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A Lista de Spielberg – Os 10 melhores filmes do diretor.

| Por Paulo Argollo | Nenhum comentário
A Lista de Spielberg – Os 10 melhores filmes do diretor.

Perto de completar 77 anos de idade, Steven Spielberg é considerado um dos mais revolucionários cineastas da história! Para homenagear essa lenda, a Strip Me apresenta uma lista com os 10 melhores filmes do diretor.

Quando a série Stranger Things foi lançada, lá em 2016, deu pra sacar de imediato que seria um sucesso retumbante. Toda a estética oitentista, mesclando suspense e aventura, com crianças como protagonistas, remetia imediatamente a filmes como E.T., Contatos Imediatos de Terceiro Grau, Gremlins e Os Goonies. Os dois primeiros dirigidos por Spielberg e os outros dois produzidos por ele. O roteiro referenciando Stephen King foi a cereja no bolo. Não tinha como dar errado. Spielberg elaborou a fórmula perfeita para contar histórias envolventes que fascinam crianças, jovens e adultos. Seus filmes encantaram gerações, e Stranger Things fez o mesmo com os jovens de hoje em dia. Entre filmes que dirigiu e produziu, são mais de 40 títulos. A imensa maioria, filmes ótimos! Com uma linguagem pop deliciosa e essa mistura de aventura, suspense e comédia juvenil, e em outros momentos dramas impactantes e inspiradores, Steven Spielberg deixa uma marca profunda no cinema mundial. Uma obra a ser celebrada!

Nossa maneira de homenagear esse monstro sagrado da sétima arte, é fazer uma lista com os 10 melhores filmes de sua carreira como diretor. Uma tarefa árdua e muito conflituosa, e que certamente vai gerar muita polêmica e questionamentos tanto quanto às escolhas, como quanto à posição de cada filme na lista. Vale lembrar que o décimo colocado está longe de ser o pior filme do cineasta, pois, estamos selecionando 10 entre uma filmografia de mais de 40 filmes. E, além do mais, a Strip Me é como um bom personagem dos filmes de Spielberg, que ri na cara do perigo. Então se liga na nossa lista.

10 Prenda-me Se For Capaz (2002)

Olha só. Para se ter ideia de que tipo de artista estamos lidando aqui. O décimo colocado da lista é um filme irrepreensível! Um baita roteiro bom, direção espetacular e Leonardo DiCaprio e Tom Hanks mandando ver em atuações excelentes! O filme é divertidíssimo, baseado em fatos reais. De certa forma, foi uma volta por cima do diretor, voltando às suas raízes de se focar numa boa história. Ele vinha de dois filmes que não foram assim tão bem sucedidos, apesar de serem bons: A.I. (2001) e Minority Report (2002). Depois de Prenda-me Se For Capaz, ele emendou uma sequência de ótimos filmes: O Terminal (2004) Guerra dos Mundos (2005) e Munique (2005).

9 Contatos Imediatos de Terceiro Grau (1977)

Depois do sucesso enorme de Tubarão (1975), Spielberg tinha carta branca para fazer o que quisesse. Foi então que ele concebeu um verdadeiro clássico, abordando uma de suas paixões: ficção científica e extraterrestres. Contatos Imediatos de Terceiro Grau marcou uma nova era no cinema, ao retratar de forma muito direta e com muitos efeitos especiais, a chegada de alienígenas na terra. Contatos Imediatos de Terceiro Grau está para os filmes de alienígenas como O Poderoso Chefão para os filmes de máfia.

8 A Cor Púrpura (1985)

Aqui Spielberg mostrou maturidade e competência invejáveis. Com uma fotografia belíssima um roteiro denso, mas brilhante, o diretor conta com maestria parte da história dos Estados Unidos através da vida de uma mulher negra do sul do país do início do século XX. Whoopi Goldberg e Danny Glover entregam atuações impressionantes. A Cor Púrpura marca também a incursão de Spielberg nos filmes de época e dramas pessoais, que ele tão bem exploraria cada vez mais no futuro.

7 Indiana Jones e a Última Cruzada (1989)

Antes de mais nada, precisamos dizer que o certo seria também incluir os dois filmes anteriores do arqueólogo mais casca grossa do mundo. Mas iria comprometer muito a lista. Também não seria justo colocar na lista todos os filmes da franquia num mesmo tópico, já que os dois últimos filmes são decepcionantes, para dizer o mínimo. Mas falemos do que é bom. Indiana Jones é um dos personagens mais emblemáticos e carismáticos da história do cinema. Ele foi criado por Spielberg e George Lucas, mas foi o primeiro quem mais se envolveu no projeto e dirigiu todos os filmes. O primeiro, Os Caçadores da Arca Perdida (1981) é tão bom que tem uma de suas cenas parodiada frequentemente, a cena em que Indiana corre de uma bola de rocha gigante. O segundo, No Templo da Perdição (1984), é igualmente divertidíssimo e traz a marcante cena do banquete com cérebro de macaco. Mas é em A Última Cruzada que temos o filme mais bem acabado e bem escrito do herói. E, nada mais justo do que Indiana Jones ter seu pai interpretado pelo cara que encarnou pela primeira vez ninguém menos que Bond, James Bond.

6 O Resgate do Soldado Ryan (1998)

5 anos após uma imersão brutal na invasão nazista na Polônia, Spielberg retorna ao tema Segunda Guerra Mundial, mas desta vez retratando campos de batalha e o fatídico 6 de junho de 1944. O desembarque dos Aliados na Normandia, que ficou conhecido como O Dia D, um levante que foi decisivo para o fim da guerra. A cena inicial do filme já é de arrepiar, mostrando o tempestuoso desembarque das tropas, em meio a tiros e bombas, com uma fotografia e edição brilhantes! O filme tem cenas de ação empolgantes, mas também conta com um roteiro bem trabalhado. Protagonizado por Tom Hanks, parceiro de longa data de Spielberg, O Resgate do Soldado Ryan certamente foi preponderante para Hanks produzir no futuro a excelente série Band of Brothers.

5 Jurassic Park (1993)

Bem vindos ao Top 5, bem vindos ao parque dos dinossauros! Tá legal, se a gente for analisar certinho, na sua essência Jurassic Park não traz nada de novo. Lembra muito o enredo de King Kong, clássico de 1933. Mas a real é que Spielberg foi genial ao criar o Jurassic Park, tanto no quesito cinema, ao trazer efeitos especiais moderníssimos para época, mas também em termos de timing mercadológico. A cratera de Chicxulub, na península de Yucatán, México, foi descoberta em 1978 e a teoria do impacto de um meteoro ter sido responsável pela extinção dos dinossauros só foi amplamente aceita pela classe científica em meados da década de 80. O tema dinossauro estava na moda e o livro de Michael Crichton, Jurassic Park, chamou a atenção de Spielberg, que logo comprou os direitos e o adaptou para o cinema. Desde então dinossauros se tornaram verdadeiros ícones pop, além de brinquedos que até hoje encantam as crianças. 

