A Strip Me relembra 5 shows lendários do Oasis e conta tudo sobre a Live ’25 Tour no Brasil. Prepare-se para um retorno histórico aos palcos!
Carisma e presença de palco são armas essenciais para qualquer banda de rock que quer fazer história. O Oasis é prova disso – à sua maneira. Quem vê os irmãos Gallagher no palco percebe algo curioso: a banda tem energia, mas é contida. Noel, com sua guitarra afiada e postura de maestro, lembra um Pete Townshend sem pirotecnia. Já Liam, o vocalista e centro das atenções, dispensa corridas à la Axl Rose ou stage dives de Eddie Vedder. Ele canta imóvel, inclinado para a frente, mãos para trás, olhar desafiador. Mesmo assim, domina o palco como poucos.
Saído de Manchester, o Oasis construiu uma história de mais de 30 anos marcada por polêmicas, clássicos e muita personalidade. Ainda que outros músicos tenham passado pelo grupo, são Noel e Liam que personificam a banda. Essa trajetória foi escrita em discos lendários, e também em palcos inesquecíveis. Com a tão aguardada volta ao Brasil em 2025, depois de 16 anos separados, é hora de aquecer as turbinas. A Strip Me relembra os 5 shows mais marcantes da carreira do Oasis e mostra o que esperar das apresentações que vão sacudir o país em novembro.
Boardwalk, Manchester – 1991
Todo império começa pequeno. Em 18 de agosto de 1991, uma banda, até então chamada Rain, subiu ao palco do Boardwalk, um clubzinho em Manchester, para um show que ninguém imaginava ser histórico. Não havia multidão, nem hit nas paradas, apenas uma banda crua, faminta por espaço, mostrando riffs que soavam como hinos para uma geração cansada do synthpop. Foi ali que Liam desabrochou como vocalista, Noel viu que a banda tinha potencial e o britpop, que começou tímido com o Stone Roses, viu nascer seu maior expoente.
Glastonbury Festival – 1994
Do club underground para o maior festival do Reino Unido em três anos. Em 1994, com Definitely Maybe prestes a explodir {mas com os singles Shakermaker, Live Forever e Supersonic já estourados), o Oasis entregou um show cheio de atitude no Glastonbury. Foi a consagração diante de uma plateia gigante, a primeira vez que a arrogância e o carisma dos Gallagher invadiram as casas britânicas via TV. Quem estava lá sabia: aquilo não era só uma banda, era o início de um fenômeno cultural.
Maine Road, Manchester – 1996
Do bairro para o estádio. Em abril de 1996, o Oasis voltou para casa e tocou para 40 mil pessoas no Maine Road, o mítico estádio do Manchester City. Foi mais que um show: um evento que mostrou como os garotos de Burnage tinham se tornado heróis locais e ícones nacionais. “Don’t Look Back in Anger” virou coro de hino futebolístico. Era o orgulho de Manchester reverberando em cada acorde.
Knebworth, Inglaterra – 1996
Aqui não estamos falando só do auge do Oasis, mas do britpop como movimento cultural. Duas noites, 250 mil pessoas, ingressos disputados por milhões. Em agosto de 1996, Knebworth se tornou sinônimo de megalomania rock’n’roll. O setlist era uma metralhadora de clássicos: “Wonderwall”, “Champagne Supernova”, “Live Forever”… tudo embalado por um Liam no auge da persona rockstar e Noel comandando o show com elegância e atitude. A banda que queria ser maior que os Beatles, parecia estar se aproximando de seu objetivo.
Rock in Rio, Brasil – 2001
Se Glastonbury apresentou o Oasis para o Reino Unido, o Rock in Rio fez isso para o Brasil. Em janeiro de 2001, a banda desembarcou no país com a turnê de Standing on the Shoulder of Giants e levou o público ao delírio na Cidade do Rock. Numa entrevista antes do show, Noel disse que o mundo seria um lugar melhor sem o Guns n’ Roses (Axl e sua turma faziam parte do lineup daquele dia no festival). Mas a polêmica estava longe de ser o ápice daquela noite. Liam exalava arrogância, Noel estava nitidamente à vontade no palco e a banda entregou um show arrebatador. Entre hits e novas faixas, foi a noite em que milhares de brasileiros cantaram o show inteiro como se fossem nativos de Manchester.
Oasis em São Paulo (22 e 23 de novembro de 2025) – O que esperar?
Catarse. Não espere nada menos que uma catarse. O que se viu até agora na dezena de shows que a banda apresentou no Reino Unido de julho até aqui não deixa dúvida. Os irmãos Gallagher subindo ao palco de mãos dadas, e trocando olhares e acenos ao longo dos shows, Liam entregando performances surpreendentes, dado o seu histórico de excessos, e o setlist… Ah, o setlist é espetacular! Contempla essencialmente os discos Definitely Maybe e (What’s the Story) Morning Glory?, mas também traz clássicos como Acquiesce, Little by Little, Stand By Me, D’You Know What I Mean? e outras canções.
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O Oasis está afiadíssimo no palco, e nós estamos prontos, contando os dias, para presenciar esse show histórico! A Strip Me, que manja tudo de rock n’ roll stars, te ajuda a criar o look perfeito para qualquer show. Camisetas mega confortáveis, com tecido certificado e, é claro, muito estilo e originalidade! Acesse o nosso site para conferir as coleções de camisetas de música, cultura pop, cinema, drinks, festivais e muito mais, além de ficar por dentro dos nossos lançamentos.
Vai fundo!
Para ouvir: Normalmente, a gente elabora uma playlist caprichada para embalar a sua leitura. Mas está disponível no Spotify a gravação do mítico show em Knebworth, citado aqui no texto. Melhor que qualquer playlist, é conferir esse show na íntegra. Aqui está o link. Cheers, mate!
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Regravações que deixaram as originais no retrovisor: A Strip Me lista 10 versões internacionais e 10 brasileiras que viraram clássicos definitivos.
Sempre dá pra melhorar. Quem vê de fora é capaz de apontar diferentes possibilidades e potencial. Diferentes perspectivas podem transformar o ótimo em sublime. E é bom que fique claro que estamos falando de música, não de clichês de palestra coach. Inúmeros são os exemplos de canções que ganharam notoriedade quando interpretadas por outros artistas, que não seu compositor ou quem fez sua primeira gravação. Muitas dessas, aliás, o grande público desconhece se tratar de uma versão previamente composta e gravada por outro artista. Assim como muita gente não sabe que Scarface, do De Palma, é um remake de um filme de 1932, a maioria das pessoas também não sabe que a música Torn, imortalizada pela Natalia Imbruglia em 1997, teve três gravações anteriores.
A Strip Me encarou a desafiadora missão de listar as músicas cujas versões superaram as originais, num Top 10 delicioso. Aliás, um não, mas dois Top 10! Afinal a músicabrasileira merece sempre destaque, e também tem tradição em reinventar boas canções. Sem mais delongas, vamos às listas.
Top 10 Versões Melhores que a Original – Música Internacional
1. All Along the Watchtower – Jimi Hendrix Original: Bob Dylan Ué, mas essa música não é composição do Hendrix? Olha, se o mundo fosse um lugar justo de verdade, o Dylan creditava o Hendrix como co-autor. Porque o tanto que a música cresceu com o arranjo do gênio da guitarra não está no gibi!
2. Hurt – Johnny Cash Original: Nine Inch Nails Sobre essa versão soberba, Trent Reznor, tal qual um Tino Marcos da música, escreveu: “Johnny Cash sentiu.” Uma regravação que virou epitáfio a altura da grandeza de Cash, e fez muita gente chorar escondido no banheiro do trabalho.
3. Respect – Aretha Franklin Original: Otis Redding A música já era maravilhosa na versão de seu criador. Mas Aretha Franklin, ressignificou a parada! Otis Redding escreveu a canção como um desabafo sobre sua brigas conjugais. Aretha Franklin mudou uma ou outra frase da letra, rearranjou a música e a transformou num hino de empoderamento feminista e racial.
4. It’s Now or Never – Elvis Presley Original: ‘O Sole Mio (canção napolitana) Elvis transformou ópera italiana em hit de verão com topete e rebolado. Improvável? Sim. Memorável? Também. E, antes que digam qualquer coisa, sim a ideia partiu do próprio Elvis, que ouviu uma gravação operística de O Sole Mio e sentiu cheiro de hit.
5. Your Song – Billy Paul Original: Elton John A composição e interpretação de Elton John funciona super bem, tem até certo charme por ser tímida, introspectiva. Mas Billy Paul praticamente reescreveu a canção, a encharcando de sedução, malemolência e groove.
6. With a Little Help From My Friends – Joe Cocker Original: The Beatles A produção do clássico Sgt. Pepper’s… estava nos finalmentes, quando alguém falou: “Eita, peraí, gente! Tá faltando a música que o Ringo vai cantar!” Paul correu ali, escreveu uma canção simples e resolveu o problema. Acontece que, o que Ringo cantou com simpatia, Joe Cocker cantou como se sua vida dependesse daquilo. E talvez dependesse mesmo.
7. Sweet Dreams (Are Made of This) – Marilyn Manson Original: Eurythmics A versão original te faz dançar. A do Manson te faz dormir com a luz do quarto acesa. Assustadora e brilhante. Simples assim.
8. I Will Survive – Cake Original: Gloria Gaynor Trocaram o brilho da discoteca pelo sarcasmo do indie. A letra continua dizendo que vai sobreviver, mas agora parece que é por pirraça. Se na original I Will Survive é empoderamento, na versão do Cake sobreviver é o que tem para hoje. E há de se mencionar a linha de baixo retumbante de Victor Damiani.
9. Cats in the Cradle – Ugly Kid Joe Original: Harry Chapin A versão original é um folk melancólico. O Ugly Kid Joe trouxe guitarras e uma raiva contida. Versão noventista de um drama cotidiano e eterno. É como se o Tihuana pegasse a clássica Pai, do Fábio Jr., e fizesse uma versão. Aliás, fica a dica.
10. I Will Always Love You – Whitney Houston Original: Dolly Parton Aqui temos um caso muito parecido com o de Elton John e Billy Paul. A versão original, de Dolly Parton é delicada. Whitney Houston trouxe grandiosidade e muito feeling. Tem gente que, quando bate o dedinho na quina da mesa de centro, fecha o olho, se senta e espera a dor passar. E tem gente que grita “Mesa filha da p#ta!” e já está pronto pra outra. Tá explicada a diferença entre as duas versões.
Menções Honrosas (bateram na trave):
Tainted Love – Soft Cell
Live and Let Die – Guns N’ Roses
Twist and Shout – The Beatles
The Man Who Sold the World – Nirvana
Hallelujah – Jeff Buckley
Top 10 Versões Melhores que a Original – Música Brasileira
1. Como Nossos Pais – Elis Regina Original: Belchior Belchior é o Bob Dylan brasileiro. Não só porque é um letrista e melodista brilhante, mas também porque algumas de suas canções ganharam versões definitivas com outros intérpretes. A versão dele de Como Nossos Pais é introspectiva e linda. Mas a Elis meteu o pé na porta desse quarto pra gritar aos quatro cantos do mundo a mensagem central da música: Virar adulto é uma merd@!
2. Maracatu Atômico – Chico Science & Nação Zumbi Original: Jorge Mautner Doideira tropicalista virou pancada manguebeat. Do misticismo lisérgico ao grito urbano. Não tem muito o que dizer aqui, a não ser que Darwin ficaria orgulhoso de ver tamanha evolução.
3. Brasil Pandeiro – Novos Baianos Original: Assis Valente (na interpretação dos Anjos do Inferno) Um samba exaltação composto originalmente para ser gravado pela Carmen Miranda. Mas ela recusou, veja você! Achou a música fraquinha. Foi gravada em 1940 pelos Anjos do Inferno, popular grupo carioca da época. Mas o compacto não vingou. Foi João Gilberto quem sugeriu que os Novos Baianos a regravassem. Deu no que deu, virou hit. Azar da Carmen Miranda.
4. Vapor Barato – O Rappa Original: Gal Costa (de Jards Macalé/Waly Salomão) Convenhamos, a versão da Gal é maravilhosa! Mas, é muito dor de cotovelo! Podia ser a música rolando naquele meme do tiozinho cabisbaixo na mesa do bar. A versão d’O Rappa traz o lamento para outro patamar, é uma parada de sofrimento, mas com a atitude de quem já está calejado pela vida na quebrada.
5. Um Girassol da Cor do Seu Cabelo – Ira! Original: Lô Borges Não se trata tanto aqui de uma versão rearranjada de maneira muito diferente e tal. Mas diz respeito mais à interpretação em si. A versão do Lô Borges é uma balada bonita. O Ira! a transformou numa balada rock, mais seca, mais crua. Pra equilibrar e não transformar de vez esse tutu de feijão num virado à paulista, a banda convidou o Samuel Rosa pra cantar junto com o Nasi. Que sabor!
