio bobocas do Green Day, o Blink-182 saía na capa da revista CosmoGirl (a versão norte americana da Capricho) e ganhava o prêmio Nickelodeon’s Kids’ Choice Award. Realmente ficava difícil levar os caras a sério. E isso acabou sendo um ponto de virada, pois o trio ficou realmente incomodado com isso e resolveu mudar.

Amadurecimento.

Em 2003 a banda lançou seu quinto álbum. Intitulado simplesmente Blink-182, o disco mostrava que a banda realmente amadureceu, trazendo novos elementos à sua música, para além dos power acordes rápidos, soando ora como uma banda indie noventista, ora como uma banda new wave dos anos oitenta. O disco chegou a ser comparado com The Police e U2, mas os integrantes da banda afirmam que na época estavam ouvindo muito The Cure, o que ajudou a inspirá-los a escrever letras mais confessionais e questionadoras. Nessa mesma época, para mostrar que estava realmente querendo fazer as pazes com o mundo, durante uma turnê no Reino Unido, o trio foi até a Irlanda e fez questão de conhecer a tal banda Blink, que quase os processou na época do lançamento do Cheshire Cat. Mas essa fase paz e amor durou pouco. Em 2005 a banda anuncia que estava se separando.

Travis Barker nas asas do destino.

Em 2008 Travis estava num avião particular com mais cinco pessoas. Sobrevoando o estado da Carolina do Sul, o avião teve uma pane, pegou fogo e caiu. Apenas Travis e mais um rapaz amigo dele sobreviveram. O baterista teve 68% do seu corpo com queimaduras severas. O acidente fez com Barker adquirisse uma verdadeira fobia a aviões. Mas também fez com que ele e Hoppus voltassem a se falar depois de três anos sem se verem. Começava ali o retorno da banda. E, graças ao esforço e apoio de sua esposa, a socialite Kourtney Kardashian, Travis superou seu medo e voltou a viajar de avião em 2001, facilitando muito a vida da banda, que até então voltara a tocar e se esforçava para fazer turnês sem depender de aviões.

Vindas frustradas ao Brasil.

Já superado o trauma, ao contrário do que dizia Belchior, não foi por medo de avião que Travis Barker não pôde vir tocar no Lollapalooza Brasil em 2023, mas sim porque ele teve um problema nas articulações dos dedos das mãos e teve que passar por uma cirurgia. O show da banda acabou sendo cancelado meio em cima da hora. Mas não foi a única vez que o trio californiano ameaçou vir, mas não veio. Em 2004 DeLonge disse numa entrevista que a banda faria uma turnê mundial e passaria pela América do Sul no segundo semestre de 2005. Criou-se uma grande expectativa, que acabou frustrada com a declaração da separação da banda no começo de 2005. Já em 2001, a banda estava cotada para tocar no Rock In Rio e chegou até a ser anunciada como uma das atrações, mas acabou não rolando. Em uma entrevista ao ex-Malhação André Marques, no extinto programa Video Show, DeLonge disse que estava tudo certo para a banda participar do festival, mas Axl Rose não aceitou que o Blink-182 tocasse na mesma noite que ele, certamente com medo de o Guns n’ Roses fosse eclipsado pela performance magnífica do trio de San Diego. DeLonge disse isso sério e, depois de uma breve pausa, riu e disse que estava de sacanagem e que não sabia por quê a banda tinha sido retirada do line up do festival. E mesmo sem o Blink-182, naquele ano Axl Rose foi às lágrimas no palco.

Enfim, o Blink-182 é uma banda realmente cativante. Seja pelo seu bom humor, ou pelas suas ótimas canções, ou pelas duas coisas juntas. Blink-182 é puro barulho, diversão e arte. Uma banda dessa não ia ficar de fora da trilha sonora da Strip Me, que tem não só o Blink-182, mas também outras bandas punk representadas na excelente coleção de camisetas de música, onde tais bandas são apresentadas em estampas originais e super descoladas. E tem também as coleções de camisetas de cinema, arte, cultura pop, bebidas, games e muito mais. No nosso site você confere isso tudo e ainda fica por dentro de todos os nossos lançamentos, que pintam toda semana.

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist deliciosa com o que há de melhor na discografia do Blink-182. Blink-182 Top 10 tracks.

Para ler: Altamente recomendável o livro Travis Barker. Vivendo a Mil, Enganando a Morte e Batera, Batera, Batera, a autobiografia de Travis Barker, livro lançado em 2016 pela editora Ideal. Numa narrativa envolvente o baterista conta sua vida, as idas e vindas da banda e seu traumático acidente de avião.