4 Tubarão (1975)

Tubarão foi o primeiro grande êxito de Spielberg. O filme arrecadou aproximadamente 470 milhões de dólares, um número impensável à época, sendo que o filme custou 9 milhões para ser feito. Este valor só foi batido dois anos depois por Star Wars. Adaptado de um livro com o mesmo título, o filme é um suspense primoroso! Os muitos problemas técnicos durante as filmagens com o tubarão mecânico, fizeram com que algumas cenas se tornassem ainda mais angustiantes, ao sugerir a presença do predador, mas sem de fato mostrá-lo. Spielberg dirige este filme com maestria. O longa também marca o início da parceria com John Williams, que compôs o tema de Tubarão e, sem sombra de dúvida, fez a trilha sonora tensa e minimalista se tornar clássica!

3 E.T. – O Extraterrestre

Spielberg já mostrara em Contatos Imediatos de Terceiro Grau que entendia de filmes de ficção científica e alienígenas. E se Contatos Imediatos… foi um divisor de águas para o gênero, E.T. acabou sendo realmente revolucionário. Com efeitos especiais encantadores e um roteiro irretocável, o diretor concebeu uma de suas obras mais marcantes.O longa mescla momentos de drama, comédia e aventura, tudo amarrado por uma trama que fala essencialmente de amizade e empatia. Isso tudo torna E.T. um filme atemporal e irresistível. Recebeu nove indicações ao Oscar e ganhou 4, incluindo melhor trilha sonora, pelo belíssimo tema escrito por John Williams. Ah, sim, foi o filme que revelou para o mundo a carismática Drew Barrymore.

2 Império do Sol (1987)

Império do Sol não é dos filmes mais lembrados de Spielberg, mas é um colosso! Um filme épico, emocionante e esteticamente lindo! Teve 6 indicações ao Oscar, mas acabou não levando nenhuma estatueta. O filme conta a história de um garoto inglês vivendo com a família na China, e que se perde dos pais durante a invasão dos japoneses na Segunda Guerra Mundial. O garoto em questão é interpretado por Christian Bale, então com 12 anos de idade e estreando no cinema. E sua atuação é arrasadora. Apesar das indicações ao Oscar, os críticos malharam o filme na época, o taxando de sentimental e fantasioso, ao retratar um momento histórico tão sombrio com leveza até demais. Ainda assim, trata-se de um filme brilhante! Uma história emocionante, um protagonista cativante e, pra variar, uma trilha sonora de arrepiar de John Williams.

1 A Lista de Schindler (1993)

Spielberg vem de uma família de judeus e sempre foi muito ligado à religião e sua história. Talvez até por isso, sua primeira empreitada ao retratar a Segunda Guerra Mundial se deu pelo lado dos japoneses, em Império do Sol. Foi uma jogada esperta do diretor. Império do Sol lhe deu a expertise necessária e a percepção de que em determinados momentos não é preciso economizar na tinta ao pintar momentos sombrios e desesperadores. E a história verídica do empresário Oskar Schindler lhe caiu como uma luva para que ele finalmente retratasse o Holocausto com o devido respeito e exaltar a forca de seu povo. Tudo nesse filme funciona muito bem. Esteticamente, sendo filmado todo em preto e branco, é muito elegante e sóbrio, o roteiro é irrepreensível, as atuações de Liam Neeson e Ralph Fiennes são ótimas e, claro, a sempre presente e brilhante trilha sonora de John Williams. A Lista de Schindler foi indicado a nada menos que 12 categorias do Oscar e venceu 7, entre elas, Melhor Filme, Melhor Diretor e Melhor Roteiro Adaptado. É um filme monumental, um retrato fidedigno dos horrores do nazismo e uma obra indispensável.

Mas olha, a obra de Steven Spielberg é muito maior do que esses 10 filmes. Faltou falar do bonito Além da Eternidade (1989), o encantador Hook: A Volta do Capitão Gancho (1991), o emocionante Amistad (1997), o divertido As Aventuras de Tintin (2011), o inspirador Lincoln (2012), o ambicioso Ponte dos Espiões (2015) e o excelente The Post: A Guerra Secreta (2017). Isso sem falar nos clássicos que ele colaborou como produtor e consultor, como a trilogia De Volta para o Futuro, Os Goonies, Gremlins, Te Pego Lá Fora, Uma Cilada para Roger Rabbit, a franquia MIB: Homens de Preto, A Casa Monstro e muito mais. O homem é uma máquina de fazer blockbuster!

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Um cineasta com um currículo desse, não há o que possamos fazer senão reverenciar e prestar homenagens! A  obra de Steven Spielberg ajudou a formatar a personalidade e os gostos de gerações de jovens desde os anos 70 até hoje. Por isso, claro que ele é figurinha carimbada entre aqueles que inspiram a Strip Me a estar sempre produzindo camisetas lindas e originais, onde, vira e mexe, alguns de seus filmes são referenciados. Pra conferir é só acessar a nossa loja e dar uma geral na coleção de camisetas de cinema, e também nas coleções de música, arte, cultura pop, games e muito mais. No nosso site você também fica por dentro dos nossos mais recentes lançamentos, que pintam por lá toda semana. 

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist no capricho com músicas que marcaram os principais filmes de Steven Spielberg. Spielberg top 10 Tracks.

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10 frases inesquecíveis do cinema.

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10 frases inesquecíveis do cinema.

Para mais um texto saboroso sobre grandes filmes, a Strip Me selecionou e deu uma geral em 10 frases memoráveis do cinema.

“A vida passa rápido demais. Se você não parar pra curtir de vez em quando, ela passa e você nem vê.” “Carpe diem! Aproveitem o dia, rapazes, façam de suas vidas algo extraordinário!˜ Duas frases que tem o mesmo significado, que são facilmente encontradas em diversas mensagens motivacionais e ambas foram extraídas de filmes. O curioso é que são frases de dois filmes completamente distintos (Curtindo a Vida Adoidado e Sociedade dos Poetas Mortos respectivamente). Mas são frases tão fortes e impactantes, ditas em cenas tão marcantes, que transcendem seu contexto original e se tornam um ícone pop tão forte quanto os óculos redondos de John Lennon ou uma imagem do Mestre Yoda. Só mesmo a magia do cinema para fazer com que uma simples frase tenha tanto peso e significado quanto uma imagem, que, teoricamente, pode valer mais do mil palavras.