6. Era um Garoto Que Como Eu amava os Beatles e os Rolling Stones – Engenheiros do Hawaii Original: Escrita pelo italiano Gianni Morandi, conhecida no Brasil com Os Incríveis Os Incríveis lançaram sua versão em português deste rock italiano em 1967. Fez sucesso na época, e depois caiu no ostracismo. Nos anos 90, Jovem Guarda era sinônimo de música cafona, mas não para os intrépidos Engenheiros do Hawaii, que renasceram a canção com vitalidade, sem deixar de lado as onomatopeias! Olha, ficou incrível…
7. South American Way – Marisa Monte Original: Carmen Miranda A questão aqui é uma só: Resgate! Marisa Monte, em seu disco de estreia, recheado de grandes canções com arranjos modernos e muito classudos, fez questão de caprichar para manter o arranjo original da canção, mas sem soar datado, e cantou com tamanha personalidade que remeteu à voz da nossa primeira diva pop, Carmen Miranda!
8. O Mundo é um Moinho – Cazuza Original: Cartola Mais um caso em que o arranjo original não foi quase nada modificado, mas a interpretação que faz toda a diferença. Cartola lamentava com propriedade e dignidade, cantando para sua filha pequena que viver não é bolinho. Cazuza canta para si mesmo, já com a confirmação que tinha AIDS. A versão de Cazuza foi gravada para um disco tributo a Cartola. Uma homenagem de Agenor para Angenor.
9. Proibida Pra Mim – Zeca Baleiro Original: Charlie Brown Jr. Lembra daquela música que a garota diz pro cara tirar a bermuda, porque queria um cara sério, e que solos de guitarra não iriam conquistá-la? Então, o pessoal do Charlie Brown Jr. não ouviu, mas o Zeca Baleiro fez isso por eles. Trocou o skate pelo violão e fez a música amadurecer uns dez anos, pelo menos.
10. Qualquer Bobagem – Pato Fu Original: Os Mutantes Não é a toa que muita gente dizia que o Pato Fu era os Mutantes dos anos 90. Uma banda inventiva, sem medo de experimentar e misturar o rock com tudo quanto é tipo de estilo, além de ter uma garota mega carismática cantando ao lado de dois marmanjos que eram ótimos músicos. E a referência estava lá, realmente! Essa versão revitalizou a canção, e rendeu um videoclipe divertidíssimo!
Menções Honrosas (ou Quase Entraram, Mas o Espaço Acabou)
Aluga-se – Titãs
Quase Sem Querer – Maria Gadú
Ciranda da Bailarina – Penélope
Chove Chuva – Biquini Cavadão
A Hora e a Vez do Cabelo Nascer – Sepultura
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Criar qualquer coisa partindo do zero é uma das coisas mais difíceis e raras desse mundão velho sem porteira! Todo mundo sempre parte de uma referência, uma inspiração. Assim acontece também com quem faz um cover de uma música que já existe. O intérprete imprime a sua personalidade, e, muitas vezes acaba acontecendo de ser mais reconhecido pela música do que seu compositor ou intérprete original, como aconteceu com o Jimi Hendrix, a Elis Regina e tantos outros. Da mesma maneira, a Strip Me se inspira em obras icônicas da cultura pop para criar camisetas maravilhosas, originais e cheias de personalidade! São camisetas de cinema, música, arte, cultura pop e muito mais. no nosso site você confere todas as coleções e fica por dentro de todos os lançamentos! Vai lá conferir!
Vai fundo!
Para ouvir: Já que o top 10 foi em dose dupla, a playlist também vai ser. Aqui você tem os links para as playlists do top 10 gringo e o top 10 BR apresentados neste texto! Aproveite!
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| Por Paulo Argollo | Comentários desativados em Como Fazer Festa Junina em Casa: O Guia Criativo da Strip Me
Ideias criativas, comidinhas afetivas e uma dose generosa de brasilidade pra você montar um arraiá autêntico, divertido e do seu jeito, sem sair de casa. A Strip Me apresenta um manual prático para reunir a galera em casa para uma festa junina inesquecível.
Festa junina é coisa muito boa! O som da quadrilha na praça, as barracas de pesca e argola, o cheiro de milho e quentão no ar. É realmente tudo muito divertido. Mas tem seus percalços, né? Criançada correndo e soltando bombinha, fila pra comprar canjica, aquele DJ sem noção tocando sertanejo universitário misturado com funk e vários sons nada a ver com rolê. Todavia, existe um mundo ideal para quem ama festa junina, mas não quer confusão, perrengue e nem aglomeração.
Fazer uma festa junina em casa é totalmente possível e, melhor ainda, pode ficar com a sua cara, seu gosto e seu estilo. Com criatividade, bom humor e muita brasilidade, você transforma sala, quintal ou varanda em um verdadeiro arraial caipira estiloso. E é disso que trata este manual. Um guia prático pra montar um arraiá personalizado e cheio de charme, que mistura tradição com liberdade. A Strip Me entrega aqui todas as dicas pra você transformar esse sonho em realidade.
Decoração — Como montar um boteco caipira no seu lar
Vamos ser honestos: parte do encanto da festa junina está no visual. Claro, se você mora num apartamento, não vai fazer uma fogueira no meio da sala. Mas dá sim pra criar um ambiente acolhedor, divertido e com aquele ar de festa do interior gastando pouco, e botando a mão na massa, claro.
Pense como um cenógrafo de boteco rural com senso estético pop. Papel pardo, jornal antigo, retalhos coloridos ou tecidos florais viram bandeirinhas com muito mais personalidade do que qualquer kit de loja de festas. Pisca-pisca de Natal ressurge como luz ambiente, enfiado em garrafas de vidro, enrolado em caibros de madeira, criando um climinha meio interior, meio Instagramável.
Montar uma barraca de bebidas estilo balcão de boteco pode ser uma Ideia boa pra centralizar tudo. Pode ser uma mesinha com plaquinhas escritas à mão: “quentão aqui”, “cura tudo”, “pra esquentar o coração”. Enfeite com baldinhos de zinco, canequinhas de alumínio, garrafas reaproveitadas e toalha xadrez. Se tiver chapéu de palha sobrando, ele vira centro de mesa com amendoins dentro. As possibilidades são vastas.
Toques finais que fazem diferença:
Engradados de madeira empilhados com plaquinhas como “Só entra descalço”, “Cuidado com o boto” ou “Favor dançar agarradinho”.
Painel de fotos antigas (se tiver da família, melhor ainda) com moldura feita de juta ou palha.
Um varal com camisas xadrez antigas penduradas, dando pinta de quintal de casa de sítio.
No fim das contas, o que vale é a vibe. A estética caipira tem força, tem afeto e tem humor — tudo que uma festa boa precisa.
Comes e bebes — Cardápio junino com opção pra todo mundo
Se tem algo que une qualquer festa junina é o cheirinho das comidas. Milho, coco, amendoim, canela… tudo isso perfuma o ambiente e faz a gente lembrar da infância, da casa da vó, do interior, mesmo que a gente tenha crescido em apartamento. Só que aqui, no seu arraiá caseiro, dá pra manter o sabor das tradições com um toque de criatividade, acolhendo também quem é vegano, vegetariano ou tem alguma restrição.
A base da comida junina por si só já é democrática. Muitas receitas são naturalmente sem carne — e outras podem ser adaptadas sem perder o charme. Aqui vão algumas ideias pra montar um cardápio afetivo e inclusivo:
Salgadinhos do bem (e do bão!)
Caldo verde com couve e batata-doce (versão vegana com tofu defumado ou linguiça vegetal).
Cuscuz de milho com legumes grelhados.
Espetinho caipira vegano com tofu temperado, pimentão, cebola e tomate cereja.
Pipoca salgada com páprica defumada, orégano e flor de sal.
Docinhos da roça com twist
Canjica de leite de coco e especiarias.
Pé de moleque com rapadura e castanha-do-pará.
Bolo de milho com goiabada (versão vegana com leite vegetal e substituto de ovo).
Paçoca caseira de amendoim com aveia e flor de sal.
E pra beber?
Quentão com vinho ou cachaça — e também a versão sem álcool.
Look junino com personalidade — Estilo caipira sem virar fantasia
A festa é junina, mas o visual não precisa ser figurino de quadrilha escolar. Nada contra o dente pintado e o remendo de feltro (tem seu valor!), mas aqui a ideia é trazer a vibe caipira pro seu estilo real: confortável, moderno e com muita brasilidade.
O segredo é misturar referências. Dá pra brincar com o xadrez, o jeans, o couro fake e até a palha — mas com equilíbrio, sem parecer personagem.
Escolha peças que você realmente usaria em outro momento. O estilo junino não precisa estar preso a uma data ou festa específica. Ele pode ser uma homenagem a estética brasileira, reinventado com criatividade e liberdade. E a Strip Me é especialista nisso, peças incríveis para todos os rolês.
Música e brincadeiras — Diversão sob medida pro seu arraiá particular
Toda boa festa tem trilha sonora. E toda festa junina tem a chance de ser também um festival de pé de serra, xote, baião, forró, e até umas misturas mais ousadas. Aqui, o som é você quem escolhe — e não precisa se prender ao repertório tradicional. O que importa é botar a galera pra bater o pé no chão.
Rock rural: Alceu Valença, Zé Ramalho, Geraldo Azevedo, Sílvio Brito.
Dica esperta: transforme a playlist em colaborativa no Spotify. Ao final do texto, como sempre, temos aquela nossa playlist temática no capricho pra você se inspirar.
Brincadeiras com alma
Correio elegante: bilhetes poéticos, flertes leves, recados de amizade.
Estação de selfies com adereços DIY.
Desafio do forró improvisado.
E um lembrete importante! Nada de fogos de artifício com barulho, hein? O estampido é um sofrimento real pra cães, gatos e outros animais. A gente aqui quase gosta mais de bicho do que de gente (quase…), então deixa essa pira de fogos pra lá e faz barulho só com sanfona, risada e copo batendo na mesa.
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A festa junina feita em casa é um convite à reinvenção: da comida ao look, da decoração ao som. É sobre reunir gente querida, ouvir causos, rir alto, experimentar novos sabores, brincar com a tradição sem medo de dar o seu toque pessoal. E é também sobre valorizar o que o Brasil tem de mais bonito: sua diversidade, sua criatividade e sua capacidade infinita de transformar o simples em extraordinário. Não importa se é na sala, no quintal ou na laje. O que importa é fazer barulho, diversão e arte!
| Por Paulo Argollo | Comentários desativados em Guia Strip Me: Os melhores festivais e shows no Brasil em 2025.
Entre março e novembro de 2025, o Brasil será palco de uma série de shows e festivais de música imperdíveis. A Strip Me traz pra você os principais eventos que vão agitar o país nesse período.
Acabou o Carnaval! Agora o ano começa pra valer no Brasil. E este vai ser um ano daqueles! De uns tempos pra cá, o Brasil tem se consolidado como um dos principais destinos para grandes eventos musicais no mundo. O país atrai tanto artistas internacionais de peso quanto valoriza sua rica cena musical local, promovendo festivais que misturam ritmos, culturas e experiências únicas. De São Paulo ao Rio de Janeiro, de Curitiba a Brasília, o calendário de festivais e shows de 2025 promete ser um dos mais intensos e diversificados dos últimos tempos, celebrando tanto a potência da música brasileira quanto a grandiosidade de performances internacionais.
A Strip Me, que não deixa passar nenhum festivalzinho que seja, te dá a letra dos melhores shows que vão rolar nesse ano. Então já prepara a agenda do celular aí, pra marcar as datas.
