Ah, como é bom olhar para o futuro e… ver o futuro! Sim, porque até ano passado a gente estava bem desacreditado, sem perspectiva de que voltaríamos a ter a normalidade old school da vida de volta. Bom, vá lá que aquela normalidade raiz, aquela normalidade moleque, que a gente conhecia até 2019 talvez nem volte. Afinal, depois de tudo pelo que passamos nos últimos dois anos, parece meio absurdo achar normal ver o mesmo copo de bebida passar pela boca de 5 pessoas na balada, por outro lado, usar máscara no metrô ou no ônibus lotado, já não nos parece uma ideia tão absurda, hábito este que nossos amigos asiáticos  já cultivam há muitos anos, diga-se. Mas enfim, depois da maioria da população devidamente vacinada e respeitando alguns mínimos cuidados ainda necessários, a gente pode sim voltar a ter alguma normalidade! Já dá pra reunir uma turminha pra tomar uma no barzinho de mesa na calçada, já dá pra fazer aquele churrasquinho com piscina no domingo com os amigos, Isso agora, né… porque em 2022, aí sim! Em 2022 voltam os festivais de música!

2 anos sem um showzinho sequer, cara! Imagina! Com certeza tanto quem curte ir em shows, quanto as bandas, devem estar louquíssimos pra voltar às arenas! Na gringa já tem vários shows rolando, exigindo comprovante de vacinação e tal, é claro, é o mínimo, né. Apesar de todos os pesares (e bota pesares nisso) o Brasil está mandando super bem na vacinação e conseguindo imunizar cada vez mais gente! Com essa perspectiva positiva, vários festivais grandes já estão confirmados para o ano que vem. Vamos dar uma geral nos principais.

Vamos começar falando do Coala. Festival de música brasileira que acontece em São Paulo, o Coala é o meio do caminho entre o mainstream e o underground. Nasceu de uma ideia entre amigos, de fazer um festivalzinho pra curtir umas bandas legais, e se tornou um dos eventos anuais mais importantes da cidade de São Paulo. Em 2022 será a oitava edição do evento. O Coala sempre deu preferência para artistas brasileiros. E já contou com nomes de peso como Caetano Veloso, Tom Zé, Criolo e muitos outros. Ano que vem o Festival traz nomes da primeira grandeza tupiniquim. Na noite de 17 de setembro o palco principal vai contar com Alceu Valença e Gal Costa, que terá no palco a companhia de Tim Bernardes, vocalista e principal compositor da banda O Terno. Já no dia 18 de setembro, As atrações principais serão a rainha da MPB Maria Bethânia, o excelente rapper Black Alien, que já fez parte do Planet Hemp, e também a cantora mineira Marina Sena com seu pop brasileiríssimo. Além dos shows sempre rola no Coala várias intervenções artísticas, como grafites e tal.  Um rolê imperdível no Memorial da América Latina. Pra se informar melhor, é aqui ó: Festival Coala

Outro festival que começou ali, pequenininho e sem grandes pretensões, e hoje é um dos mais importantes do país é o João Rock, que rola em Ribeirão Preto (SP). Cara, o João Rock teve sua primeira edição em 2002, e de lá pra cá, só parou mesmo na pandemia.  Praticamente todos os nomes importantes do rock e da música pop brasileira já se apresentaram no palco do JR. Basta dizer que a grande maioria dos headliners de 2022 já se apresentaram em edições anteriores do festival. O JR rola durante um dia inteiro, dividido em 3 palcos: O Palco João Rock, o Palco Brasil e o Palco Fortalecendo a Cena, com artistas novos. Alguns dos nomes que estarão no JR 2022 são Titãs, CPM 22, Humberto Gessinger, Planet Hemp, Emicida, Pitty, Gabriel o Pensador, Barão Vermelho, Erasmo Carlos… fala a verdade! É quase todo mundo do cenário pop rock brasileiro! Bom, o João Rock rola no dia 11 de junho de 2022 em Ribeirão Preto, SP. Mais informações sobre o evento: João Rock