Hoje estamos aqui para subverter essa máxima, de que uma imagem vale mais que mil palavras. Vamos mostrar que uma simples frase, com poucas palavras, vai te remeter a mais que uma imagem, mas a uma cena inteira, a um filme desses que a gente não cansa de rever. Filmes dos quais algumas falas são repetidas em conversas de bar e citadas em propagandas e em outros filmes. Aqui estão 10 das frases mais marcantes da história do cinema.

The first rule of Fight Club is: you do not talk about the Fight Club.

Se você sabe qual é a segunda regra do Clube da Luta, certamente está revendo em sua mente a cena em que Brad Pitt está no meio de um círculo de homens explicando os conceitos envolvendo a reunião daquele grupo. Clube da Luta é um dos filmes mais revolucionários da década de 90. Leva a assinatura do excelente diretor David Fincher e apresenta uma das melhores atuações da carreira de Edward Norton. Lançado em 1999, ele só não concorreu ao Oscar porque a concorrência era feroz. Para se ter ideia, naquele ano foram lançados Beleza Americana, O Informante, A Espera de Um Milagre, Magnólia, Garota Interrompida, Quero Ser John Malkovich, O Sexto Sentido, Meninos não Choram, O Talentoso Ripley e Tudo Sobre Minha Mãe. De qualquer forma, Clube da Luta é um marco no cinema e na cultura pop, e a primeira regra de Tyler Durden vem sendo quebrada desde então.

I love the smell of napalm in the morning.

Eis um dos filmes mais emblemáticos da história do cinema. Ninguém retratou a guerra do Vietnã com tanta intensidade quanto Francis Ford Coppola em Apocalypse Now. Tudo nesse filme é marcante, se tornou icônico e referência. A desoladora trilha sonora com The End, dos Doors, a revoada de helicópteros ao som de A Cavalgada das Valquírias, de Wagner e a atuação impressionante de Marlon Brando como Coronel Kurtz. Apocalypse Now foi lançado em 1979 e se tornou a base para todos os filmes sobre a guerra que vieram depois, incluindo os clássicos Full Metal Jacket e Platoon. E a quantidade de vezes que a frase dita pelo personagem de Robert Duvall foi repetida e parodiada na história da cultura pop é incontável. Nada mais justo, sendo uma frase vinda de um verdadeiro clássico.

Toto, I think we’re not in Kansas anymore.

E por falar em clássico, aqui está mais um. Um filme tão importante que transcendeu o cinema. Não só algumas de suas falas se tornaram emblemáticas, como o filme em si ganhou novas interpretações e ao ser irremediavelmente vinculado ao clássico disco do Pink Floyd, The Dark Side of the Moon. O Mágico de Oz é um dos filmes mais importantes do cinema mundial. Foi lançado em 1939 e só não é considerado a obra prima do diretor Victor Fleming, porque ele tem no currículo E O Vento Levou. Mas é o filme que revelou a atriz Judy Garland para o mundo e nos deu uma frase deliciosa de ser dita em qualquer situação de mudança.

Say hello to my little friend.

Independente do roteiro, da direção e etc, alguns filmes são o que são simplesmente por contarem com o ator certo no papel ideal. Scarface é um filme ótimo. Tem um bom roteiro, Brian de Palma manda super bem na direção e tal… Mas é indiscutível que ele se tornou um clássico do cinema por conta de Tony Montana, o personagem ao qual Al Pacino brilhantemente deu vida. Tony Montana é carismático e imprevisível, um personagem complexo, com profundidade, muito bem construído. E Al Pacino… bom, é o Al Pacino, um dos melhores atores de todos os tempos, e arrebenta tudo atuando neste filme. E a sequência final de Scarface (olha o spoiler, gente!) é uma das mais parodiadas em filmes envolvendo crime e tráfico de drogas! Afinal, uma cena com uma escrivaninha de escritório abarrotada de cocaína e um porto-riquenho alucinado com uma metralhadora nas mãos não tem como dar errado!

Does he look like a bitch?

Já que estamos falando de filmes sobre crimes, vamos falar de um dos melhores filmes dos últimos 30 anos, e que é um verdadeiro compêndio de ótimas frases. Aprendemos que o quarteirão com queijo em Paris se chama royale with cheese, a diferença entre uma motocicleta e uma chopper, que um milkshake pode custar 5 dólares e ser delicioso… tudo isso em diálogos inacreditavelmente bons! Pulp Fiction, a obra máxima de Quentin Tarantino, é um amontoado de referências pop que extrapolaram as telas de cinema. Mas a sequência inicial de Jules e Vincent é, literalmente, matadora! Dali temos frases memoráveis de Jules como “Say ‘what’ again! I dare you, I double dare you, motherfucker! Say ‘what’ one more godamm’ time!” Ou ainda, após atirar no rapaz no sofá, dizer “I’m sorry, did I break your concentration? I didn’t mean to do that. Please, continue, you were saying something about best intentions.” Mas nada se compara à simples e direta questão sobre Marcellus Wallace: “Does he look like a bitch?”

You talking to me?

Assim como Tony Montana em Scarface, Taxi Driver, um dos melhores filmes de Martin Scorsese, não seria metade do que é se não fosse a interpretação visceral e arrebatadora de Robert De Niro, dando vida ao protagonista Travis Bickle. A diferença é que Taxi Driver, além do brilhantismo de De Niro, conta com um roteiro monumental. O monólogo do Bickle ao dirigir seu taxi durante a noite é assombroso. Ao longo do filme, assistimos a evolução da loucura no personagem, que culmina na brilhante e mais do que referenciada cena de Travis diante do espelho, arma em punho, apontando para si mesmo. Junto com a cena do chuveiro, de Psicose, talvez essa seja a cena mais parodiada no cinema. E não é para menos. Taxi Driver é um monumento de filme.

Here`s Johnny!

E quando o assunto é maluco no cinema, logo vem à mente a cena de um buraco numa porta, aberto por um machado, e a cara ensandecida de Jack Nicholson preenchendo o buraco. O Iluminado é um desses filmes inesquecíveis, pertencente ao hall de filmes clássicos da história do cinema. É uma das melhores obras de Stanley Kubrick, que, por sua vez, adaptou para o cinema o genial livro de Stephen King. O filme todo é uma obra de arte. O roteiro é excelente, a fotografia e a direção de Kubrick são uma verdadeira aula de cinema e as atuações de Jack Nicholson e Shelley Duvall são irretocáveis! Enfim, um clássico incontestável!

