Se um artista ou banda quer se destacar e arrebanhar fãs, ou seguidores, é impensável que uma canção seja lançada nas plataformas digitais sem que haja uma veiculação simultânea de um videoclipe da mesma canção no Youtube e redes sociais. Um cenário que em absolutamente nada se assemelha ao que ocorria 40 anos antes. Até o mês de agosto de 1981 o artista ou banda estava totalmente nas mãos e uma grande gravadora, que produzia um disco caríssimo, investiria mais uma quantidade obscena de dinheiro em publicidade com anúncios em revistas especializadas, cartazes e totens para lojas de discos e “um cafezinho” pro DJ que tocasse as músicas no disco no rádio. Videoclipe? Nem pensar! Na real, nem existia direito esse conceito. Pouquíssimas bandas apostavam em produzir um vídeo conceitual para acompanhar o lançamento de uma canção. Mas os anos 80 tinham chegado pra ficar, e alguma coisa precisava mudar.

No dia 1 de agosto de 1981 entrou no ar um novo canal na televisão norte americana. Sua estreia aconteceu com cenas do lançamento da Apollo 11 e dos astronautas na lua. Quando a bandeira norte americana é fincada em solo lunar, as listras e estrelas somem encobertas por um fundo colorido e, sobre ele, as letras M, T e V se sobrepunham. O canal Music Television foi criado pelo produtor de TV Robert W. Pittman, que era funcionário anteriormente da Warner. Pittman viu que havia toda uma geração de adolescentes que consumiam música e não tinham nada na televisão que os agradasse, a programação se resumia a programas infantis para crianças pequenas e jornalismo e entretenimento para adultos, o adolescente ficava no limbo. A princípio o canal transmitia shows de bandas dos mais variados estilos do pop e rock e alguns poucos clipes que já existiam, tudo intermediado por VJs jovens e descolados, que falavam diretamente com a molecada. Tudo era muito colorido e meio anárquico. Foi um tiro certeiro. Em pouco tempo, a MTV já era uma febre entre os jovens.

O conceito estético do canal foi elaborado com muito cuidado, pensado em cada detalhe. O trampo ficou por conta de um escritório de design gráfico chamado Manhattan Design, um coletivo de designers de New York, que funcionou entre os anos de 1979 e 1991, o projeto é creditado a Pat Gorman, Frank Olinsky, Patti Rogoff e ao primeiro diretor criativo da MTV, Fred Seibert. O Manhattan Design já trabalhava com música projetando capas de discos e cartazes de shows da cena blues e jazz nova-iorquina. O que mais chamou a atenção na época foi que a identidade visual da marca não apresentava uma cor ou uma paleta de cores. Uma vez que se tratava de televisão, modernidade e ritmo, os criadores propuseram que a marca mudaria de cor a todo momento, um conceito nunca utilizado até então. Além disso, foram responsáveis por criar vinhetas e aberturas de programas, que ficaram marcados pela pluralidade, uma Pop Art em movimento, com cores e recortes. Mesmo depois do escritório encerrar suas atividades em 1991, o mesmo conceito seguiu firme no canal e foi aplicado em outros países.

Artistas antenados e notoriamente mais performáticos viram nos videoclipes uma oportunidade de enriquecer suas criações musicais e aumentar sua popularidade entre os jovens. Bowie, Michael Jackson e Madonna entraram de cabeça nesse mundo. Até a metade dos anos 80 o pop dominou o canal. As coisas realmente começaram a mudar em 1988 com o sucesso avassalador de Sweet Child O’Mine, dos Guns N’ Roses. Um clipe modesto, simplesmente mostrando a banda tocando num estúdio de ensaios, mas muito bem filmado e com todo o poder da canção em si. Dali em diante, o rock se faria cada vez mais presente, até culminar com mais uma bomba que cairia sobre a música pop três anos depois, com um trio esfarrapado vindo de Seattle. É, o grunge, de maneira geral, virou tudo de cabeça pra baixo, inclusive a MTV. Com todas essas mudanças e a MTV cada vez mais influente, as gravadoras investiam cada vez mais em videoclipes, que começavam a ter orçamentos cinematográficos. Aliás, a linguagem de videoclipe influenciou muito o cinema que seria produzido nos anos 90. E mais, à partir de 1992 a MTV passou a incluir nas informações do clipe apresentado, no início do vídeo, o nome do diretor responsável. Foi quando começamos a nos familiarizar com nomes como Spike Jonze, Michel Gondry e David Fincher, que depois se tornariam grandes diretores de cinema.