Março
Lollapalooza O festival mais hypado de todos os tempos está de volta neste ano, mais uma vez nos aprazíveis morrinhos do Autódromo de Interlagos. O lineup de 2025 vem forte com nomes como Olivia Rodrigo, Shawn Mendes, Alanis Morissette, Justin Timberlake, Foster the People e Zedd. 28, 29 e 30 de março no Autódromo de Interlagos – São Paulo
Alanis Morissette Além de ser uma das principais headliners do Lollapalooza, a musa dos anos 90, Alanis Morissette, também se apresenta na capital paranaense. A canadense vai despejar seus hits na Pedreira Paulo Leminski. 30 de março na Pedreira Paulo Leminski – Curitiba
Abril
Stray Kids Quem está ali na faixa dos 40 anos, certamente preferia que fossem os Stray Cats. Mas terão que se contentar em levar seus filhos para assistir este que é um dos maiores nome do K-Pop. 1 de abril no Estádio Nilton Santos – Rio de Janeiro 5 e 6 de abril no Estádio MorumBis – São Paulo
Monsters of Rock Por falar em gente já com certa idade, o festival Monsters of Rock celebra em 2025 os 30 anos de sua primeira edição no Brasil. E quem vai animar a festa são feras do metal como Scorpions, Judas Priest, Europe e Queensrÿche. 19 de abril no Allianz Parque – São Paulo
Maio
Lady Gaga Depois de Madonna causar frenesi nas areias de Copacabana, este ano é a vez de Lady Gaga subir no palco e sacudir a baía de Guanabara, trazendo a tour de seu disco mais recente, Mayhem. E o melhor: O show é de graça! Só fica esperto com esse seu celular! Attenzione pickpocket! 3 de maio na praia de Copacabana – Rio de Janeiro
System of a Down Serj Tankian e sua turma barulhenta voltam ao Brasil para shows super aguardados! A banda esteve no Brasil pela última vez em 2015. 6 de maio no Estádio Major Antônio Couto Pereira – Curitiba 8 de maio no Estádio Nilton Santos – Rio de Janeiro 10 e 11 de maio no Allianz Parque – São Paulo 14 de maio no Autódromo de Interlagos – São Paulo
Porão do Rock O Porão do Rock se estabeleceu já faz um tempo como um dos festivais de rock mais autênticos e com uma curadoria invejável. Neste ano o festival traz a excelente banda Stone Temple Pilots, além de contar com Sepultura, Black Pantera, Dead Fish, BaianaSystem e muito mais. 23 e 24 de maio no estacionamento da Arena BRB – Brasília
C6 Fest O C6 Fest chega a sua terceira edição com 4 dias de festival e muitas atrações interessantes e diversificadas. Neste ano, tem como principais nomes Pretenders, Wilco, Air, Nile Rodgers & Chic e Seu Jorge. Aliás, a banda de Chrissie Hynde chega no Brasil dias antes do festival para se apresentar em Porto Alegre dia 18, Curitiba dia 20 e Brasília dia 22. 22, 23, 24 e 25 de maio no Parque Ibirapuera – São Paulo
Popload O festival mais celebrado da música alternativa não poderia ficar de fora. O Popload esse ano vem cremoso com atrações como Norah Jones, St. Vincent, Laufey, Terno Rei & Samuel Rosa e muito mais. 31 de maio no Parque Ibirapuera – São Paulo
Junho
Best of Blues & Rock Na atividade desde 2013, o festival Best of Blues & Rock sempre traz grandes atrações, misturando diferentes estilos e gerações. Neste ano apresentam Dave Mathews Band, Alice Cooper, Deep Purple, Richard Ashcroft, além dos brasileiros Cachorro Grande, Barão Vermelho e muito mais. 7, 8, 14 e 15 de junho no Parque Ibirapuera – São Paulo
João Rock O maior festival de músicabrasileira do país promete mais uma edição de grandes shows e infra estrutura caprichada, pro rolê ser uma experiência muito além da música. Mas, claro, o foco são os shows. Os destaques entre as atrações de 2025 são Planet Hemp, BaianaSystem, Natiruts, Sandra Sá, Toni Tornado & A Banda do Síndico, Seu Jorge e muito mais. 14 de junho no Parque Permanente de Exposições – Ribeirão Preto
Julho
James Blunt Haja visto que julho é alta temporada de shows no hemisfério norte (a.k.a. verão) o mês de julho é pouco movimentado por aqui. Mas no zero a zero a gente não fica. O britânico James Blunt se apresenta por aqui com hits como You’re Beautiful e Same Mistake e vem celebrar os 20 anos do lançamento de seu primeiro disco, Back to Bedlam. Dia 8 de julho no Terra SP – São Paulo
Agosto
Kylie Minogue A maior diva pop da Austrália acumula hits mundo afora, e vem para o Brasil para um único e aguardado show. 15 de agosto no Auditório Ibirapuera – São Paulo
I Wanna Be Tour O festival com foco no punk e emo teve sua primeira edição ano passado e foi um sucesso. Em 2025 eles voltam com grandes atrações como Fall Out Boy, Good Charlotte, Forfun, Dead Fish e Fresno. 23 de agosto no Estádio Couto Pereira – Curitiba 30 de agosto no Allianz Parque – São Paulo
Setembro
Coala O festival mais querido da músicanacional tem como headliners em 2025 Liniker e Caetano Veloso, além de outras atrações ainda a serem reveladas. Apesar desse suspense envolvendo o lineup, o festival está confirmadíssimo. 5, 6 e 7 de setembro no Memorial da América latina – São Paulo
The Town O The Town iniciou suas atividades aqui no Brasil em 2023, e em suas duas edições, trouxe lineups invejáveis! 2025 não será diferente. Green Day, Sex Pistols e Iggy Pop encabeçam a vertente punk do evento, que vai contar também com Mariah Carey, Kate Perry e Camila Cabello. 6, 7, 12, 13 e 14 de setembro no Autódromo de Interlagos – São Paulo 17 de setembro no Rio Guamá – Belém 20 de setembro no Estádio do Mangueirão – Belém
Outubro
Steven Wilson Um dos maiores nomes do rock progressivo, Steven Wilson já passou pelas bandas Yes, King Crimson, Jethro Tull, Marillion e XTC. Seu show inclui sucessos de todas essas bandas, além de material solo do multi instrumentista. Para quem se liga nessa vertente de som, é imperdível. 17 de outubro no Tokyo Marine Hall – São Paulo
Tomorrowland A edição tupiniquim deste ano do maior festival de música eletrônica do mundo vai ser um arraso e contará com vários nomes brasileiros no lineup. As atrações ainda não foram confirmadas para a edição brasileira, mas normalmente, quem toca na edição belga, que rola em julho, acaba tocando também na edição brasileira. Alguns dos nomes confirmados para o festival na Bélgica são Acid Asian, Alok, ANNA, Antdot, Bhaskar, Blazy, Cat Dealers, Curol, Dubdogz, FTampa, Vegas, Vintage Culture, Webra e outros. 10, 11 e 12 de outubro no Parque Maeda – Itu
Novembro
Oasis Depois de uma venda disputadíssima e muito rápida de ingressos no ano passado, o Oasis volta ao Brasil para dois shows aguardadíssimos. Enquanto tem gente fazendo bolão para adivinhar a data em que os irmãos Gallagher vão brigar e cancelar a turnê no meio, os sortudos que estão com ingresso comprado aguardam novembro ansiosamente. 22 e 23 de novembro no Estádio Morumbis – São Paulo
Rock the Mountain Rock the Mountain é aquele festival que transborda bicho grilagem, e justamente por isso, é uma delícia! Natureza, rangos vegetarianos, artesanato, tirolesa e muita música. Neste ano o festival tem como atração gringa a britânica Jorja Smith, mas conta ainda com Liniker, BaianaSystem, Chet Faker, Gloria Groove e Ney Matogrosso. 31 de outubro, 1, 2, 7, 8 e 9 de novembro no parque Municipal de Petrópolis – Petrópolis
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Então é isso. Realmente estamos bem servidos de shows e festivais em 2025. De K-Pop a heavy metal, tem de um tudo esse ano! Pra nós isso é ótimo! A diversidade de festivais não só movimenta a economia e o turismo, mas também fortalece o intercâmbio cultural entre público e artistas. É tanto rolê bom, que ainda bem que você tem a Strip Me pra deixar no estilo com todo o conforto do mundo! Além da descoladíssima Coleção Festival, fosse encontra camisetas de música, cultura pop, brasilidades, bebidas e muito mais! Chega lá no nosso site pra conferir, assim você também fica por dentro de todos os nossos lançamentos, que pintam toda semana.
| Por Paulo Argollo | Comentários desativados em Cultura pop sem fronteiras: Os 10 artistas latinos mais influentes nos Estados Unidos.
A cultura pop norte americana indiscutivelmente influencia boa parte do mundo. Mas ela está longe de ser unicamente estadunidense. A Strip Me elencou 10 artistas latinos que deixaram sua marca e um colorido a mais na cultura pop dos EUA.
José Carlos de Brito e Cunha, mais conhecido simplesmente como J. Carlos, foi um dos maiores desenhista do Brasil no início do século XX. Chargista implacável, fez caricaturas históricas de boa parte dos presidentes da República Velha. Em 1941 Walt Disney fez uma viagem pela América do Sul, e em sua passagem pelo Brasil se encantou com as paisagens do Rio de Janeiro, com o samba e com os desenhos magníficos de J. Carlos. Disney fez questão de conhecer J. Carlos, e logo os dois se tornaram amigos. Antes de voltar para os Estados Unidos, Disney convidou J. Carlos a se mudar para Los Angeles e trabalhar nos estúdios Disney. O brasileiro recusou o convite, e presenteou o amigo estadunidense com um desenho de um papagaio abraçado ao Pato Donald. Em agosto de 1942 era lançada mundialmente a animação Saludos, Amigos!, uma produção dos estúdios Disney apresentando um novo personagem, que apresentava as belezas do Rio de Janeiro a um atônito Pato Donald ao som de Aquarela do Brasil. Era Zé Carioca, um papagaio que, reza a lenda, é igual ao desenho feito por J. Carlos. É o que diz a lenda, porque tal desenho do cartunista brasileiro nunca mais foi visto, e Walt Disney nunca sequer o mencionou como “inspiração” para criar o Zé Carioca, que se tornaria um dos personagens mais populares da Disney no final da primeira metade do século XX.
Histórias como essa são mais comuns do que se imagina. A cultura pop que consumimos vem essencialmente dos Estados Unidos. Mas ela é encharcada de influências, referências e, muitas vezes, feita por artistas estrangeiros, especialmente da América Latina. Para ficarmos na seara da animação, basta dizer que um dos filmes mais vistos em 2011 foi a animação Rio, criação do brasileiro Carlos Saldanha, arrecadou de bilheteria quase 500 milhões de dólares no mundo todo, sendo que só nos Estados Unidos, a arrecadação foi de 143.6 milhões de dólares. Ou seja, a cultura pop não só é feita a partir de elementos de diferentes nacionalidades, como o próprio público norte americano consome esse conteúdo com fervor. Para celebrar esse mundo sem fronteiras e que abraça culturas de diferentes nacionalidade, a Strip Me apresenta os 10 artistas latinos que exerceram (e ainda exercem) grande influência na cultura pop dos Estados Unidos.
Ritchie Valens
A passagem de Ritchie Valens por este mundo foi breve. Mais breve ainda foi sua carreira musical. Entretanto, seu nome é lembrado até hoje e sua obra ajudou a moldar a música pop e o rock n’ roll como os conhecemos. Ele nasceu na California. Seus pais eram mexicanos, o que fez com que ele assimilasse muito a cultura do México, mas também consumia o que era feito nos Estados Unidos. O cinema e o bebop, e posteriormente o rock, fizeram com que ele se dedicasse ainda muito jovem a aprender a tocar guitarra. Aos 16 anos de idade, formou sua primeira banda, cuja formação era o puro suco da América: a banda chamada Satellites era formada por dois negros, um americano de ascendência mexicana e um de origem japonesa. Meses depois, influenciado por um grande empresário que investiu nele, Ritchie Valens se tornou artista solo e decolou com o sucesso Come On Let’s Go. Em 1958 emplacou a balada Donna. Consolidado como hitmaker, insistiu em gravar uma versão de uma música tradicional mexicana, cantando em espanhol mesmo. La Bamba foi seu maior sucesso, mudou um pouco a cara do rock, até então meio engessado no mesmo formato. Ritchie Valens estava a bordo do avião, que também levava Buddy Holly The Big Bopper, e se acidentou no estado de Iowa, no dia 3 de fevereiro de 1959. Evento que ficou conhecido como “o dia em que a música morreu”.
Cheech Marin
Outro californiano filho de mexicanos, Cheech Marin, ao lado de Tommy Chong, literalmente abriu um novo caminho na cultura pop, dando protagonismo a dois maconheiros convictos, sendo um deles um imigrante mexicano (o personagem de Cheech Marin). A dupla Cheech & Chong foi um sucesso arrebatador, dando início a um novo gênero de comédia, com uma pegada mais alternativa e rock n’ roll que influenciaria artistas da música, como Willie Nelson, da comédia, como George Carlin e do cinema ao inspirar, por exemplo, os irmãos Coen a desenvolver o personagem Jeffrey “The Dude” Lebowski. A duple Cheech & Chong protagonizou mais de 10 filmes, e Cheech Marin se tornou um dos atores mais requisitados de Hollywood, atuando em filmes e em séries de TV aos montes. Claro que na dublagem brasileira, mas a célebre frase que abre a música Queimando Tudo, clássico da banda Planet Hemp, é ninguém menos que Cheech Marin, displicente dizendo “Ah, desde que eu nasci que eu fumo!”