Run, Forrest, run!

Quem nunca viu um amigo sair correndo por qualquer motivo e gritou “Run, Forrest, run!”, que atire o primeiro bombom de chocolate! Forrest Gump figura entre os melhores filmes dos anos 90, quiçá de todos os tempos. Além da magistral atuação de Tom Hanks, trata-se de um filme dirigido por Robert Zemeckis e escrito por Eric Roth. É um verdadeiro, épico, um roteiro primoroso! Como tal, claro que rolam várias outras frases emblemáticas ao longo do filme, como a clássica “A vida é como uma caixa de bombons, você nunca sabe o que vai encontrar.” Um filme tão bom, mas tão bom, que quem ainda não viu, precisa sair correndo pra ir assistir!

Roads? To where we’re going we don’t need roads!

Impossível ler ou ouvir essa frase e, em seguida, não pensar na música grandiosa de Alan Slvestri! Essa é uma das frases mais famosas do cinema, nem tanto por ser repetida por aí à exaustão. Mas sim por encerrar com perfeição um filme… perfeito! De Volta Para o Futuro é uma obra prima, também muito conhecido por frases como “Great Scott!” ou “What the hell is a gigawatt?” Mais uma vez, uma obra irretocável de Robert Zemeckis, mas desta vez com roteiro de Bob Gale e produção de Steven Spielberg. Os três filmes da franquia são maravilhosos, mas o primeiro é realmente especial. O roteiro não tem uma pontinha solta sequer, os diálogos são deliciosos, a direção é incrível os personagens e as atuações são irretocáveis! Um filme que marcou gerações, que acabaram descobrindo que diabos é um gigawatt e, desde então, sonham com um futuro onde os carros sejam movidos a lixo reciclável e não precisem de ruas.

I’m gonna make him an offer he can’t refuse.

Para fechar a lista com chave de ouro, uma das muitas frases do filme que sempre figura entre os cinco melhores filmes já feitos de todos os tempos em qualquer lista que se preze. O Poderoso Chefão é inigualável em tudo! Direção, roteiro, fotografia, atuações, trilha sonora… e frases maravilhosas! Em que outro filme você veria um gângster dizer para o outro: “Leave the gun, take the cannoli.”? Sem falar no monumental diálogo de abertura do filme. Olha, é uma obra tão grandiosa, que deve ser até pecado a gente falar dele assim, de forma tão passageira. Assim como De Volta para o Futuro, os três filmes da franquia são ótimos, mas o primeiro tem esse frescor, esse magnetismo, que faz com que você o reveja inúmeras vezes e não se canse. É o ponto de partida para todos os filmes de máfia que vieram depois.

Menção honrosa

Falamos de dez filmes clássicos do cinema mundial, mas não podemos esquecer que o bom e velho cinema tupiniquim também tem muito filme bom e concebeu algumas frases muito marcantes. A começar por Tropa de Elite, que traz consigo um caminhão de frases clássicas, como “Tira essa farda, que você não é caveira, você é moleque!” “Pede pra sair!” E tantas outras. Na mesma onda, tem o excelente Cidade de Deus e a emblemática fala “Dadinho é o caralho! Meu nome agora é Zé Pequeno, porra!” Na comédia, temos o inesquecível Xicó d’O Auto da Compadecida e a indefectível frase “Não sei, só sei que foi assim.” Isso sem falar nas chanchadas dos anos 70 e 80, de gosto duvidoso, mas que renderam pelo menos dois momentos memoráveis e dignos de virar meme. Primeiro é uma cena do filme Os Sete Gatinhos, de 1980, onde o personagem de Lima Duarte, revoltadíssimo, brada: “Eu quero saber quem foi que desenhou caralhinhos voadores na parede do banheiro!” Mas a melhor é a frase do Rei Pelé no filme Os Trombadinhas, de 1979. Quando uma garota pergunta ao craque se ele é o Pelé, ele retruca: “Não, eu sou o Jô Soares, sua piranha!”

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Ah, nada como um post leve e divertido como este, para celebrar todo o nosso amor pelo cinema. Não é à toa que o lema da Strip Me é barulho, diversão e arte! Pois o cinema nos proporciona isso tudo e muito mais! Nos dá inspiração para criarmos camisetas com estampas lindas, super descoladas e com muitas referências aos filmes que nós tanto amamos! Confere no nosso site a coleção de camisetas de cinema, e aproveita pra dar uma olhada nas camisetas de música, arte, cultura pop, games, e muito mais. Lá você também fica por dentro de todos os nossos lançamentos, que pintam toda semana.

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist com melhores músicas das trilhas sonoras dos filmes citados neste post! Frases de Cinema Top 10 Tracks. 

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10 Séries Memoráveis da HBO.

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10 Séries Memoráveis da HBO.

Desde que se meteu a produzir séries nos anos 90, o canal HBO praticamente não errou a mão. Em meio a tanta série boa, a Strip Me selecionou as melhores pra você maratonar.

Para qualquer marca, um bom slogan é fundamental. Mas são poucas as que conseguem um slogan excelente, daqueles que, não só te remete ä marca de cara, mas que define a marca com exatidão. Da verdadeira maionese ao energético que te dá asas, sem esquecer, é claro, do barulho, diversão e arte, um grande slogan define uma marca por completo em poucas palavras. Certamente um dos slogans mais assertivos e brilhantes é o do canal de TV à cabo/produtora/canal de streaming HBO. “It’s not TV. It’s HBO.” O slogan é forte e preciso. Desde que se meteu a produzir séries, a HBO apresentou produtos com uma carga dramática, intensidade e qualidade visual que transcendem as séries de TV produzidas até meados dos anos 90, para alcançar um nível artístico bem mais alto, comparável aos grandes filmes do cinema. A primeira série que a HBO produziu foi Oz, em 1997. De lá pra cá, são dezenas de séries memoráveis com o selo HBO de qualidade. Garantia de que, mesmo sendo uma série de TV, não haverá economia ou pudor ao demonstrar violência e sexo ou proferir palavrões. O que torna tudo mais realista e intenso.