Outro festival que já se tornou tradicional na cidade de São Paulo é o mundialmente famoso Lollapalooza. O Lollapalooza, como você já deve saber, começou nos Estados Unidos em 1991, idealizado pelo vocalista da banda Jane’s Addiction, Perry Farrel. Tocaram 9 bandas e era pra ser o show de despedida da turnê que o Jane’s Addiction estava fazendo. Mas acabou virando um festival itinerante anual no território do Tio Sam, onde se misturavam bandas consagradas e iniciantes. O festival chegou no Brasil em 2012, e se tornou regular, primeiro no Jockey Club de São Paulo e depois passando para o autódromo de Interlagos. O Lollapalooza já trouxe para o Brasil shows inesquecíveis como Arctic Monkeys, Foo Fighters, Franz Ferdinand, Black Keys, Pearl Jam, Robert Plant, Metallica, Strokes, Red Hot Chilli Peppers e Soundgarden. É um festival de altíssima categoria, que além de shows conta com uma infinidade e tendas e atrações artísticas e gastronômicas. O festival vai rolar entre os dias 25, 26 e 27 de março de 2022 no Autódromo de Interlagos, em São Paulo e vai contar com shows de The Strokes, Doja Cat, Machine Gun Kelly, Miley Cyrus, Asap Rocky, Alok, Foo Fighters, Black Pumas, Emicida, Fresno, Detonautas e muitos outros. Pra saber mais: Lollapalooza

Ano que vem também tem mais uma edição do legendário Rock In Rio, o primeiro grande festival brasileiro, cuja primeira edição em 1985 foi histórica por marcar a reabertura política do país depois de amargos 21 anos de ditadura militar, e também por trazer nomes como Queen, Ozzy Osbourne, Iron Maiden, AC DC, Yes, James Taylor, George Benson, além de muitos nomes importantes da música brasileira. Foi um marco! Em 2004 o festival cruzou o oceano Atlântico e teve 11 edições em Lisboa e Madri. No Rio de Janeiro foram 9 até agora, e teve uma edição especial em 2015 em Las Vegas, Estados Unidos. Com certeza é um dos maiores festivais de música do mundo. A edição de 2022 vem pra lavar a alma dos vacinados e vacinadas trazendo nomes como Post Malone, Demi Lovato, Justin Bieber, Alok, Coldplay, Iron Maiden, Megadeth, Sepultura, Joss Stone e outros. Tá rolando uma boataria fortíssima que Pearl Jam também está na parada, mas ainda não tem nada confirmado no site oficial do evento. Confere os detalhes aqui ó: Rock in Rio

Então só nos resta separar aquela máscara mais descolada, o frasquinho de álcool gel e armazenar energias (e muito dinheiro) pra poder conferir tanto show bom assim! Mas é disso que a gente gosta, é isso que motiva a gente! Para curtir tanto barulho, diversão e arte, A Strip Me tem toda uma coleção de camisetas com estampas de música super originais, inclusive várias dessas camisetas são relacionadas a algumas das bandas que estarão nos palcos brasileiros ano que vem. Então vem se preparar com a gente! Dá uma olhada na nossa loja!

Vai fundo!

Para ouvir: Aquela playlist cremosa com as principais músicas das bandas que vão marcar presença nos palcos brasileiros. Top 10 tracks Festivais BR.

Para assistir: Tem um documentário maravilhoso que, apesar de não ter a ver com festivais brasileiros e tal, transmite exatamente como funciona a vida na estrada de uma turnê de uma banda de rock. Trata-se de The Rolling Thunder Revue – A Bob Dylan story by Marin Scorsese. E é isso. É um doc sobre uma turnê do Bob Dylan filmado e dirigido pelo Martin Scorsese. Não dá pra ser ruim! Aliás, é bom pra c@r$*l#! E tem na Netflix.

Você já parou pra pensar que uma pessoa que tem hoje em dia 60 anos de idade, presenciou uma evolução inacreditável de mídias? Imagine você que na década de 70 só existia o vinil, as fitas k7, o cinema e a televisão, mas não existiam ainda os videocassetes e as fitas VHS para vídeo. Tais “novidades” só surgiriam nos anos 80. Na virada dos anos 80 pros 90, ainda apareceria o CD, pra mudar de vez a porra toda. Junto vieram mídias que não vingaram e tiveram 15 minutos de fama, como o laserdisc e o MD. Sem falar que na comunicação de maneira geral, já aparecem os primeiros telefones celulares, pagers e laptops. Na virada do século, a música digital toma o mundo de assalto através dos arquivos mp3. Alguns anos depois a fotografia também entra na era digital e surgem as primeiras câmeras que dispensam filme, como as famosas Cybershots. Na sequência surgem as evoluções dos telefones celulares, players de mp3, iPods, os smartphones, tablets, plataformas de streaming… e chegamos até aqui. É muita mudança! E tudo indica que a coisa não para por aqui. Ainda temos muito a evoluir, cada vez em intervalos menores de tempo.