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10 fatos que você precisa saber sobre o samba.

11/10/2023 | Por Paulo Argollo | Nenhum comentário

O samba é a voz do Brasil. Por isso, é fundamental que a gente o conheça muito bem. A Strip Me está aqui hoje para te contar 10 coisas que você precisa saber sobre o samba.

Falar sobre o samba, em especial sua origem e e fundamentos, parece uma tarefa simples, mas não é. Trata-se de uma música que faz parte da nossa identidade, quer você goste dele ou não. Certa vez, o músico César Camargo Mariano, um brilhante arranjador, também conhecido por ter sido casado com Elis Regina, disse numa conversa sobre música e mistura de elementos do jazz com o samba, que ele não era um jazzista, jamais poderia ser, mas usa elementos daquela linguagem para se expressar musicalmente. Uma declaração muito sensata. O jazz é uma música que surgiu das plantações de algodão no sul dos Estados Unidos, somente quem cresceu naquele contexto, ouvindo as histórias e sentindo as vibrações daqueles sons pode ser considerado um jazzista genuíno. E o mesmo acontece conosco, com o samba. Faz sentido que qualquer brasileiro, que tenha contato com sua história e se envolva com música brasileira, possa ser considerado um sambista. Mas, claro, uns sempre serão mais sambistas que outros.

O samba, e todas as suas variações ao longo da história, é uma das mais importantes manifestações artísticas do brasileiro, mas principalmente dos africanos escravizados, que aqui criaram raízes. Assim como o jazz nos Estados Unidos, o samba por aqui veio das cantigas e dos batuques dos negros em suas lamentações e também celebrações ritualísticas. Isso foi se misturando às músicas de origem européias e acabou no que conhecemos como o samba e o choro. Toda a trajetória do samba é uma história longa e interessantíssima. E a Strip Me, sempre afim de te contar boas histórias, hoje traz 10 fatos fundamentais sobre o samba, pra você poder batucar com propriedade na mesa do bar.

Origem.

A origem do samba é controversa, uns dizem que surgiu na Bahia, outros no Rio de Janeiro… mas seja onde for, o fato é que foi uma evolução das cantigas tradicionais africanas, misturadas às músicas populares européias. Mas podemos considerar, por ser algo documentado, que o samba nasceu na extinta Praça Onze, no Rio de Janeiro. A Praça Onze era uma praça no bairro Cidade Nova, no Rio de Janeiro, um pouco ao norte do centro histórico da cidade. Aquela região foi largamente habitada por negros, escravizados recém libertos, após a assinatura da Lei Áurea no fim do século dezenove. Particularmente, na casa de uma baiana bem sucedida, que morava de frente para a praça e era uma excelente cozinheira, alguns músicos se reuniam no início do século XX. Entre eles, Donga, João da Baiana, Sinhô e Pixinguinha. Também foi na Praça Onze que aconteceram as primeiras reuniões populares carnavalescas, que dariam origem às escolas de samba. Na década de 1940, o então presidente do Brasil, Getúlio Vargas mandou abrir uma vasta avenida que ligaria o centro à zona norte do Rio. Essa avenida, que acabou levando seu nome, inclusive, passou por cima da Praça Onze, deixando somente sua história de pé.

Primeiro registro.

Reza a lenda que o primeiro samba gravado foi composto justamente na casa da tal baiana, em frente a Praça Onze. Segundo contam os sambistas mais antigos, que viveram naquela época, a música Pelo Telefone surgiu de improviso numa roda de samba, na qual estavam presentes Donga, Sinhô, Pixinguinha, João da Baiana, Caninha e Lalau de Ouro em outubro de 1916. Porém, na hora de registrar a canção, Donga ficou com o crédito. Em novembro do mesmo ano, Donga deu entrada no Departamento de Direitos Autorais da Biblioteca Nacional a partitura do samba, partitura esta escrita por Pixinguinha. Donga gravou Pelo Telefone em 1917. Na época fez muito sucesso no carnaval, e depois foi amplamente revisitada décadas depois por artistas como Martinho da Vila.

Samba popular.

Até o início da década de 1930, o samba era música de gueto, coisa preto e pobre. As coisas começaram a mudar quando intérpretes das grandes rádios começaram a cantar alguns sambas. Além das rádios, o Brasil estava sendo governado por Getúlio Vargas, um ditador, mas também um astuto populista. Ele viu no samba uma maneira de se comunicar melhor com o povo, promoveu shows e elogiava alguns artistas. É verdade também que nessa época rolou uma tentativa de branquear o samba. Enquanto os grandes compositores como Donga e Pixinguinha não apareciam nunca como intérpretes, Francisco Alves e Lamartine Babo tinham alta circulação nos cartazes das principais rádios do país.