Entre tanta coisa boa, não é nada fácil selecionar 10 séries. Por isso, para essa lista, escolhemos as obras mais marcantes e emblemáticas. Lógico que ficou muita coisa de fora. Ficou de fora, por exemplo, Curb Your Enthusiasm, escrita e protagonizada pelo genial Larry David (co-autor de Seinfeld). Falando em Seinfeld, também não entrou a ótima Veep, protagonizada pela Julia Louis-Dreyfus. Ainda na onda da comédia, mas explorando outros caminhos, esbarrando no drama, tem a brilhante Six Feet Under, que também é excelente e também não está na lista. Sem falar de Big Little Lies, Euphoria, The Deuce, Westworld, The Leftovers e mais uma porrada de séries ótimas lançadas na última década. A HBO não pára de surpreender a gente com produções caprichadas. Para facilitar um pouco a nossa vida, elencamos as 10 séries escolhidas em ordem cronológica. Dessa forma fica mais nítido entender como o canal vem evoluindo exponencialmente, com produções cada vez melhores. Além disso, vaticinar que uma série é melhor que a outra é complicado, pois envolvem várias variáveis. Por exemplo, não dá pra comparar Sopranos com Succession ou Sex and the City com True Detectives. São mundos muito distantes, linguagens diferentes, não dá pra comparar. Se já deu trabalho selecionar esses 10 títulos, imagina ranquea-os entre melhores e piores…

Oz (1997 – 2003)

Essa foi a primeira produção da HBO. Uma estreia e tanto. Ainda que irregular, as primeiras temporadas são irretocáveis! Não é exagero dizer que a HBO começava um novo jeito de fazer TV. Retratando o dia a dia de uma penitenciária e seus detentos, Oz entrega um texto excelente, fotografia e edição muito competentes e atuações memoráveis de Ernie Hudson, Lee Tergesen, J.K. Simmons e Harold Perrineau, além, é claro de muita violência, nudez e palavrões, que se tornariam uma das marcas das produções da HBO.

Sex and the City (1998 – 2004)

Para equilibrar o excesso de testosterona de um bando de brucutus se estranhando na cadeia, Sex and the City  trouxe à tona o mundo feminino, como nunca antes havia sido retratado na televisão! De bobinha ou água com açúcar a série não tem nada! Pelo contrário. O roteiro é ótimo, com diálogos espirituosos e, por vezes, bem profundos. Depois que a série foi lançada, não faltam grupos de amigas que se identificam e se inspiram nas personagens vividas pelas atrizes Sarah Jessica Parker, Kim Cattrall, Kristin Davis e Cynthia Nixon. Além da qualidade da obra como um todo, Sex and the City foi fundamental para pavimentar a estrada para muitas outras séries protagonizadas por mulheres e com um olhar feminino, como Gilmore Girls, por exemplo.

The Sopranos (1999 – 2004)

Foi com Sopranos que a HBO se estabeleceu como uma grande produtora de séries para a TV. Até então não havia nada parecido com os Sopranos. Uma série absolutamente mundana, realista e muito, mas muito bem feita! O texto é genial! Equilibrado, com humor, ação e drama, sem falar nas inúmeras e deliciosas referências aos clássicos filmes de máfia, o texto da série é impecável. Além disso, é uma série sobre relações familiares, acima de tudo, o que torna tudo mais interessante e complexo. Aqui a HBO alcançou nível de qualidade até então inatingível para programas de televisão.

Band of Brothers (2001)

Tecnicamente, Band of Brothers não é uma série, mas sim uma minissérie. Talvez nem deveria figurar nessa lista. Mas… está aqui porque é realmente uma das produções mais bem sucedidas e impactantes da história da TV. Além de brilhante, a série carregou até 2010 o título de produção mais cara da TV, tendo custado aproximadamente 125 milhões de dólares. Mas, olha, valeu cada centavo. A obra contou com Tom Hanks e Steven Spielberg como co-produtores e conta a história real da Companhia “Easy”, 2º Batalhão, 506.º Regimento de Infantaria Paraquedista dos Estados Unidos, que teve atuação notável na Alemanha e no Japão durante a Segunda Guerra Mundial. Esteticamente, a série é inacreditável de tão boa. O texto também é excelente e a cereja no bolo são os depoimentos dos reais personagens, relembrando cada situação. Uma obra realmente inigualável.

The Wire (2002 – 2008)

The Wire é uma série tão impactante e cheia de camadas, que chega a ser difícil descreve-la. Talvez seja a obra mais completa da HBO, por reunir um roteiro muito bem escrito e sem pontas soltas, ter uma carga dramática na medida certa e ser tão realista a ponto de ter cara de documentário. A série aborda o tráfico de drogas na cidade de Baltimore. O que torna The Wire tão incrível é que ela consegue abordar com profundidade todos os lados da situação, retratando o cotidiano dos policias, dos traficantes, dos políticos, dos usuários e da sociedade civil. Justamente por essa abordagem, a série não tem protagonista, apresentando várias histórias simultaneamente, o que acaba colocando a cidade de Baltimore como a real protagonista da série. Uma obra realmente brilhante e digna de ser maratonada. 

Game of Thrones (2011 – 2019)

Aqui é onde a coisa realmente chegou no ápice. Game of Thrones é facilmente a série mais bem produzida, mais cara, mais hypada e mais polêmica dos últimos anos. E a mais popular também, é claro. A obra escrita por George R. R. Martin é realmente estupenda. E longa, bem longa. Não dá pra ter certeza, mas é bem provável que os livros da franquia só venderam uma enormidade, após a série ser produzida. A trama cheia de violência, sexo e traições num mundo épico, de magia e reinos cobiçados pegou de jeito o gosto popular. GOT é a série mais bem sucedida da HBO, mesmo tendo um final decepcionante.

True Detective (2014 – 2019)

True Detective já chegou com os dois pés no peito. A primeira temporada tinha no elenco Matthew McConaughey, Woody Harrelson e Michelle Monaghan. Não tinha como dar errado! E não deu. A primeira temporada é impecável! Mas a séries se tornou errática. A segunda temporada, mais morna, saiu em 2015. E a terceira só veio em 2019. Ainda que cada temporada tenha um arco fechado, com personagens e histórias distintos, isso não justifica os altos e baixos. Mas, de maneira geral, o texto de True Detective agrada. Com um ar noir sedutor, uma vez entrando em contato com cada história, é difícil largar o osso. Não à toa é uma das séries mais aclamadas e mais populares da HBO, e uma das mais assistidas em streaming na HBO Max.