E foi o mercado da música quem mais sofreu mudanças de 1999 pra cá. Afinal, foi naquele ano que um moleque norte americano criou o Napster. Bom, se a gente quiser ser muito específico, essa revolução toda começou uns dez anos antes, quando o tal arquivo mp3 foi desenvolvido. Cientistas alemães e norte americanos queriam conseguir transformar arquivos digitais de áudio num formato compacto, mas sem perder muito a qualidade. A coisa toda é bem complicada de se explicar, mas tem a ver com o desenvolvimento da tecnologia, a modernização dos computadores e os avanços dos estudos da psicoacústica. Além de ser o título do melhor disco da banda Ira!, a psicoacústica é uma ciência tão interessante quanto complexa, que analisa ondas e frequências sonoras que o nosso ouvido e cérebro identificam ou não em diferentes circunstâncias, e como elas são processadas. Mas, enfim, veio a mp3, um baita avanço, mas era uma parada restrita ao mundo acadêmico e um ou outro entusiasta da tecnologia cheio da grana que trabalhava em estúdios de gravação de áudio. Em 1997 um hacker até hoje não identificado teve acesso aos códigos que geravam os arquivos mp3. Esses códigos, ou codecs, eram pagos. Você comprava, instalava no seu computador e poderia gerar os arquivos. O que aconteceu é que esse hacker alterou os códigos, os deixando abertos e espalhou pela internet. Foi quando o formato se popularizou de vez, de graça. E voltamos ao Napster.

Shawn Fanning tinha 18 anos quando teve a ideia de criar uma plataforma onde as pessoas pudessem se conectar e trocar seus arquivos de música. Ele desenvolveu a parada e colocou no ar com o nome Napster. Em poucos meses já era um sucesso! Menos de um ano depois de entrar no ar, já contava com 50 milhões de usuários e incontáveis arquivos de mp3 trocados. Logo de cara uma gravadora entrou com um processo contra Fanning, por compartilhar músicas sem pagar direitos autorais. Quando se espalhou a notícia de que a música do Metallica I Disappear, gravada para o filme Missão Impossível e que ainda não tinha sido lançada oficialmente, vazou e estava sendo compartilhada freneticamente no Napster, a banda também entrou na justiça contra a plataforma, protagonizando um dos mais embaraçosos momentos da história da banda.

Tiveram outros artistas menores que também compraram essa briga, mas foi o Metallica quem mais se destacou, com o baterista Lars Ulrich batendo ponto em tudo quanto é audiência a respeito do processo. Pra piorar, o Metallica rastreou os nomes de 335 mil usuários do Napster que compartilharam suas músicas e fez com que eles fossem banidos da plataforma. Os próprios fãs da banda se voltaram contra ela. De fato foi uma atitude mesquinha e egoísta da banda, que falhou miseravelmente em enxergar que o futuro da indústria fonográfica estava, se não condenado, fadado a mudar drasticamente. O Radiohead, por exemplo, se ligou nisso na hora. Antes de ser lançado o CD nas lojas, o disco Kid A já estava disponível para download gratuito no site da banda. E isso não diminuiu as vendas, já que as pessoas já conheciam as músicas e queriam agora ter o pacote completo, o encarte do CD, com toda a arte gráfica, letras, informações… é, eram outros tempos.

Ainda sobre esse momento de transição tão único da música pop, não podemos deixar de relembrar o mais emblemático entre todos os players de mp3 que surgiram. O Winamp apareceu em 1997. Sua primeira versão, bem simples, foi lançada em março de 1997. Somente dois meses depois, em maio, já pintou a segunda e definitiva versão, com a skin clássica, opções de lista de reprodução e equalizador próprio. Em 2005 lançaram uma versão mais moderna onde o usuário podia customizar suas skins, ou fazer o download de dezenas de skins já prontas. Além disso, agora o player aceitava vários formatos de arquivos de áudio e também reproduzia vídeos. Era uma experiência divertidíssima, além de dar a opção ao usuário de formatar a equalização da forma que melhor lhe agradasse, podendo alterar, graves, médios e agudos.

Não é exagero nenhum dizer que o Napster e o Winamp foram os grandes expoentes de uma verdadeira revolução. Em 2001 o Napster perdeu todas as ações judiciais e foi fechado. Mas a febre de compartilhamento já tinha se espalhado. Vieram KaZaa, Morpheus, LimeWire, AudioGalaxy, eMule, Soulseek e tantos outros. O iTunes popularizou a comercialização de arquivos digitais, apaziguando um pouco os ânimos do mercado. Vieram os players portáteis como o iPod e tantos mp3 Players de várias marcas. A internet melhorou e facilitou muito as coisas. No fim, um outro moleque, este na Suécia, colecionador de música, usuário do Napster e do Winamp, teve a ideia de unir os dois. Em 2008 criou o Spotify e acelerou ainda mais as mudanças cada vez mais drásticas para o mercado fonográfico, e iniciando a era do streaming na música.