A MTV contribuiu muito para a modernização da televisão de maneira geral. Seja na linguagem mais coloquial e direta, na estética camaleônica e vibrante, ou no comportamento, apresentando um humor auto crítico e anárquico. A personificação dessa atitude toda veio através do desenho Beavis & Butt-Head. Dois moleques toscos que criticavam os clipes que o canal passava com um humor deliciosamente mordaz. A dupla ganhou o mundo e chegou a virar filme. Com certeza uma das mais brilhantes criações do canal.

Se você tem mais de 30 anos de idade com certeza deve estar se perguntando se a gente não vai falar do Disk MTV, Do Fúria Metal, do Teleguiado, do Gordo A Go Go, do Rock Gol… pois é. A MTV brasileira entrou no ar em 1991 e tem uma história tão incrível e deliciosa que merece um post só pra ela. Por isso, desta vez vamos nos ater à MTV norte americana, que acabou de completar 40 anos. 40 anos que mudaram o mercado musical incorrigivelmente.

Como uma profecia, após a bandeira com a logo multicolorida da MTV ser fincada na lua inaugurando o canal, o primeiro clipe a ser veiculado foi Video Killed the Radio Star, dos Buggles. Nascia uma nova era. Multimídia, mutante, provocadora, libertária. Com certeza a MTV é uma influência imensa, que faz a Strip Me ser a empresa que é hoje. Antropofagia rock n’ roll, liberdade em movimento, diversão & arte.

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist com o que rolou de melhor na MTV norte americana entre 1981 e 1990, uma música de cada ano. 10 tracks MTV US.

Para assistir: A MTV não surgiu do nada. Desde o início dos anos 60 já rolavam filmes com músicas e tal. Mas o clipe como conhecemos hoje surgiu das mãos de Richard Lester, o jovem diretor britânico que dirigiu o primeiro filme dos Beatles, A Hard Day’s Nght. No filme é possível “recortar” as cenas musicais e vê-las como clipes. Em especial a música Can’t Buy Me Love tem uma estética de videoclipe inacreditável para a época. O filme é de 1964 e é divertidíssimo e deve ser visto por todo mundo que curte música.

Originalidade e criatividade nunca forma o forte da Inglaterra, já reparou? Pensa bem, desde a idade média a gente vê despontando grandes gênios da pintura, da música, da literatura a maioria deles italianos, alemães, espanhóis… mas ingleses quase não se vê. É um país tão sem originalidade que o prato mais tradicional da culinária deles é peixe frito com batata frita. Entretanto, há e ser dito: o que eles não tem de originalidade, tem de sobra o poder de rápida assimilação e desenvolvimento. Não foram eles que inventaram o tear, mas foram eles que o desenvolveram para produção em larga escala e iniciando a Revolução Industrial. Não foram eles que inventaram o rock n’ roll, mas foram eles que o elevaram ao patamar de arte com Beatles, The Who, Bowie, Led Zeppelin…

Claro, existem exceções. A música negra, de maneira geral, os ingleses absorveram rapidamente, mas não foram capazes de superar os criadores do soul, do jazz e  do reggae. Bob Marley, Isley Brothers, Jimmy Cliff, James Brown, Aretha Franklin, Coltrane, Nat King Cole, Ella Fitzgerald, Billie Holiday, são todos artistas respeitadíssimos na ilha da rainha, influenciaram muita gente, mas ninguém chegou perto deles em genialidade e qualidade artística. Pelo menos assim foi até 2003.

Em outubro de 2003 foi lançado o disco Frank, álbum de estréia de Amy Winehouse, até então uma cantora desconhecida que se apresentava em pubs de Londres e impressionava todo mundo com sua voz incrível, presença de palco gigantesca e ótimas melodias que ela mesma compunha. Além disso, Amy revitalizava o jazz e os standards norte americanos. Era um Cole Porter de saias, em pleno século XXI respeitando o passado, mas flertando com o moderno R&B e novas tendências musicais. Era uma artista brilhante a ponto de explodir. E ela explodiria em muitos sentidos.