Tom Jobim
O nosso maestro maior não poderia estar de fora desta lista. Afinal, a bossa nova foi reverenciada no mundo todo, porém, nos Estados Unidos a coisa foi além. Literalmente a bossa nova foi incorporada a um dos gêneros mais originais dos Estados Unidos, o jazz. Tanto é que o saxofonista Stan Getz gravou mais de um disco dedicados somente ao gênero brasileiro, até mesmo Quincy Jones foi influenciado pelo nosso som, dedicando também um disco inteiro a bossa nova, que inclui a clássica Soul Bossa Nova. Claro, a bossa nova foi um movimento articulado por vários músicos, em especial João Gilberto, Tom Jobim, Vinícius de Moraes e etc. Mas foi Tom Jobim quem chegou mais longe fora do Brasil, gravando um disco com Frank Sinatra e levando Garota de Ipanema a ser uma das músicas mais regravadas do mundo. Constatar ainda hoje essa influência imensa de Tom Jobim é fácil. Basta notar que em muitos, mas muitos mesmo, filmes de Hollywood, virou e mexeu tem uma bossinha rolando na trilha sonora.
Walter Salles
Mais um brasileiro nessa lista. No cinema, em especial no cinema cult, Walter Salles é visto como um grande cineasta. Aqui no Brasil encabeçou o movimento Cinema de Retomada, que rolou ali em meados dos anos 90 e fez o cinema brasileiro voltar a ser profissional e relevante. A indicação de Central do Brasil ao Oscar de melhor filme estrangeiro abriu as portas do cinema norte americano para Salles. De cara ele emplacou o excelente Diário de Motocicleta, até conseguir chegar onde muitos cineastas, incluindo nomes como Francis Ford Coppola, sonharam, mas não conseguiram realizar: adaptar para o cinema o emblemático livro On The Road, a bíblia beat de Jack Kerouac. O estilo de filmagem de Walter Salles, que consegue um equilíbrio encantador entre o o cinema underground e o pop, chama cada vez mais a atenção e certamente já influencia diretores mais novos, como os talentosos Ari Aster e Sam Levinson. Sobre Ainda Estou Aqui, falaremos depois que ganharmos o Oscar.
Carlos Santana
Santana ganhou um certo ar de bruxo da guitarra. Certamente isso se deve ao elevado grau de espiritualidade e mística que seu som emana. E esse som só foi possível por Santana se ligar que não dá pra ter fronteiras na música. Ainda pouco conhecido e com apenas um disco lançado naquele mesmo ano, Santana foi um dos maiores destaques do festival de Woodstock, em 1969. A percussão hipnótica e os solos psicodélicos de Soul Sacrifice arrebataram a multidão durante uma das tardes do evento. Carlos Santana nasceu em 1947, no México. Ele começou sua jornada musical sob forte influência do pai, um violonista mariachi. Porém, ao se mudar para os Estados Unidos na adolescência, ele mergulhou no blues e no rock, absorvendo influências de B.B. King, John Lee Hooker e Gábor Szabó. Nos anos 70, álbuns como Abraxas e Santana III consolidaram seu estilo e trouxeram hits como Black Magic Woman e Oye Como Va, uma releitura de Tito Puente, que mostraram como o rock pode abraçar o ritmo latino sem perder a potência. Enquanto o rock progressivo e o hard rock dominavam as paradas, Santana provava que havia espaço para um som mais espiritual, dançante e multicultural.
Alejandro G. Iñárritu
Nascido na Cidade do México, em 1963, Iñárritu começou sua carreira no rádio e na publicidade antes de enveredar pelo mundo do cinema. Sua estreia como diretor veio com Amores Brutos, um drama cru e visceral que entrelaça diferentes histórias. O filme foi um sucesso estrondoso, conquistando prêmios internacionais e colocando o nome de Iñárritu no radar de Hollywood. Assim, em seguida, com 21 Gramas e Babel, completou sua chamada “Trilogia da Dor” e deu uma nova cara para o cinema. Iñárritu não apenas levou uma estética inovadora para Hollywood, mas também desafiou a indústria a pensar de maneira diferente. Seus filmes lidam com temas universais como identidade, imigração, alienação e sobrevivência, tornando-se essenciais para o cinema contemporâneo. Além disso, ele foi um dos expoentes da chamada “Onda Mexicana” em Hollywood, ao lado de Alfonso Cuarón e Guillermo del Toro, provando que o cinema norte americano está longe de ser uma arte exclusivamente anglo-saxã.
Jennifer Lopez
J.Lo é filha de porto-riquenhos, cresceu no Bronx, New York, ouvindo salsa, pop e R&B, influências que mais tarde definiram seu estilo musical. Essa receita se mostrou certeira. Seu disco de estreia, On the 6, de 1999, foi um sucesso imenso, ajudando, inclusive, a catapultar a carreira da cantora também como atriz em Hollywood. Jenniffer Lopez tem uma carreira musical e como atriz repleta de grandes sucessos, mas sua importância para a cultua pop vai muito além disso. J.Lo quebrou barreiras para os latinos na indústria do entretenimento. Antes dela, era raro ver uma artista de origem latina dominar as paradas pop e o cinema ao mesmo tempo. Sua ascensão abriu portas para estrelas como Shakira, Bad Bunny e Rosalía. Ela também redefiniu padrões de beleza e representatividade. Seu corpo curvilíneo desafiou os padrões eurocêntricos de Hollywood e ajudou a mudar a forma como a mídia via a diversidade de corpos femininos. Enfim, uma diva pop pra ninguém botar defeito!
Sofía Vergara
Sofía Vergara é colombiana e começou sua carreira como apresentadora de TV e modelo. Após chamar a atenção de alguns produtores norte americanos, ela abraçou sua grande chance em 2009, quando foi escalada para viver Gloria Pritchett em ModernFamily, uma das sitcoms mais bem-sucedidas da história da TV americana. Com seu timing cômico impecável e sua representação autêntica de uma mulher latina forte e engraçada, Sofía rapidamente se tornou uma das personagens mais queridas da série. Sofía Vergara desafiou estereótipos e, ao mesmo tempo, trouxe visibilidade para as mulheres latinas na TV americana. Antes dela, os papéis destinados a atrizes latinas muitas vezes se resumiam a personagens secundárias e estereotipadas. Seu sotaque carregado, que poderia ter sido um obstáculo, virou uma marca registrada e um símbolo de orgulho latino. Em vez de tentar esconder suas origens, Vergara usou sua autenticidade como uma vantagem. Fora das telas, Sofía construiu um império empresarial, com linhas de roupas, perfumes e produtos de beleza, tornando-se uma das mulheres latinas mais influentes dos negócios nos Estados Unidos.
Shakira
Shakira Isabel Mebarak Ripoll nasceu na Colômbia em 1977, descendente de famílias libanesa e colombiana. É uma das poucas cantoras de música pop que compõe seu próprio material. E ela começou a compor desde cedo, já impregnada de influências culturais multiétnicas de sua família, misturando isso ao rock, ao pop e R&B. Nos anos 90, ela conquistou o mercado latino com álbuns como Pies Descalzos e Dónde Están los Ladrones?, que trouxeram hits como Estoy Aquí e Ojos Así. Sua autenticidade e versatilidade já eram evidentes, mas foi no início dos anos 2000 que ela deu um salto rumo ao estrelato global. Shakira fez uma transição inteligente para o mercado norte-americano ao lançar Laundry Service, seu primeiro álbum em inglês, em 2001. Daí em diante, ela não parou de crescer. Sua apresentação no Super Bowl 2020, ao lado de Jennifer Lopez, foi um marco na representatividade latina, reafirmando a influência da cultura hispânica nos Estados Unidos. No fim, Shakira não apenas levou a música latina para o topo das paradas norte americanas, ela ajudou a redefinir o que significa ser uma estrela pop global.
Guillermo del Toro
Guillermo del Toro cresceu no México dos anos 70 fascinado por histórias de terror, literatura gótica e monstros clássicos. Essa paixão foi nutrida desde cedo por cineastas como Alfred Hitchcock e o herói mexicano El Santo, além da estética sombria das histórias de H.P. Lovecraft. Ele começou jovem no cinema como maquiador de efeitos especiais, o que lhe deu uma visão detalhada sobre o design de diferentes criaturas, o que lhe seria muito útil no futuro. Mesmo sendo um cineasta de nicho, del Toro conseguiu algo raro: ser respeitado tanto pela crítica quanto pelo público. Seu talento para equilibrar terror, emoção e beleza visual fica evidente em Círculo de Fogo, por exemplo, um blockbuster que homenageia os filmes de monstros japoneses. No entanto, sua consagração veio com A Forma da Água, uma história de amor entre uma mulher muda e uma criatura aquática. O filme rendeu a del Toro o Oscar de Melhor Diretor e Melhor Filme, tornando-o um dos poucos latinos a conquistar essa honraria. Guillermo del Toro não apenas trouxe novas perspectivas para Hollywood, mas também quebrou barreiras para cineastas latinos. Seu trabalho celebra os monstros como metáforas para a humanidade e transforma o horror em poesia.
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Se tem uma coisa que a cultura pop dos Estados Unidos nunca conseguiu evitar foi a influência latina. Ainda bem! Apesar do discursinho vazio imperialista que pinta os Estados Unidos como uma ilha cultural autossuficiente, a verdade é que o país sempre dançou, cantou e vibrou ao som de diversos ritmos. Da música ao cinema, da televisão à literatura, a cultura norte americana seria infinitamente mais pobre sem esse tempero. Ainda bem também que a Strip Me respira e se inspira com essa latinidade, com a nossa brasilidade e com a convergência de culturas, de onde quer que elas venham! Nossas camisetas de cinema, música, cultura pop, arte e muito mais, reforçam, com muito estilo e originalidade, que não tem muro ou fronteira que a arte não consiga transpor.
Vai fundo!
Para ouvir: Uma playlist caprichada com o que de melhor os artistas da música citados neste texto produziram. Sem Fronteiras Top 10 tracks.
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| Por Paulo Argollo | Comentários desativados em Nostalgia STM: 8 Festivais que marcaram época e não existem mais.
O Brasil tem um histórico notável de festivais de música, todos com momentos inesquecíveis. A Strip Me mostra hoje que nem só de Rock in Rio e Lollapalooza vive o brasileiro.
Juntar vários artistas num mesmo palco não é um negócio novo. Muito antes da contra cultura hippie, Woodstock e etc, já rolavam as caravanas de artistas, que viajavam de cidade em cidade tocando em feiras agropecuárias e quermesses de igrejas. Isso tanto na gringa como aqui no Brasil. Vamos lembrar que nos anos 50, umas dessas caravanas no sul dos Estados Unidos carregava Johnny Cash, Jerry Lee Lewis e Elvis Presley. Mas, sim, o conceito de festival de música como a gente conhece hoje, nasceu ali nos anos 60. Já falamos sobre isso aqui no blog, num texto bem legal sobre o Woodstock, que você pode ler aqui. No Brasil não foi diferente. Do mesmo jeito que rolavam as caravanas, que reuniam Inezita Barroso, Chitãozinho e Xororó e outros artistas, também nos anos 60 os hippies tupiniquins organizaram um mega festival, o nosso Woodstock, a ser realizado no Parque do Ibirapuera, em São Paulo. Batizado de Festival da Primavera, e carinhosamente apelidado de Ibirastock, o rolê estava marcado para os dias 15 e 16 de novembro de 1969. Porém, os militares fizeram com que o festival fosse cancelado dias antes. O que sobrou, e foi amplamente reproduzido, se tornando item de decoração, foi o cartaz psicodélico criado pelo artista Antonio Peticov.
Mas a história do Brasil com festivais de música vai muito além da ditadura militar. Antes do Ibirastock, os festivais realizados pelos canais de televisão já geravam um fuzuê danado tendo cenas antológicas como Gilberto Gil e Os Mutantes tocando Domingo no Parque, o bossanovista Sérgio Ricardo full pistola espatifando seu violão, Caetano Veloso cantando É Proibido Proibir e fazendo um discurso indignado contra o público, gritando “Vocês não entendem nada! Nada!”… enfim, isso tudo, é claro, até 1968, quando o AI 5 foi decretado e a censura se instaurou de vez, culminando no cancelamento dp Ibirastock. Porém, dali em diante, a contra cultura, músicas de protesto e a cultura pop em geral faziam com que artistas e bandas seguissem produzindo e nunca faltou quem quisesse fazer um festivalzinho aqui e ali. Até que, em 1975, finalmente rolou o Festival de Águas Claras, e o Brasil nunca mais ficou sem ter um festival de música rolando. Hoje a Strip Me relembra os festivais mais importantes que rolaram por aqui, mas que não existem mais.