A lição que se tira dessa história toda é que no final das contas, o que importa mesmo é a arte, a essência. A indústria, o business sempre vai ter seus altos e baixos, mas nunca vai conseguir fazer com que músicos deixem de compor grandes canções e gravá-las para que o maior número de pessoas possível possa ouvir e se emocionar. Se essa música será tocada na vitrola, no toca fitas, no CD player, no computador ou no celular, isso pouco importa. O importante é a música continuar tocando almas e corações.

Evoluir, valorizar a essência da arte, se emocionar e se inspirar com grandes canções é uma das maiores forças propulsoras da Strip Me para elaborar e te entregar camisetas com estampas originais, criativas e super descoladas sobre música, cinema, arte, cultura pop e muito mais. Tudo feito com muita responsabilidade e compromisso, tudo em nome do barulho, diversão & arte! Vem conferir os mais novos lançamentos na nossa loja!

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist com o que rolou de melhor entre 1999 e 2001 e era compartilhado á rodo no Napster! Napster Top 10 tracks.

Para assistir: Tem um documentário muito bacana lançado em 2013, que conta toda a história do Napster e os rolos com a justiça. Se chama Downloaded – A saga do Napster, dirigido pelo Alex Winter. Não é muito fácil de achar, mas vale a pena procurar.

Essencialmente a arte pode ser compreendida como uma transformação. Seja qual for o propósito, seja qual for a inspiração, seja qual for o sentimento. Sendo assim, não existe nada permanente na arte, sequer ela própria. A transformação promovida pela arte se dá em qualquer aspecto possível. Por exemplo, a arte pode pegar a realidade e distorcê-la, enchê-la de ruídos e entregar uma pintura abstrata, uma poesia concreta ou uma música dodecafônica. Da mesma maneira, a arte pode se fazer valer de padrões estabelecidos, para corrompe-los e criar algo novo. Foi assim que surgiu, por exemplo, a ainda pouco compreendida música eletrônica.

Acredite, a música eletrônica não começou com o Kraftwerk. Sua origem é bem mais antiga. Em 1948 foi lançada a obra Étude aux chemins de fer. Uma gravação feita à partir de repetições, sobreposições de gravações e efeitos como reverb. O autor foi o compositor francês Pierre Schaeffer, um visionário que entendeu o potencial de um estúdio de gravação. Schaeffer foi o primeiro compositor a usar fitas magnéticas como técnica de gravação. Até então, as gravações eram feitas direto em acetatos (o pai do disco de vinil). Na sua cola vieram o compositor erudito alemão Stockhausen com ideias inovadoras  de ritmos, melodias e uso de instrumentos improváveis. Outro nome fundamental é o norte americano John Cage, que se fez valer de instrumentos que apareciam como grande novidade no fim dos anos 50,como o famoso Moog. Só então, juntando tudo isso, com a tecnologia que se desenvolvia em larga escala nos anos 70, é que o Kraftwerk deu o pontapé inicial na música eletrônica propriamente dita, com o clássico Autobahn, de 1974. Mas peraí! Falta um elemento fundamental nessa história toda. Um elemento vindo da Itália.

Claro que não dá pra falar de música eletrônica sem falar do legendário Giorgio Moroder. Produtor prolífico, Moroder se destacou ao lado de Donna Summer, produzindo vários discos da diva da disco. Entre eles o clássico álbum I Remember Yesterday, de 1977, onde está a emblemática I Feel Love, talvez a música mais conhecida da cantora. O que torna esta faixa tão especial é que ela tem seu arranjo todo executado por sintetizadores. O próprio Moroder já declarou em uma entrevista que o único instrumento utilizado além de sintetizadores é um bumbo. Não uma bateria completa. Só o bumbo. Nos discos seguintes de Donna Summer, Moroder continuou explorando os sintetizadores e criando arranjos inovadores e dançantes que fizeram história. Working The Midnight Shift, Journey to the Center of Your Heart, Lucky e Hot Stuff são ótimos exemplos. Entretanto, no início dos anos 80, Donna Summers trocou de gravadora e a parceria com Moroder chegou ao fim. Mas ela manteve o alto nível e passou a contar com a produção de ninguém menos que Quincy Jones.

