50 Anos de Amor ao Exílio!

50 Anos de Amor ao Exílio!

Em 1971 o tema do filme Shaft, música escrita por Isaac Hayes, extrapolou o cinema e ganhou vários clubes e casas noturnas de New York frequentadas por um público bem miscigenado, entre brancos, negros, latinos, héteros e gays. Na mesma onda de Shaft, começaram a pintar várias músicas com um ritmo frenético, com arranjos de cordas, sintetizadores e linhas de baixo e bateria bem marcantes. Nascia a disco music. A aura desses clubes noturnos espalhados pela cidade de New York, do Harlem, passando pela Upper West Side até o Village e Soho, talvez sejam o retrato mais fiel do que foi a década de 1970. 

Em especial o ano de 1972 foi muito marcante, principalmente para a cultura norte americana, que já dominava o mundo todo. Nixon acabara de ser reeleito presidente dos Estados Unidos e prometia dar um fim à guerra do Vietnã, chegando a se encontrar com o Mao Tsé Tung na China para negociar um acordo de paz. Além disso Nixon também tinha a intenção de emplacar uma mega operação de combate às drogas nos Estados Unidos. O curioso disso é que tal combate dizia respeito especificamente ao LSD, a maconha e a heroína. A cocaína que esbranquiçava cada vez mais as mesas, balcões e pias de banheiro dos night clubs era solenemente ignorada, vista no começa da década de 70 como uma droga inofensiva e que simbolizava status social. Mas tudo isso entrou pelo canudinho… quer dizer, pelo cano em junho de 1972, quando veio à tona o escândalo de Watergate, que faria com que Nixon renunciasse ao cargo em 1974. 

The Nellcôte Session by Dominique Tarlé (1971)

Os jovens do começo dos anos 70 viviam a ressaca do movimento hippie, a desilusão da vida adulta, ter que trabalhar pra ganhar a vida. O rock n’ roll também, de certa forma amadurecia, ficava um pouco mais amargo depois das mortes de Hendrix, Joplin e Jim Morrison. A psicodelia do Grateful Dead saía de cena, substituído pelo peso sombrio do Black Sabbath . Em contra partida, os discursos libertários dos hippies acabaram por dar voz às mulheres, que passaram a dar mais as caras, sair para trabalhar e sair para se divertir, enfim buscar igualdade. Da mesma forma a comunidade gay também se organizou e se sentia mais livre para se impor, principalmente depois da rebelião de Stonewall em 1969. Da mesma forma os negros e hispânicos também começavam a sair dos guetos, até porque começaram a ter algum poder aquisitivo, o que lhes permitia sair para beber e dançar. Isso tudo só reforça essa pluralidade que começou a rolar nas casas noturnas de New York dos anos 70. 

1972 foi um ano de estabelecimento dessa nova cultura. Uma cultura de excessos, de diversidade, de engajamento político. E principalmente a música conseguiu traduzir tudo isso com muita precisão. Tanto é que neste ano alguns dos discos mais importantes da música pop de todos os tempos foram lançados. Let’s Stay Together (Al Green), Harvest (Neil Young), Eat a Peach (The Allman Brothers), Pink Moon (Nick Drake), Thick as a Brick (Jethro Tull), Slade Alive! (Slade), The Kink Kronikle (The Kinks), Machine Head (Deep Purple), Rio Grande Mud (ZZ Top), Mardi Gras (Creedence Clearwater Revival), Obscured by Cluds (Pink Floyd), Lou Reed (Lou Reed), The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (David Bowie), Roxy Music (Roxy Music), #1 Record (Big Star), School’s Out (Alice Cooper), Trilogy (Emerson, Lake & Palmer), Super Fly (Curtis Mayfield), All the Young Dudes (Mott the Hoople), Vol. 4 (Black Sabbath), Transformer (Lou Reed), Trouble Man (Marvin Gaye)… e muito mais! 

The Nellcôte Session by Dominique Tarlé (1971)

Convenhamos. Uma coisa é você lançar um disco de rock muito bom numa época em que o rock está em baixa e não tem muita gente no rádio tocando alguma coisa parecida com o que faz. Tipo o que aconteceu com o Nirvana ao lançar o Nevermind. Outra coisa é você lançar um disco de rock muito bom numa época em que o estilo está em alta e os principais nomes não só estão na ativa, mas estão em seu auge! Pois foi nesse contexto de efervescência, instabilidade e novidade que foi lançado o disco que, para muita gente, é o melhor disco de rock n’ roll de todos os tempos: Exile on Main Street, o décimo terceiro disco dos Rolling Stones. 

A história e a mística que permeiam este disco já são mais que conhecidas. Todo mundo sabe que depois de Sticky Fingers, os Stones estavam devendo mais dinheiro em impostos do que ganhavam. Resolveram se mudar para a França, Keith Richards arranjou uma mansão do século XIX caindo aos pedaços com um porão espaçoso, onde a banda resolveu montar um estúdio para gravar um disco novo. Neste processo, Richards acabou abrigando uma legião de junkies e vagabundos, já que ele próprio estava entregue ao vício de heroína. Tudo isso todo mundo já sabe. No entanto, não dá pra deixar passar batida a celebração dos 50 anos do Exile on Main Street. E nossa maneira de exaltar esse disco brilhante é justamente mostrando o contexto em que ele foi lançado e qual foi a recepção que ele recebeu na época. 

The Nellcôte Session by Dominique Tarlé (1971)

Já temos o contexto do mundo do showbiz em 1972, quando o Exile… foi lançado. Agora vamos dar uma geral na situação dos Stones pouco antes de irem para a França em 1971. Eles tinham acabado de lançar o Sticky Fingers, disco que fez grande sucesso e causou polêmica por conta de sua capa. Mas a verdade é que, há anos os Stones pareciam não ter sequer um minuto de paz, claro que muito por conta de suas próprias atitudes. Em 1968 Richards e Jagger foram presos por porte de drogas, em 1969 Richards começou a sair com a namorada de Brian Jones, então guitarrista da banda. Baita climão. Jones é expulso da banda por se drogar demais e é substituído por Mick Taylor. Meses depois de sua saída da banda, Brian Jones é encontrado morto na piscina de sua casa. Morte esta envolta em mistério e que abala muito a banda. Pra piorar, no fim do ano rola o incidente em Altamont, que pirou ainda mais os ânimos dos Stones. Em 1971, quando o Sticky Fingers foi lançado, eles se deram conta que o disco vendia muito bem, mas eles não ganhavam dinheiro algum. Foi quando se ligaram que estavam falidos por conta de contratos mal intencionados de seu ex empresário Allen klein. E se mudaram para a França para não perder o resto de bens que ainda possuíam. 

Os Stones ficaram literalmente isolados no sul da França entre 1971 e 1972. Estavam todos estressados e decepcionados. Claro, soma-se a isso uma dieta irresponsável de álcool e drogas das mais variadas e em quantidades perigosas, para dizer o mínimo. Desligados das tendências que rolavam no centro de Londres e de New York, os Stones se voltaram para as raízes do blues, do country e do gospel num disco introspectivo, confessional e caótico. A produção aparentemente desleixada, com a voz de Jagger soterrada por camadas de guitarras e naipes de metal, traz a claustrofobia de um porão embolorado e úmido de um casarão no meio do nada, mas ao mesmo tempo traz a espontaneidade de jam sessions de blues, como as que aconteciam em bares só para negros no meio do delta do Mississippi no começo do século XX. 

The Nellcôte Session by Dominique Tarlé (1971)

Quando foi lançado, no dia 12 de maio de 1972, pouca gente realmente entendeu o disco. Grande parte da crítica citava Exile on Main Street como o trabalho mais fraco dos Rolling Stones, um disco desconexo e mal gravado. Entretanto, houveram poucos críticos que enxergaram no disco a intensidade, o calor e a originalidade que aquelas canções transmitiam. Antes do álbum ser lançado, em março de 1972, Tumbling Dice fora lançada como single e estourou nas paradas de sucesso dos Estados Unidos e da Inglaterra, catapultando a venda do disco 2 meses depois. Por parte do público, o disco foi muito bem aceito e celebrado como um dos melhores discos dos Stones. Curioso que bastou virar a década para que a visão da crítica mudasse a respeito do Exile… a partir dos anos 80 ele passou a figurar em tudo quanto é lista de discos mais importantes do rock de todos os tempos, sempre bem rankeado. Mais do que o reconhecimento da crítica, os ecos de Exile on Main Street podem ser ouvidos em boa parte da produção musical desde o fim dos anos 70 até hoje. Em especial no som de bandas como MC5 e The Stooges, posteriormente Dinossaur Jr e The Black Crowes. E esses são só alguns exemplos. 

De 1972 até agora, muita coisa mudou. A era disco, o punk, new wave, grunge, nu metal… na real muita coisa muito boa foi produzida ao longo desses 50 anos. Mas não é exagero nenhum dizer que a essência mais pura e cristalina do rock n’ roll foi melhor traduzida em somente um disco. É compreensível que os próprios integrantes dos Rolling Stones alimentem os mitos e lendas sobre Nellcôte e aqueles meses de loucura e gravação, afinal de contas, isso ajuda muito a continuar vendendo discos. Mas o que importa é que nos foi entregue o melhor disco de rock n’ roll de todos os tempos, e isso não é mito nenhum. E todas as histórias de chapação, intrigas e ímpetos momentâneos de genialidade podem até tornar tudo mais interessante, mas mesmo se elas não existissem, se fosse um disco gravado num estúdio convencional, mas que trouxesse as mesmas canções, a mesma sonoridades, as mesmas sensações, ainda assim Exile on Main Street seria um disco indispensável para a música pop. 

The Nellcôte Session by Dominique Tarlé (1971)

São obras tão fortes, cheias de personalidade e recheadas de histórias como este disco que inspiram e instigam a Strip Me a sempre produzir estampas surpreendentes e descoladas exaltando a arte, a música, o cinema, enfim, a cultura pop. Então dá uma olhada na nossa loja pra conferir nossos lançamentos e também algumas estampas referentes aos Rolling Stones! It’s only barulho diversão e arte, but I like it! 

The Nellcôte Session by Dominique Tarlé (1971)

Vai fundo! 

Para ouvir: Olha, com certeza deve ser um pecado muito grave selecionar só 10 músicas de um disco tão bom quanto o Exile on Main Street. Então, hoje não tem playlist com top 10. A playlist de hoje é todo o disco Exile on Main Street

Para assistir: Impossível não recomendar o ótimo documentário Stones in Exile, lançado em 2010 e dirigido pelo Stephen Kijak! Um mergulho delicioso dentro das sessões de gravação do Exile on Main Street! 

Para ler: Uma das melhores autobiografias do mundo do rock já escritas com certeza é a de Keith Richards. Um livro enorme, mas delicioso, onde Richards conta toda sua história com bom humor, honestidade e uma fluência incrível. Leitura recomendadíssima! O livro se chama Vida, escrito pelo próprio Richards, saiu aqui no Brasil em 2010 pela Editora Globo. 

Na maior onda!

Na maior onda!

Qual é a obra de arte mais reproduzida de todos os tempos? Alguns poderiam dizer que é a Monalisa, uma das obras primas de DaVinci. De maneira nenhuma é uma suposição descabida. Mas a Monalisa foi muito mais parodiada do que realmente reproduzida fielmente. Talvez a sopa Campbell do Warhol. Acontece que, além de ser uma marca, muito raramente a obra é reproduzida em sua totalidade, ou seja, uma imagem com 32 latas simetricamente enfileiradas, como numa gôndola de supermercado. Claro, também tem o famosíssimo O Grito, de Munch. Mas ele também raramente é reproduzido em sua totalidade, costuma ser recortado, além de ser muito parodiado, tal qual a Monalisa. Por incrível que pareça, a obra de arte mais reproduzida no mundo não é ocidental, e seu autor para muita gente é desconhecido. E você, que é mais espertinho, já se ligou que estamos falando de A Grande Onda de Kanagawa

Pra contar a história dessa obra incrível, se faz necessário dar aquela contextualizada. A Grande Onda de Kanagawa faz parte de um conjunto de 36 xilogravuras conhecidas como 36 Vistas do Monte Fuji, do artista japonês Katsushika Hokusai. Essas obras foram concebidas entre 1829 e 1831. A primeira metade do século XIX foi muito conturbada para os japoneses. A história do Japão é muito interessante e única. O primeiro contato que os japoneses tiveram com os europeus foi em 1542, quando os portugueses dominavam as explorações marítimas. Os portugueses logo encheram a ilha de jesuítas, com a intenção de catequizar os japoneses e criar mais uma colônia. Mas deu errado. Os japoneses eram ótimos guerreiros e enxotaram os jesuítas de lá. O ótimo filme Silêncio, do Martin Scorsese, retrata bem esse período. Já no início do século XVII o governo japonês executou sem dó nem piedade milhares de japoneses que haviam se convertido ao cristianismo e fecharam seus portos para o resto do mundo. Era o início do xogunato, que manteria o Japão isolado do mundo por 250 anos. 