Revolução de 1930.

Calma. Não estamos aqui pra falar de política. Estamos aqui pra falar da verdadeira revolução de 1930! Até porque aquela que a gente estuda nos livros de história do colégio não foi revolução, foi golpe de estado. Mas isso não vem ao caso. O fato é que em 1930, um jovem compositor do bairro de Vila Isabel, no Rio de Janeiro, começou a compor umas músicas que mudariam o jeito de se fazer samba e colocaria o gênero no gosto popular de vez. Noel Rosa só tinha vinte anos de idade em 1930, ano que ele compôs Com que Roupa, Feitiço da Vila e Palpite Infeliz. Além de músico inventivo, Noel era um excelente letrista, usando o cotidiano e o bom humor. Seus sambas inspiraram muitos sambistas que surgiam na época, principalmente aqueles que vinham dos morros e bairros mais pobres, e que se identificavam com aquela linguagem simples. Além dos já citados, também é de Noel Rosa clássicos como Gago Apaixonado, Fita Amarela e Conversa de Botequim. O sambista revolucionou o samba, mas não viveu suficiente para viver suas glórias. Ele faleceu aos 26 anos de idade, em 1936, vítima da tuberculose.

Samba consolidado.

Entre as décadas de 1940 e 1950 o samba se estabeleceu como grande expressão popular. Bairros e comunidades se organizavam para criar escolas de samba, e cada uma tinha um grupo de compositores. Neste contexto surgem nomes como Cartola, Nelson Sargento, Nelson do Cavaquinho, Zé Keti, Lupicínio Rodrigues, Élton Medeiros e Adoniran Barbosa. Porém, esses sambistas todos acabam vivendo quase no anonimato, pois eram compositores, mas suas músicas ficavam conhecidas nas vozes de intérpretes como Orlando Silva e Nelson Gonçalves. Ainda assim, esse foi um período importantíssimo, de consolidação do samba. Estava tudo pronto para que mais uma revolução acontecesse.

Velho samba e bossa nova.

Considerado o inventor da bossa nova, com sua batida característica ao violão e o jeito de cantar baixinho, João Gilberto certa vez explicou que sempre quis aprender a tocar samba no violão, mas achava muito difícil. Foi então que escolheu, entre os diferentes acompanhamentos rítmicos, a levada do tamborim para executar na mão direita, enquanto, na mão esquerda, misturava acordes do samba com harmonias truncadas de jazz que ele também adorava. Pronto, surgiu a bossa nova! E não dá pra dizer que a bossa nova não é samba, porque é sim! Mas também é algo mais. É um samba sofisticado, contemporâneo. Tanto é que logo ganhou o mundo. Mas era coisa de jovem universitário, de classe média alta. No meio daquela playboyzada toda, foi uma garotinha tímida que se ligou que o samba de verdade não estava nas praias do Leblon, mas nos morros do centro da cidade.

Resgatando o samba.

Foi Nara Leão que se desgarrou do grupo e foi procurar os velhos sambistas. Em seu primeiro disco, ela não quis gravar as bossas de seus amigos, como Menescal e Carlos Lyra. Preferiu subir o morro e procurar os sambas de Cartola e Zé Kéti. Foi quando esses compositores começaram a ganhar notoriedade e reconhecimento. A turma da bossa nova era formadora de opinião e logo esses sambistas, que ali pelos anos 60, comecinho dos 70, até já estavam com certa idade, mas conseguiram usufruir dessa popularidade tardia. Foi quando, por exemplo, Cartola promovia grandes encontros em seu bar, o Zicartola, onde jovens compositores como Paulinho da Viola e Chico Buarque deram seus primeiros acordes. Depois de Nara Leão, outro nome fundamental para o samba foi João Carlos Botezelli, mais conhecido como Pelão. Pelão foi um produtor musical dos bons. Fã de boa música, quando ele viu Nara Leão e tantos outros jovens gravando os velhos mestres do samba, se perguntou por que diabos ninguém pensou em fazer com que eles próprios gravassem suas canções. Pelão foi responsável pelos discos clássicos de Adoniran Barbosa, Cartola e Nelson Cavaquinho interpretando seus próprios sambas, todos com mais de sessenta e tantos anos, com a voz cansada, mas com uma emoção incomparável!

Samba regional.