Festival de Águas Claras
Os hippies brasileiros finalmente conseguiram ter seu Woodstock em 1975, graças aos esforços de um estudante de engenharia e amante da música, que resolveu realizar um festival na fazenda de sua família, na pequena cidade de Iacanga, no interior de São Paulo. Entre o cancelamento do Ibirastock em 1969 e o Festival de Águas Claras, outros festivais até rolaram, mas com pouca expressão e muita repressão. O jovem organizador do Festival de Águas Claras, era bem articulado e tinha boas conexões. Usou isso em seu favor e conseguiu autorizações do DOPS e outros orgãos de censura para realizar o festival. A primeira edição, em 1975, contou com várias bandas de rock como O Som Nosso de Cada Dia, Os Mutantes, O Terço e outros. A segunda edição foi a mais bem sucedida, aconteceu em 1981, quando já havia começado a abertura política da ditadura. Contou com um line up mais variado e estrelado, com nomes como João Gilberto, Gilberto Gil, Alceu Valença, Raul Seixas, Luiz Gonzaga e muitos outros. O festival ainda contou com duas outras edições, em 1983 e 1984, mas sem a mesma qualidade. A crise econômica e um certo amadorismo que, no início dava certo charme ao festival, acabaram atrapalhando. No ano seguinte veio o Rock in Rio e elevou o nível de maneira tão radical, que desanimou os organizadores a produzir novas edições.
M2000 Summer Concerts
O que se pode dizer, logo de cara, sobre o festival M2000 Summer Concerts, é que foi um baita evento ousado. Organizado pela então muito popular marca de tênis M2000, foi um festival emblemático porque levou essa estrutura de grandes festivais para o litoral, para cidades que, com exceção do Rio de Janeiro, não estavam habituadas a receber eventos daquele tamanho. Além do mais, os shows foram de graça, na areia da praia. E, para completar, os shows rolaram entre janeiro e fevereiro de 1994, época em que rolava em São Paulo e no Rio o legendário Hollywood Rock. O M2000 Summer Concerts rolou em 4 cidades do litoral: Santos, Rio de Janeiro, Florianópolis e Capão da Canoa, no Rio Grande do Sul. O festival contou com nomes internacionais de peso como Three Walls Down, Chaka Demus, Shabba Ranks, Fito Paez, Helmet, Rollins Band, Lemonheads e Mr. Big. O M2000 Summer Concerts ficou marcado por ser o primeiro festival de grande porte a levar milhares de pessoas para praia para curtir shows de graça. Também tem sua importância por ter sido o primeiro palco grande onde se apresentaram Chico Science & Nação Zumbi e também os Raimundos, que em seguida ganhariam notoriedade nacional.
Claro Q É Rock!
Em 2004 a empresa de telefonia Claro, com a intenção de fortalecer sua marca, resolveu promover um festival de música. A organização acertou a mão ao se concentrar num nicho que era muito pouco levado em conta nos line ups dos principais festivais, o rock e pop alternativo. A grande atração do evento foi a banda Placebo. O festival rolou em São Paulo e teve uma aceitação imensa do público. O que motivou a empresa em investir ainda mais no ano seguinte. A segunda edição do Claro Q É Rock, em 2005, foi realmente memorável com Iggy Pop, Sonic Youth, Flaming Lips, Fantômas, Good Charlotte e Nine Inch Nails. Um line up nunca antes visto, juntando tudo quanto é tipo de gente. O festival rolou na Chácara do Jockey, em São Paulo, no final de novembro, época de muita chuva. Mas o lamaçal não atrapalhou e o que se viu ali foram shows realmente inesquecíveis. Destaque para Mike Patton a frente dos Fantômas destilando bizarrices sonoras, mas também tocando um ou outro clássico do Faith no More, o vocalista dos Flaming Lips dentro de uma bolha rolando acima do público, Iggy Pop incansável fazendo mosh e chamando o público para invadir o palco e o Nine Inch Nails com um show absurdamente pesado e recheado de hits. Infelizmente, o festival parou por aí, mas deixou sua marca na história.
Planeta Terra Festival
Em 2007 o grupo de telecomunicação Terra Network resolveu entrar na onda dos festivais de música para alavancar sua marca entre os jovens. Malandramente, a organização acabou indo na mesma onda do Claro Q É Rock, que causou tanto furor em 2005. Na sua primeira edição, trouxeram nomes como Kasabian, Lily Allen e os mega influentes Devo. A fórmula funcionou muito bem. Tanto que o festival, a cada ano trazia pelo menos um nome desses, que é super importante e influente, mas não necessariamente tão popular. Assim, em 2008, trouxeram os papas do shoegaze The Jesus and Mary Chain, em 2009 Iggy Pop & The Stooges e Sonic Youth, em 2010 Smashing Pumpkins e Pavement, em 2011 The Strokes e Beady Eye, em 2012 Garbage e Kings of Leon e em 2013 Blur e Lana DelRey. Em 2014 a organização do festival anunciou que por conta da Copa do Mundo no Brasil e das eleições presidenciais, o evento não iria acontecer, mas prometeram que voltaria em 2015. O que nunca aconteceu. Ficamos orfãos de um dos festivais mais legais que já passaram por aqui, com line ups sempre surpreendentes.
Skol Beats
Sacando que nem tudo nessa vida é rock e de olho na alta popularidade que a música eletrônica e a cultura DJ tinham na virada do milênio, a cervejaria Skol decidiu realizar um festival de música eletrônica para promover sua marca.. Sua primeira edição aconteceu no ano 2000 e cobriu todos os estilos que estavam bombando na época como Jungle, Drum ‘n’ Bass, Trance, House e o Techno, trazendo nomes de peso como Paul Oakenfold, Armand van Helden, Frankie Knuckles, Bob Sinclar, DJ Rap, Fabio, Optical, Green Velvet, Stacey Pullen,além de nacionais como DJ Marky, Anderson Noise e Mau Mau. O Skol Beats rolou todo ano, de 2000 a 2008, na cidade de São Paulo e, nesse período se consolidou como o maior evento de música eletrônica da América do Sul. O festival nunca parou de crescer em seus 9 anos de existência. Portanto, todo mundo recebeu com surpresa a notícia de que a Skol estava cancelando a realização do festival de 2009 em diante, pois a marca não queria mais se envolver na realização de grandes eventos, mais sim patrocinar shows e eventos menores. Até hoje estamos tentando entender essa lógica e morrendo de saudade do festival Skol Beats.
SWU
O SWU foi um festival sem precedentes no Brasil. Idealizado por um publicitário e realizado por um grupo diverso de pessoas, o SWU Music & Arts Festival uniu a importância de se discutir a sustentabilidade com manifestações artísticas e música. Realizado no interior de São Paulo, o festival contava com uma infra estrutura que condizia com o seu ideal, utilizando geradores de energia movidos a biodiesel, por exemplo. Além de promover palestras e fóruns sobre sustentabilidade, o SWU, sigla para Starts With You, trouxe grandes nomes da música em suas duas edições. Trouxe pela primeira vez ao Brasil Rage Against the Machine, Lynyrd Skynyrd e Stone Temple Pilots, além de grandes nomes como Pixies, Faith No More, Alice in Chains, Dave Matthews Band, Regina Spektor, Joss Stone, Black Eyed Peas, Queens of the Stone Age, Linkin Park, Duran Duran… olha, foram realmente duas edições memoráveis, ocorridas em 2010 e 2011. Não se sabe a razão pela qual o festival deixou de ser realizado. Especula-se que o crescimento e surgimento de cada vez mais festivais no país, ou seja, a concorrência cada vez maior, fez com que os organizadores desistissem do projeto.
Free Jazz Festival/Tim Festival
A empresa de cigarros Souza Cruz se aventurou no negócio de festivais de música modestamente em 1975, dando origem a um dos festivais mais importantes da história do Brasil, o Hollywood Rock, que naquele ano foi idealizado pelo escritor Nelson Motta. A experiência não foi das mais positivas. Até que em 1985, com o sucesso do Rock in Rio a marca resolveu investir nesse ramo mais uma vez. Porém, preferiu se distanciar do rock, até para evitar comparações com o Rock in Rio, e foi criado o Free Jazz Festival. Além de trazer uma das marcas mais populares da empresa, o nome deixava claro que o foco era o jazz, mas havia liberdade para que outros estilos comparecessem. O festival rolou anualmente de 1985 a 2001, sendo que em apenas 1990 o evento não aconteceu por conta da crise econômica causada pelo famigerado Plano Collor. O Free Jazz fez história pelo seu ecletismo e grandes nomes da música que trouxe para tocar no Brasil, de Chet Baker a Fatboy Slim, passando por Ray Charles, Nina Simone, John Lee Hooker, Dizzy Gillespie, Duke Ellington, Albert King, Bo Diddley, Chuck Berry, James Brown, BB King, Stevie Wonder, Jamiroquai, Isaac Hayes, Bjork, Jeff Beck, Ben Harper, Sean Lennon, Manu chao, Belle and Sebastian… realmente eram line ups admiráveis. Em 2003, uma das prerrogativas da lei antitabagista aprovada pelo governo era que marcas de cigarro não poderiam patrocinar eventos culturais. Assim, a organização do festival passou para as mãos da empresa de telefonia Tim, passando a se chamar Tim Festival. O Tim Festival seguiu a mesma linha do Free Jazz, dando maior ênfase ao jazz, à música eletrônica e alternativa. Sob o nome Tim festival, ao longe de suas 6 edições, entre 2003 e 2008, vieram ao Brasil nomes como The White Stripes, Public Enemy, Kanye West, Cat Power, Arctic Monkeys, The Killers, Herbie Hancock, Patti Smith, Daft Punk, Arcade Fire, Wilco, Libertines e muito mais. O festival encerrou as atividades por conta da crise financeira de 2008, e nunca mais voltou.
Hollywood Rock
Pois é, como já foi dito acima, a primeiríssima edição do Hollywood Rock foi organizada pelo Nelson Motta em 1975, e a Souza Cruz entrou como patrocinadora, mas não deu pitaco na organização do festival, que contou apenas com artistas brasileiros. O evento rolou no estádio do Botafogo, no Rio de Janeiro, e foi marcado por muitos problemas técnicos, aparelhagem ruim e muita chuva. Mesmo assim, shows de Raul Seixas, Mutantes, Rita Lee & Tutti Frutti, o Peso e Vímana foram marcantes. Em 1988, com o Free Jazz dando bons resultados, a marca resolveu investir no Hollywood Rock, mas agora tendo mais autonomia sobre a organização. Com o know how do Free Jazz nas costas, trouxeram grandes atrações como UB40, Simply Red, Duran Duran e Supertramp. Foi um sucesso. Em 1989 o festival não rolou, por conta da caótica campanha para eleições presidenciais. Em 1990 o Hollywood Rock se consolidou de vez ao trazer Bob Dylan, Marillion e Bon Jovi, que estava no auge de sua carreira. Em 1992 seguiu trazendo grandes nomes e proporcionando uma estrutura cada vez melhor. Os destaques daquele ano foram EMF, Seal, Living Colour, Skid Row e Extreme. 1993 foi o ano mais emblemático do festival. O ano do grunge, cujo line up trazia L7, Alice in Chains, Red Hot Chilli Peppers e, é claro, Nirvana. O show do Nirvana em São Paulo é considerado o pior show da banda, já o do Rio de Janeiro entrou para história por Kurt Cobain ter cuspido nas câmeras da Rede Globo e exposto suas partes íntimas. A passagem do Nirvana pelo Brasil graças ao Hollywood Rock rendeu diversas histórias que serão lembradas para sempre, como a noitada de Cobain com João Gordo por São Paulo e o bilhete que Kurt escreveu para Arnaldo Baptista, mostrando ser fã dos Mutantes. Depois disso, o festival ainda durou por mais 3 anos. Em 1994 trouxe Ugly Kid Joe, Poison, Aerosmith e Robert Plant, em 1995 recebeu a tour Voodoo Lounge dos Rolling Stones, tendo Spin Doctors como banda de abertura e em 1996 trouxe Page & Plant, The Cure, Smashing Pumpkins, Supergrass e Black Crowes. Com as primeiras leis antitabagismo circulando a partir de 1997, a Souza Cruz precisou fazer cortes de custo e optou por manter o Free Jazz e cancelar o Hollywood Rock.
Camiseta The Strip MeCamiseta Feito no BrasilCamiseta Rock Star
Poucas coisas são tão divertidas quanto estar num festival de música, curtindo com a turma shows de seus artistas favoritos. Por isso a Strip Me faz questão de celebrar os festivais que fizeram história no Brasil e, é claro, também os festivais que ainda estão por aí gerando grandes momentos e memórias. Se você, assim como nós, é apaixonado por música, precisa conferir a nossa coleção de camisetas de música. Mas não só isso, para os melhores rolês e festivais, temos ainda camisetas de arte, cultura pop, cinema, bebidas e muito mais. Passa lá no nosso site e aproveita para ficar por dentro de todos os nossos lançamentos, que pintam toda semana.