36 Views of Mount Fuji – #3 Rainstorm beneath the Summit (Sanka haku-u) – Katsushika Hokusai (1831)

No começo do século XIX as principais potências do mundo, interessadas em fazer negócio e ganhar dinheiro, claro, começam a forçar o governo japonês a abrir seus portos. Alguns japoneses mais ricos começam a viajar para a Europa, e voltam influenciados pela cultura ocidental. Com a aristocracia, e consequentemente o governo, dividida entre conservadores e entusiastas da ocidentalização, os Estados Unidos aproveitam para realizar uma invasão em 1854, que forçou o governo a abrir portos e assinar tratados de mercado com vários países. Claro que a população ficou dividida e houveram conflitos internos, mas acabou que a tal ocidentalização rolou mesmo, e ficou conhecida como Revolução Meiji. E se você ligou esse período histórico com o filme O último Samurai, protagonizado pelo Tom Cruise, acertou de novo! Tá, mas e daí? Onde a onda entra nessa história toda? 

Na década de 1820 se intensificam as viagens de japoneses para o ocidente. Nosso querido Katsushika Hokusai acaba sendo diretamente impactado por isso. Nessa época ele já era um artista plástico, conhecido no Japão, tinha mais de 60 anos de idade. Sempre foi conhecido pelo experimentalismo e por conhecer profundamente a arte japonesa e chinesa. Não há registros de que ele próprio tenha ido para a Europa, mas sabe-se que ele teve contato com obras de Goya, Delacroix e outros pintores europeus naquele início do século XIX. E os traços fortes e sobretons dessas obras o deixaram cheio de ideias. O lance é que a pintura no Japão era tradicionalmente feita através da ukiyo-e, também conhecida como xilogravura. Uma técnica que não permite explorar sobreposição de tonalidades de cores e diferentes traços e contornos com facilidade. A ukiyo-e inicialmente era feita somente em cor preta. No fim do século XVIII alguns artistas desenvolveram técnicas para fazer obras coloridas. E Hokusai conseguiu desenvolver ainda mais tais técnicas, permitindo variações de tons e sombreamentos. 

36 Views of Mount Fuji – #1 Under the Wave of Kanagawa (Kanagawa-oki nami-ura) – Katsushika Hokusai (1831)

Essa tradição de ukiyo-e era muito popular e muito barata. Afinal, basicamente, a xilografia é uma técnica de reprodução, à partir de uma matriz de madeira. Ou seja, você entalha um desenho numa placa de madeira, passa a tinta, coloca um papel por cima e pronto. Tal qual um carimbo, o desenho está no papel e pode ser comercializado facilmente. Voltando ao contexto histórico, inevitavelmente, essas xilogravuras começaram a chegar na Europa, e a agradar muito. A Grande Onda de Kanagawa acabou chamando a atenção não só dos japoneses, mas também de muitos artistas na Europa. Afinal, Hokusai elaborou uma cena congelada, mas cheia de movimento e tensão. O tom escuro do azul do mar, a crista da onda como garras de um monstro, os minúsculos pescadores em seus barcos e, ao fundo, o Monte Fuji. Uma obra impressionante. Tão impressionante que acabou influenciando o movimento impressionista europeu, de Monet, Renoir, Degas e etc. 

Realmente A Grande Onda de Kanagawa deve ser mesmo a obra mais reproduzida do mundo. Não só por estampar canecas, tênis, carteiras, capas de cadernos, chaveiros, mochilas, camisetas e mais uma infinidade de produtos. Mas também por se tratar de uma xilogravura. Estima-se que da matriz de madeira original entalhada por Hokusai tenham sido impressas mais de 5 mil gravuras. E é justamente o fato de não ser uma obra única, numa parede de museu, que faz dela uma obra tão famosa mundialmente, e, em contra partida, faz com que seu autor não seja tão conhecido assim. A xilogravura, de maneira geral, tem essa característica tão importante, de tornar uma obra de arte acessível a muitas pessoas a custos muito baixos. Tanto é que aqui mesmo, no Brasil, a xilogravura teve um papel fundamental na concepção e popularização de uma arte multimídia e muito original, a cultura de cordel do nordeste brasileiro. 

36 Views of Mount Fuji – #5 Surugadai in Edo (Tôto sundai) – Katsushika Hokusai (1831)

A Grande Onda de Kanagawa, do mestre Hokusai, é tão genial, carrega uma história tão acachapante, está tão entranhada na iconografia da cultura pop, que é uma onda irresistível de se mergulhar. E ninguém surfa melhor entre as ondas da arte e da cultura pop do que a Strip Me. Entre um tubo, uma cavada e um floater, a Strip Me apresenta camisetas com estampas originais e super descoladas inspiradas em obras de arte, ícones da cultura pop, além de cinema, música e comportamento. Então descansa essa prancha na areia e vem dar uma olhada nos últimos lançamentos na nossa loja

Vai fundo! 

Para ouvir: É onda que você quer, então é surf music que você vai ter. Uma playlist caprichada no que há de melhor na surf music. Surf top 10 tracks

Para assistir: Apesar de O Ùltimo Samurai, lançado em 2003, ser um filme bem divertido e retratar a época em que A Grande Onda de Kanagawa foi produzida, o filme Silêncio, de Martin Scorsese, lançado em 2016, é muito mais recomendável! Um filmaço, denso e plasticamente muito bonito! Vale a pena demais! 

Para ler: Ainda na cultura de samurais e do Japão feudal, a recomendação aqui é a obra prima de Frank Miller, a brilhante graphic novel Ronin. Uma história envolvente que liga o Japão feudal com uma New York suja e violenta, com desenhos absurdos de bons! Leitura fundamental! 

California: Não é à toa que a cultura pop esteja neste estado.

California: Não é à toa que a cultura pop esteja neste estado.

Em várias culturas, ao longo da história da humanidade, é muito comum aparecer sempre a busca por uma terra prometida, um lugar sagrado onde aquele povo vai encontrar paz e prosperidade. Canaã para os judeus, Meca para os muçulmanos, Jerusalém para os cristãos, Tenochtitlán para os Astecas… na ficção também não faltam exemplos, desde a Terra do Nunca de J. M. Barrie até a paradisíaca Shangri La, de James Hilton. Mas a verdade é que existe um lugar que chega muito perto de ser esse lugar mágico, onde as pessoas são felizes e tudo prospera. Onde a riqueza desde sempre floresceu e até hoje as pessoas continuam indo pra lá para realizarem seus sonhos. Bem-vindo à California

Tudo acontece na California. É o estado mais rico dos Estados Unidos, também o mais populoso. Lá encontram-se os polos de tecnologia e entretenimento mais importantes do mundo. Sem falar nos portos marítimos imensos e super modernos e bases militares importantíssimas. Além do mais a California é um lugar plural, onde a diversidade impera. É a região dos Estados Unidos que concentra o maior número de povos nativos, além de uma comunidade imensa de hispânicos e asiáticos. Também foi lá que despontaram as primeiras lideranças gays, que deram voz a comunidade homossexual. Também é um estado que respira cultura. É onde está Hollywood, a locomotiva da indústria mundial do cinema, e cidades como Los Angeles e San Francisco, que encabeçaram o verão do amor, em 1967, e revelaram incontáveis bandas e músicos. Isso sem falar nos esportes, outra marca registrada da California, onde o surf se popularizou pra valer e o skate foi criado. É muita coisa, né? Como pode? O que faz com que tanta coisa aconteça por lá? 

É uma história antiga.  Em 1543 os espanhóis já dominavam toda a América Central e o México. Passaram então a desbravar a costa do Oceano Pacífico. Quando chegaram na península hoje chamada Baja California, estado do México onde se encontra a famosa cidade de Tijuana, os espanhóis acreditavam tratar-se de uma ilha. Foi batizada California por causa de um livro que fazia sucesso na época, um romance chamado Sergas de Esplandián, do escritor Rodriguez Montalvo. A história do livro se passa numa ilha fictícia chamada California, onde viviam belas e poderosas amazonas. Porém, pelo difícil acesso ao Oceano Pacífico, a região permaneceu ignorada pelos espanhóis por praticamente duzentos anos. A região era habitada por várias tribos indígenas como os Yourok, Maidu, Pomo, Chumash, Miwoke e Mojave. À medida que os espanhóis iam colonizando o México, avançavam para o interior e para o oeste. Foi só por volta de 1700 que chegaram na região da Baja California e começaram, assim como aconteceu no Brasil com os portugueses, a instalar missões comandadas por jesuítas, com o intuito de catequizar os índios e, claro, os colocarem para trabalhar. Os espanhóis também estabeleceram logo dois lugares estratégicos para construir fortes para proteger a região. Assim nasceram os fortes de San Francisco ao norte e San Diego mais ao sul, e que hoje são cidades muito importantes. 

Bom, essa história de colonização, dominação de povos nativos, não é novidade pra ninguém, aconteceu igual em todo lugar. Claramente uma imensa parte dos índios da região foi dizimada principalmente por doenças como a gripe e a varíola, e também pela violência dos europeus. Em 1821 o México se torna independente da Espanha e seu território era imenso, incluindo praticamente todo o sudoeste dos Estados Unidos, os atuais estados do Texas, New Mexico, Arizona, Colorado, Utah, Nevada e California. Porém era um território ainda pouco povoado. Boa parte da região é de deserto, muito ruim para a agricultura, permitindo apenas que alguns fazendeiros dedicados a pecuária prosperassem. Mas a terra e o clima se mostraram favoráveis para o plantio de um produto que se tornaria ícone do México: a pimenta. Acontece que além do clima inóspito e da resistência ferrenha dos índios, os mexicanos não controlavam a entrada de fazendeiros ingleses e norte americanos que migravam da costa leste em busca de melhores terras. Esses fazendeiros foram tomando posse por conta própria de terras, principalmente na região da bacia do rio Colorado. Foi quando começou a treta entre México e Estados Unidos reivindicando aquelas terras para si. O governo dos Estados Unidos até reconhecia aquelas terras como território mexicano, mas o povo… 

Em 1836 o estado do Texas faz um levante e se proclama uma república independente do México. Rolam alguns conflitos e o governo norte americano acaba federalizando o Texas em 1845, o incorporando como um estado seu. Os mexicanos não gostam e é declara guerra. O conflito dura pouco mais de dois anos e os Estados Unidos saem vencedores. Em 1948 é assinado o Tratado de Guadalupe Hidalgo, que cede aos Estados Unidos 30% do seu território, e o mapa dos Estados Unidos se estabelece como conhecemos hoje. Mas não pense você que foi de graça. Em troca de toda essa terra, os Estados Unidos pagaram ao México 15 milhões e dólares, assumiram a dívida que os mexicanos tinham com a Inglaterra de 5 milhões de dólares e também concederam a cidadania norte americana a todos os mexicanos que vivam naquele território e desejassem permanecer por lá. Isso explica a quantidade e influência dos hispânicos na California até hoje. Mas o pessoal da California não tinha um minuto de paz naquela época. A guerra mal acabou em 1848 e logo foram descobertas na região da atual San Francisco algumas jazidas de ouro. Em um ano a população de San Francisco pulou de mil habitantes para 25 mil! Em 1849 a corrida do ouro na California foi avassaladora. O estado foi rapidamente povoado por aventureiros, comerciantes e todo o tipo de gente, principalmente imigrantes asiáticos que cruzavam o Oceano Pacífico em busca de oportunidades. Além disso, foi criada a ferrovia transcontinental, que liga a costa leste a costa oeste dos Estados Unidos. E você sabe que dinheiro chama dinheiro, né? O ouro fez o comércio prosperar, que fez com que as cidades se desenvolvessem, vieram as universidades, como a UCLA e Stanford. E era tanto nerd junto inventando coisas que a região ficou conhecida como Vale do Silício, já que o silício é usado em larga escala na produção de hardwares. 