Apesar de ser o que mais lhe deu notoriedade, a trajetória de Giorgio Moroder não se resume aos discos de Donna Summer. O cara já trabalhou com a nata do pop. Cher, Bowie, Freddie Mercury, Barbara Streisand, Blondie, Sigue Sigue Sputnik, Cheap Trick, Bonnie Tyler, Liza Minelli, Elton John, Roger Daltrey, Nina Hagen… a lista é longa! Além do trampo como produtor, Moroder também lançou vários discos já na onda dos sintetizadores, criando texturas sonoras impressionantes. As faixas From Here to Eternity e E=MC² demonstram uma inventividade e bom gosto impressionantes. Inclusive com seu trabalho como compositor, ele está em atividade até hoje, com 81 anos de idade e 50 de carreira na música. E não pense você que ele perdeu a mão ou ficou ultrapassado.

Sempre se cercando de talentos de seu tempo, seus últimos trabalhos solo contaram com parcerias de peso como Kyle Minogue, Britney Spears, Sia, Charli XCX, Foxes, entre outros. E são trampos realmente bons. Fora isso, Moroder ainda produziu algumas algumas trilhas sonoras de filmes bem marcantes, como  Flashdance, Scarface, Um Tira da Pesada, Top Gun… e recentemente ele escreveu a trilha sonora de um jogo do universo do filme Tron, o game TRON RUN/r. O homem não pára! É incansável!Com uma história e uma obra dessas, esse cara merece uma homenagem digna dos seus feitos. Ainda bem que isso já foi providenciado.

Lógico que estamos falando da dupla mais descolada que já apareceu por essas bandas nos últimos 20 anos. Daft Punk! No genial disco de 2013, Random Access Memories, Giorgio Moroder não só colaborou na produção do álbum, como se faz presente intitulando uma das músicas, onde sua história é brevemente contada entre melodias sintéticas e uma deliciosa batida. Ninguém duvida que Random Access Memories é a obra prima e definitiva da Daft Punk. E não é para menos! Além da óbvia criatividade e talento da dupla, comprovado em toda sua obra, neste disco eles ainda contam com participações especialíssimas e conseguem revisitar as origens da música eletrônica e suas próprias referências sem soar nostálgico ou datado. As músicas tem um frescor pop, são modernas e mostram nos detalhes os arranjos timbres e harmonias que soam vintage, porém sofisticadas.

A música eletrônica é a síntese a arte em transformação. É a música sem barreiras. É o jazz que se transforma em trance e trip hop, é o punk e hardcore que se transforma no jungle e drum ‘n bass, a disco que se transforma no house. Um estilo se alimentando do outro, inspirando, provocando, devorando. Cá estamos nós, mais uma vez sendo antropofágicos na vida e na arte. Essa é total a onda da Strip Me, o lugar certo para você encontrar camisetas com estampas que tem tudo a ver… com tudo! Sinergia, comportamento, barulho, diversão & arte! Vem conferir na nossa loja!

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist com a fina flor do que o Giorgio Moroder já produziu. Top 10 tracks Giorgio Moroder

Para assistir: Tem um documentário super interessante e divertido sobre a música eletrônica, suas origens, vertentes, filosofias (ou ausência delas) e os principais nomes do gênero. O filme é da cineasta brasileira Iara Lee, foi lançado em 1998 e se chama Modulations. E a delícia é que tem ele na íntegra no Youtube! É só clicar aqui.

11 entre 10 pessoas que gostam de rock já foram questionados sobre quem é melhor: Beatles ou Rolling Stones, e pensaram bem antes de responder. Claro, porque não é uma pergunta fácil. Não é como perguntar quem é melhor Pelé ou Maradona, Madonna ou Lady Gaga, ou Pulp Fiction ou Cães de Aluguel, cujas respostas são todas óbvias. Beatles x Stones é uma questão tão complexa, que paira no ar há mais de meio século, e ninguém chegou a uma conclusão concreta e definitiva.

Claro que muita coisa já rolou, muita gente já disse muita coisa a respeito. Hoje sabemos que a rivalidade que diziam existir entre as bandas é balela. Eram todos amigos. E, é óbvio que, para manter os nomes de suas bandas em evidência na imprensa, não desmentiam e alimentavam essa lenda. Provavelmente tudo começou quando John Lennon declarou, em 1966, que tudo que os Beatles faziam, os Stones faziam igual 4 meses depois. Desde então, há referência dos Stones em capa de disco dos Beatles e vice versa, vira e mexe uma banda alfinetava a outra na imprensa. Mas no fim da noite, em Londres era comum ver Mick Jagger e Paul McCartney tomando uma cerveja juntos ou George Harrison e Brian Jones trocando figurinhas sobre instrumentos musicais.

Olha, a real é que se a gente parar pra pensar mesmo, tentar comparar as duas bandas e dizer qual é melhor, é uma parada muito descabida. Porque são bandas bem diferentes em vários aspectos, sem falar que uma delas encerrou atividades em 1970, e a outra continuou firme. Mas a gente naturalmente gosta de uma boa disputa. Além do mais, são duas bandas tão incríveis, que é uma delícia revisitar suas histórias, sucessos e lendas, ainda mais tendo como desculpa essa rivalidade. Então, vamos a alguns fatos.