Amy Jade Winehouse nasceu em Londres no dia 14 de setembro de 1983. Ela vinha de uma família simples muito ligada à música. Sua avó paterna fora cantora de jazz e o pai era músico amador e tinha em casa uma vasta coleção de discos. Como vemos em muitas histórias de artistas geniais, a música sempre foi uma âncora para Amy, que teve desde cedo uma vida complicada. Seus pais se separaram quando ela tinha 6 anos de idade, fato que a desestabilizou muito. Adolescente, por volta de 14 anos, precisou tomar remédios controlados para ansiedade e, em seguida, já aprendeu os prazeres e excessos da vida boêmia, álcool, drogas… se distanciou da escola e se aproximou ainda mais da música.

Em 2001 Amy já tinha gravado uma demo que rodava entre os executivos de pequenos selos de Londres. Quem resolveu apostar na cantora foi a Island Records. Foi onde Amy conheceu o produtor Salaam Remi, que se tornaria seu parceiro de composições, amigo confidente e o responsável por lapidar o talento dela. Entre meados de 2002 e 2003 o disco Frank foi concebido e gravado. O disco não alcançou vendas muito altas, mas foi muito elogiado pela crítica e levou Amy Winehouse a um patamar acima das apresentações improvisadas em pubs. Ela entrou para um circuito alternativo de shows que trouxeram mais maturidade musicalmente, além de abrir muitas portas. Junto com o ritmo frenético de shows, após um ano do lançamento de Frank, Amy começou a ser cobrada por um novo disco. O que acabou a levando a um terrível bloqueio criativo. Seu primeiro disco era formado por canções muito pessoais baseadas nas desventuras conjugais de seus pais e de um relacionamento fracassado vivido por ela. Agora sua vida se limitava a tocar, fazer shows e cair na farra. Ela não tinha de onde tirar inspiração para compor. Até que em 2005, num pub no bairro de Camden, ela conhece Blake Fielder-Civil.

Foi paixão à primeira vista. Com Blake Amy começou uma relação tumultuada e muito intensa. Apesar de muitas brigas e desconfianças que ele tivesse outras mulheres, eram um casal muito ligado. Também foi com Blake que Amy conheceu realmente o lado negro da força e experimentou pela primeira vez heroína e crack. Aí você pensa: “Daí em diante foi só ladeira abaixo.”. Engano seu! Porque quando ela se afundou no vício, tentaram várias vezes interna-la em clínicas de reabilitação, as famosas rehabs. Ela já estava relutante, mas depois que seu pai disse a ela uma vez que ela não precisava se internar e podia tentar ficar limpa por conta própria, ela disse” Vocês querem que eu vá pra rehab, mas não não não.”. Sem falar que o tempestuoso relacionamento com Blake reacendeu a chama musical e Amy compôs várias canções. Morria assim o bloqueio criativo e nascia assim um clássico.

No fim de 2006 Back to Black é lançado e o single Rehab se torna um hit avassalador mundo afora. Daí em diante, parece que o mundo em volta de Amy acelerou rumo ao inevitável. Tudo explodiu. O consumo cada vez maior de álcool e drogas faziam com que ela aparecesse em shows sem a menor condição de cantar, a fama lhe tirou a privacidade e ela era constantemente vista pelas ruas de Londres em frangalhos… tudo foi ficando insuportável. Em agosto de 2007 ela teve uma overdose e foi hospitalizada, em seguida, Blake Fielder-Civil foi preso após uma batida em sua casa onde foram encontradas quantidades consideráveis de várias drogas. A prisão de Blake só piorou as coisas para Amy. O tempo passava voando e ela foi perdendo shows, sem a menor condição de compor novas canções… e sua saúde se deteriorando a passos largos. Desde adolescente, Amy era bulímica, uma prática muito perigosa. O desequilíbrio agressivo da bulimia combinado ao excesso de álcool e drogas desgastou muito o organismo da cantora. Num piscar de olhos, cinco anos se passaram entre o lançamento de Back To Black e o dia 23 de julho e 2011.