O Vale do Silício compreende mais a região norte, de San Francisco e Palo Alto. Já a região sul da California, mais ensolarada e cheia de belezas naturais, se tornou o refúgio de muitos artistas e gente cheia de dinheiro querendo curtir a vida. Assim se estabeleceu na região de Los Angeles a indústria do entretenimento, juntando o útil ao agradável. Mas isso não foi assim mero acaso. A busca pelo oeste selvagem e caloroso não deixou de inspirar os norte-americanos, mesmo depois do fim da corrida do ouro. Toda uma cultura foi criada em cima daquilo. Muitos livros de ficção passaram a ser ambientados naquela região. Seres folclóricos como Billy The Kid e Jesse James ganharam notoriedade, surgindo o gênero western tanto para a literatura, quanto para o cinema, que engatinhava no início do século XX. Com outra perspectiva, a Geração Beat, em especial Jack Kerouac, idealizou a busca do oeste como algo existencial. Na carona dos Beats, os Hippies se estabeleceram na costa Oeste, inicialmente em San Francisco e depois em Los Angeles, onde a se materializou o slogan “Sexo, drogas e rock n’ roll”. 

As vastas planícies desérticas facilitaram a instalação de grandes estúdios para a produção de filmes. A proximidade de tais planícies com estúdios instalados a praias paradisíacas fez com que artistas e produtores se estabelecessem, alguns de maneira faraônica, na beira dessas praias. Mas não era simplesmente se mudar para LA para se dar bem na vida. Muita gente quebrou a cara. E, não só Los Angeles, várias cidades da California passaram a crescer muito e desordenadamente. Cidades grandes e desiguais geram jovens sem grana e muito insatisfeitos. Esses jovens sempre acabam dando um jeito de se divertir. Se eles moram longe das praias, resolvem surfar sobre rodas. Surge o skate, que vira mais que um esporte, se torna uma cultura. Na cola da cultura do skate vem o hardcore, que acaba meio que reinventando o punk. E essa mistura toda acaba resultando num estado tão diverso e afeito a liberdade, que foi um dos primeiros do país a legalizar a maconha

A California é realmente um lugar inacreditável. Junta tudo! Belezas naturais e tecnologia, cultura pop e tradições indígenas, tacos mexicanos vendidos nas ruas de LA com vinhos requintados do Napa Valley, desertos escaldantes ao sul e montanhas nevadas ao norte. É uma terra encantada num amontoado irresistível de cultura pop. De tão irresistível, a California está super bem representada nas estampas da Strip Me, nas camisetas de cinema, música e cultura pop. Vem conferir na nossa loja, sempre tem lançamentos novos chegando! 

Vai fundo! 

Para ouvir: A California é uma terra tão amada que o que não falta é música sobre ela! Então aqui você tem uma playlist 100% California! California top 10 tracks

Para assistir: Vale muito a pena conferir o divertido Lords of Dogtown, filme baseado em fatos reais, que conta a história dos Z-Boys, turma dos anos 70 que revolucionou o skate. Um retrato bem legal da juventude e da cidade de Los Angeles naquela época. O filme é dirigido pela talentosa Catherine Hardwick, foi lançado em 2005 e tem uma trilha sonora muito boa Iggy Pop, Bowie, T-Rex e Ted Nugent. 

De Repente 30… anos depois: 10 coisas dos anos 90 que estão de volta.

De Repente 30… anos depois: 10 coisas dos anos 90 que estão de volta.

Moda. Uma daquelas palavrinhas que tem três significados bem distintos, mas nem tanto. Moda é como chamamos o mundo de roupas, calçados e acessórios como brincos e colares, chapéus e etc. Mas moda também é como nos referimos a um estilo, uma maneira específica de comportamento, visual e etc. Um desfile de moda, junta os dois significados da palavra, já que se trata de um desfile de roupas e também é uma maneira de mostrar o estilo da pessoa que criou aquelas peças que estão sendo apresentadas. Mas a moda tem outro significado interessante. Ela pode representar a atualidade. Dizer que tal coisa está fora de moda, significa que é uma coisa fora do tempo atual, ultrapassada, antiga. E são essas três leituras da palavra moda que tornam tudo mais interessante. Porque este texto vai te mostrar que a moda dos anos 90 está super na moda, inclusive extrapolando o mundo da moda. 

Calma, vamos, usando um termo super na moda, ressignificar essa última frase: o estilo dos anos 90 está super atual em 2022, inclusive extrapolando o mundo do vestuário. É verdade. Os anos 90 voltaram com tudo. Óbvio que isso fica mais evidente no circuito fashion. São as estampas xadrez, jaquetas jeans, calças jogger, macacão (ou jardineira), coturnos, gargantilhas e tantos outros itens. Mas a coisa vai muito além! Estamos falando de vitrolas no formato de maletas, para tocar discos de vinil, vendendo feito água, gente pirando ao jogar Super Mario, gente chorando pra ir no show da Sandy & Júnior, Mobilete voltando a ser fabricada e até mesmo o Palmeiras com um time forte ganhando vários campeonatos (menos aquele lá, né…). E nós estamos aqui para comprovar que os anos 90 estão com tudo em pleno 2022. Então apaga esse cigarro que você roubou do seu pai, coloca Smells Like Teen Spirit pra tocar, amarra essa bandana direito na cabeça e vem com a gente conferir as 10 coisas dos anos 90 que estão super na moda hoje em dia! 

10 – Brinco de Cruz 

Nos anos 90 eles eram sinal de rebeldia juvenil tanto para meninos e meninas. Figuravam nas orelhas de todo mundo, de George Michael a Mr. T, de Sarah Jessica Parker a Courtney Love. Hoje voltam à moda repaginados. Além de aparecerem nas versões clássicas, dourado e prateado, também vem com a opção de cores metalizadas super diferentes. Além disso, tem a vantagem de combinar com tudo e ser unissex. Se antes era sinal de rebeldia, hoje chega a dar um ar clássico ao look. 

9 – Pochete 

Eterna polêmica. Já nos anos 90 a pochete tinha muitos desafetos. Não é de se estranhar, convenhamos. Apesar de sua indiscutível praticidade, é uma parada difícil de gostar esteticamente. É um cinto com uma bolsa acoplada, um negócio esquisito. Acontece que essa é a impressão de só uma parte das pessoas. E a moda, aquela das vitrines fashion, conseguiu inserir a pochete em looks descolados e ela tá aí, firme e forte em pleno 2022, e não dá sinais de desaparecer tão cedo. É, parece que a pochete colocou seus detratores no bolso e fechou o zíper. 

8 – Chinelos slide 

Para quem se liga em comunicação e publicidade, esse chinelo é um verdadeiro ícone. É o tipo de produto que ficou mais conhecido pelo nome de uma marca, do que pelo próprio nome. Se você fala chinelo tipo slide, pouca gente sabe o que é, mas se disser chinelo tipo Rider, todo mundo sabe. A campanha publicitária “Rider dá férias para os seus pés” fez um sucesso inacreditável nos anos noventa, com comerciais de TV lindos embalados por músicas de Tim Maia, Paralamas do Sucesso e Lulu Santos. Depois que a Grendene, fabricante do Rider, encerrou sua parceria com a W/Brasil (atual WMcCann) o Rider ficou meio esquecido nos anos 2000. Mas agora volta como opção vintage e confortável para jovens que sequer eram nascidos quando o Brasil inteiro queria dar férias para os seus pés. 

7 – Nike Air Max 90 

Ainda falando de calçados, outro marco dos anos 90 foi o revolucionário Nike Air Max 90. Um tênis criado pensando no conforto e bom desempenho de atletas. Ele foi projetado com uma sola um pouco mais espessa, com uma câmara de ar no meio, que proporciona uma pisada mais firme, mas amortecendo o impacto. Acontece que além desse conforto tanta para quem faz caminhadas, quanto quem corre, o Nike Air Max 90 tem um design super bonito, combinando duas ou três cores. Nos anos 90 virou queridinho da moda streetwear. Mas no século XXI perdeu espaço para tênis mais espalhafatosos, com cores berrantes. Porém, você sabe que a Nike não é boba. Já de olho nessa onda nostálgica dos anos 90, que começou faz alguns anos, aproveitou que em 2020 o Nike Air Max 90 completava 30 anos de sua criação, e o relançou fazendo estardalhaço na imprensa. E todo mundo amou. Resultado: Tá aí o Nike Air Max 90 mais vivo do nunca. 

6 – Relógio Casio Digital 

A Casio é uma empresa de eletrônicos japonesa, dessas que servem de inspiração para todo empreendedor. Começou no Japão devastado no fim da década de 1940 e hoje se mantém como uma das mais fortes do segmento. Nos anos 90 a marca era conhecida aqui no Brasil por dois produtos: Um era o teclado, que vinha com um banco de centenas de timbres e emuladores de sons e dezenas de ritmos. O outro era o relógio digital. O relógio logo se tornou uma febre entre adolescentes, pois eram relógios baratos e o visor digital tornava muito mais fácil identificar a hora do que o visor de ponteiros. Talvez tenha sido a nostalgia que fez com que eles voltassem à moda de alguns anos pra cá. O fato é que a Casio não perdeu tempo e relançou vários modelos de seus clássicos relógios, incluindo uma linha feminina vintage com pulseiras douradas e rose gold muito bonitas, que venderam horrores! 

5 – Patinete 

O jovem recém formado, que vive numa grande cidade e usa um patinete motorizado para se locomover pra lá e pra cá, talvez nem imagine que tal veículo há muito tempo faz sucesso, mas até então entre crianças e adolescentes. Dizem que o patinete foi inventado no começo do século XX como um brinquedo mesmo, feito com pedaços de caixas de madeira e rodinhas de ferro, algo bem semelhante ao que vemos no primeiro filme De Volta Para o Futuro, em que Marty McFly arranca a parte de cima, transformando o brinquedo num skate e o usa para fugir do Biff e sua gangue. Uma cena deveras antológica. Nos anos 90 o patinete não só ainda fazia sucesso, como teve a sua versão motorizada, que ficou conhecida como walk machine. Mas era um brinquedo caro, e que não durou muito no mercado. E de uns tempos pra cá, a turma vem pensando mais sobre a emissão de gás carbônico e queima desenfreada de combustível a base de petróleo. Ainda bem. Assim, nas grandes cidades, começou a pintar o esquema de aluguel de bicicletas e também de patinetes elétricos, que facilitou demais a locomoção das pessoas, sem precisar usar carros, motos ou lotar trens e ônibus. Uma moda realmente útil e, por que não dizer, lúdica também. 

4 – Celular de Flip e outros pré-smartphones 

Um dos sinais de que você virou um adulto é quando começa a admitir que seus pais tem razão sobre uma porção de coisas que você não concordava antes. Se o seu pai e/ou a sua mãe são daquelas pessoas de meia idade que não se adaptaram aos smartphones e continuam com aquele Nokia velho e indestrutível, talvez seja a hora de você dar razão a eles nisso também. De 2016 pra cá, só nos Estados Unidos, foram adquiridos mais de 30 milhões de aparelhos antigos. Isso porque foi em 2016 que a famosa editora da revista Vogue, Anna Wintour, foi fotografada com um celular de flip antigo. Depois disso, a Adele apareceu no clipe de Hello com um celular do tipo Star Tac. Em seguida, celebridades começaram a aparecer com aparelhinhos desse naipe em todo o canto, como por exemplo Rihanna, Scarlet Johansson e até o nosso querido Iggy Pop. E é uma tendência que segue firme e forte. Quem abraça os celulares antigos justifica a escolha dizendo se sentirem mais livres, sem tanta distração de apps dos mais variados, sem falar na segurança de não ter um aparelho conectado à nuvem sujeito a invasões e hackers e etc. Olha, até que dá pra entender. Mas o duro é a gente se adaptar de novo com SMS, sem poder enviar stickers ou gifs com memes engraçados. 

3 – Nintendo Nes e outros consoles 

Inquestionável que os jogos recentes do Playstation e companhia são incríveis com gráficos ultra reais, roteiros complexos e cativantes e jogabilidade imersiva. Mas acontece que a turma na faixa dos trinta e poucos, quarenta anos, começou a sentir aquela saudade apertada de jogar um joguinho despretensioso, colorido e com uma musiquinha em midi embalando a brincadeira. Assim, jogos como Super Mario, Sonic, Pac Man, Final Fantasy e outros começaram a aparecer em formato de app para celular e computador. Sem perder tempo, a Nintendo já lançou o Nintendo Nes Classic Edition com vários jogos na memória. O console vendeu milhões logo de cara. E recentemente a molecada de 18, 20 anos, também tem aderido ao formato, talvez influenciados por pais, tios e irmãos mais velhos. O fato é que o filão de consoles e arcades de video games dos anos 80 e 90 vem passando de fase sem dificuldade, cada vez mais longe do game over. 