Primeiro a gente tem que ter em mente que os Beatles vieram primeiro. E o sucesso dos Stones tem tudo a ver com o surgimento e ascensão dos cabeludinhos de Liverpool. Depois de uma temporada exaustiva tocando por 5 horas seguidas por noite nos inferninhos de Hamburgo, os Beatles acertaram a mão ao contratar Brian Epstein como seu empresário e, depois de serem rejeitados pela Decca, assinaram contrato com a EMI. Com o surgimento da beatlemania os diretores da Decca se arrependeram amargamente e, quando os Stones bateram na porta, eles não pensaram duas vezes e já assinaram um contrato. Depois do relativo sucesso do primeiro single da banda, Come On, um cover de Chuck Berry, os Stones precisavam de mais um novo sucesso. Na época, 1963, Beatles e Stones já se conheciam e Lennon e McCartney deram para os Stones a música I Wanna Be Your Man, que virou sucesso.

Dá pra afirmar sem medo que até 1964 os Beatles eram realmente superiores. Mas nessa época Keith Richards e Mick Jagger passam a compor com frequência, esbanjando talento. No disco 12 X 5 dá pra sacar isso em canções como Good Times Bad Times e Congratulations. Com os primeiros discos dos Stones pintando, já fica evidente uma grande diferença entre eles e os Beatles. Os Rolling Stones eram uma banda muito purista em relação ao blues. Enquanto os Beatles não tinham muitas amarras a nenhum gênero musical. Flertavam com boleros (chegando a fazer uma versão de Besame Mucho), standards do jazz norte americano, com a soul music, com o country… Neste aspecto, os Stones merecem mais aplausos, pois conseguiam ser criativos e apresentar canções de qualidade mesmo “presos” a um só gênero.

Depois de 1966 os Beatles decidiram abandonar os palcos para ser uma banda exclusivamente de estúdio. Isso deu a eles ainda mais liberdade. Passaram a usar arranjos cada vez mais complexos, sobrepor instrumentos, vozes… afinal, não iriam precisar reproduzir nada daquilo num palco, que nos anos 60 não contava com tecnologia nenhuma. Sequer retorno a turma tinha direito. Mais uma vez as obras das duas bandas se mostram distantes e difíceis de se comparar, não por qualidade, mas por temática. Os Beatles apresentam em Revolver uma psicodelia ensolarada com Good Day, Sunshine e Doctor Robert, enquanto os Stones apostam em canções mais cruas, mas não menos inspiradas, como Paint it Black e Under My Thumb, do belíssimo disco Aftermath. São dois discos excelentes. Depois, em 1967, veio Sgt. Pepper’s… e a régua subiu ainda mais. Muita gente diz que os Stones fizeram o Their Satanic Majesties Request como uma resposta ao Sgt. Pepper’s…. Conversa fiada. Era simplesmente a manifestação da época. Em 1967 o flower power, a cultura oriental e etc estavam em alta. Todo mundo lançou discos nessa onda. E, com exceção da belíssima She’s a Rainbow, Her Satanic Majesties… é um disco bem fraquinho. Mas é bom lembrar que eles lançaram no mesmo ano os ótimos discos Flowers e Between the Buttons.

Em 1970 as duas bandas tinham amadurecido muito musicalmente. E mais uma vez se distanciado em termos de estética musical. Os Beatles, já em 1968, não funcionavam mais tão bem como conjunto. O Álbum Branco mostra bem isso. Tem grandes canções, mas fica evidente que não houve colaboração entre os músicos para compor e fica impresso o estilo de cada em suas composições. Em compensação, Beggars Banquet é um disco que apresenta uma banda em plena forma, coesa, encorpada e com excelentes composições. Ambas as bandas acompanham a tendência do rock, que se torna cada vez mais pesado. Orquestrações dão espaço a mais guitarras com efeitos fuzz e wah wah. Há muita controvérsia sobre a origem do nome Let It Bleed, disco lançado em dezembro de 1969.  Apesar de os Beatles lançarem o álbum Let It Be só em maio de 1970, a canção de mesmo nome já circulava em meados de 1969. Além do mais, os integrantes das duas bandas eram realmente amigos e sabiam dos planos uns dos outros. Por isso especula-se que o título Let It Bleed tenha sio uma brincadeira com o disco dos Beatles que seria lançado na sequência. Ah, sim. Além de tudo, existe o fato de que as bandas nunca lançavam seus discos ao mesmo tempo, sempre davam pelo menos dois ou três meses de intervalo, para não haver competição nas vendas.