A tendência é que a gente identifique o samba como uma manifestação tipicamente carioca. De fato, grande parte dos grandes expoentes do samba são do Rio de Janeiro. Mas o samba é brasileiro, e se manifesta em diferentes regiões do país, e cada região tem um tempero, uma peculiaridade. Para começar, podemos citar um dos maiores gênios do samba: Lupicínio Rodrigues. Nascido e criado em Porto Alegre, Rio Grande do Sul. Entre milongas e bugios, Lupicínio encontrou no samba a maneira de expressar seus amores e desilusões. Além de ter sido o criador do termo “dor de cotovelo”, ele compôs clássicos como Felicidade e Nervos de Aço. Já o paulistaníssimo Adoniran Barbosa criou um samba cosmopolita, urbano e até mesmo poliglota, versando em italiano e paulistanês. Já com influências das religiões de matrizes africanas e seus afoxés, a Bahia também sempre foi um expoente de bom samba, tendo como seu maior nome o inigualável Dorival Caymmi. Enfim, samba tem no Brasil inteiro, com diferente sotaques, mas sempre com muita qualidade.

Samba 90.

Apesar de não serem tão numerosos até os anos 70, grupos de samba sempre existiram. Desde O Bando da Lua, conjunto que acompanhava Carmem Miranda, até Os Originais do Samba, passando pelos Demônios da Garoa. Mas a partir dos anos 70 e 80 o sucesso do Trio Mocotó e do grupo Fundo de Quintal inspirou muitos jovens a formarem seus próprios grupos e também atiçou o faro das gravadoras. Nos anos 80 grupos como Raça Negra e Exaltasamba já davam suas primeira batucadas. E a coisa estourou mesmo nos anos 90, com uma enxurrada de grupos como Só pra Contrariar, Negritude Jr. Soweto, Art Popular e tantos outros. Fenômeno que ficou conhecido como pagode anos 90, e que faz sucesso até hoje. Não se trata exatamente de uma reinvenção do samba, mas sim uma modernização, dando ao gênero um verniz mais pop.

Carnaval em Madureira – Tarsila do Amaral (1924)

Samba de hoje.

Em 1975 Alcione já pedia pra não deixar o samba morrer. Até hoje seu pedido está sendo cumprido com êxito. A cada geração que surge, o samba é revisitado e repensado, se adaptando a novas linguagens e tecnologias, mas sem deixar o tradicionalismo pra trás. Enquanto nomes como Xande de Pilares e Mumuzinho levam adiante o samba de raiz, caras como Criolo e Marcelo D2 colocam o samba num caldeirão de rap, hip hop, soul e funk para trazer à tona grandes obras. Em especial Marcelo D2 tem se mostrado um verdadeiro alquimista do samba. Em 2003 lançou o irretocável disco À Procura da Batida Perfeita, e desde então vem lançando trabalhos muito inspirados. Seu último disco, lançado em 2023, chamado Iboru é um disco de samba como há muito tempo não se via, uma mistura fina de tradição e contemporaneidade. O samba ainda vive, e não dá sinais de cansaço.

O samba é coisa nossa, é suco de Brasil, é música da nossa essência! E a Strip Me, que não é ruim da cabeça e nem doente do pé, ajuda no batuque e engrossa o coro de lerê lererê. Só no sapatinho, vamos fazendo várias camisetas, uma mais linda que a outra, inspiradas e referenciando o samba! Vem conferir no nosso site! São camisetas de música, cultura pop, arte, cinema, bebidas, brasilidades e muito mais! Na nossa loja você também fica sempre por dentro dos nossos lançamentos, que pintam toda semana!

Vai fundo!

Para ouvir: Claro, uma playlist no capricho com o melhor so samba de todos os tempos! Samba no pé top 10 Tracks.

Para assistir: Imperdível o documentário O Samba, lançado em 2015 e dirigido por Georges Gachot. O filme tem Martinho da Vila como protagonista. Ele conta histórias do samba e de sua própria carreira, enquanto apresenta ao expectador o bairro de Vila Isabel, terra de Noel Rosa e do próprio Martinho, além de mostrar bastidores da escola de samba da comunidade, por vários anos vencedora do carnaval carioca.

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Foo Fighters One by One: Todos os discos, do pior ao melhor!

06/09/2023 | Por Paulo Argollo | Comentários desativados

O queridão Dave Grohl e sua turma tocam no Brasil neste fim de semana. Para esquentar os motores para os shows, a Strip Me deu uma geral na discografia da banda.