Na manhã daquele dia 23 de julho de 2011, Amy Winehouse foi encontrada morta em sua casa, em Londres. Exames detectaram uma quantidade assustadora de álcool no sangue dela. Ela vinha tentado parar de usar drogas na época, mas continuava bebendo muito. Frágil por conta da bulimia, é possível que o excesso de álcool em seu organismo tenha feito seu coração parar de bater. Amy morreu dois meses antes de completar 28 anos de idade. Sendo assim, sua morte reacendeu aquela famosa conversa da maldição dos 27 anos, idade em que, coincidentemente, alguns dos mais importantes músicos do rock morreram, como Jimi Hendrix e Kurt Cobain.

Assim a boa e velha Inglaterra chegou ao século XXI confirmando sua expertise em gerar artistas que conseguem assimilar e ir além do que é feito fora da ilha. Amy Winehouse sintetizou o jazz, o R&B e a soul music numa linguagem nova e atraente; no melhor estilo antropofágico em que a Strip Me tanto se inspira, Amy Winehouse é uma das artistas mais geniais dos últimos 20 anos. Não poderíamos de jeito nenhum deixar os 10 anos de sua morte passar em branco. Preferimos sempre Back to Black.

Vai fundo!

Para ouvir: Todo mundo sabe que músicas como Rehab e Back to Black são maravilhosas. Por isso a gente elaborou uma playlist pra você ouvir um pouco mais do trampo da Amy Winehouse, além das músicas mais conhecidas. Top 10 tracks 10 anos sem Amy.

Para assistir: O documentário super intimista e bem elaborado, lançado em 2015 e dirigido por Asif Kapadia, intitulado, Amy, é simplesmente indispensável para quem quer conhecer  e entender a carreira meteórica de Amy Winehouse. E pra facilitar a sua vida, esse doc está completinho e legendado no Youtube. É só clicar aqui.

Foi o ápice. Foi o início do fim. Foi o prenúncio de uma nova era. Foi uma enganação. Foi um ato revolucionário. Foi o maior evento da história moderna. Foi uma loucura. Woodstock foi tudo isso, e, provavelmente, muito mais. O festival de música, paz e amor que encerrou a década de 1960 ainda hoje é lembrado, comentado, celebrado e questionado. É compreensível que seja assim, afinal todas as dimensões ali foram transpostas. O tamanho, o número de pessoas reunidas, o line up estrelado, a liberdade, o congestionamento de estradas, nudez, consumo de drogas, intervenções climáticas, solidariedade, dinheiro gasto e arrecadado, processos judiciais, dívidas e, por fim, sucesso. Tudo isso esteve presente em larga escala em Woodstock.

Michael Lang e Artie Kornfeld eram amigos, músicos ligados ao movimento hippie e estavam, no comecinho de 1969, com a ideia de montar um estúdio para gravar novas bandas e um selo para lançar seus discos, já que Kornfeld era funcionário da Capitol Records e tinha know-how e muitos contatos. Mas faltava o famoso capital inicial, já que eles eram os típicos músicos quebrados. Foi quando viram no jornal um anúncio de uma dupla de empresários que procurava projetos audaciosos ligados a arte e música para investir. Assim, Kornfeld e Lang se juntaram a John Roberts e Joel Rosenman. A dupla de empresários topou a empreitada, e o agora quarteto começava a planejar seu projeto de estúdio, batizado de Woodstock, que é onde eles queriam se estabelecer. Isso porque a pequena cidade de Woodstock, próxima a New York, era onde Bob Dylan morava na época. Lang e Kornfeld eram muito fãs de Dylan e sonhavam com a ideia de que Dylan passasse a gravar em seu estúdio, o único na cidade onde ele morava. Mas o investimento para montar um bom estúdio era alto demais até mesmo para os jovens ricos empresários Roberts e Rosenman. Então surgiu a ideia de fazer um festival de música para alavancar o projeto com a grana da venda de ingressos. Então Woodstock começou a ser pensado como um festival de música.

Woodstock era uma cidade pequena e cercada de fazendas e ranchos. Com uma população essencialmente de meia idade e conservadora. Quando se espalhou a notícia que quatro jovens queria reunir um bando de hippies nas suas terras, rolou uma comoção popular e eles não conseguiam autorização para fazer o festival em lugar nenhum. Até que um senhor com uma grande fazenda de vacas leiteiras na cidade de Bethel, vizinha a Woodstock, topou alugar suas terras e abrigar essa maluquice toda. Vale dizer que isso só aconteceu duas semanas antes da data já marcada para o festival acontecer. Então vamos colocar na linha do tempo. A ideia do festival pintou em janeiro de 1969 e o evento estava marcado para acontecer no fim de semana dos dias 15, 16 e 17 de agosto do mesmo ano. No fim de julho eles ainda não tinham o lugar definido. Mas já tinham vários nomes grandes confirmados.