Bom, depois de 1970 não faz mais sentido querer comparar as duas bandas, já que os Beatles se separaram, e não faz nenhum sentido querer comparar os discos solos de John Lennon, Paul McCartney e George Harrison com o Sticky Fingers, por exemplo. Todavia, é relevante ressaltar que os Stones lançaram seus discos mais consistentes e brilhantes ao longo da década de 1970. O que demonstra mais uma vez o amadurecimento da banda.

Desde o início as duas bandas tiveram trajetórias bem diferentes. É, no mínimo, injusto querer comparar as duas e vaticinar que uma é melhor que a outra. O que podemos dizer é que são duas bandas inacreditáveis, excelentes e geniais. Ambas indispensáveis para a evolução do rock n’ roll e da cultura pop. Tão essenciais que estampam camisetas nas mais variadas formas. Mas é claro, em nenhum outro lugar você encontra essas duas bandas retratadas de maneira tão deliciosa, original e charmosa como na Strip Me. Onde barulho, diversão e arte são antropofagicamente traduzidos em camisetas sensacionais! Vem conferir na nossa loja!

ps: Com o objetivo de manter a máxima imparcialidade, este texto foi escrito ao som dos discos Who’s Next, do The Who, e Face to Face, dos Kinks.

Vai fundo!

Para ouvir: É lógico, uma playlist caprichada com o que há de melhor entre Beatles e Stones. As faixas serão selecionadas de acordo com sua data de lançamento, pra rolar uma comparação legal entre as duas bandas. Então se liga na play Top 10 Tracks Beatles x Stones.

Para Assistir: Dois documentários essenciais para conhecer essas duas bandas: Let It Be, filme do diretor Michael Lindsay-Hogg, lançado em 1969 e Shine a Light, filme brilhante de Martin Scorsese, lançado em 2008, que acompanha a Bigger Bang Tour.

Para ler: The Beatles: A Biografia, de Bob Spitz, lançado em 2007 pela editora Lafonte é a mais completa e honesta obra literária sobre os Beatles. Livro indispensável. Do lado dos Stones, eu até poderia recomendar o livro do Christopher Sandford, mas acho muito mais válido e enriquecedor recomendar a estupenda autobiografia do Keith Richards, Vida, um livro saborosíssimo de se ler, lançado pela Editora Globo em 2010.

Não dá pra negar. Apesar de todos os problemas, nós moramos num país tropical, abençoado por Deus e bonito por natureza. E esse climão gostoso de domingo de sol, pé na areia, caipirinha na mão e não ter nada mais importante pra fazer do que curtir essa vibe toda, fez com que surgissem uns caras que conseguiram transformar essa aura toda em música. Música esta que ficou conhecida, mundialmente inclusive, como samba rock.

Mas é claro que o samba rock não surgiu de caso pensado. Na verdade, gênero musical nenhum foi pensado, convenhamos. Chuck Berry não parou um dia e pensou “Vou pegar esse fraseado de guitarra do country, colocar no compasso do blues e inventar uma parada chamada rock n’ roll.”. Não. Ele simplesmente tocou essa parada, recebeu um telefonema do Marvin, o primo dele que estava fazendo um som com o Marty McFly, e compôs Johnny B. Goode. O resto é história. Mas, assim como no rock o Chuck Berry provavelmente não foi realmente o primeiro a tocar guitarra daquele jeito, o samba rock também não tem uma origem muito bem definida.

Se quiser ser pragmático, a gente teria que voltar nos idos tempos da Carmem Miranda, que disseram que voltou americanizada e tal. O fato é que pós Segunda Guerra, começou a rolar um intercâmbio forte entre a cultura dos Estados Unidos e as culturas da América Latina. Claro, a gente fala intercâmbio, mas a cultura norte americana do cinema e do jazz foi muito mais injetada por aqui do que o samba e outros ritmos latinos do lado de lá. Mas mesmo assim rolou, Carmem Miranda bombou em Hollywood, ritmos como o bolero e o tcha tcha tcha também fizeram muito sucesso. Nos anos 1950 muitos conjuntos brasileiros incorporavam uma linguagem de big bands de jazz e bebop ao tocar samba. Isso, de certa forma, foi o pontapé inicial para o que seria a bossa nova, que iria eliminar os arranjos de metais e refinar as melodias. Por outro lado, tinha uma turma que gostava mesmo era de dançar, e essas bandas mandavam ver no ritmo.