Succession (2018 – 2023)

Succession foi “descoberta” como uma grande série já na era dos streamings. Ou seja, ela foi veiculada no canal à cabo, sem grande repercussão, mas quando a HBO Max entrou em cena, em maio de 2020, não tardou para a série ser descoberta e cair nas graças do público. Não é para menos., trata-se de uma série cativante. Em primeiro lugar, o roteiro é irretocável. Apesar da realidade mostrada na série ser inatingível para a esmagadora maioria da população mundial, a trama é envolvente e permite que haja identificação do espectador com os personagens, porque, independente do poder aquisitivo, conflitos humanos, relações familiares e etc, são comuns a todo mundo. Mas vai além do texto. A fotografia é brilhante, cuidadosa e artística, e a edição imprime um ritmo irresistível. A série foi concluída neste ano, e o final é um dos melhores já vistos. Coisa rara, já que estamos tão acostumados a ver séries excelentes ganharem finais decepcionantes. Além disso tudo, Succession é uma verdadeira aula de capitalismo.

Chernobyl (2019)

Mais uma minissérie. E, tal qual Band of Brothers, Chernobyl merece figurar nessa lista por que é excelente! A começar pelo tema. O acidente nuclear de Chernobyl nunca foi explicado em detalhes para o mundo. O governo russo sempre jogou o assunto pra debaixo do tapete. Claro, a minissérie não é um documentário. Tem um pouco de ficção ali, personagens e situações que não existiram na realidade. Mas rolou uma pesquisa cuidadosa para contar como tudo aconteceu, incluindo a negligência de funcionários da usina nuclear, bem como de políticos. Chernobyl tem um alto nível de drama e suspense, que deixa o espectador grudado no sofá e faz querer assistir mais um episódio e mais um e mais um… É um roteiro muito bem escrito, uma ambientação de época irretocável e ótimas atuações. Uma minissérie para entrar pra história!

The Last Of Us (2023)

The Last of Us é um perfeito resumo da atualidade. Não a trama, claro, mas todo o seu entorno e sua concepção. The Last of Us foi lançado originalmente em 2013 como um jogo de vídeo game. De imediato, se tornou um sucesso, por ter um enredo muito bem escrito, desafiador e envolvente, onde um homem precisa proteger e escoltar uma criança num cenário pós apocalíptico repleto de zumbis. Em meio à matança de monstros e inimigos humanos perversos, o jogo apresenta conflitos pessoais de cada personagem, em especial Joel, o protetor, e Ellie, a criança, os protagonistas da parada. Quando a HBO resolveu levar o jogo para o streaming, fez tudo direitinho. Se fez valer do algoritmo de redes sociais, para saber o que chamaria mais a atenção do público, direcionou a escolha do elenco e da trilha sonora. E é lógico que funcionou perfeitamente. Junto a um roteiro trabalhado com muito esmero, e muito bem escrito, Pedro Pascal e Bella Ramsey estão perfeitos nos papéis principais. Por enquanto, a série só tem uma, e irretocável, temporada. Mas a segunda já está confirmada. Vamos aguardar.

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Fala a verdade. Uma lista de respeito! Muita coisa ficou de fora, mas o mundo mágico (e com sangue pra car@#=%) da HBO é realmente muito vasto, e está aí para nos entreter, inspirar e divertir. E como barulho, diversão e arte é com a gente mesmo, a Strip Me não podia deixar de dedicar um post para essas séries maravilhosas e, claro, caprichar nas camisetas de filmes e séries, com estampas super descoladas e originais! Confere lá na nossa loja! Além das camisetas de cinema, tem as camisetas de música, arte, games, bebidas, cultura pop e muito mais. E no nosso site você ainda fica por dentro de todos os lançamentos, que pintam toda semana!

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist sensacional com o que há de melhor nas trilhas sonoras das séries citadas no texto. HBO Top 10 Tracks.

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8 verdades que você precisa saber sobre a Barbie.

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8 verdades que você precisa saber sobre a Barbie.

A Strip Me aproveita o hype da boneca mais famosa do mundo, para trazer alguns fatos relevantes que vão fazer você ver o filme Barbie com outros olhos.

Ah! Que época gloriosa para se viver, esta que presenciamos agora! Temos o mundo na palma da mão, na tela do celular, acesso à informação, diversidade de mídias e liberdade! O que será que Horkheimer pensaria dos tempos atuais? Será que ainda sustentaria suas ideias sobre a indústria cultural servindo aos interesses do capitalismo, manipulando as percepções e preferências das pessoas? Vendo todo o rebuliço em torno do lançamento do filme da boneca Barbie, lançado dia 20 de julho, dá pra gente afirmar sem medo de errar que os conceitos desenvolvidos pela escola de Frankfurt estão mais vivos do que nunca, independente da evolução e aparente democratização das mídias.

Desde sua criação no fim da década de 1950, a Barbie se tornou rapidamente um ícone da cultura pop, e também alvo de inúmeras polêmicas e críticas. E o filme estrelado por Margot Robbie reacendeu essa chama com uma intensidade inacreditável. Tal qual o garotinho do Sexto Sentido vendo espíritos, nós estamos vendo Barbie o tempo todo, em toda parte. E tem gente defendendo, tem gente criticando… bom, pra ter uma opinião válida a respeito de qualquer coisa, a gente precisa entender o básico, pelo menos, né. Então, hoje separarmos 8 verdades que você precisa saber sobre a Barbie. Assim você pode assistir ao filme de peito aberto e tirar suas próprias conclusões!

1 – Nasce uma estrela.

Primeira Barbie lançada, em 1959.

A fábrica de brinquedos Mattel foi fundada pelo casal Elliot e Ruth Handler. Elliot era um artista no sentido mais clássico, um cara recluso, mas talentoso, já Ruth era empreendedora e prática. Ao contrário da maioria dos brinquedos da marca, que eram desenvolvidos por Elliot, a Barbie foi uma criação exclusivamente de Ruth. Ao ver sua filha, Barbara, brincando com bonecas de papel e criando histórias como se as bonecas fossem versões crescidas dela mesma, surgiu a ideia de uma boneca que retratasse uma mulher adulta. Algo que não existia até então. As crianças brincavam com bonecas que representavam bebês ou crianças, mas nunca uma mulher adulta. A ideia de Ruth foi recebida como loucura dentro da Mattel, mas ela insistiu e a boneca Barbie, inspirada no nome da filha do casal, foi lançada em 1959 e se tornou sucesso absoluto.

2 – Ruth depois da Barbie.

Ruth Handler, criadora da Barbie.