Mas não foi nada fácil conseguir um line up tão poderoso. E o mérito deve ser dado à banda Creedence Clearwater Revival. Antes do Creedence assinar, eles não conseguiam fechar com ninguém, pois não eram conhecidos, queriam fazer um festival no meio do nada… ninguém botava fé. Mas depois que o Creedence, que na época era um dos maiores nomes do rock norte americano, comprou a briga e assinou, todo mundo foi atrás. E aqui estamos falando de boa parte dos grandes ícones da música na época: Janis Joplin, Grateful Dead, The Who, Jimi Hendrix, Sly & the Family Stone, Santana, Crosby, Stills, Nash & Young, Mountain, Jefferson Airplane, The Band, Joe Cocker, Tem Years After, Ritchie Havens, Joan Baez… e quem ficou de fora por, ainda assim não botar fé no evento, no futuro se arrependeu. Foi o caso de bandas como The Doors e Led Zeppelin. E olha que ninguém ali estava fazendo caridade. Todo mundo tinha contrato e cachê estabelecido. O papo hippie de não ligar pra dinheiro e bens materiais passou longe de Woodstock. Costuma-se dizer, aliás, que o festival foi de graça, mas não foi bem assim.

Os ingressos para o festival custavam 18 dólares antecipados e custariam 24 dólares na hora. Custariam. O festival estava previsto para receber 50 mil pessoas no máximo. Acontece que só de ingressos antecipados foram vendidos quase 100 mil. Dois dias antes do início do festival as estradas que levavam a Bethel já estavam tomadas por hippies de todo o canto. A organização do festival não teve tempo de montar as bilheterias na entrada. No primeiro dia do evento, eles desistiram de tentar controlar a entrada de pessoas e liberaram a entrada de geral. 100 mil pessoas, aproximadamente, pagaram ingresso. Mas o festival reuniu mais de 400 mil pessoas! Pra você ter ideia, isso é mais gente do que a população de muita cidade Brasil afora. E teve muita gente que ficou pelo caminho. As estradas ficaram tão congestionadas, que muita gente abandonava seus carros e concluía o trajeto até o festival a pé. O que só piorou a situação, pois se acumulavam carros parados pelo trajeto que dificultavam o trânsito de outros veículos. Teve muita gente, inclusive, que tinha comprado ingresso, não conseguiu chegar por causa do trânsito e acabou processando a organização. E foram tantos processos que os caras conseguiram quitar todas as dívidas acumuladas por conta do festival só dez anos depois, em 1980.

Olha, Woodstock  é cercado por tantas histórias incríveis, algumas verdadeiras, outras lendas, que daria um texto imenso. Teve o Pete Townshend, do The Who, expulsando a golpes de guitarra um ativista que subiu no palco durante o show para protestar contra a prisão de John Sinclair, que era também ativista e empresário da banda MC5. Teve uma multidão passando mal por tomar LSD de má procedência, teve uma chuva torrencial que fez com que o pessoal do Grateful Dead tocasse levando choques terríveis de seus instrumentos e microfones. Ah, teve também uma comoção popular dos moradores das fazendas vizinhas, que souberam que as pequenas empresas que forneciam comida para o festival não estavam dando conta de alimentar todo mundo, e doaram comida. A região era grande produtora de granola, que foi doada em grande quantidade. À partir daí a granola se popularizou entre os hippies, virou sinônimo de alimento saudável e está aí até hoje. É sério isso! A granola é o que é hoje por causa do Woodstock, senão seria só mais um ingrediente misturado para fazer os cereais infantis matinais.