2 – Fitas K7 

Talvez a volta mais difícil de entender seja a da fita K7. Vá lá, ela tem seu charme esteticamente. Mas é uma mídia trabalhosa e que não tem no mercado tantos aparelhos toca fita assim. A fita sempre foi a segunda opção. Quando o vinil estava muito caro, ou se comprava a fita original, que era mais barata que o disco, ou então, comprava-se uma fita virgem, ainda mais barata, e pegava o disco almejado emprestado de algum amigo e gravava na fita. Sem falar na possibilidade de fazer suas próprias compilações, as mixtapes. Provavelmente, o que fez com que as fitas voltassem com tanta força tenha sido um misto de nostalgia e curiosidade. O jovem que se liga em música e não pegou o tempo das fitas hoje vê com interesse essa mídia e tenta reviver um pouco aqueles tempos de que seu pai, tio ou irmão mais velho tanto fala. Sem falar na chance de poder comprovar na prática a história que dá pra voltar a fita usando uma caneta Bic

1 – Vinil 

Aí sim. É o rei da nostalgia, né. Na real, o vinil nunca saiu muito da moda. Teve momentos de baixa, é verdade, mas sempre manteve aqueles fiéis seguidores, mesmo no fim dos anos 90, começo dos 2000. Época sombria em que o mercado da música digital engatinhava e o CD, que já tinha atingido seu ápice, começava uma descida vertiginosa e irrefreável rumo a obsolescência. Tempo em que a maioria das pessoas se desfazia de suas coleções de vinil nos sebos para adquirir CDs de suas bandas favoritas. Mas já em meados da década de 2000 o vinil começa a aparecer quase como um artigo de fetiche entre músicos e admiradores de música. A internet impulsionou a venda de discos raros até chegar ao ponto em que se tornou cool ter uma vitrolinha e uma coleçãozinha de discos de vinil. A verdade é que o vinil agrada todo mundo. Agrada o cara chato, metido a entendido de música e agrada o jovem descolado com a sua vitrola em formato de maleta que coloca o um disco do Tom Zé pra rolar e posta nos stories do Instagram com um filtro de imagem envelhecida. Seja no Spotify ou na vitrolinha, o importante é ouvir música boa. 

Sejamos francos. A década de 60 começou a porr@ toda, a década de 70 intensificou e deu brilho, a década de 80 exagerou, levando tudo a limites extremos. Coube à década de 90 chutar muitas bundas e recomeçar algumas coisas. Pode não ter sido a década mais inventiva, mas criou muita coisa boa. Além do mais é a década em que boa parte da equipe da Strip Me cresceu, e de onde tirou suas primeiras referências para criar um mundo de barulho, diversão e arte através de camisetas incríveis! São camisetas de música, cinema, arte, cultura pop, tudo indo muito além dos anos 90. Para sacar isso, basta conferir os lançamentos na nossa loja

Vai fundo! 

Para ouvir: Uma playlist caprichada com canções inesquecíveis dos anos 90! 90’s Unforgetable Hits top 10 tracks

Para assistir: Para um retrato divertido e levemente exagerado do que era a juventude os anos 90, basta assistir ao filme Singles – Vida de Solteiro, escrito e dirigido pelo Cameron Crowe. Filme todo ambientado em Seattle, contando com algumas das principais bandas do grunge. Não e um filme maravilhoso, mas é bem divertido e agradável de se ver. 

Para ler: O livro Viva la Vida Tosca, a autobiografia do João Gordo, co-escrita pelo André Barcinsky, é um livro delicioso de se ler, com vários causos interessantes sobre quase nenhum sexo, mas muitas drogas e rock n’ roll. E boa parte do livro é um baita retrato dos anos 90 no Brasil, com os causos do Gordo excursionando com os Ratos de Porão e trampando na MTV Brasil. O livro saiu pela editora Darkside com um tratamento gráfico excelente. Leitura mega recomendada. 

De Dudeísmo a Red Hot Chilli Peppers – 10 Curiosidades sobre The Big Lebowski 

De Dudeísmo a Red Hot Chilli Peppers –              10 Curiosidades sobre The Big Lebowski 

Pode ter certeza. Ninguém em Hollywood faz filmes como os Irmãos Coen. Mas calma. Isso não quer dizer que eles façam os filmes mais incríveis, que sejam melhores que gente como Martin Scorsese ou Quentin Tarantino. Não é isso. Ninguém em Hollywood faz filmes como os Irmãos Coen, porque eles conseguiram desde muito cedo desenvolver uma linguagem tão original, que não se parece com nada que foi feito antes deles. É a mesma coisa de querer comparar uma banda tipo Morphine com alguma outra. Não é uma banda genial, mas não tem nada muito parecido com o som que o trio fazia. 

A originalidade já começa pelo fato de que os dois irmãos, Ethan e Joel Coen, se revezam nos créditos de seus filmes. Em um filme um aparece como diretor e o outro como roteirista, no próximo eles trocam, e assim vai. Ou seja, a gente nunca sabe quem faz o quê. O mais certo é que eles trabalham realmente em dupla tanto escrevendo como dirigindo. Nessa pegada, eles construíram uma filmografia vigorosa, com filmes marcados por um humor peculiar, uma fotografia sempre muito bem executada, seguindo mais os padrões do cinema europeu, e personagens inusitados extremamente bem construídos. Um dos primeiros filmes da dupla, Arizona Nunca Mais, de 1987, é prova disso. O protagonista interpretado brilhantemente pelo Nicolas Cage é encantador e canastrão ao mesmo tempo! Mas é claro que, em se tratando de personagem marcante, não dá pra não pensar no the one and only The Dude! 

The Big Lebowski é o oitavo filme da carreira dos irmãos Coen. Diferente de Arizona Nunca Mais e Fargo, a princípio The Big Lebowski não fez tanto sucesso de público e nem de crítica. Teve uma recepção morna. Talvez porque o ano em que ele foi lançado, 1998, estivesse já recheado de grandes filmes, muitos deles mais densos e sérios. Pra você ter ideia, são de 1998 O Homem da Máscara de Ferro, O Resgate do Soldado Ryan, O Show de Truman, Medo e Delírio em Las Vegas, Patch Adams, Além da Linha Vermelha, A Outra História Americana e muitos outros. Mas O Grande Lebowski é o tipo de filme que envelheceu bem, foi sendo redescoberto com o passar dos anos. Sem falar que, mesmo não tendo a profundidade e a produção nababesca dos filmes aqui citados, O Grande Lebowski é sim um ótimo filme e não deixa nada a desejar aos lançamentos daquele ano. 

Basicamente, Jeff Lebowski é um cidadão bem característico da costa oeste norte americana do início dos anos 90. Um cara pacato, sem posses, de poucos, mas bons amigos, que aprecia uma vida tranquila, fumar maconha e jogar boliche. Ah, sim, ele também prefere ser chamado de The Dude. Acontece que essa vida tranquila do Dude vai ser interrompida por uma dívida milionária, um tapete cheio de xixi, um outro Jeff Lebowski, um sequestro destrambelhado e uma banda de eletro rock decadente. Simplesmente, são elementos que formam uma receita imbatível para um filme maravilhoso. Então selecionamos 10 curiosidades sobre este filme tão querido, que com certeza vão fazer com que, quem ainda não viu queira muito ver, e quem já viu, queira muito rever. 

1 – Inspiração num livro

O enredo do filme foi inspirado no clássico livro O Sono Eterno, uma das obras primas da literatura noir, escrito por Raymond Chandler. O livro narra a história de um detetive particular que é procurado por um velho milionário para investigar o sequestro de sua jovem esposa. Os Irmãos Coen já declaram que o livro foi uma inspiração para a trama, mas não para a construção dos personagens. 

2 – Atores e personagens

Apenas quatro personagens do filme foram escritos especificamente para serem interpretados por determinados atores. São eles: Jeff “The Dude” Lebowski, o cowboy que narra o início da história, Walter Sobchak e Donny. Os Irmãos Coen já revelaram que o filme não teria saído se Jeff Bridges não topasse interpretar The Dude. O personagem foi todo escrito pensando no jeito de falar e na aparência de Bridges. A voz grave, o sotaque sulista e o bigode volumoso de Sam Elliot também já estavam nos planos dos Coen quando criaram o cowboy. John Goodman e Steve Buscemi também serviram como parâmetro para os personagens Walter e Donny, respectivamente. 

3 – Walter Sobchak e John Milius 

Os Irmãos Coen eram muito amigos do diretor e roteirista John Milius, um cara bem excêntrico. Quando começaram a desenvolver o personagem Walter Sobchak, um cara durão, veterano do Vientã, que curte armas de fogo, logo se lembraram de Milius. Colecionador de armas, esquentado, pragmático, briguento, de colete cheio de bolsos e óculos escuros estilo aviador, Milius parecia estar sempre pronto para sair para uma caçada. E John Goodman caiu como uma luva, pois tem o porte físico de Milius, além de ser um baita ator. Ah, só pra lembrar. John Milius escreveu o roteiro de Apocalipse Now, além de ter escrito e dirigido Conan, O Bárbaro e Amanhecer Violento. 

4 – A segunda opção para Bunny Lebowski 

Bunny Lebowski é a jovem esposa do velho e rico Jeff Lebowski, que é sequestrada. A personagem é a típica garota deslumbrada e sem escrúpulos de Hollywood. Uma jovem bonita, mas de comportamento vulgar e com um talento ímpar para gastar mais dinheiro do que consegue ganhar. Os Irmãos Coen queriam que a personagem fosse interpretada pela Charlize Theron. Mas ela estava envolvida com a produção do excelente Advogado do Diabo e não aceitou. O papel acabou ficando com a Tara Reid, estreante no cinema e sem muita expressão. Caso o papel ficasse com Charlize Theron, certamente a personagem ganharia mais destaque no filme. 

5 – Figurino caseiro 

Não só o personagem The Dude foi escrito para o Jeff Bridges, como o próprio ator se sentiu totalmente à vontade para interpretá-lo. À vontade até demais. A ponto de praticamente todas as roupas que o ator aparece usando no filme são dele mesmo, e não figurinos escolhidos pela produção. Algumas cenas, inclusive, Bridges foi com a roupa que estava em casa para o estúdio, só fez a maquiagem e entrou em cena. Mais à vontade que isso, impossível! 

6 – Autobahn Chilli Peppers 

Um trio de delinquentes estão envolvidos no suposto sequestro de Bunny Lebowski. São caras que tinham uma banda de eletro rock chamada Autobahn. Uma referência descarada ao Kraftwerk. O curioso é que um dos integrantes desse trio de maloqueiros é ninguém menos que o Flea, baixista do Red Hot Chilli Peppers. Flea é amigo de Jeff Bridges, e na época era figurinha carimbada nas festas mais descoladas de Hollywood. Os Irmãos Coen foram com a cara dele, que acabou ganhando o papel. Ele aparece pouco e quase não tem falas, mas tá lá, pra reforçar a aura noventista do filme. 

7 – Trilha sonora 

Um dos pontos altos do filme é a sua trilha sonora. A escolha das músicas foi impecável e inusitada. Num filme com uma estética e linguagem tão diretamente ligadas aos anos 90, a trilha sonora impressiona por ser plural, mas com ênfase no country, e southern rock dos anos 70, no jazz e nos experimentalismos da world music. E são músicas ótimas! A começar pela emblemática The Man in Me, do Bob Dylan que abre o filme. Mas também tem Elvis Costello, Nina Simone, Kenny Rogers, Captain Beefheart e a ótima versão de Hotel California dos Gipsy Kings. 

8 – The Dude’s drink 

Todo bom personagem que se prese tem um drink como marca registrada. Desde o simples whisky de Don Draper, em Mad Men, até o específico Vodca Martini batido, e não mexido, de James Bond. É claro que o The Dude não ia ficar de fora dessa. No filme fica evidente sua paixão por um drink que ele chama ocasionalmente de “caucasian”, mas que oficialmente se chama White Russian. É uma bebida que leva vodca, licor de café, creme de leite e gelo. Não se sabe direito qual a origem do White Russian, mas se sabe que ele já era popular no final dos anos 60 na costa oeste dos Estados Unidos e se espalhou por todo o país nos anos 70, sempre presente nas discotecas e casas noturnas. Nos anos 80 ficou fora de moda e desapareceu da maioria dos cardápios, até os Irmãos Coen desenterrarem esse drink sabe-se lá porquê. 

9 – De recepção morna a filme cult 

 O Grande Lebowski teve um orçamento estimado em 15 milhões de dólares. Nos Estados Unidos ele arrecadou nos cinemas 18 milhões. No mundo todo aproximadamente 46 milhões de dólares. Não são números ruins, certo? Mais ou menos. Hollywood está acostumada com lucros bem maiores. O Resgate do Soldado Ryan, por exemplo, no mesmo ano, teve um orçamento de 70 milhões e arrecadou nos cinemas mais de 480 milhões de dólares. Mas o fato é que O Grande Lebowski foi se tornando aquele filme antigamente chamado tesouro de locadora. A leveza, a simplicidade, o humor, a pitada de psicodelia, a trilha sonora e as ótimas atuações fizeram com que o boca a boca tornasse O Grande Lebowski num dos filmes mais procurados das video locadoras. Sem falar que virou referência pop com falas como “The Dude abides.” e gerando memes até hoje. 