É realmente incrível que os Foo Fighters estejam em turnê depois de tanta coisa. Nós, brasileiros, lembramos muito bem de março do ano passado, quando fomos surpreendidos com o cancelamento do show da banda no Lollapalooza, por conta da morte de Taylor Hawkins. Em agosto do mesmo ano, a mãe de Dave Grohl também faleceu, deixando o vocalista despedaçado. Com tanta tragédia, era de se esperar que a banda, ainda que não encerrasse oficialmente suas atividades, pelo menos embarcasse num hiato por um período de tempo. Mas qual o quê! Após poucos meses de luto, os Foos se juntaram em estúdio com um novo baterista, o competente Josh Freese, e conceberam, simplesmente, um dos melhores discos de 2023, o excelente But Here We Are. O disco saiu em junho deste ano e a banda já está em turnê mundo afora. Eles tocam no Brasil no dia 7 de setembro em Curitiba e no dia 9 em São Paulo, como atração do festival The Town.

Para se preparar para os shows, nada melhor do que dar uma geral na carreira da banda e ouvir alguns discos. Por isso, a Strip Me realizou a quase hercúlea tarefa de selecionar todos os discos dos Foo Fighters do pior ao melhor. Então confere aí como ficou essa lista. Ah, sim, estão inclusos aqui somente os 11 discos de estúdio, com canções inéditas. Discos ao vivo e coletâneas não entraram.

11 Concrete and Gold (2017)

No final de 2015 os Foo Fighters lançaram um EP chamado Saint Cecilia, com 5 canções. O lançamento foi feito em homenagem às vítimas dos atentados terroristas de Paris, em novembro daquele ano. Com o EP. Dave Grohl divulgou uma carta aberta, que dava a entender que a banda poderia encerrar as atividades, mas que um novo disco seria feito antes. Este disco é Concrete and Gold. Sem dúvida o disco menos inspirado dos Foo Fighters, apesar das boas influências que ele carrega. Dave Grohl parece ter entrado no estúdio com o Álbum Branco dos Beatles embaixo do braço. Mais do que isso, Paul McCartney em pessoa participa do disco. Talvez a sanha de misturar essas influências sessentistas com o rock de arena da banda tenha feito Dave Grohl escrever boas canções, mas sem aquele brilho que faz o parquinho pegar fogo. É um disco morno. A maior prova de que a banda estava desmotivada e sem vontade de trabalhar pra valer é que subutilizaram a presença de Paul McCartney, o colocando para tocar bateria em uma das faixas, e nada mais!

10 Sonic Highways (2014)

Em 2012 Dave Grohl disse que os Foo Fighters fariam uma pausa por tempo indeterminado, para descansar, depois de anos ininterruptos de turnês intermináveis. Mas, como tem gente que gosta de descansar carregando pedra, Grohl pegou esse tempo livre e concebeu o ótimo documentário Sound City. Em meados de 2013 já rolava um zum zum zum de que a banda estava em estúdio produzindo material novo. Em dezembro, Grohl confirmou os boatos e disse que o disco já tinha nome, Sonic Highways, e que seria feito de uma maneira muito diferente. De fato, o disco foi gravado na estrada, cada música gravada numa cidade diferente com algum convidado local e com um contexto. A ideia é realmente ótima. Mas nem sempre uma boa idéia acaba sendo bem realizada. O disco é irregular e sem inspiração nenhuma. Sabe quando a gente vê na tv aqueles reality shows de culinária e alguém faz um prato lindo, cheio de conceito, mas que quando os jurados provam, não tem gosto de nada? Então. É isso. Sonic Highways é um um prato lindo e cheio de conceito, mas sem nenhum tompêro.

9 In Your Honor (2005)

Apesar de Dave Grohl parecer um cara simples, sem afetações, hábitos excêntricos ou vaidade, ele certamente tem alguns arroubos de megalomania em se tratando de música. In Your Honor foi o primeiro deles. Depois de passar meses compondo ao violão em sua casa, Grohl decidiu que o próximo disco dos Foos seria um disco duplo, onde um disco conteria somente músicas agitadas e cheias de distorção e outro somente com faixas acústicas. Além disso, o vocalista acabara de construir em sua casa, em LA, um estúdio profissional. Foi lá que a banda gravou todo o disco, e também a banda assina a produção da obra. É complicado dizer que o disco que entrega Best of You é um dos mais fracos da banda. Mas é a mais pura verdade. A real é que o disco plugado é bem bom e traz os destaques do álbum como um todo. Best of You, DOA e No Way Back são ótimas músicas. Do acústico, salvam-se ali Friend of a Friend e Miracle. O fato é que se condensassem os dois discos num só, teríamos um álbum muito bom. Mas acaba ficando pra trás por ser um disco longo e cansativo, com uma ou outra pérola no caminho.