Em 2020 oficialmente atingimos a famosa (entre os astrólogos) Era de Aquário. Acontece que essa era já vinha sendo anunciada desde 1967 e foi um dos motes do Woodstock. Diz-se que a Era de Aquário vai trazer harmonia e mais conhecimento para a Terra (Será? Tomara, né, porque estamos precisando). Também foi o ápice da contra-cultura, do movimento Flower Power e das manifestações contra a guerra do Vietnã. Também foi o começo do fim da era de ouro do rock n’ roll. Dali em diante, o consumo de drogas, que até então era muito mais ligado ao auto conhecimento,  se tornou desenfreado, a cocaína entrou com tudo e deixou tudo mais caótico. Os conflitos tornaram-se mais violentos nos anos 70 e o rock n’ roll sofria uma queda de popularidade e perdia seu status de arte para se tornar apenas hedonismo descontrolado, ou uma forma pedante de música elaborada até demais (a.k.a. rock progressivo). O que só viria a mudar com os punks na segunda metade da década, que resgatariam a essência do rock.

O fato é que o Woodstock entrou para história como o maior festival de música de todos os tempos, um verdadeiro marco na cultura pop. Dá pra dividir a cultura do século XX entre antes e depois de Woodstock. Um festival que trazia a música, mas também toda a carga política, social e de consciência de toda uma geração.  Rock n’ roll, atitude, diversão, consciência, engajamento! Tudo que a Strip Me gosta e espalha por aí! Por isso a gente não poderia deixar de falar sobre esse evento maravilhoso por aqui. Assim, cá estamos. Missão cumprida.

Vai fundo.

Para ouvir: Aquela playlist difícil de ser elaborada com o que rolou de melhor no Woodstock de 1969. Então confira  nossa playlist Woodstock ‘69 Top 10 Tracks.

Para assistir: O Woodstock foi todo filmado e acabou virando um documentário um ano depois. Woodstock – 3 Dias de Paz, Amor e Música foi lançado em 1970. Dirigido por Michael Wadleigh, o filme levou o Oscar daquele ano de Melhor Documentário. Ah, e uma curiosidade: o assistente de direção e um dos editores deste filme foi um jovem aspirante a cineasta chamado Martin Scorcese.

Para ler: Um dos quatro responsáveis pelo festival, Michael Lang, escreveu o livro definitivo sobre Woodstock. O ótimo A Estrada Para Woodstock foi lançado em 2019 pela editora Belas Letras no ano em que o festival completou 50 anos. Uma leitura deliciosa, recheada de curiosidades e muitos causos.

 Um dos vídeos mais famosos do Nirvana é uma filmagem amadora de um show da banda em Dallas numa pequena casa de shows. O show foi um caos, vários problemas técnicos, PAs falhando e etc. Sem falar que o som do Nirvana sempre foi barulhento, abusando de microfonias. Eis que durante a música Love Buzz, na hora do solo de guitarra, Kurt Cobain faz um stage dive com guitarra no lombo e tudo. Ele está lá curtindo, se debatendo em cima da plateia, quando um dos seguranças o puxa de volta para o palco. Mas ele não quer ir, e, no reflexo, enfia a guitarra na testa do tal segurança. Quando Kurt volta ao palco, o segurança com a cabeça sangrando tá full pistola e já chega no soco e na bicuda pra cima dele e o caos se instaura. Nem o mais otimista dos seres humanos que visse este vídeo antes de setembro de 1991 acreditaria que aquela banda seria capaz de desbancar Michael Jackson na lista dos discos mais vendidos do ano.

A música pop produziu os mais variados fenômenos da década de 1950 pra cá. Um branco do sul dos Estados Unidos que misturou country com música negra, 4 moleques de uma cidadezinha portuária da Inglaterra que faziam músicas de amor e aposentaram a fase dos topetes no rock, um inglês que imortalizou sua imagem com um raio na cara e uma música plural e por aí vai. Mas nenhum desses fenômenos foi tão radical quanto a ascensão da banda Nirvana. Por mais que Elvis tenha sido um revolucionário misturando o country dos brancos com o R&B dos negros, o cenário musical estava pronto para isso. Os Beatles foram uma evolução natural daquele movimento que já contava com Buddy Holly e Little Richards. Bowie foi um gênio justamente por saber ler o que havia de melhor na vanguarda da música pop e recriar à sua maneira. Em nenhum desses casos houve ruptura. Com o Nirvana foi diferente.