10 – Dudeísmo 

O céu é o limite para O Grande Lebowski. Não é à toa que, quando determinada obra ganha o adjetivo “cult”, ela passa a ser cultuada, considerada genial e apreciada por gente descolada, alternativa, intelectual. Acontece que o lado cult d’O Grande Lebowski foi longe demais. Em 2005 o jornalista Oliver Benjamin fundou The Church of the Latter-Day Dude, a Igreja do Dude do Último Dia, criando assim o Dudeísmo. E se você acha que é piada, achou errado. O Dudeísmo é uma comunidade essencialmente virtual de mais de 600 mil pessoas, tem sua própria filosofia, que mistura taoísmo, zen-budismo e filosofia humanista, com livros publicados, igrejas e tudo o mais. No site oficial, você é recebido com a mensagem: “Dudeísmo é uma filosofia que prega a não-pregação, pratica o mínimo possível e, acima de tudo, uh… perdi minha linha de raciocínio. De qualquer forma, se você quiser encontrar paz na terra e boa vontade, cara, nós o ajudaremos a começar.” Se você quiser experimentar, é só acessar dudeism.com 

Pra concluir, O Grande Lebowski é um fenômeno! Um filme excelente, com uma porção de referências pop, boa música, humor, viagem, aquela crítica gostosa ao conservadorismo… enfim, tudo que a gente gosta! Então é claro que O Grande Lebowski está na lista de referências e preferências a Strip Me! Tanto é que já ganhou uma estampa linda! E tem muitas outras estampas incríveis de cinema, música, arte, cultura pop e muito mais. Dá uma conferida na nossa loja e aproveita pra se atualizar na seção de lançamentos

Vai fundo: 

Para ouvir: Claro, uma playlist delícia com as 10 mais da trilha sonora do filme! The Big Lebowski Top 10 tracks

Para ler: O Raymond Chandler é dos grandes mestres da literatura noir! E o livro que inspirou O Grande Lebowski, O Sono Eterno, é realmente muito bom e saiu aqui no Brasil pela editora LP&M. É leitura altamente recomendável. 

Lennon & McCartney que nada! É Lennon & Bowie!

Lennon & McCartney que nada! É Lennon & Bowie!

Londres. Janeiro de 1966. 
Já era tarde da noite quando um jovem músico de 19 anos, conhecido como Davy Jones, entra num pub nos arredores de Westminster com dois amigos. O pub não estava muito cheio. Os rapazes se encostam no balcão e logo cada um está com um pint cheio na mão. Ao lado deles, estava um senhor de meia idade, que parecia estar sentado ali a horas, visivelmente bêbado e falando alto. Em dado momento, alguém pede para o tal senhor falar mais baixo. Indignado, ele responde: “Não me enche o saco! Você sabe quem eu sou? Sabe com quem você está falando? Eu sou Alfred Lennon! Meu filho ganhou uma medalha da rainha, é um dos homens mais importantes deste país!”. Davy Jones não acreditou no que ouviu e foi conversar com o suposto Alfred Lennon. Depois de fazer algumas perguntas, Davy se deu conta que estava realmente falando com o pai de um de seus grandes heróis da música. “Senhor Lennon, eu espero um dia poder conhecer pessoalmente o seu filho.” e Alfred balbucia quase caindo da cadeira “Claro, claro. Quem sabe um dia, garoto…”. 

Em 1967 o tal Davy Jones decide mudar seu nome artístico para David Bowie. Depois de dois discos sem grande repercussão na década de 60, Bowie entra nos anos 70 com tudo. Em 1970 The Man Who Sold the World já chama a atenção na Inglaterra. Em 1972 The Rise and Fall of Ziggy Stardust and The Spiders From Mars transforma Bowie num fenômeno mundial. Na sequência, Alladin Sane, Pin Ups e Diamond Dogs o consagram como grande astro do rock. Porém, curiosamente, até então sem ter alcançado o número 1 da Billboard nos Estados Unidos, mesmo sendo cultuado no país. Mas o ano de 1974 chegava recheado de surpresas para Bowie. 

Em 1974 John Lennon estava morando provisoriamente em Los Angeles, separado de Yoko Ono, vivendo com May Pang o período que entrou para a história como “o fim de semana perdido”, quatorze meses de muita loucura, festas e drogas na companhia de gente como Keith Moon, Elton John, entre outros. Foi em fevereiro de 1974 que John Lennon foi convidado para uma grande festa na casa da atriz Elizabeth Taylor. Lá foi então Lennon e sua turminha do barulho. Coincidente, quem estava na festa também era David Bowie. Porém, nem mesmo as quantidades nada recomendáveis de cocaína que Bowie consumia conseguiram deixa-lo à vontade na frente de seu grande herói. Liz Taylor apresentou Bowie a Lennon. Mesmo John sendo muito simpático na ocasião, Bowie se limitou a cumprimentar John formalmente, disse que tinha todos os discos dos Beatles e da carreira solo dele e finalizou com um “com licença, preciso ir agora.”. Não se sabe se ele foi embora da festa, ou se evitou a noite toda estar no mesmo ambiente em que Lennon estivesse. Um encontro constrangedor. Mas não seria o único. 

Em junho de 1974 Bowie já estava com a pré-produção de seu novo disco praticamente finalizada. E ele queria incluir no tracklist do álbum a música Across the Universe, composição de Lennon que consta no disco Let it Be, dos Beatles. Bowie queria pedir pessoalmente a autorização de Lennon para gravar a faixa e aproveitar para apagar a má impressão causada no primeiro encontro. Para isso, Bowie convocou Tony Visconti, que estava produzindo o disco e conhecia John, para intermediar o encontro. Bowie estava numa suíte do requintado hotel Sherry Netherland, em New York. John chegou no quarto de hotel de Bowie, que mais uma vez estava apavorado com a presença do beatle. Bowie se limitou a ficar sentado no chão, encostado numa parede com um bloco de papel, onde fazia alguns desenhos, enquanto Lennon conversava com Visconti. Depois de muito tempo, quase duas horas, sem que Bowie se manifestasse, John pediu a ele algumas folhas daquele bloco e um lápis, dizendo “Vou desenhar você.”. Bowie sorriu, e os dois começaram a fazer caricaturas um do outro e rir e começaram a conversar. Finalmente. E realmente se tornaram amigos. 

Depois de “matar” Ziggy Stardust, Bowie estava na pilha de se reinventar. Começou a levar sua música por um caminho mais dançante, flertando com funk, R&B e disco. Para seu novo disco, além de contar com a produção de Tony Visconti, Bowie se uniu ao esplêndido guitarrista Carlos Alomar para conceber o ótimo Young Americans. Em janeiro de 1975 John Lennon foi até o estúdio onde Bowie estava gravando para fazer uma participação em Across the Universe, onde tocou guitarra. Após a gravação, Bowie e Lennon desataram a conversar sobre suas experiências ruins com a fama, como eles lidavam com aqueles problemas de superexposição e etc. Depois de muito papo, numa jam session Bowie e Lennon começaram a improvisar em cima de um riff que Alomar cuspiu de sua guitarra. Com a conversa fresca na cabeça, a letra não poderia ser sobre outra coisa. E assim surgiu a música Fame. 

Young Americans foi lançado em março de 1975 e fez um sucesso enorme! E a amizade entre Bowie e Lennon só crescia. Mesmo sendo reverenciado no mundo todo àquela altura, Bowie não se sentia tão querido pelo povo norte americano. Um dos muitos encontros entre Bowie e Lennon naquele ano aconteceu nos bastidores de um show do Elton John no Madison Square Garden. Ao saber que Bowie estava lá, o público começou a gritar seu nome. E John deu um abraço em Bowie dizendo “Eu não te disse, David? A América te ama, cara!”. Nessa época, John funcionou meio que como um conselheiro para Bowie. Inclusive no que diz respeito a confiança em empresários, finanças e etc. Tanto é que no final de 1975 Bowie demitiu Tony Defries, seu empresário há muito tempo, desconfiando que ele vinha lhe roubando. O que aparentemente era verdade. 

Em 1977 Bowie estava grudado em Iggy Pop. Os dois moravam em Berlim na época. Voltando de uma série de shows no Japão, eles fizeram uma escala em Hong Kong, na China, antes de seguir para a Alemanha. Mas acabaram não pegando o próximo voo logo de cara, porque souberam que John Lennon estava na cidade, de passagem também, a caminho de Tokyo, onde se encontraria com Yoko Ono. Rapidamente tudo se arranjou e eles se encontraram. John estava com seu filho Sean ainda com alguns meses de idade, e o apresentou a Bowie e Iggy Pop. Naquele dia, aconteceu uma passagem que Bowie nunca mais esqueceria e contaria inúmeras vezes. Ele e John saíram para dar uma caminhada pelas ruas de Hong Kong. Eis que um garoto que não devia ter mais que 15 anos de idade os interrompe e pergunta: “Ei, você não é o John Lennon, dos Beatles?”. John, espirituoso responde: “Não. Mas bem que gostaria ter o dinheiro dele.”. Bowie amou a resposta e passou a usá-la frequentemente quando perguntado se ele era o David Bowie. Meses depois, Bowie estava em New York, andando pelo Soho, quando alguém lhe cutuca as costas dizendo: “Ei, você não é o David Bowie?” Sem sequer olhar para trás, ele responde: “Não. Mas gostaria de ter o dinheiro dele.”. A mesma pessoa o segura pelo braço e diz: “Seu bastardo mentiroso! Você queria era ter o meu dinheiro!”. Era John Lennon. 

Foi May Pang, a empresária, ex- amante de Lennon e amiga de Bowie quem se encarregou de dar a David a mais triste das notícias naquele fatídico dia 8 e dezembro e 1980. Bowie estava participando de uma peça na Broadway chamada O Homem Elefante. Por isso tinha alugado um apartamento em New York. Pang foi pessoalmente até lá para dar a notícia da morte de John Lennon a David Bowie. Bowie ficou transtornado. Gritava e chorava. Meses depois, Bowie disse numa entrevista sobre a morte de John: “Um pedaço inteiro da minha vida parecia ter sido tirado, toda a razão de ser cantor e compositor parecia ter sido removida de mim.”. 

Assim terminava uma amizade das mais lendárias o rock n’roll, e uma história que começou como um sonho distante no balcão de um pub qualquer em Londres. Terminava também uma curta, porém muito eficiente parceria musical. A composição de Lennon & Bowie, Fame, foi o primeiro single de David Bowie a atingir o número 1 da Billboard nos Estados Unidos. Dali em diante, Bowie nunca mais se sentiria menosprezado pelos norte-americanos, e teria várias músicas chegando ao topo por lá até o fim de sua carreira. No final de 2013 David Bowie foi diagnosticado com um câncer no fígado. Ele combateu doença por dois longos anos. No dia 10 de janeiro de 2016 Bowie não resistiu e faleceu. 

A música é um dos combustíveis que faz com que a Strip Me esteja sempre criando novas estampas, se renovando, sempre em busca do barulho, diversão e arte! E histórias como essa, contada aqui, são uma inspiração extra, que mostram como a vida é cheia de surpresas, encontros, desencontros, coincidências e ironias! A influência disso tudo e muito mais, você pode conferir nas estampas super descoladas das camisetas de música, arte, cinema, cultura pop e muito mais. Vem conferir nossos lançamentos e dá uma geral na nossa loja

Vai fundo! 

Para ouvir: Uma playlist imbatível com a dobradinha Lennon & Bowie. Só o puro creme do milho verde da carreira solo do John Lennon e também do David Bowie. Lennon & Bowie Top 10 tracks

Para assistir: O John Lennon sempre pareceu ser muito simpático e camarada com o Bowie, né? Mas não pense você que ele foi sempre assim. Na época dos Beatles o John era bem arrogante e costumava destratar muita gente. O divertidíssimo filme Meu Jantar Com Jimi, retrata bem isso. O filme é de 2003, dirigido pelo Bill Fishman e escrito pelo Howard Kaylan, que era vocalista da banda The Turtles na década de 60 e numa turnê pela Inglaterra conheceu os Beatles e acabou numa noitada com Jimi Hendrix. É baseado em fatos reais e um filme imperdível! 

Para ler: Apesar de o foco hoje ter sido mais o David Bowie, vale recomendar a impecável biografia de John Lennon escrita pelo Philip Norman, onde toda essa fase do John nos Estados Unidos é contada em detalhes.. O livro John Lennon: A Vida foi lançado em 2009 pela editora Companhia das Letras. Leitura essencial. 