8 Medicine of Midnight (2021)

Apesar da recepção fria de Concrete and Gold por parte de crítica e público em 2017, a banda se lançou em suas costumeiras turnês mundiais e tudo estava bem. Em 2019 Grohl já acumulava uma boa quantidade de músicas novas e a banda começou a produzir o disco no fim daquele ano. Era para o disco sair no início de 2020. E aqui entra aquela frase, a mais dita na década atual: Mas aí veio a pandemia, né? Por fim, o disco foi lançado em fevereiro de 2021 e foi uma grata surpresa! A banda que vinha desacreditada, depois de dois discos fracos, ressurgiu com um disco moderno, inspirado e divertido de se ouvir, sem perder a mão do bom, velho e sujo rock n` roll. O disco equilibra bem as guitarras saturadas com batidas e ritmos inspirados, com Taylor Hawkins em seu auge como baterista. O disco emula um som oitentista, mas sem soar datado. Em vários momentos lembra Bowie na fase Let`s Dance/Scary Monsters. Um disco revigorante para uma banda que estava se perdendo dentro de si mesma.

7 Echoes, Silence, Patience and Grace. (2007)

Lá em 1997, depois de uma exaustiva turnê, Pat Smear, guitarrista que acompanhava Grohl em empreitadas musicais desde os tempos do Nirvana, resolveu deixar os Foo Fighters, alegando esgotamento. Em 2005, durante a turnê de In Your Honor, Pat Smear fez algumas participações com a banda, mas ainda receoso de voltar definitivamente. Ainda sem Smear de volta, mas vira e mexe tocando em alguns shows, a banda lança o ao vivo Skin and Bones em 2006 e se recolhe para compor material novo. Para alavancar o disco,. Grohl convidou o produtor Gil Norton, responsável pelo clássico The Colour and the Shape e Pat Smear para gravar uma canção. Echoes, Silence, Patience and Grace foi recebido com entusiasmo. Emplacou 3 singles no primeiro lugar da Billboard e trouxe de volta um Foo Fighters direto e cheio de energia, com grandes canções como The Pretender, Long Road to Ruin e Let it Die. É um disco que só não está mais perto do top 5 porque acaba tendo algumas canções sem graça, que tornam o disco um pouco cansativo do meio para o fim. É o caso da balada insossa Stranger Things Have Happened e da dispensável instrumental Ballad of the Beaconsfield Miners.

6 But Here We Are (2023)

Como foi dito no início, é fantástico que depois de tanta tragédia, em especial para Dave Grohl, a banda esteja tão afiada, e tenha concebido um disco tão brilhante. Mas, na real, é aquela coisa, a dor foi transformada em música. A faixa título do disco diz tudo. “Você está pronto agora? Dor. Separação. Reverência. De braços dados, estamos para sempre. Eu te dei meu coração. Mas aqui estamos nós.” Acontece que, além dessa carga dramática toda transformada em arte, Dave Grohl foi capaz de revisitar praticamente todas as fases da banda, em especial as mais prolíficas. Show me How e Under You poderiam facilmente figurar entre o repertório de There`s Nothing Left to Lose. Rescued poderia estar no The Colour and the Shape. But Here We Are é um disco coeso, empolgante e inspirador! Só não entrou no top 5 porque… porra, porque daqui pra frente é só disco muito f#d@!

5 One by One (2002)

One by One é o terceiro disco da banda. Foi concebido em meio a muita treta e insegurança. O disco anterior, There`s Nothing Left to Lose tinha ido super bem, rolou uma mega turnê bem sucedida… mas quando a banda parou para compor novas canções o clima não foi dos melhores. Discussões começaram a pintar entre os músicos quanto a que rumo tomar com o novo disco, estavam inseguros com relação a qualidade das novas músicas… E, numa hora de crise, Dave Grohl fez o que qualquer um faria: Deixou tudo de lado e foi tocar bateria com outra banda. Grohl assumiu temporariamente as baquetas do Queens of the Stone Age e, com eles, gravou o disco Songs for the Deaf e saiu em turnê com a banda no primeiro semestre de 2002. No segundo semestre, os Foo Fighters estavam escalados para tocar em alguns festivais. Mas o clima estava péssimo, e a banda em voltas de terminar. Porém, os shows que fizeram foram muito empolgantes, a banda se reconectou e foi todo mundo para Alexandria, cidade do estado de Washington onde Grohl morava, e gravaram ali o One By One. E é um petardo. O disco já abre com All My Life. Depois seguem Times Like These, Tired of You, Halo, Burn Away e muitas outras. Um disco sensacional! Talvez um pouco longo (15 canções). Mas ainda assim, um disco muitíssimo acima da média.