Ruth Handler tem sua vida tão intrinsicamente ligada à Barbie que chega a ser citada no filme. Não é para menos. Após seu lançamento, a Barbie se tornou um prodígio de vendas. A Mattel cresceu vertiginosamente ao longo dos anos 60. Porém, a contra cultura dos hippies, à partir de 1967, começou a bater forte em cima da Barbie, colocando o brinquedo como símbolo de superficialidade e consumismo ilimitado. No meio disso tudo, Ruth descobre um câncer que a afasta da Mattel. E nessa altura, ela já era vice-presidente da empresa. Os anos 70 chegam trazendo recessão e uma crise econômica pesada, em especial para os Estados Unidos. As vendas da Mattel despencaram. Ruth fez uma mastectomia e começou a se recuperar do câncer, mas mesmo assim acabou sendo afastada da Mattel, após uma descoberta de declarações de vendas e receitas falsas. O casal Handler chegou a ser indiciado por fraude. Ruth voltou à Mattel na década de 90 e lá permaneceu até seus últimos dias. Ela faleceu em 2002 aos 85 anos.

3 – Barbie Pop Art.

Portrait of BillyBoy – Andy Warhol (1986)

É improvável demais pensar que um ícone pop como a Barbie passaria batido pelo crivo de Andy Warhol. Mas, por incrível que pareça, quase passou. A boneca só caiu nas graças do artista e foi retratada por ele em 1986, pouco antes de Warhol morrer. Claro que ele sabia da existência da boneca, e possivelmente curtia sua estética fashionista. Mas não passava disso. Foi graças ao designer de joias BillyBoy, amigo íntimo de Warhol, que a Barbie foi eternizada sob a estética da Pop Art. Acontece que BillyBoy sempre foi um colecionador da Barbie, tinha centenas de bonecas. E Andy Warhol vivia pedindo que BillyBoy posasse para ele ou permitisse que ele pintasse um retrato dele. Discreto, BillyBoy sempre recusou o pedido do amigo. Até que, após mais uma investida de Warhol, BillyBoy disse: “Well if you really want to do my portrait, do a portrait of Barbie because Barbie, c’est moi.” Assim, Andy Warhol fez um retrato da Barbie e entitulou a peça como Portrait of BillyBoy. E todo mundo ficou satisfeito. Inclusive os fãs da Barbie.

4 – Barbie na alta costura.

Barbie desenhada por BillyBoypara a exposição Le nouveau théâtre de la mode.

Foi justamente BillyBoy o responsável por introduzir a Barbie no mundo fashion. O cara tinha uma coleção de mais de 11.000 bonecas Barbie e 3.000 bonecos Ken. Em 1987 escreveu o livro Barbie: Her Life and Times. Ele era realmente um apaixonado pela Barbie. Em 1984 BillyBoy e a Mattel se uniram para realizar uma grande exposição. Le nouveau théâtre de la mode (Novo Teatro da Moda) era uma exposição que contava com centenas de Barbies vestindo roupas em miniatura feitas por Yves Saint Laurent, Christian Dior, Kenzo e outros grandes estilistas. BillyBoy, além de ser o curador da exposição, chegou a trabalhar para a Mattel como designer, desenhando dois modelos de Barbie: “Le Nouveau Théâtre de la mode” em 1984 e “Feelin’ Groovy” em 1986. Porém, em meados da década de 90 BillyBoy se cansou da Barbie e abandonou sua coleção. Além de ser um talentoso designer, ele é muito bem humorado e diz ótimas frases. Quando perguntado sobre o que fez com que ele perdesse o interesse pela Barbie, ele respondeu: “”I think Barbie is no longer touching on the zeitgeist of the moment,”

5 – Barbie trabalhadora.

Um dos pontos positivos da Barbie, frente à enxurrada de críticas que sempre recebeu, é que ela nunca teve preguiça de trabalhar. E já apareceu em muitas profissões diferentes. Ao todo, são mais de 180 carreiras profissionais, que incluem policial, chef de cozinha, professora, piloto de avião, médica, engenheira de computação, diretora de cinema, arquiteta, empresária e muitas outras. Isso significa que, ainda que seja um brinquedo que imponha padrões de beleza e incentive o consumismo, também estimula a criança a encontrar sua própria vocação e vislumbrar um futuro onde pode trabalhar e ser independente. Deixa de lado o estereótipo feminino retrógrado de dona de casa. As centenas de Barbies de diferentes profissões, passam a mesma mensagem: Você pode ser quem você quiser.

6 – Barbie Estereotipada.

Tá certo. Muito bonita essa história toda. Mas a gente sabe que o buraco é mais embaixo. A Mattel demorou um pouquinho demais pra se ligar que estava passando uma mensagem bacana, mas sob a sombra de um imenso porém. A mensagem era: Você pode ser engenheira, médica, professora… desde que você você seja loira, esguia e tenha olhos azuis. Realmente a maior pedra no sapato a Mattel sempre foi a representatividade. Inegavelmente, a boneca estabelecia padrões claros, e altíssimos, de beleza e estética. A primeira Barbie negra foi lançado somente em 1980. Mas sem muito alarde. Só em 2016 que a Mattel passou a investir mais pesado nessa questão e lançou Barbies com três novos tipos de corpo, sete tons de pele, 22 cores de olhos, 24 penteados e novos acessórios diversificados, com referências a diferentes culturas e etnias. Ainda assim, a imagem icônica da Barbie loira de olhos azuis, retratada por Andy Warhol e encarnada na Margot Robbie ainda sustentam esse estereótipo com um padrão de beleza inalcançável.

7 – Barbie em baixa.

A virada do século XX para o XXI foi amarga para a Mattel. Desde a metade da década de 90 a empresa assistia as vendas da Barbie despencarem. Em 2013 o faturamento que batia mais de 10 bilhões de dólares até o começo dos anos 90, baixou para 6,5 bilhões. É muita grana, claro. Mas é uma queda considerável. Principalmente depois de 2010, com a popularização das redes sociais e a internet fazendo cada vez mais parte da vida das crianças e pré adolescentes, somadas às constantes críticas que sempre sofreu, era natural que as vendas caíssem tanto. Cada vez mais, como vaticinou BillyBoy, a Barbie se afastava do zeitgeist.

8 – Barbie volta com tudo!

Em 2016 a Mattel se lança num projeto longo e ambicioso. Não só aumentar as vendas da Barbie, mas transformá-la num ícone inconteste da cultura pop e fazer da marca Barbie um estilo de vida direcionado não só para crianças, mas também para adultos nostálgicos. Em 2015 a agência BBDO San Francisco elabora para a Barbie a campanha Imagine the Possibilities, onde comunica que a Barbie também é capaz de empoderar as garotas. No ano seguinte, alinhada a esta campanha, a Mattel lança a linha de Barbies com diferentes corpos e cores de pele, que mencionamos aqui um pouco acima. Enquanto tudo isso acontecia, a Mattel já negociava com a Warner a produção do filme live action da boneca. Em 2019 Greta Gerwig foi confirmada como roteirista e diretora do longa e Margot Robbie como protagonista. De 2015 pra cá, a Barbie ganhou evidência em várias mídias, por diferentes motivos. Vários comerciais de TV e várias bonecas diferentes sendo lançadas, desde uma Barbie com deficiência física, até uma Barbie inspirada no Ziggy Stardust! Portanto, não pense você que foi mero acaso, esse barulho todo em volta do lançamento do filme. Foi tudo muito bem pensado!