Hip Hop: Origem, (r)evolução e treta!

Hip Hop: Origem, (r)evolução e treta!

Uma roda se forma em torno de dois homens. Todos à volta dos dois não querem perder nenhum detalhe. Aparentemente, aquele é um duelo aguardado por todos. Os dois homens se olham friamente no centro do círculo, que é formado por uma pequena multidão de olhares curiosos. Não ficou claro quem desafiou quem, mas sabe-se que houve muita bebedeira e gritaria. Depois de alguns insultos de ambos os lados, em tom de pilhéria, vale ressaltar, a turma de amigos que acompanhavam os dois, ao invés de conter os ânimos com o protocolar “deixa disso”, bradaram incentivando o confronto! Em questão de segundos, os dois já estavam rodeados de pessoas que se acotovelavam e ficavam em silêncio esperando o início do duelo. Um deles era mais forte e alto. Tinha uma barba ruiva, suja e cheia de nós, e a cabeça raspada. Já o outro era bem cabeludo, um cabelo ensebado e comprido, já meio grisalho. Também com uma barba longa e suja, este era mais gordo. Ambos tinham uma imagem intimidadora e vestiam roupas velhas e esfarrapadas. O gordo desferiu o primeiro golpe, com sua voz grave e rouca fez uma rima dizendo que seu oponente lhe fazia ter engulhos até com um vinho saboroso, pois era tão feio quanto um pútrido leproso. E se iniciou uma batalha de rimas que durou quase meia hora, um insultando o outro, sempre rimando, até que um dos dois se cansou, não conseguiu responder à altura e teve que pagar bebidas para seu oponente no resto da noite. 

Uma cena como essa acontecia praticamente todos os dias nas tavernas da Bretanha e da França entre os séculos XVII e XVIII. Era uma tradição celta muito popular. Na real, esses duelos de rimas é o tipo de coisa que era comum a vários povos em diferentes lugares do mundo, um lance muito antigo mesmo. Mas os registros mais claros disso são à partir dessa época, entre os celtas, e rapidamente se espalhando pela Europa e, consequentemente, na América. Aqui no Brasil acabou originando o repente no Nordeste e a trova na região sul entre o fim do século XIX e começo do século XX. Também gerou um tipo de música nas ilhas do Caribe, que ficou conhecido como Mento, em especial na Jamaica. O mento iria se fundir com o ska e o rocksteady para dar origem ao reggae. Reggae este que fazia parte dos sons que rolavam nos sound systems, grandes caixas de som que eram colocadas nas ruas da periferia de Kingstown e rolavam altos bailes ao ar livre. Nestes bailes, sempre tinham os toasters, caras que pegavam o microfone e falavam de forma ritmada, de acordo com a música que estava tocando, sobre o cotidiano daquela região, falavam de pobreza e política, mas também falavam muito sobre sexo, faziam piadas e tiravam sarro das pessoas. Aqui já estamos no fim dos anos 60. 

Justamente tentando fugir dessa pobreza, muitos jamaicanos começaram a migrar para os Estados Unidos. Uma das comunidades mais famosas de jamaicanos nos Estados Unidos ficava no Bronx, bairro paupérrimo no extremo norte da cidade de New York. Já nos anos 70 o jamaicano Kool Herc, trouxe um dos sound systems da Jamaica para os Estados Unidos e começou a fazer festas nas ruas do bairro. Nesta época, a pobreza e a falta do que fazer fizeram com os jovens se juntassem em gangues. A violência era generalizada, e o racismo era só mais gasolina nessa fogueira. As festas nas ruas com os sound systems eram uma oportunidade de diversão e começou a se tornar cada vez mais comum os DJs usarem o microfone. A turma que curtia som começou a criar um novo jeito de dançar. Entre as gangues, se tornou muito popular marcar territórios e se expressar através do grafite nos muros da cidade. Alguns clubes e casas noturnas quiseram colocar os sound systems pra dentro, o DJ já não dava conta de falar ao microfone e colocar os sons. Surgem então os mestres de cerimônia, os MCs. E pronto. Está criada a cultura hip hop. 

Mas não foi fácil assim. Tinha muita treta, muita briga. Foi o mestre Afrika Bambaataa quem mais ajudou a botar ordem na casa. Pregou a união das gangues de negros para combater o racismo e insistia que com a música, o grafite e a dança, era essencial que o conhecimento e a consciência social viessem junto no pacote. Ele criou a Zulu Nation e realmente mudou o mundo. Daí pra frente só foi apavoro! Nos anos 80 pintaram Run DMC, Public Enemy e Beastie Boys. Sem falar de Kurtis Blow, MC Hammer, Eazy E, Ice T e DJ Jazzy Jeff & The Fresh Prince (sim, foi onde o Will Smith começou). Nos anos 80 o rap e o hip hop estouraram! Milhões de discos vendidos, rappers ditando moda, videoclipes com produções caríssimas, muita ostentação, carrões, correntes de ouro, drogas, sexo… enfim, uma parada que deu certo, mas que tinha tudo pra dar erado. E para alguns realmente deu errado. 

Tupac Maru Shakur nasceu ali, no olho do furacão, no Bronx dos anos 70. Viveu parte de sua infância no Harlem, outra parte em Baltimore e já adolescente se mudou com sua mãe para a Bay Area, California. Lá se envolveu com tráfico de drogas e passou a trampar de roadie para a banda Digital Underground, onde teve oportunidade de cantar algumas vezes e começou a se destacar. Em 1991 ele já tem seu primeiro disco solo lançado. Mas voltando ao início dos anos 70, no bairro do Brooklyn, New York, nascia Christopher George Latore Wallace, um figura que ficaria conhecido como The Notorious B.I.G. Ao contrário de Tupac, ele teve uma infância estável vivendo sempre no mesmo bairro e estudando numa boa escola, onde teve boas noções de inglês e literatura. Mas a boa educação não impediu que ele fosse pra rua e também embarcasse no tráfico de drogas. Ainda jovem, ele já era conhecido por vender crack no bairro. B.I.G. passou a juventude e o início da vida adulta no Brooklyn traficando drogas e fazendo rap nas ruas e em pequenos bares, mas sem grande sucesso. Entre 1992 e 1993, enquanto B.I.G. ainda estava restrito ao circuito do rap nova iorquino, Tupac já tinha ganhado disco de ouro, participado de filme no cinema e até mesmo andou aos beijinhos com a Madonna. Em fevereiro de 1993 B.I.G. descolou um show para fazer em Los Angeles, e aproveitou para conhecer Tupac. Os dois se deram super bem logo de cara e ficaram bróders. 

Mas essa brodagem toda durou pouco. No dia 30 de novembro de 1993 Tupac colou no estúdio de B.I.G. e Puffy, que era produtor. Era madrugada, o estúdio ficava no segundo andar de um prédio na Times Square. Quando chegou no hall do prédio, tinham 3 caras por ali. Ao chamar o elevador, Tupac se ligou que um dos caras puxou uma pistola. Mas ele também era malandro e sempre andava armado. Só que antes de puxar seu revólver, levou cinco tiros. Os três caras caíram fora correndo. Só que Tupac não morreu. Estava em péssimo estado, claro, se arrastando. Mas conseguiu ir até o estúdio, onde foi recebido por B.I.G. e Puffy com uma cara de espanto e, segundo o próprio Tupac, culpa. Uma cara de quem quer dizer “Agora f*deu!”. Mas a vida não estava fácil pra ninguém. Nessa época, Tupac vinha enfrentando problemas sérios com a justiça, sendo acusado de estupro e de ter envolvimento com um dos maiores gângsters da época. E, aparentemente, era tudo verdade. Tanto que ele, mesmo baleado, todo enfaixado e numa cadeira de rodas, foi condenado a prisão. Ficou preso por 11 meses, saindo por pagamento parcial da fiança e por bom comportamento. 

Enquanto esteve preso, Tupac cultivou a ideia de que B.I.G. e Puffy sabiam que ele seria baleado naquela noite no estúdio. E se não sabiam, o mínimo que poderiam fazer é achar quem tinha feito aquilo e dar uma coça nos malucos, afinal ali era New York, era a quebrada de B.I.G. e não ia ser difícil descobrir quem deu os tiros. Mas nada foi feito. Nada é exagero. Foram feitas músicas. B.I.G. lançou a música Who Shot Ya? meses depois de Tupac ser baleado. E era uma música com uma letra meio irônica, pegou mal e Tupac levou pro pessoal. Hit’ Em Up foi a resposta de Tupac, uma letra direta para B.I.G. repleta de ofensas. Era 1995, e foi o auge da treta entre a cena rap/hip hop da costa leste dos Estados Unidos (B.I.G.) contra a costa oeste (Tupac) e.muitos artistas de ambas as cenas compraram a briga, cada um com o seu território. Uma disputa estúpida e descabida, mas que rendeu muito para a mídia, que sempre tinha alguma coisa pra noticiar a respeito. Só que a treta extrapolou a música. No dia 7 de setembro de 1996 Tupac foi baleado e morreu em Las Vegas. Não há nenhum indício de que B.I.G. tenha algum envolvimento com o crime. Aliás, ali pelo fim de 1996 já rolava um papo de apaziguar e acabar com aquela rixa besta. Em 9 de março de 1997 B.I.G. estava em Los Angeles para um show e deu entrevistas pedindo paz e o fim daquela rivalidade. No mesmo dia também foi baleado e morto. 

Tupac e Notorious B.I.G. eram os dois maiores nomes do rap no mundo nos anos 90. A morte dos dois finalmente fez com que os ânimos se acalmassem e a rivalidade entre costa leste e costa oeste acabasse. Um preço muito alto para o fim de uma rivalidade tão imbecil. Mas apesar dos pesares, o hip hop sobreviveu firme e forte. Ainda nos anos 90, sob o legado desses dois gigantes nomes como Dr. Dre, Snoopy Doggy Dogg, Cypress Hill, Fugees, Jay-Z, Busta Hymes, Eminem, N.W.A., Ice T, Outkast, De La Soul, Ice Cube, Lauryn Hill e tantos outros dominassem a parada! Pode crer que se não fossem as estripulias de Kurt Cobain, Eddie Vedder e companhia, o hip hop teria dominado a indústria musical nos anos 90, como domina desde o começo do século XXI até hoje. Atualmente, mais de 70% de toda música ouvida nas principais plataformas de streaming em todo mundo é rap e hip hop

É um estilo de música e de vida muito rico, com uma história incrível! E olha que a gente se limitou a falar apenas dos Estados Unidos. Só a história do hip hop no Brasil, com Thaíde & DJ Hum, DJ Marlboro e toda a turma, já dava outro texto delicioso. Mas por hora, ficamos por aqui. Lembrando, é claro, que o hip hop, a cultura do grafite, a luta contra o racismo, a poesia e a música são parte essencial na formação da Strip Me. Então você obviamente encontra várias camisetas sensacionais com referências a este universo maravilhoso, bem como tantas outras estampas de música, cinema, arte, cultura pop e muito mais. Se liga nos nossos lançamentos e visite a nossa loja

Vai fundo! 

Para ouvir: Uma playlist no capricho do que há de melhor no hip hop dos anos 90. Top 10 Tracks 90’s Hip Hop 

Para assistir: A série The Get Down, produção da Netflix é impecável e retrata muito bem o início do hip hop no Bronx. É mais que imperdível, essencial. 

Tapas, Tropeços e outros memes semelhantes: A História do Oscar.

Tapas, Tropeços e outros memes semelhantes: A História do Oscar.

Como é possível mensurar a arte? Pensa bem. Quais são os critérios usados para dizer que as sinfonias de Mozart são melhores que as do Beethoven? Ou que as obras do Picasso são melhores que as do Dali? Ou que Forrest Gump é melhor que Um Sonho de Liberdade? Se a gente realmente parar pra pensar, é uma avaliação tão pessoal e subjetiva que é impossível estabelecer definitivamente que uma obra de arte é melhor que a outra. Simplesmente porque não são só os aspectos técnicos que importam. Na verdade, eles são os que menos importam. O talento nato, o sentimento, o carisma… tudo isso pesa muito.

Uma vez o Dave Grohl deu uma zoada nesses programas tipo The Voice. Ele disse: “Imagina só. O Bob Dylan num programa desses cantando Blowing in the Wind, e a Jennifer Lopez reprovando, dizendo ‘Hmmm… não gostei. Sua voz é muito anasalada e aguda.’”. Mas o fato é que, apesar disso tudo, a arte é frequentemente alvo de comparações, e todo ano são várias premiações que elegem o melhor disco do ano, a melhor banda, o melhor videoclipe, o melhor ator, a melhor atriz, o melhor diretor de cinema e, é claro, o melhor filme. 