4 Foo Fighters (1995)

O primeiro disco dos Foo Fighters é um disco solo do Dave Grohl. Ele só batizou a obra como Foo Fighters porque não queria que o disco ficasse conhecido como “o disco do cara do Nirvana”. Funcionou. O disco foi gravado em outubro de 1994, seis meses depois de Kurt Cobain cometer suicídio. Após a morte de Cobain, Dave Grohl cogitou abandonar a vida de músico. Mas acabou encontrando na música uma forma de se curar. Ele já vinha compondo algumas músicas desde 1991, 1992, quando morou com Kurt compôs músicas como Marigold, que chegou a ser gravada pelo Nirvana. Depois de gravar e batizar a compilação de músicas simplesmente como Foo Fighters, Grohl saiu distribuindo cópias. Quando viu que todo mundo curtiu e tinha até uma gravadora interessada, recrutou Nate Mendel e William Goldsmith, baixista e baterista da banda Sunny Day Real Estate, e Pat Smear, seu parceiro no Nirvana, e colocou a banda na estrada para divulgar o disco. Assim surgiu Foo Fighters como banda propriamente dita. Ah, sim, e o disco é ótimo, assim como em But Here We Are quase trinta anos depois, Grohl transformou sofrimento em grandes canções. Destaque para Big Me, This is a Call, Alone + Easy Target e I`ll Stick Around. É um disco com grandes canções, mas sem muito equilíbrio. Mas Dave Grohl só estava começando a moldar sua inigualável fórmula para unir barulho e melodia.

3 Wasting Light (2011)

Em 2009 os Foo Fighters encerraram a turnê do disco Echoes, Silence, Patience and Grace e resolveram tirar uns meses de férias. Mais uma vez, Dave Grohl foi descansar carregando pedra e montou a banda Them Crooked Vultures, uma superbanda na real, já que contava com Grohl na bateria, Josh Homme, do Queens of the Stone Age, na guitarra e ninguém menos que John Paul Jones, ex baixista do Led Zeppelin! A banda passou o ano fazendo shows e gravou um ótimo disco. Com todo mundo descansado e cheio de energia, os Foo Fighters voltam a se reunir em 2010 e Pat Smear é oficialmente reintegrado à banda. E os planos eram promissores. O novo disco seria gravado na garagem da casa de Dave Grohl, usando somente equipamentos analógicos e tendo como produtor Butch Vig, o cara que produziu o Nevermind, o clássico do Nirvana. Tudo conspirou e o disco é sensacional! Pesado, com boas melodias e algumas canções memoráveis. A cereja no bolo para os fãs mais antigos de Dave Grohl foi a participação de Krist Novoselic no disco. O ex baixista do Nirvana toca na faixa I Should Have Known. O disco ainda conta com a participação de Bob Mould, do Husker Dü, tocando guitarra e fazendo backing vocals em Dear Rosemary, umas das melhores músicas do disco. Wasting Light é um dos melhores discos dos Foos por trazer canções brilhantes interpretadas por uma banda madura e bem entrosada.

2 There’s Nothing Left To Lose (1999)

Fãs do Foo Fighters com uma queda por rock mais pesado certamente colocariam Wasting Light como o segundo melhor disco da banda. Mas vamos segurar essa emoção e pensar racionalmente. There`s Nothing Left To Lose é um disco impecável. Mas como Dave Grohl e companhia chegaram a ele? Bom, pra começo de conversa, este disco marca a entrada de Taylor Hawkins na bateria. Na real, foi uma fase de muita mudança na formação da banda. Vamos lembrar que Pat Smear deixou a banda em 1997, depois da tour de The Colour and the Shape. O baterista William Goldsmith também já tinha deixado a banda. Goldsmith foi substituído por Hawkins e Pat Smear foi substituído por Franz Stahl, guitarrista que tocara com Grohl na banda Scream nos anos 80. Em 1998 Grohl, Mendel, Stahl e Hawkins se reuniram para compor material para um disco novo. Porém, as ideias não estavam batendo entre Stahl e o resto da banda, o que culminou em sua demissão. There`s Nothing Left To Lose foi concebido e gravado basicamente pelo trio Grohl, Mendel e Hawkins. Como sempre, na adversidade, Dave Grohl tira da cartola canções inspiradíssimas. Trata-se de um disco impecável porque é nele que Grohl encontrou o equilíbrio perfeito na sua fórmula de misturar barulho e melodia. A união do Teenage Fanclub com o Motorhead. Neste disco estão clássicos absolutos como Learn to Fly, Next Year, Breakout e Generator, além de pérolas como Aurora e Headwires. É um disco que não tem como não gostar!