Vai fundo!
Para ouvir: Uma playlist no talo com músicas gravadas ao vivo de bandas que passaram pelos festivais aqui citados! Festival top 10 tracks.
Para assistir: Vale a pena conferir na Netflix o ótimo documentário O Barato de Iacanga, que conta a história do Festival de Águas Claras, o Woodstock brasileiro.
| Por Paulo Argollo | Comentários desativados em As 5 edições mais polêmicas do Rock in Rio.
A recente polêmica envolvendo o Rock in Rio e os sertanejos é mais uma na coleção de várias tretas que o festival acumula em seus 40 anos de existência e 9 edições realizadas. Conheça aqui as mais marcantes.
Sem dúvida o Rock in Rio é o festival de música mais importante do Brasil. Fez história em 1985 para além do showbiz, sendo um dos símbolos da redemocratização do país. De lá pra cá, se vão 40 anos (vá lá… 39) e 9 edições recheadas de histórias, concertos memoráveis, momentos inusitados e, é claro, muita treta! Sabendo que o que o brasileiro gosta mesmo é de ver o circo pegar fogo, a Strip Me separou as 5 edições mais recheadas de tretas e polêmicas do Rock in Rio pra te contar.
Rock in Rio 1 (1985)
Na real, a primeira edição de festival teve várias tretas, mas muito por conta do amadorismo e, até certo ponto, ingenuidade por parte dos organizadores de um evento daquela magnitude no país. Uma das tretas mais famosas dessa edição foi o estrelismo do Freddie Mercury, que exigia que por onde ele passasse nos bastidores, os corredores deveriam estar vazios. Então sempre tinha alguém a frente dele, pedindo que artistas e técnicos que confraternizavam nos corredores, entrassem em seus camarins para que passasse a rainh… quer dizer, o vocalista do Queen. Em um desses momentos, enquanto Mercury passava, ouvia-se um coro vindo de dentro das salas: “Bicha! Bicha! Bicha!”. Outra treta foi protagonizado por Erasmo Carlos. A organização do festival teve a brilhante ideia de colocar o Tremendão para tocar antes de Whitesnake e Iron Maiden. Pra piorar, o ingênuo Erasmo quis homenagear os metaleiros usando uma roupa de couro preta cheia de tachinhas. Agora imagina um tiozão fantasiado de metaleiro tocando Gatinha Manhosa diante de uma horda enfurecida de adolescentes cabeludos esperando o Iron Maiden. O Tremendão deixou o palco debaixo de uma saraivada de cusparadas e vaias.
Rock in Rio 2 (1991)
A segunda edição do festival também foi cercada de barracos e polêmicas. A começar pela escolha do local. Ao contrário da primeira edição, realizada num campo aberto, um descampado nos arredores do Rio de Janeiro, a edição de 1991 rolou no estádio do Maracanã. Essa foi a primeira das grandes tretas daquele ano. Alguns laudos feitos no ano anterior por conta do campeonato brasileiro de futebol indicavam que alguns pontos da estrutura do estádio estavam comprometidos e o estádio chegou a ser interditado uma semana antes do festival acontecer. Porém, o jeitinho brasileiro se fez presente e a organização do Rock in Rio conseguiu liberar o estádio e, ainda bem, não aconteceu nenhum acidente grave. Algumas bandas brasileiras se recusaram a participar do festival, fazendo críticas pesadas na imprensa sobre o descaso com os artistas nacionais e privilégios dos gringos. Barão Vermelho, Caetano Veloso e Legião Urbana, foram os que mais fizeram críticas. Já os artistas brasileiros que tocaram, realmente sofreram com a falta de apoio. Muitos fizeram shows ruins por não terem feito passagem de som, ter espaço de palco bem reduzido e etc. E teve também uma treta com os Guns n’ Roses, que quase desistiram de tocar horas antes de subir ao palco, quando ficaram sabendo que seu show seria transmitido por uma estação de rádio local. Mas no fim deu tudo certo, e eles fizeram um dos melhores shows daquela edição.
Rock in Rio 3 (2001)
Para a terceira edição, a equipe do Rock in Rio achou melhor voltar para onde tudo começou. O mesmo terreno onde havia acontecido a edição de 1985. Mas isso não evitou que muitas tretas acontecessem, principalmente porque, ao tentar organizar melhor e colocar tudo em pratos limpos, os organizadores oficializaram o que tanto havia acontecido em 1991. Constava nos contratos que as bandas brasileiras não teriam direito a passar som, interferir na montagem do palco ou escolher que horário preferiam tocar. O resultado foi um boicote das principais bandas brasileiras que se apresentariam, como O Rappa, Skank, Raimundos, Cidade Negra e Charlie Brown Jr. Outra treta foi a inclusão de uma noite teen , que contaria com artistas como N’Sync, Britney Spears e Sandy & Júnior. Os puristas do rock ficaram ressentidos com a inclusão desses artistas. Pra piorar, aquela turma das bandas brasileiras do boicote ficaram sabendo que a dupla Sandy & Júnior receberia um cachê bem maior do que o acertado com os outros artistas brasileiros. Britney Spears protagonizou pelo menos duas polêmicas em sua apresentação. Primeiro que ela foi muito criticada por utilizar playback em vários momentos, mas o mais engraçado foi que, em certo momento de sua apresentação, ela vai para o backstage para uma troca de roupa. Ela usava um microfone desses de headset, e acabaram deixando o microfone dela aberto e toda a conversa dela com a produção nos bastidores foi ouvida pelo público e transmitida ao vivo pela TV, incluindo ela xingando e criticando sua própria equipe.
Rock in Rio 8 (2019)
O tempo é o melhor professor. Indiscutivelmente a organização do Rock in Rio aprendeu muito com os erros do passado e, ao longo dos anos, foi alinhando melhor sua relação com artistas, melhorando sua infra estrutura e investindo cada vez mais para que o público possa viver uma grande experiência. Mas, a edição de 2019 voltou a ter um número acima da média de tretas e polêmicas. Uma delas é uma polêmica que sempre perseguiu e continua perseguindo o festival: a crítica a outros gêneros musicais. Em 2019, a presença de artistas do funk e rap em larga escala fez muita gente xingar muito no Twitter. E boa parte das polêmicas daquele ano giraram em torno desse núcleo. O Rock in Rio 8 foi marcado por muitas manifestações políticas do público, contra o então presidente Jair Bolsonaro e em homenagem à vereadora assassinada Marielle Franco. Durante o show do Black Eyed Peas, uma das principais atrações, Will.i.am disse, em inglês, claro, que amava bossa nova. Porém, sua pronúncia das palavras bossa nova saiu embolada. O público entendeu que ele havia mencionado Bolsonaro e desabou em vaias e xingamentos. Anitta também causou polêmica. Após forte apelo de seu público, ela não foi escalada para tocar na sétima edição do festival, em 2017. Mas em 2019 estava lá e causou geral. Ficou marcada sua frase “Vocês pensaram que eu não ia rebolar minha bunda no Rock in Rio?” Por fim, uma das atrações mais importantes do festival, o rapper Drake também fez o clima desandar ao proibir que seu show fosse transmitido pela TV, coisa que já estava até acordada em contrato. O bonitão quase não sobe ao palco e conseguiu barrar a transmissão. Sujeitinho bem antipático…
Rock in Rio 10 (2024)
O Rock in Rio 10 só vai rolar daqui dois meses, do dia 13 ao dia 22 de setembro. Mas a porrada já está lambrando desde já internet afora! O que acontece é que muito gente está criticando o line up do festival. O Rock in Rio comemora este ano seus 40 anos. Sim, a primeira edição foi em 1985, e os 40 anos completos seria só ano que vem, mas como o festival já vem de uma programação de rolar a cada dois anos e tal, acaba que a celebração foi adiantada alguns meses. A treta já começou quando os primeiros headliners foram sendo anunciados, e o público sentindo falta do rock. Confirmaram Mariah Carey, Ed Sheeran, Cindy Lauper, Katy Perry… e, até então, nenhum megadethzinho pra alegrar a turma. Já com praticamente todas as datas fechadas, o dia 21 de setembro ainda se mantinha vazio, e era a esperança dos roqueiros, daquele ser o dia do metal ou algo assim. Para desgosto desse pessoal, o dia 21 foi anunciado como o Dia Brasil, e vai contar com atrações nacionais apenas. Sepultura, Ratos de Porão, Angra… ? Nada disso! Chitãozinho & Xororó, Ana Castela e Luan Santana! É a primeira vez que artistas sertanejos participam do evento. E a internet veio abaixo! Muita gente vem dizendo que é um absurdo que o festival que traz o rock no nome, ao celebrar seus 40 anos e 10 edições não só não valorize o rock, como inclua sertanejos no line up. Uma verdadeira afronta, é o que dizem. A treta ainda segue movimentando as redes sociais. E quem acha que não tem nada de rock no Rock in Rio, saiba que estão confirmada as bandas Avenged Sevenfold, Evanescence e os veteranos da banda Journey, sim, aqueles da música Don’t Stop Believing. O Rock in Rio 2024 parece ter optado por não ter nenhuma banda de rock pesado, mas compensa mantendo um clima pesadíssimo nas redes sociais.
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No fim das contas, em qualquer evento grande, que envolva muita gente, muitos artistas de egos inflados e fãs coléricos, a chance de sair tretas e polêmicas é praticamente 100%. Em especial o Rock in Rio, em praticamente todas as edições, as críticas mais frequentes são justamente referentes à inclusão de outros gêneros musicais que não o famigerado rock. Conclui-se portanto que o erro foi de quem criou o festival, lá em 1985, e botou a palavrinha rock no nome. Se fosse Music In Rio, não estaríamos aqui nos deliciando com tanta polêmica. E além de não dispensar uma boa fofoquinha com um cafézinho coado e bolo de fubá, na Strip Me todo mundo é entusiasta de grandes festivais e apaixonado por música! Isso pode ser facilmente constatado nas nossas coleções de camisetas de música, cultura pop e brasilidades, além das camisetas de arte, cinema, bebidas, games e muito mais. Na nossa loja você confere tudo isso e ainda fica por dentro dos nossos lançamentos, que pintam toda semana.
Vai fundo!
Para ouvir: Uma playlist com o que de melhor passou pelos palcos do Rock in Rio ao longo desses 40 anos. Rock in Rio Top 10 tracks.
Para assistir: A Globoplay produziu uma série documental de 5 episódios bem legal sobre o festival. Rock in Rio – A História, foi lançado em 2022 e vale a pena conferir. Tem entrevista de muita gente bacana e várias histórias interessantes.
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| Por Paulo Argollo | Comentários desativados em 8 atributos que justificam a majestade absoluta de Madonna na música pop.
Ousada e icônica, ela é a própria definição da reinvenção. A Strip Me apresenta 8 argumentos irrepreensíveis que explicam porquê Madonna é a rainha do pop, conquistando o mundo com sua música, estilo e atitude inconfundíveis.
Madonna é uma dessas artistas inexplicáveis, difíceis de serem definidas. Mas se a gente dissecar sua vida e obra, camada por camada, vamos descobrir que o que torna Madonna tão especial é sua habilidade de se reinventar a cada era. Ela não apenas segue as tendências, ela as define. Dos trajes provocantes à espiritualidade de Like a Prayer, passando pela música eletrônica de Ray of Light e chegando à exploração das sonoridades latinas em Music, Madonna sempre esteve à frente de seu tempo.
Aos 66 anos, Madonna continua a desafiar as expectativas e a quebrar barreiras. Fazendo turnês, produzindo música e se engajando em causas sociais, ela esbanja uma energia inigualável e vai deixando um legado brilhante e imortal. Para reforçar isso tudo, a Strip Me traz 8 faces da personalidade de Madonna que justificam seu status de rainha.
Mulher de família.
Apesar do que muita gente pensa, Madonna não é apelido, é nome mesmo. Ela nasceu Madonna Louise Ciccone em 16 de agosto de 1958. Foi batizada com o mesmo nome da mãe, que também ao contrário do que se pensa, não era italiana, mas sim franco-canadense. O pai dela sim era descendente de italianos. É a terceira de seis filhos que o casal Madonna e Silvio tiveram. Porém, a mamãe Madonna faleceu aos 30 anos, vítima de um câncer, quando Madonna filha tinha apenas cinco anos de idade. Madonna cresceu muito ligada à família, que era toda católica, o que viria a influenciar sua música e opiniões controversas no futuro. Madonna foi casada duas vezes e tem seis filhos, sendo dois deles biológicos e quatro adotivos. Suas relações familiares dizem muito sobre sua carreira. Madonna sempre foi crítica ao fanatismo religioso e ativista humanitária.