Fim de semana passado rolou a nonagésima quarta edição da premiação do Oscar. O Oscar, você já tá ligado, é a mais importante e significativa premiação da indústria do cinema. E como qualquer coisa levada ao público que implica em competição, julgamento e escolhas, as premiações do Oscar sempre geraram polêmicas e discussões, nem sempre por conta dos filmes em si. Em especial depois da década de 2010, com a popularização das redes sociais, o Oscar se tornou um evento ainda mais saboroso de se acompanhar, dada a avalanche de memes e comentários engraçados que passaram a pipocar internet afora. Mas não se engane, muito antes de tapa na cara, tropeços na escada, confusão na hora de anunciar o filme vencedor e selfies estreladas, o Oscar já rendia algumas polêmicas. Na real, a premiação, que já está batendo na porta do seu centenário, teve uma baita polêmica logo em uma de suas primeiras edições. 

A primeira edição do Oscar aconteceu em 1929. A Academy of Motion Picture Arts and Sciences (Academia de Artes e Ciências Cinematográficas), ou simplesmente The Academy, foi fundada em 1927 por executivos das grandes companhias de cinema de Los Angeles. Depois de dois anos de atividade, a turma da Academia resolveu criar um prêmio, para homenagear os melhores artistas e produtores do cinema, e assim fomentar novas e mais ousadas produções, em resumo, gerar competitividade. A primeira edição do Oscar foi mais um petit comité. Foi um jantar para apenas 270 pessoas num hotel de luxo em Hollywood, onde foram entregues 15 estatuetas para artistas e técnicos da indústria do cinema, referentes às produções de 1927 e 1928. Mas a partir dali a cerimônia passaria a ser anual e cresceria cada vez mais. Nos anos seguintes, ingenuamente, a Academia divulgava para os jornais locais os vencedores de cada categoria um dia antes da premiação. E por incríveis 9 anos, funcionou super bem, ninguém ficava sabendo quem eram os vencedores antes e os jornais anunciavam no dia seguinte da cerimônia, com matérias completas e etc. Mas, em 1939, os editores do Los Angeles Times receberam a lista dos vencedores na véspera da cerimônia e devem ter pensado: E se a gente divulgasse essa lista amanhã mesmo, e não depois de amanhã, quando a cerimônia já vai ter acontecido? Vai ser um furo de reportagem, certo? Pois é. Na manhã do dia 23 de fevereiro de 1939, o Los Angeles Times publicou os vencedores do Oscar daquele ano. De noite, quando a cerimônia aconteceu, o desconforto era nítido, pois todo mundo já sabia quem eram os escolhidos. É o Oscar causando climão desde 1939. 

O fato de a Academia ser formada por uma maioria de homens, brancos e de meia idade, faz com que as premiações sigam critérios conservadores. Basicamente este é o principal fator de polêmicas e discussões em boa parte das decisões que já foram consideradas injustas ao longo dos anos. O Oscar foi se tornando mais plural com o passar do tempo. Por exemplo, só em 1957 foi introduzida a categoria “Melhor Filme Estrangeiro”. Na mesma época a Academia passou a aceitar a filiação de cineastas de fora dos Estados Unidos, mas não era nada fácil conseguir entrar (e ainda não deve ser). Hoje em dia, dos aproximadamente 9 mil membros da Academia, apenas 1 mil e 200 não são norte-americanos. Ainda deste total de quase 9 mil, um terço são mulheres e 19% representam minorias, incluindo aí negros, deficientes físicos, gays e etc juntos. Em termos de premiações, essa diferença fica evidente. Por exemplo, em 94 anos foram entregues 3168 estatuetas. Dessas, apenas 47 foram entregues para negros (já contando com o Will Smith este ano). Em 2015 rolou um movimento muito forte nas redes sociais sob a hashtag #oscarsowhite, já que não havia nenhum negro entre todos os indicados daquele ano. Claro que não foi a primeira vez que isso aconteceu, mas, além de a internet não ser tão popular até vinte anos atrás, também faz pouco tempo que essas minorias finalmente estão conseguindo se fazer ouvir, sem ser por meio de protestos turbulentos em grandes cidades. 

Mas no fim das contas, o Oscar é sempre muito mais lembrado pelas tretas, polêmicas e confusões do que pelos filmes em si. E não é de hoje.

Tretas, polêmicas e confusões no Oscar

• A premiação de 1938 entrou para a história porque a atriz vencedora do Oscar de melhor atriz coadjuvante, Alice Brady, torceu o tornozelo dias antes e não pode ir a cerimônia receber o prêmio. Quando foi anunciada como vencedora, um homem desconhecido subiu ao palco, recebeu a estatueta em nome da atriz e foi embora. E até hoje nem a atriz, nem a Academia e nem ninguém sabe quem é o tal homem, o ilustre desconhecido que levou um Oscar pra casa.

• Já em 1973 foi Marlon Brando que não compareceu para receber a sua estatueta. Ele fora indicado como melhor ator por seu papel em O Poderoso Chefão e não foi à cerimônia. Mandou em seu lugar uma jovem ativista dos povos nativos norte-americanos, para, caso ele vencesse, ela subisse ao palco em seu lugar para receber o prêmio e discursar sobre o descaso que os índios sofriam por parte da indústria cinematográfica e da sociedade como um todo. E deu certo. Ele venceu e a garota discursou entre vaias e aplausos.

• Em 1985 ficou nas mãos do ator e diretor Laurence Olivier anunciar os indicados e o vencedor da categoria mais importante da noite: Melhor Filme. Acontece que ele ficou meio confuso e emocionado com a situação toda e subiu ao palco e já abriu o envelope e anunciou o vencedor, sem sequer mencionar os demais indicados.

• Em 1998, se já tivesse internet e redes sociais, quem iria virar meme com certeza seria a Kate Winslet. Ela era disparada a favorita a ganhar a estatueta de melhor atriz, por seu papel em Titanic. Mas quem acabou ganhando foi a Helen Hunt, pela sua atuação encantadora no excelente filme Melhor Impossível. No momento em que o nome de Helen Hunt é anunciado, tem uma câmera voltada para Winslet que captura toda a sua surpresa e decepção. É uma imagem impagável! 

Mas foi depois da era Facebook e Twitter que as coisas realmente mudaram. A começar pelo meme mais duradouro do Oscar: Leonardo DiCaprio. O ator enfileirava grandes papéis, indicações, mas Oscar mesmo, que é bom, nada. A internet se ligou nisso e não perdoou. Foram bons dois ou três anos em que, na época do Oscar, éramos bombardeados com memes hilários do DiCaprio sem Oscar. Mas tudo acabou em 2016, quando ele levou pra casa o Oscar por sua atuação em O Regresso, e junto levou todos aqueles memes maravilhosos. 

Também viralizou absurdamente a selfie inacreditável da apresentadora Ellen Degeneres, que foi a mestre de cerimônia do Oscar de 2014. Ela foi para a plateia e tirou uma selfie onde aparecem Angelina Jolie, Brad Pitt, Lupita Nyong’o, Meryl Streep, Jennifer Lawrence, Bradley Cooper, Julia Roberts… só não apareceu o DiCaprio, que ainda não tinha Oscar na época.

Por falar na Jennifer Lawrence, ela protagonizou um meme memorável um ano antes. Em 2013 ela venceu a estatueta de melhor atriz pelo seu papel em O Lado Bom da Vida. Mas ao subir os degraus para o palco, ela tropeçou na barra do próprio vestido, um Dior caríssimo, diga-se, e levou um tombaço! Mas se levantou com simpatia e bom humor e recebeu o prêmio numa boa.

Em 2017 uma situação super constrangedora também viralizou e rendeu muitos memes. Warren Beatty e Faye Dunaway eram os encarregados de anunciar o vencedor da categoria Melhor Filme naquele ano. Por algum motivo, o envelope errado acabou nas mãos deles. Ali constava o nome da atriz Emma Stone, que havia vencido o prêmio de melhor atriz pelo filme La La Land. Sem pestanejar, o casal anuncia então, La La Land como vencedor. A turma responsável pelo filme já estava no palco comemorando quando o pessoal da Academia veio anunciar o equívoco. O filme vencedor era Moonlight (realmente bem melhor que La La Land). E foi aquele climão delícia! 

E esses são só alguns exemplos, tem muitos outros. Mas convenhamos, o Oscar é sobre premiar bons filmes! E é claro que inúmeras premiações questionáveis já aconteceram e geraram muita discussão. Só vou dar um exemplo aqui pra você entender:

Em 1977 cinco filmes concorriam a melhor filme:

  • Taxi Driver
  • Rede de Intrigas
  • Todos os Homens do Presidente
  • O Caminho para a Glória
  • Rocky Um Lutador

Aí todo mundo pensa, a disputa mesmo foi entre os três primeiros, é óbvio! São três baita clássicos do cinema. Pois é. Mas quem ganhou o Oscar de melhor filme foi Rocky, Um Lutador. Sim aquele mesmo, do Stallone lutando boxe! Tudo bem, o filme é bem legal… mas ganhar de Taxi Driver, passar por cima do roteiro incrível de Todos os Homens do Presidente e das atuações de Rede de Intrigas? É um pouco demais, né… Então, pra finalizar este post de maneira justa, ponderada e imparcial, fizemos duas listas: Top 5 Filmes que Mereceram Ganhar o Oscar e Top 5 Filmes que Mereciam, Mas Não Ganharam o Oscar. 

Camiseta Talking To Me Strip Me

Top 5 Filmes que Mereceram Ganhar o Oscar 

  • The Godfather (O Poderoso Chefão) – 1972 
  • Amadeus (1984) 
  • Platoon (1987) 
  • American Beauty (Beleza Americana)- 1999 
  • No Country For Old Men (Onde os Fracos Não Tem Vez) – 2007 

Top 5 Filmes que Mereciam, mas Não Ganharam o Oscar 

  • The Graduate (A Primeira Noite de Um Homem) – 1967 
  • A Clockwork Orange (Laranja Mecânica) – 1971 
  • The Color Purple (A Cor Púrpura) – 1985 
  • Goodfellas (Os Bons Companheiros) – 1990 
  • Pulp Fiction – 1994 
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E assim, finalizamos este post nada controverso. Um texto sem tombos, envelopes trocados, ou tapas na cara. Em compensação também não temos uma selfie descoladíssima repleta de atrizes e atores famosões. Mas tudo bem, porque o que não falta na Strip Me é estilo e elegância com camisetas das mais variadas estampas! Na coleção de cinema e séries você encontra os melhores filmes em estampas incríveis, isso sem falar nas camisetas de música, arte, cultura pop, comportamento… tem de tudo! Fica esperto nos nossos lançamentos e visite a nossa loja

Vai fundo! 

Para ouvir: Uma playlist com as melhores canções que já levaram o Oscar de Melhor Canção Original. Claro que uma ou outra a gente escolheu uma versão diferente da original, pra dar um sabor a mais nessa playlist! Top 10 tracks Oscar Best Original Songs 

A Nação de Caramelo

A Nação de Caramelo

De onde viemos? Para onde vamos? Essas perguntas que desde sempre estiveram presente na filosofia humana permanecem sem uma resposta concreta e definitiva. Mas tem uma coisa que é certeza absoluta. Não importa de onde viemos e para onde vamos, com certeza sempre estivemos, e sempre estaremos, acompanhados de alguns cachorrinhos. A arqueologia já comprovou que desde que que os seres humanos começaram a viver em grupo, se estabelecendo em tribos e etc, os cachorros já estavam ali no meio. Claro, não eram como são hoje, se assemelhavam muito mais aos lobos e tal. Mas o fato é que, quando o homem inventou a roda, já tinha uma cachorrada em volta latindo e tentando mordê-la. 

Falando sério, nossa relação com os cães é muito antiga. E assim como nós, seres humanos, evoluímos com o passar dos milênios, os doguinhos também. E muito da evolução deles foi por nossa causa. À medida que os seres humanos se esforçavam para domesticar os cães, eles foram se adaptando a novas rotinas, hábitos alimentares e, principalmente, sendo induzidos a se reproduzir com outras raças. Sim, porque as raças que hoje chamamos de pura, em algum momento foram um cruzamento de raças diferentes. Por exemplo, você pode ter um boxer e dizer que ele é de raça pura, pois os pais e os avós dele também eram boxers. Só que o boxer é um cruzamento de bullenbeisser, uma raça comum na Alemanha, com o bulldog inglês. E o bullenbeissere o bulldog também se originaram de outras misturas de raças. Enfim. Não dá pra se dizer que existe uma raça original que originou todas as outras, até porque, desde sempre, os cães se adaptam ao habitat em que vivem.  