Até dá pra dizer que o rock estava em evidência em 1991. Mas era um rock afetado, narcisista. Guns n’ Roses lançava o megalomaníaco Use Your Illusion I e II, U2 se rendia ao pop em Atchung Baby e no front do rock mais pesado, o Metallica se rendia a baladas e mais melodias do que agressividade no clássico Black Album. O punk rock estava esquecido. A música alternativa, que sempre foi efervescente, vale dizer, continuava de boa ali no underground sem incomodar ninguém.  Pra não falar que não rolava rock alternativo no mainstream, o clipe de Losing my Religion, do R.E.M. estava bombando e o Sonic Youth tinha lançado Goo, um disco bem sucedido por uma grande gravadora, um ano antes.

Aliás, foi por causa do Sonic Youth que o Nirvana acabou assinando com a Geffen Records. Dizem que o pensamento dos executivos da gravadora era o seguinte: se o Sonic Youth vendeu 50 mil discos, o que eles consideravam um bom desempenho para uma banda alternativa, se o tal Nirvana vendesse igual ou um pouco mais, já valia a pena. Acontece que em dezembro de 1991, três meses depois de lançado, Nevermind já vendia 300 mil cópias por semana! Tudo por causa de um riff de guitarra grudento, uma letra reclamona e um clipe poderoso.

Nevermind é um disco brilhante e irretocável. Ali estão as melhores composições de Kurt Cobain, executadas por uma banda afiadíssima, um baixo marcante e preciso, uma bateria cavalar, harmonias incríveis e uma produção soberba. É um monte de elogios grandiosos, eu sei, mas não é exagero. Apesar de estar recheado de hits, o disco foi puxado por Smells Like Teen Spirit. Uma música que Kurt Cobain escreveu inspirado nos Pixies com sua dinâmica de guitarras distorcidas, verso suave e explosão no refrão. O clipe reforçava a letra da música, que reclamava da apatia juvenil, apresentando uma mini rebelião num ginásio de colégio com cheerleaders com o símbolo da anarquia punk estampado em suas blusas. Era tudo que uma juventude cansada de bandas super produzidas e astros pop inatingíveis precisava.

A honestidade, o sarcasmo e principalmente as músicas excelentes do Nirvana caíram nas graças do mundo pop. Nevermind tirou Michael Jackson do topo dos discos mais vendidos e chutou a porta para um mundo desconhecido entrar. De uma hora pra outra, roqueiros maltrapilhos, de cabelos ensebados e usando bermudas e camisas de flanela passaram a frequentar capas de revistas e ter seus discos entre os mais vendidos. Na real, a maioria das bandas que apareceram como grande novidade da música já eram veteranos, com pelo menos três ou quatro discos já lançados na bagagem. Mudhoney, Pixies, Sonic Youth, Soundgarden, Screaming Trees, L7… essa turma toda já estava na ativa desde os anos 1980.

O Nevermind é o disco mais importante da década de 1990, e completa neste ano 30 anos de lançado. Responsável por uma revolução na música e no comportamento. Não se trata só de um disco com 12 músicas ótimas. Trata-se do disco de uma banda que sempre que podia, falava bem de outras bandas, que tinha personalidade e muito talento. Nevermind é a obra prima, mas tudo que o Nirvana lançou é bom demais. Bleach, Incestcide, In Utero, Unplugged in NY, os singles, discos ao vivo, bootlegs… não tem coisa ruim. É por isso que a morte de Kurt Cobain em 5 de abril de 1994 ainda é sentida e lembrada até hoje. E enquanto existirem jovens descontentes com guitarras na mão, continuará sendo.

Vai fundo!

Para ouvir: Todo mundo conhece os clássicos do Nirvana. Mas tem muita coisa nas beiradas de toda a obra da banda que é genial e merece ser ouvida. Por isso, fizemos um top 10 tracks Nirvana que fogem do óbvio.

Para assistir:Tem muito material interessantíssimo sobre o Nirvana. Vou citar dois: Primeiro o home vídeo Nirvana Live! Tonight! Sold Out! que conta toda a trajetória da banda até a morte prematura de Kurt Cobain. O outro é o documentário Montage of Heck, que se presta a contar a história do Kurt Cobain através de sua própria obra e com vídeos e gravações cedidos pela família. Inclusive a produção é assinada pela Frances Bean Cobain, filha de Kurt.

Para ler: Claro! A indispensável biografia de Kurt Cobain  Heavier than Heaven, escrita pelo jornalista Charles R. Cross. Um livro completíssimo, super bem escrito e delicioso de se ler. Livro essencial para quem gosta de música.