Rock n’ Roll Girl.
Desde nova Madonna já apresentava aptidão para as artes, dançava e cantava. Adolescente, ouvia tudo que tocava no rádio. Eram os anos 70 e a música negra de James Brown, Sly and The Family Stone e muitos outros, dominava o dial. Com 20 anos de idade e 35 dólares no bolso, Madonna se despediu da família em Bay City, cidade provinciana do estado de Michigan, para ser dançarina profissional em New York. Foi a primeira vez que ela viajou de avião e, chegando em NY, pela primeira vez andou de taxi. Em New York ela fez parte de alguns grupos de dança, até que começou a namorar um músico e passou a conhecer a cena punk e new wave da cidade. Logo montou uma banda com o namorado, chamada Breakfast Club, onde tocava bateria, e guitarra em uma ou outra música. A banda durou pouco e, em seguida ela entrou em outra banda, chamada Emmy, onde desta vez ela era vocalista e guitarrista. Madonna sempre afirmou que consome e gosta de todo tipo de música, mas sempre coloca Debbie Harry e Chrissie Hynde como suas grandes influências.
Rainha dos anos 80.
Mas Madonna começou pra valer seu reinado quando abandonou a banda Emmy e decidiu tentar uma carreira solo apostando em suas próprias composições. Ela então conseguiu assinar com a Sire Records, um selo vinculado ao grupo Warner, que lançou Ramones, Talking Heads, Blondie e tantos outros artistas da cena novaiorquina. Seu primeiro disco, Madonna, lançado em 1983, já chegou de cara ao top 10 da Billboard, impulsionado peplo hit Holiday. Em 1984 sai Like a Virgin e Madonna é realmente alçada ao estrelato. Em 1986 True Blue vende como água contendo clássicos como Papa Don’t Preach e La Isla Bonita. A década é encerrada com o lançamento do polêmico Like a Prayer em 1989, que, além de tudo, teve participação do Prince. Em resumo, Madoona se sagrou a artista que mais vendeu discos na década de 80, emplacando dezenas de hits entre 1983 e 1989. Ali começou o reinado que ninguém conseguiu tirar dela até hoje (e nunca vão tirar).
Empresária de sucesso.
Madonna entrou na década de 90 como uma das maiores artistas do mundo, faturando alto com seus shows e discos. Ao invés de torrar essa grana toda, ela investiu em alguns imóveis e fundou uma empresa multimídia chamada Maverick. A empresa engloba vários setores de mídia como uma gravadora (Maverick Records), uma produtora de filmes (Maverick Films), edição de livros, edição de música, uma divisão de discos latino (Maverick Musica) e uma produtora de televisão. Assim, ela passou a lançar seus discos de maneira quase independente, só dependendo de uma grande gravadora (no caso, a Warner) para distribuição. O primeiro lançamento da empresa foi justamente o polêmico disco Erotica. Além disso, Madonna ganha dinheiro co produzindo filmes, fazendo lançamentos no segmento da moda em parceria com H&M e Dolce & Gabbana, e abrindo até uma rede de academias chamada Hard Candy Fitness com unidades por todo Estados Unidos e outros cinco países. Além disso tudo, ela também investe em obras de arte, adquirindo originais de Fernand Legér, Tamara de Lempicka, Frida Kahlo e Pablo Picasso.
Ativista.
Por desde a adolescência ser questionadora dos dogmas da igreja católica e conviver no meio artístico, Madonna desenvolveu uma noção de empatia por minorias como a comunidade gay. Logo que começou a ter maior autonomia, passou a produzir cada vez mais músicas e vídeo clipes provocativos e questionadores. Com o tempo passou a também a atuar em prol do combate à pobreza, fundando a instituição Raising Malawi. Além disso, sempre se declara a favor da comunidade LGBTQIA+, já ajudou organizações de assistência a portadores do HIV, e defendeu grupos feministas. Madonna também é vegetariana e defende frequentemente este hábito, que faz parte de um discurso que defende a sustentabilidade do meio ambiente e o cuidado com os animais.
Multi-Mulher.
Madonna entendeu logo que entrou no mundo do showbiz que fazer só o básico do que esperam de um artista não é suficiente. Assim, ela se dedicou a muitas outras atividades além da música. Pra começar, assim que conquistou sucesso na música, Madonna já voltou sua atenção para o cinema. Entre 1985 e 2006 ela atuou em mais de dez filmes, e em 2008 estreou como diretora, assinando o filme Filth and Wisdom. Em 2011 repetiu a dose dirigindo o longa W.E. Madonna também se aventurou no munda da literatura infantil escrevendo uma série de 5 livros chamada As Rosas Inglesas. Isso tudo sem falar no seu lado empresarial. Madonna é incansável!
Recordista.
Tanto trabalho tem que gerar algum resultado, né? O primeiro, claro, é financeiro. Madonna é uma das mulheres mais ricas e bem sucedidas do mundo. E, sendo a música o foco principal de sua vida profissional, claro que ela acabou acumulando alguns recordes na indústria musical. Madonna entrou para o Guinnness Book, o livro dos recordes, em 2023, ao atingir a marca de 400 milhões de álbuns vendidos. Com isso, Madonna se tornou a artista feminina mais vendida da história, e, no geral, ficou atrás apenas dos Beatles, Elvis Presley e Michael Jackson. Em 1993 colocou 120 mil pessoas dentro do estádio do Maracanã, o maior público para quem ela já se apresentou até hoje. Com suas turnês gigantescas, é a artista que mais vendeu ingressos de shows na história da música pop! Ou seja, qualquer superlativo utilizado para se referir à Madonna é justificado.
Influente.
Bom, não precisamos nem dizer que se não fosse pela Madonna não existiriam Britney Spears, Lady Gaga, Rihanna, Dua Lipa e muitas outras cantoras pop. Mas Madonna é mais do uma figura influente entre artistas. Ela ajudou a moldar a cara dos anos 80 e 90 ao se preocupar tanto com a estética de seus videoclipes, o figurino que usava em shows e nos filmes. Ajudou a criar um perfil de mulher mais independente, bem resolvida com sua sexualidade e decidida a romper com o patriarcado e machismo que vigoraram tanto até os anos 90, e vêm arrefecendo desde as duas últimas décadas. Que nos perdoem mulheres incríveis como Billie Holiday, Carole King, Joan Baez e Janis Joplin, mas não existe umas mulher no mundo que tenha exercido maior influência artística e de comportamento do que Madonna.
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Pronto! Está mais do que justificada a majestade soberana de Madonna. A mulher que reinventou o conceito de diva pop, que começou com lá atrás com as pin-ups e atrizes como Marilyn Monroe. A maior cantora dos últimos 40 anos. Diante de um reinado tão virtuoso, só resta à Strip Me se curvar e prestar sua reverência. Por isso, dentro da nossa coleção de camisetas de música, você vai encontrar, claro, algumas estampas fazendo referência à Madonna, pra você arrasar no look quando for pro show da diva aqui no Brasil. E tem também as nossas coleções de arte, cinema, cultura pop, brasilidades e muito mais. É só colar no nosso site pra conferir e ficar por dentro dos nossos lançamentos, que pintam toda semana. Vida longa à rainha!
Vai fundo!
Para ouvir: Uma playlist com o crème de la crème da obra da Madonna. Madonna Top 10 tracks.
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| Por Paulo Argollo | Comentários desativados em 8 fatos que você precisa saber sobre o Blink-182.
O Lollapalooza está chegando! E com ele o aguardadíssimo show da banda Blink-182. Para preparar o espírito para esse momento memorável, a Strip Me te conta 8 fatos interessantes sobre o trio mais engraçadinho do punk rock.
Blink-182, a banda que tornou “What’s my age again?” o hino dos eternos adolescentes em todo o mundo. Formada por Mark Hoppus, Tom DeLonge e Travis Barker, a banda passou com competência e muito bom humor pela porta do mainstream, aberta pelo Green Day e Offspring. Assim, conquistou uma legião de fãs com seu punk rock entusiasmado e letras irreverentes. E justamente envelhecer parece que não foi fácil para o trio, que ficou famoso, além da música, por aprontar mil travessuras fora dos palcos e não levar a vida nada a sério. Mas, por fim, parece que tudo foi se ajeitando. A banda foi ícone teen, foi desprezada e tida como vendida pelos punks, mas foi amadurecendo e ganhando o respeito da crítica musical e da cena punk. Hoje é uma das bandas com os shows mais disputados do mundo.
E, finalmente chegou a vez do Brasil conferir esse show, depois de três tentativas frustradas da banda vir para a terra tupiniquim. Isso graças ao festival Lollapalooza, que desde 2012 nos brinda com shows incríveis e toda a estrutura de um grande festival. Era para a banda ter tocado ano passado no festival, mas acabou cancelando sua vinda, mas para este ano o show está garantidíssimo! Para te ajudar a ir esquentando os motores para este show tão esperado, a Strip Me conta 8 fatos para você ficar conhecendo melhor Mark Hoppus e sua turma.
Blink antes do 182.
A banda foi formada por um trio de amigos adolescentes, ainda no colégio, em 1992. Quando começou a realmente ser levada a sério por seus integrantes, Mark Hoppus, baixo e voz, Tom DeLonge, guitarra e voz, e Scott Raynor, bateria, a banda foi batizada Blink. Em 1994 lançam seu primeiro disco, Cheshire Cat. Mesmo lançado de forma independente, o disco chama atenção. Tanto que a banda é processada por uma banda da Irlanda com o mesmo nome. Para evitar uma treta judicial, eles decidem colocar um número da na frente do nome. Surge Blink-182. De onde veio esse número, ninguém sabe. Provavelmente os caras acharam que soava bem. Mas ao longo do tempo, deram várias explicações malucas. Por exemplo, dizem que 182 é o peso de um dos integrantes da banda em libras, ou que 182 é o número de vezes em que Al Pacino diz “fuck” no filme Scarface.
A escolha.
No início de 1993 a banda Blink começava a crescer para além dos arredores de San Diego, California, onde se originou. A banda tomava cada vez mais tempo dos três jovens. Mark Hoppus tinha uma namorada ciumenta nessa época, que lhe deu um ultimato: “A banda ou eu!” E por algumas semanas, quase dois meses, ele escolheu a namorada. Mas, um tempo depois, sentiu saudade da sua turminha do barulho, mandou o namoro às favas e retomou seu lugar na banda bem a tempo de gravar a demo que daria origem ao seu primeiro disco.
Dança das baquetas.
Scott Rayner manteve o posto de baterista do Blink-182 até 1998. Em 1996 a banda dava o que falar e as gravadoras estavam desesperadas procurando um novo Green Day. O trio de San Diego acabou assinando com uma major ainda naquele ano, e em 1997 lançaram seu segundo disco, Dude Ranch, que fez um baita sucesso nos Estados Unidos. A fama fez com que Rayner perdesse as estribeiras e afundasse feio na bebida. Depois de algumas mancadas e sumiços em dias de show, Hoppus e DeLonge o expulsaram da banda. Por sorte, eles excursionavam com uma banda chamada The Aquabats, cujo baterista era um prodígio. Para não deixar Hoppus e DeLonge na mão em um show, o baterista Travis Barker, aprendeu a tocar o repertório do Blink-182 em uma tarde. E não saiu de trás dos tambores da banda desde então.
Enema of the State.
E foi em 1999 que o Blink-182 ganhou o mundo, com um disco inspirado e aquele empurrãozinho maroto da MTV. Os clipes de What’s My Age Again?, All the Small Things e Adam`s Song bombaram no mundo inteiro e o punk adolescente voltou para as cabeças. O disco Enema of the State teve duas capas diferentes. A primeira tiragem do disco saiu com o nome da banda com “B” maiúsculo e uma cruz vermelha no chapéu da enfermeira na capa. O trio preferia a grafia do nome com todas as letras minúsculas. Na mesma época a Cruz Vermelha, entidade internacional de saúde, ameaçou processar a gravadora pelo uso de seu símbolo de forma pejorativa, quase obscena, segundo a entidade. Para evitar confusão, foi retirada a cruz do chapéu da enfermeira, e uma nova tiragem do disco saiu com a capa com o nome da banda escrita em letras minúsculas e o chapéu sem a cruz. Aliás, a enfermeira em questão era ninguém menos que Janine Lindemulder, uma estrela em ascensão do cinema pornô na época, o que explica o desconforto do pessoal da Cruz Vermelha. Pra completar, o título do disco é um trocadilho malicioso com a expressão “enemy of the state”(inimigo do estado, ou do governo). A palavra “enema”, que substitui “enemy”, significa em português esperma. Trocadilho típico de quinta série. De fato, what’s my age again?