E vamos combinar que esse negócio de raça pura de cachorro é legal até certo ponto, né? São muitos padrões a serem seguidos, numa prática que, na maioria das vezes acaba fazendo com que os cães sejam vistos só como um produto, vira mercado. É só você dar uma pesquisada aí em qualquer raça de cachorro e procurar por um filhote que seja de raça pura. Os filhotes são vendidos por valores altíssimos! E sem falar que a maioria das raças puras de cães fazem com que os animais sejam mais suscetíveis a doenças. Afinal de contas, o bom e velho Darwin já deixou claro que praticamente todas as espécies de animais instintivamente cruzam suas raças, para que as características mais fortes de cada uma predomine, resultando num bichinho mais apto a sobreviver. Desta forma, finalmente chegamos no ponto central deste texto. 

Todo mundo sabe que não existe um cachorro mais esperto, mais saudável, mais companheiro, mais resistente, mais inteligente, mais amoroso, mais carismático, mais… tudo, do que o nosso Vira Lata Caramelo! Não é à toa que essa raça inconfundível, justamente por ser indefinida, virou símbolo máximo desta nação! Pelo que já foi dito até aqui, já deu pra sacar que é impossível cravar de quais raças o nosso amado Caramelo se origina. É uma evolução natural, que vem de muito tempo. Se a gente voltar muito no tempo, pra época das civilizações pré-colombianas na América, vamos encontrar entre os povos Maia, Azteca e Inca cães da raça Xoloitzcuintle (nome este dado pelos Aztecas, inclusive). Um cachorro que lembra um pouco o galgo greyhound, mas com a peculiaridade de praticamente não ter pelo. Ainda hoje essa raça é muito popular no México, é praticamente o Caramelo deles. É muito provável que essa raça, foi se misturando a outras trazidas pelos europeus, se adaptando a diferentes habitats e etc. Cientificamente, é possível afirmar que cães como o Caramelo reúnem as principais características das mais diferentes raças, como tamanho mediano, cabeça arredondada, focinho levemente alongado, facilidade de aprendizado, se não tem uma casa e um humano pra chamar de seu, procura andar em bandos e tem a pelagem que varia entre o preto e o caramelo. 

Aliás, a coloração do pelo é uma parada bem interessante. A cor do pelo dos cachorros tem ligação com o sistema nervoso. Originalmente a cor da pelagem de cães e lobos é preta ou cinza. À medida que os cães foram sendo domesticados e se tornando mais dóceis, a coloração do pelo foi clareando e surgindo variações, tornando-se normal surgirem cães malhados e de coloração marrom. Já nos tempos modernos, isso se intensificou com essa busca dos seres humanos por raças mais puras. Ou seja, mais um ponto positivo aí pro nosso insubstituível Caramelo, que, por ter essa cor linda da pelagem, já dá pra sacar que é um cãozinho parceiraço, daqueles que não tem tempo ruim! 

De acordo com estudos, essas mudanças todas e a evolução do lobo para o cachorro, aconteceu quando os humanos passaram a escolher os lobos mais dóceis e tolerantes ao estresse para conviver com eles. Nada mais justo, né… tem que ser um bicho muito tolerante mesmo pra aguentar viver com essa gentinha destemperada que é a humanidade. E não é só aguentar viver, eles ainda conseguem amar a gente! É impressionante! Com toda a razão e mérito os cães tem a alcunha de “melhor amigo do homem”. Alcunha esta que Vinícius de Moraes ebriamente complementou na célebre frase: “Se o cachorro é o melhor amigo do homem, o uísque é o cachorro engarrafado!” 

Mas tem uma coisa que precisa ser dita. O Caramelo só é o que é hoje em dia porque a gente vive uma sociedade bem irresponsável com relação aos animais. Claro, já foi bem pior. Tipo 30, 40 anos atrás. Nos anos 80 era normal ouvir dizer que um vizinho que não queria mais ter cachorro em casa, colocou o bicho no carro, dirigiu até um bairro afastado, pôs o cachorro pra fora e voltou pra casa. Esses abandonos foram fazendo com que animais de diferentes raças fossem cruzando indiscriminadamente nas ruas, vivendo em bando e fuçando em lixos, que é de onde vem o termo “vira-lata”. Atualmente ainda tem muito cachorrinho abandonado pelas ruas, mas pelo menos agora tem várias ONGs que fazem um trampo muito legal coletando, cuidando, alimentando esses doguinhos e deixando eles no esquema para serem adotados. Então, se você tá aí pensando em ter um cachorro em casa, desencana de comprar e adota um! 

O nosso imbatível Caramelo já virou símbolo da cultura pop! Está em todo o canto da internet, onde é sempre visto com ternura, reverenciado e aclamado. Obviamente ele também está na Strip Me, ilustrando duas estampas imperdíveis! Mas a nossa relação, não só com o Caramelo, mas com os animais em geral, vai muito além das estampas nas camisetas! A Strip Me colabora com algumas ONGs de proteção aos animais, bem como de combate à fome. Quando você faz a compra da sua camiseta, pode optar por qual causa quer que a gente ajude, e uma parte do valor da camiseta é doado para uma dessas ONGs, sem acréscimo nenhum no valor que você está pagando, é claro. Então vai lá na nossa loja, dá uma conferida nos lançamentos, nas estampas de cinema, arte, música, cultura pop, compre a sua camiseta e faça com que os Caramelos finalmente possam sentir orgulho de nós, reles seres humanos. 

Vai fundo! 

Para ouvir: Uma playlist deliciosa, cheio de lambeijos! 10 canções que foram escritas de seus donos artistas para seus amados cãezinhos. E tem música ali que você nem imaginava que era feita pra cachorro! Top 10 tracks músicas pra cachorro! 

Para assistir: Olha, eu podia te recomendar aqui um vídeo muito legal do Atila Iamarino falando sobre a origem dos Caramelos, ou algum filme do tipo Marley e Eu… mas quando eu penso em assistir alguma coisa relacionada a cachorro, eu só consigo pensar no clássico da Sessão da Tarde K9: Um Policial Bom Pra Cachorro. É um filme divertidíssimo, com o Jim Belushi solto, atuando numa canastrice deliciosa! O filme é de 1989 e dirigido pelo Rod Daniel. Vale a pena conferir! Tem no Youtube!

100% de Aproveitamento no Lollapalooza 2022

100% de Aproveitamento no Lollapalooza 2022

Tá chegando! Semana que vem vai rolar mais uma edição do nosso querido Lollapalooza! O festival de música mais descolado que este país já viu acontece nos dias 25, 26 e 27 de março no Autódromo de Interlagos, na cidade de São Paulo. Depois de 2 anos dentro de casa, tá todo mundo na pilha de curtir uns rolês, ainda mais no naipe do Lolla. E como barulho, diversão e arte é o que não falta no Lollapalooza, nada mais justo do que a Strip Me se apresentar pra dar aquelas dicas quentes pra você aproveitar cada segundo desse rolê com conforto, disposição e se mantendo bem longe de qualquer perrengue! Se liga! 

Começamos com a parte mais chatinha, mas que precisa ser falada. Ainda que não haja mais a obrigatoriedade de usar máscara em lugares abertos, o uso da máscara é uma ótima ideia. Afinal, as coisas estão voltando ao normal, mas corona ainda está saltitando por aí, ainda tem gente sendo internada e etc. É bom se cuidar, né? Então, leva umas 3 máscaras, porque você vai suar bastante. E leva também um frasquinho de álcool gel. Outra coisa fundamental é não esquecer de jeito nenhum seu comprovante de vacinação. Ele tem que ser apresentado junto do ingresso, para você poder entrar no evento. 

Pensando no seu conforto, a primeira coisa é evitar levar mochila ou bolsas grandes, que vão ocupar espaço, você pode acabar querendo levar coisas demais e ficar carregando peso desnecessário, além de se tornar um estorvo na hora de curtir os shows e pular loucamente ao som da sua música favorita. A dica aqui é levar uma bolsa pequena com alça comprida ou então a famigerada pochete. Porque o que você vai realmente precisar levar é seu celular, um carregador portátil, seu documento, dinheiro e cartão de crédito, máscaras, um frasquinho de álcool gel, um protetor solar e uma barrinha de cereal. Tudo coisa pequena e leve. Além do mais esse lance de levar mochila e bolsas grandes varia de festival pra festival. Tem uns que não permitem. O Lolla, especificamente, libera a entrada, mas não tem guarda volumes, ou seja, você tem que ficar carregando o tempo todo. A mochila serviria se o festival permitisse, por exemplo, de as pessoas entrarem com garrafas de água e tal. Mas não é o caso. Se você aparecer na catraca com uma garrafinha de água que seja, vão te mandar jogar fora ou beber tudo antes de entrar. 

Apesar disso, se hidratar é uma das dicas mais importantes. Tá fazendo um calorão e você vai ficar perambulando por ali o dia todo. Tomar uma cervejinha curtindo um belo show é uma delícia e a gente recomenda que você o faça! Mas capricha na água também, vai intercalando. Assim como a água e a cerveja, você vai precisar comprar comida. Então, duas dicas essenciais neste aspecto são: leve uma quantidade de dinheiro trocado, em notas pequenas, para não precisar ficar esperando troco, e também compre uma quantidade maior de fichas do que você quer consumir naquele momento. Assim, você evita pegar a fila do caixa várias vezes e vai direto pegar o que você quer comer ou beber. Outra coisa importante é se ligar no clima. Um dia antes de ir pro festival dá uma conferida na previsão do tempo. O Tom Jobim já cantou que são as águas de março que fecham o verão, né? Então, pode ser que chova. Neste caso, leva uma capa de chuva. Se a previsão for de sol, lambuza esse corpinho de filtro solar sem medo e ser feliz! 

Pra curtir os shows com plenitude, se programe. Faz uma listinha dos shows que você mais quer ver. No site do Lolla já tem os horários de cada show. Você vai precisar andar de um lugar para o outro, e os palcos não são tão pertinho um do outro. Então, além de elencar suas prioridades entre as atrações, também é boa ideia ter um mapa de toda a área do local e baixar o app do festival, que vai te ajudar a se localizar. Outra dica sobre os shows em particular é: aproveite o show! Lembre-se que tem pelo menos uns três canais de TV filmando e transmitindo tudo! Desencana de ficar fazendo centenas de vídeos e fotos e assista o show! A propósito, cabe aqui dar algumas dicas de shows que vão rolar no Lolla esse ano que vale a pena se programar pra ver. Na sexta feira às duas e meia da tarde, Tem o Turnstile, uma banda muito boa, pegada meio pós punk e muita presença de palco. No sábado vale conferir o show da Clarice Falcão, um show super alto astral, performático e com músicas bonitinhas e divertidas. E no domingo tem Foo Fighters, eu sei, mas imperdível mesmo é o show da Black Pumas, baita banda incrível. Show às cinco da tarde, imperdível! 

Pra finalizar as dicas, voltamos ao seu conforto e bem estar. Primeira coisa: vai de tênis! Um tênis confortável! Pensa que você vai andar muito, que lá tem grama e terra, se chover vira um lamaçal… então, nada de chinelo, sandália ou sapato de salto. Outro item de vestuário indispensável para um festival como o Lolla, claro que é uma camiseta estilosa e super confortável, com um tecido de qualidade e caimento perfeito! A Strip Me está aqui pra te oferecer tudo isso. E pra te ajudar ainda mais, sugerimos algumas estampas, pra você colar no rolê com um look imbatível São elas que ilustram este texto! Tem de tudo! Tem as good vibes pra curtir o festival na paz e amor, no maior clima californiano, tem as mais sacaninhas, que subvertem aquelas marcas famosonas, e, é claro, tem as camisetas de música, com capa de disco dos Strokes, escalação dos Foo Fighters e até aquela referência ao hip hop raiz! É pra se esbaldar nos 3 dias do Lolla no maior estilo! Então divirta-se e bom festival! 

Para conferir essas e outras estampas, dá uma olhada na nossa loja! stripme.com.br

E para mais informações sobre o Lollapalooza 2022, entra no site do festival lollapaloozabr.com

Vai fundo! 

Para ouvir: Uma playlist no capricho pra você ir esquentando os motores para o Lolla 2022! Top 10 Tracks Lolla 2022 

Para assistir: O pessoal da Strip Me obviamente não costuma perder esses rolês incríveis. Então aqui está o registro de um dos shows mais marcantes da história do Lollapalooza Brasil, e que parte da equipe da Strip Me estava ali no meio pirando com esse show inesquecível! Soundgarden no Lollapalooza Brasil 2014

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