Nas periferias do Rio de Janeiro e de São Paulo aconteciam bailes nos anos 1960 que eram muito populares, onde as pessoas iam para dançar.  Como eram organizados por comunidades pobres, não tinha som ao vivo, era um DJ (que na época não tinha o glamour de hoje em dia) que ficava colocando discos para as pessoas curtirem na pista. E rolava de tudo. Tocava uma música do Ray Charles, aí entrava um Jackson do Pandeiro, na sequência um Fats Domino, Moreira da Silva… e assim ia. O importante era não deixar a pista esfriar, seguindo sempre ritmos dançantes. Muita gente diz que o samba rock nasceu nesses bailes. E faz sentido, se a gente pensar que frequentavam essas festas nomes como Jorge Ben Jor, Erasmo Carlos, Gerson King Combo, Cassiano, Hyldon, Wilson Simonal, Tim Maia…

Mas o grande expoente mesmo é o Jorge Ben Jor. Se João Gilberto influenciou toda uma geração com uma batida de violão única, Jorge Ben fez o mesmo. Seu disco de estreia, Samba Esquema Novo, já mostra isso. É um disco com uma linguagem bem bossanovista, mas que já traz um suingue a mais, que ele iria mostrar em músicas como Minha Menina, em parceria com os Mutantes. Mas foi com o clássico disco Jorge Ben, de 1969, que o bicho pegou.  Nesse disco ele teve como banda de apoio o Trio Mocotó, um trio que era banda fixa de uma casa noturna de São Paulo onde Jorge Ben gostava de ir nos fins de noite se divertir e fazer umas jams. Nesse disco temos verdadeiros clássicos do samba rock como Take it Easy, My Brother Charles, Que Pena (Ela Não Gosta Mais de Mim), Cadê Tereza, Charles Anjo 45 e País Tropical. A coisa deu tão certo que o Trio Mocotó se lançou como banda e gravou vários discos muito bons. Esse estilo de som misturando suingue com uma guitarrinha e uma linguagem mais pop, fez a fama de muita gente. O caso mais interessante é o de Erasmo Carlos.

Em 1971 a Jovem Guarda já tinha acabado e Roberto Carlos dava sequência a uma inacreditável carreira se sucesso como cantor romântico. Seu parceiro Erasmo Carlos ficou mio de lado e começou a perder popularidade. Incentivado por André Midani, presidente da gravadora Philips no Brasil, e por Jorge Ben, seus amigos de longa data, Erasmo se inspirou nessa nova onda do samba rock e concebeu um clássico absoluto da música pop brasileira, o excelente disco Carlos, Erasmo! Neste disco estão canções brilhantes como De Noite na Cama, Masculino e Feminino, É Preciso Dar Um Jeito, Meu Amigo, Agora Ninguém Chora Mais e Maria Joana.

Pra concluir este texto, vale contar a inacreditável história que resultaria no disco Gil & Jorge: Ogum Xangô, um disco que tem sua base no samba rock, mas se tornou uma obra de experimentalismo harmônico e rítmico que extrapola qualquer rótulo. Em 1975 Eric Clapton e Cat Stevens vieram ao Brasil passar uns dias de férias a convite da gravadora Philips, que vendia seus discos por aqui. Para a chegada dos artistas internacionais, o presidente da gravadora, André Midani, organizou em sua casa uma festinha privé com vários artistas, entre eles Caetano Veloso, Rita Lee, Gilberto Gil e Jorge Ben. Noite adentro aparecem violões por toda a parte e começa uma jam session daquelas. Cat Stevens em poucos minutos pede o boné e encosta o violão, não acompanhando o som frenético que rolava. Um tempo depois, Eric Clapton também não aguenta o tranco e se retira da roda, ficando somente a observar incrédulo o som que Gilberto Gil e Jorge Ben improvisavam. Gil e Jorge tocaram por um tempão para um seleto público boquiaberto. Eles nunca tinham tocado juntos antes. No fim da festa, André Midani chegou para os dois músicos e falou: “Ainda essa semana quero vocês no estúdio. Se virem pra reproduzir no estúdio o que fizeram aqui.”. Assim saiu o disco Gil & Jorge: Ogum Xangô, um disco com 9 faixas, algumas com mais de dez minutos de duração, de puro ritmo e improvisos deliciosos. É um disco incrível. E quem estava presente naquela lendária noite, diz que o disco não reproduz metade do que os caras fizeram lá ao vivo.

O samba rock é isso. Brasilidade contemporânea, antropofagia sonora, liberdade, barulho, diversão e arte. Te soa familiar? Mas é claro! A Strip Me é total samba rock e todo esse clima alto astral libertário! Vem aproveitar e conferir!

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist repleta de som e malemolência pra você curtir. Top 10 tracks samba rock.