O preço da fama.
Enquanto a fama e popularidade da banda escalavam em alta velocidade, sua credibilidade dentro da comunidade punk despencava. Enquanto todas as bandas punks no começo do século vinte e um produziam músicas de protesto, incluindo os outrora adolescentes meio bobocas do Green Day, o Blink-182 saía na capa da revista CosmoGirl (a versão norte americana da Capricho) e ganhava o prêmio Nickelodeon’s Kids’ Choice Award. Realmente ficava difícil levar os caras a sério. E isso acabou sendo um ponto de virada, pois o trio ficou realmente incomodado com isso e resolveu mudar.
Amadurecimento.
Em 2003 a banda lançou seu quinto álbum. Intitulado simplesmente Blink-182, o disco mostrava que a banda realmente amadureceu, trazendo novos elementos à sua música, para além dos power acordes rápidos, soando ora como uma banda indie noventista, ora como uma banda new wave dos anos oitenta. O disco chegou a ser comparado com The Police e U2, mas os integrantes da banda afirmam que na época estavam ouvindo muito The Cure, o que ajudou a inspirá-los a escrever letras mais confessionais e questionadoras. Nessa mesma época, para mostrar que estava realmente querendo fazer as pazes com o mundo, durante uma turnê no Reino Unido, o trio foi até a Irlanda e fez questão de conhecer a tal banda Blink, que quase os processou na época do lançamento do Cheshire Cat. Mas essa fase paz e amor durou pouco. Em 2005 a banda anuncia que estava se separando.
Travis Barker nas asas do destino.
Em 2008 Travis estava num avião particular com mais cinco pessoas. Sobrevoando o estado da Carolina do Sul, o avião teve uma pane, pegou fogo e caiu. Apenas Travis e mais um rapaz amigo dele sobreviveram. O baterista teve 68% do seu corpo com queimaduras severas. O acidente fez com Barker adquirisse uma verdadeira fobia a aviões. Mas também fez com que ele e Hoppus voltassem a se falar depois de três anos sem se verem. Começava ali o retorno da banda. E, graças ao esforço e apoio de sua esposa, a socialite Kourtney Kardashian, Travis superou seu medo e voltou a viajar de avião em 2001, facilitando muito a vida da banda, que até então voltara a tocar e se esforçava para fazer turnês sem depender de aviões.
Vindas frustradas ao Brasil.
Já superado o trauma, ao contrário do que dizia Belchior, não foi por medo de avião que Travis Barker não pôde vir tocar no Lollapalooza Brasil em 2023, mas sim porque ele teve um problema nas articulações dos dedos das mãos e teve que passar por uma cirurgia. O show da banda acabou sendo cancelado meio em cima da hora. Mas não foi a única vez que o trio californiano ameaçou vir, mas não veio. Em 2004 DeLonge disse numa entrevista que a banda faria uma turnê mundial e passaria pela América do Sul no segundo semestre de 2005. Criou-se uma grande expectativa, que acabou frustrada com a declaração da separação da banda no começo de 2005. Já em 2001, a banda estava cotada para tocar no Rock In Rio e chegou até a ser anunciada como uma das atrações, mas acabou não rolando. Em uma entrevista ao ex-Malhação André Marques, no extinto programa Video Show, DeLonge disse que estava tudo certo para a banda participar do festival, mas Axl Rose não aceitou que o Blink-182 tocasse na mesma noite que ele, certamente com medo de o Guns n’ Roses fosse eclipsado pela performance magnífica do trio de San Diego. DeLonge disse isso sério e, depois de uma breve pausa, riu e disse que estava de sacanagem e que não sabia por quê a banda tinha sido retirada do line up do festival. E mesmo sem o Blink-182, naquele ano Axl Rose foi às lágrimas no palco.
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Enfim, o Blink-182 é uma banda realmente cativante. Seja pelo seu bom humor, ou pelas suas ótimas canções, ou pelas duas coisas juntas. Blink-182 é puro barulho, diversão e arte. Uma banda dessa não ia ficar de fora da trilha sonora da Strip Me, que tem não só o Blink-182, mas também outras bandas punk representadas na excelente coleção de camisetas de música, onde tais bandas são apresentadas em estampas originais e super descoladas. E tem também as coleções de camisetas de cinema, arte, cultura pop, bebidas, games e muito mais. No nosso site você confere isso tudo e ainda fica por dentro de todos os nossos lançamentos, que pintam toda semana.
Vai fundo!
Para ouvir: Uma playlist deliciosa com o que há de melhor na discografia do Blink-182. Blink-182 Top 10 tracks.
Para ler: Altamente recomendável o livro Travis Barker. Vivendo a Mil, Enganando a Morte e Batera, Batera, Batera, a autobiografia de Travis Barker, livro lançado em 2016 pela editora Ideal. Numa narrativa envolvente o baterista conta sua vida, as idas e vindas da banda e seu traumático acidente de avião.
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| Por Paulo Argollo | Comentários desativados em Lollapalooza 2023: Os 5 Shows Imperdíveis!
Pode até não ser o maior em capacidade de público, em duração de dias e etc. Mas ninguém duvida que o Lollapalooza é o festival mais querido e descolado deste nosso planetinha redondo. Desde que foi criado, em 1991 pelo Perry Farrel, vocalista da banda Jane’s Addiction, o festival cresceu demais, rompeu as fronteiras dos Estados Unidos e se espalhou pelo mundo. Em 2023 recebemos a décima edição do festival em território brasileiro. A primeira edição foi em 2012 e rolou anualmente desde então, com exceção de 2020 e 2021, por conta do infame corona vírus. A Strip Me surgiu em 2014, ou seja, já nasceu totalmente ligada na vibe maravilhosa do Lolla, de barulho, diversão e arte! Portanto, é com conhecimento de causa que nós fazemos questão de, não só te recomendar os melhores looks para curtir os shows, como também dar os toques de quais shows você não pode perder nesta edição de 2023.
O Lollapalooza 2023 rola nos dias 24, 25 e 26 de março no Autódromo de Interlagos, em São Paulo. Traz, como sempre, um line up variadíssimo e cheio de novidades. Vai do hardcore ao funk, do trap ao trash metal sem medo de misturar tribos. E essa é justamente uma das belezas do festival. Ao todo, são 75 shows celebrando essa diversidade, entre artistas e bandas nacionais e gringas. E 75 shows é muita coisa, né… por mais que você queira, não dá pra ver tudo. Mas tem alguns aí que não dá pra perder de jeito nenhum. Então se liga nas nossas dicas.
Billie Eilish
Certamente ela é a principal atração do festival. Primeiro porque é a primeira vez que ela se apresenta no Brasil. Segundo porque, obviamente, essa garota não brinca em serviço. Afinal, com apenas 21 anos de idade, ela já ganhou um Oscar, sete Grammys, dezesseis Guinness World Records, três MTV Music Video Awards e foi eleita uma das 100 mulheres mais inspiradoras e influentes do mundo em 2022 pela BBC. E no palco, Billie Eilish faz por merecer todas essas premiações. Seu show é energético e cativante. É um show mais que imperdível, é histórico!
Lil Nas X
Mais um que se apresenta pela primeira vez em terras tupiniquins. E mais um artista jovem com um sucesso imenso, cheio de premiações e realmente talentoso. Montero Lamar Hill, mais conhecido como Lil Nax X é um rapper de apenas 23 anos, vindo do conservador estado da Georgia. Ganhou fama no fim de 2018, quando lançou a irresistível faixa Old Town Road, que mistura country e rap de maneira brilhante. Mas não parou por aí, desde então, tudo que o artista lança tem relevância e qualidade. É rap com grandes melodias e mistura de gêneros musicais! Lil Nas X é realmente um artista muito inventivo e traz um show certamente impactante.
Blink 182
Claro que o bom e velho rock n’ roll não ficaria de fora dos principais destaques do Lollapalooza! E que destaque! A banda californiana Blink 182 foi um dos maiores nomes do punk e power pop da segunda metade da década de 90. Na onda do Green Day e Offspring, a banda lançou pelo menos dois discos matadores: Dude Ranch, de 1997 e Enema of the State, de 199, que trazia os clássicos All The Small Things e What’s My Age Again?. Entre idas e vindas, a banda retomou as atividades tendo Tom DeLonge e Mark Hoppus (fundadores da banda) ano passado. Com uma agenda abarrotada de shows mundo afora, a Blink 182 passa pelo Brasil no palco do Lolla 2023 e promete um show inesquecível.
Rosalía
Rosalía tem tudo para entregar o melhor show de todo o festival. Nascida e criada numa pequena cidade da Catalunha, perto de Barcelona, Rosalía estudou música clássica, especializou-se em flamenco e música tradicional espanhola, fez parte de várias bandas, tocou na noite e em casamentos em Barcelona, até começar a desenvolver um material autoral muito original. Em 2016 ela se muda para a California e lança, no ano seguinte, seu primeiro disco, cujo nome homenageia a cidade onde foi morar, Los Angeles. Em 2018 lança o disco El Mal Querer e arrebenta, encabeçado pela bela canção Malamente. Ganhou tudo quanto é prêmio e brilhou nos principais festivais da Europa. Em 2022 lançou o disco Motomami, um disco inspiradíssimo puxado pelos singles Saoko e La Fama. A mistura de flamenco, latinidades, reggaeton e R&B de Rosalía é irresistível e muito poderosa. Show imperdível mesmo!
Kali Uchis
Drake, Tame Impala e tantos outros que nos desculpem, mas esse Lolla 2023 tá dominado pelas mulheres! Dos 5 shows mais importantes do festival, 3 são de mulheres absolutamente talentosas. Billie Eilish, Rosalía e Kali Uchis. Kali é colombiana, mas passou boa parte de sua adolescência nos Estados Unidos. É uma compositora brilhante de 28 anos de idade. Além da música, ela também se destaca como designer de moda e artista visual. Começou cedo na música tocando piano e saxofone. Fez parte de uma banda de jazz, mas logo começou a produzir seu próprio material, inspirada em Ella Fitzgerald e Curtis Mayfield. Com essas referências, não tinha como dar errado. Com uma linguagem moderna, ela produz ótimas canções e já trabalhou com gente como Gorillaz, Tyler the Creator, Tame Impala, Thundercat, BBNG e outros mais. Certamente vai ser uma das grandes surpresas do festival!
Bonus Tracks
Mas nem só de grandes artistas internacionais vive o Lollapalooza. Alguns artistas brasileiros também merecem atenção e prometem grandes shows. Para começar precisamos falar de Number Teddie, um cara que saiu de Manaus com canções inacreditáveis de boas, pegada pop, mas com um pé no rock n’ roll e letras confessionais. O disco Poderia ser Pior, lançado ano passado, é ótimo e o show deve ser bom demais! Também vale destacar a banda punk/trash Black Pantera, banda agressiva, com grandes músicas pesadas e de letras excelentes! Pra bater cabeça com gosto! Ana Frango Elétrico, que é o nome artístico da carioca Ana Fainguelernt, é outra que promete um show de primeira! É uma baita compositora, seu disco Mormaço Queima foi um dos melhores discos brasileiros de 2018 e ano passado ela foi um dos grandes destaques do Coala Festival! Para aquele momentinho de relaxar, quando pintam uns cigarrinhos de artista aqui e ali, a banda Gilsons é uma grande pedida. Uma MPB renovada com grandes melodias e uma banda muito competente, formada por filho e netos de ninguém menos que Gilberto Gil. Por fim, vale também conferir o show da ótima banda O Grilo, cujo disco Você Não Sabe de Nada, de 2021, apresenta um indie rock dançante e promissor. A banda se apresentou ano passado no Rock in Rio e foi muito elogiada. Vale a pena ficar de olho.
Pronto. Agora você já está apto a escolher os melhores shows do Lolla para curtir. Só falta escolher o look ideal ara cada um deles! Na Strip Me você tem uma vasta coleção de camisetas de música para escolher suas estampas favoritas, sem falar nas coleções de arte, cinema, cultura pop, comportamento e muito mais. Camisetas estilosíssimas e super confortáveis pra você curtir o festival do começo ao fim! Vem conferir a nossa loja e dar uma olhada nos lançamentos mais recentes!
Vai fundo!
Para ouvir: Uma playlist arrebatadora com o que de melhor vai rolar no Lolla 2023. LollaBR 2023 top 10 tracks.
Para assistir: Para você se preparar para o que está por vir, vale a pena assistir o show da Billie Eilish gravado em 2021 no Firefly Music Festival, em Dover, Delaware. Além da qualidade de áudio e imagem estarem ótimas, o show é realmente muito bom! Completinho e free no Youtube. Link aqui.