1 The Colour and the Shape (1997)

Quis o destino que o disco mais impactante e que ficaria para sempre estabelecido como o melhor de toda a obra da banda de Dave Grohl fosse o segundo disco, assim como Nevermind foi o segundo disco do Nirvana. E não é exagero nenhum cravar que The Colour and the Shape é um dos melhores discos da segunda metade dos anos 90. Depois de gravar sozinho o disco de estreia da banda, Dave Grohl conseguiu o que queria. Não ser mais visto como “o cara do Nirvana”, mas sim como o vocalista dos Foo Fighters. A boa aceitação da de crítica e público e a boa relação entre os músicos dentro da banda, que na época contava com Dave Grohl e Pat Smear nas guitarras, Nate Mendel no baixo e William Goldsmith na bateria, inspirou Grohl a compor canções grandiosas e irresistíveis! Vale dizer aqui que uma das grandes forças do disco é a bateria cavalar… que foi gravada pelo próprio Dave Grohl. Reza a lenda que, após ouvir a primeira mixagem das músicas, com Goldsmith na bateria, Grohl achou as baterias das músicas sem pegada, sem inspiração. E ele foi lá e regravou tudo. Lógico que Goldsmith ficou puto e saiu da banda. Foi quando Grohl, que precisava de alguém pra começar a tour do disco, conseguiu convencer o baterista da banda da Alanis Morissette a abandonar a cantora e se juntar a ele nos Foos. E Taylor Hawkins estava dentro. Bom, The Colour and the Shape é um disco brilhante, impecável e atemporal. Duvida? Ouça ele inteiro. O disco fala por si. E ali estão alguns dos maiores clássicos da banda, como Monkey Wrench, Everlong e My Hero.

Certa vez, Grohl disse numa entrevista: “Adoro estar em uma banda de rock, mas não sei se necessariamente quero estar em uma banda de rock alternativo dos anos 90 pelo resto da minha vida.” A frase é perfeita e explica a longevidade dos Foo Fighters. Fazer o que ama, mas não se acomodar. Procurar sempre inovar, encontrar caminhos diferentes, mas sem perder a personalidade e originalidade. Uma inspiração e tanto para a Strip Me, que está às margens de completar 10 anos de barulho, diversão e arte, procurando sempre novos caminhos. E é claro que você encontra estampas referentes aos Foo Fighters e muitas outras bandas na nossa coleção de camisetas de música, pra você curtir o show dos Foos no maior estilo! Além disso, na nossa loja ainda tem as camisetas de cinema, bebidas, arte, cultura pop e muito mais. Dá uma olhada lá no nosso site, e aproveita para ficar por dentro dos nossos lançamentos, que pintam toda semana!

Vai fundo!

Para ouvir: Nossa prática aqui é sempre fazer um top 10. Mas hoje vamos abrir uma exceção para essa banda tão maravilhosa e fazer um top 11, com uma música de cada discos dos Foo Fighters. Mas não aquelas óbvias, tá? Everlong, Learn to Fly, Best of You… todo mundo conhece. Vamos pinçar aqui músicas menos óbvias, porém igualmente excelentes. Foo Fighters top 11 Tracks.

Para assistir: É imperdível o divertidíssimo documentário Foo Fighters Back and Forth, dirigido pelo James Moll e lançado em 2011, praticamente junto com o disco Wasting Light. O doc dá uma geral na história da banda e apresenta sua trajetória desde as gravações de Grohl sozinho 1994 até os bastidores de Wasting Light. Enfim, é bom demais e vale a pena ver.

Para ler: Dave Grohl já foi contemplado com pelo menos três bons livros contando sua trajetória. Mas o definitivo, claro, é o escrito por ele mesmo. Bom humorado e com muita fluidez Grohl escreve suas memórias no excelente livro Contador de Histórias: Memórias da Vida e Música, lançado em 2022 no Brasil pela editora Intrínseca. Leitura recomendada!

Festival de Águas Claras

M2000 Summer Concerts

Claro Q É Rock!

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10 discos essenciais do samba-rock.

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