Então é isso. Os fatos comprovam que Horkheimer (não confundir com Oppenheimer) continua relevante e sua teoria sobre a indústria cultural se mantém implacável! E como diria Humberto Gessinger, o pop não poupa ninguém. Com seus prós e contras, essa rotatividade da cultura pop e sua iconoclastia exuberante são fascinantes! A Strip Me e sua arte antropofágica também se alimenta de hypes e tendências, mas sempre com muita personalidade e estilo, é claro! Então, você certamente vai encontrar na nossa loja algumas camisetas fazendo referência à Barbie. Basta dar uma conferida nas coleções de cultura pop e cinema. E tem ainda camisetas de música, arte, cervejas, games e muito mais. Além disso, no nosso site você fica por dentro de todos os lançamentos, que pintam por lá toda semana!

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist com músicas que fazem referência à Barbie e outras bonecas. Barbie Top 10 tracks.

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12 Filmes que contam a história do Rock! Parte 2

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12 Filmes que contam a história do Rock! Parte 2

No mês do rock, a Strip Me apresenta 12 histórias de cinema, sobre alguns dos mais importantes artistas da música pop!

O Dia Mundial do Rock é mais brasileiro do que mundial. Basta você procurar mundo afora para ver quem realmente comemora essa data fora do Brasil. A história toda por trás disso é interessante. O dia 13 de julho de 1985 entrou para a história por conta do Live Aid, o grande festival que rolou simultaneamente nos Estados Unidos e Inglaterra e foi televisionado para o mundo todo. O evento reuniu gente como Paul McCartney, The Who, Queen e muitos outros. Aqui no Brasil o festival teve uma audiência enorme, já que o país ainda respirava a euforia do Rock In Rio, que aconteceu em janeiro daquele ano. Numa entrevista, falando sobre o Live Aid, Phil Collins, emocionado após ter participado do festival, declarou: “O dia 13 de julho deveria ser lembrado como o dia mundial do rock.” Pouca gente deu atenção a isso, exceto os jornalistas brasileiros. Desde então, rádios e publicações brasileiras dedicadas ao rock passaram a celebrar a data, e a moda pegou. E cá estamos. Celebrando o nosso brasileiríssimo Dia Mundial do Rock!

Para celebrar esse dia, selecionamos 12 filmes que ajudam a contar a história do rock n’ roll mundial e brasileiro. A lista foi dividida em duas partes. A primeira, publicada semana passada, você pode ler clicando aqui. E hoje apresentamos a parte 2, celebrando não só o dia 13, mas o mês de julho, que pode ser realmente considerado o mês do rock! Então já vai treinando o air guitar aí e confira a parte 2 da nossa lista de filmes sobre o rock n’ roll.

Last Days (2005)

Keyart for Last Days.

Incluir esse filme na lista é foi uma decisão difícil. Primeiro porque não é uma obra literalmente sobre um artista real, segundo porque é um filme muito mais introspectivo, pesado, sem praticamente nenhum apelo comercial. É o que a turma costuma chamar de filme cabeça, que pode ser um sinônimo de filme chato. O longa é escrito e dirigido por Gus Van Sant e foi inspirado nos últimos dias de vida de Kurt Cobain. Na verdade trata-se sim de um relato bem fiel do que foram os últimos dias de Cobain em sua casa, antes de se matar. Os nomes dos personagens foram alterados simplesmente porque não se chegou a um acordo entre o cineasta e a família de Cobain, com relação a diretos e tal. Apesar de não ser uma produção empolgante, cheia de música e personagens carismáticos, como estamos acostumados a ver na maioria das cinebiografias, Last Days é um filme muito bom, com uma fotografia cuidadosa, ótima atuação do protagonista Michael Pitt e que transmite com eficiência desoladora a angústia de alguém que não vê mais sentido na vida.

Simonal (2018)

Wilson Simonal foi um artista como poucos no Brasil. Misturou ritmos, praticamente criou um estilo novo, que viria a influenciar toda a música pop brasileira, do samba ao rock. Chegou a ser o artista mais bem pago do país, vendeu mais discos que Roberto Carlos e, quando estava no auge de sua carreira, levou um tombo do qual nunca mais se recuperaria. Foi acusado de colaborar com os militares e dedurar artistas considerados subversivos, durante a ditadura de 1964. Até hoje essa história é questionada. Leonardo Domingues escreveu e dirigiu Simonal, filme que retrata com muita beleza e fluidez a trajetória de Simonal ao estrelato, seu posicionamento contra o racismo e a controversa relação do cantor com a política. É um filme muito bem feito mesmo, com um roteiro muito bem elaborado, uma história interessantíssima e muita música boa.

The Doors (1991)

“Is everybody in? The ceremony is about to begin.”Sim, este é um dos filmes mais icônicos dos anos 90! Tudo convergiu para que este filme se tornasse um clássico imediato. A música dos Doors, a persona de Jim Morrison, que o ator Val Kilmer incorporou de maneira quase xamânica e a estética de videoclipe do diretor Oliver Stone. Se parar pra pensar, o roteiro em si não tem nada de novo. É a história de uma banda que começa por baixo, tem talento, consegue gravar um disco, faz sucesso, se perde em excessos… Mas Jim Morrison foi um artista único no rock. Mais poeta que músico, mais blues que rock, mais inconformismo que depravação, mais alucinógenos que insanidade. Oliver Stone arrebenta na direção deste filme, a edição e montagem são alucinantes, os diálogos são ótimos, a trilha sonora excelente… tudo funciona! Um filme para ver e rever!

Legalize Já – Amizade Nunca Morre (2017)

Skunk idealizou e ajudou a compor o material da banda Planet Hemp, mas não viveu para ver o seu sucesso e a polêmica que iria causar em todo o país. Entretanto, seu legado está presente e é reverenciado até hoje. Mas ele não fez isso sozinho. Ao seu lado estava seu grande amigo Marcelo D2. O filme Legalize Já retrata com propriedade o início da amizade entre Skunk e D2, a formação da banda Planet Hemp e o início do seu sucesso com o disco Usuário, lançado em 1995. Dirigido por Johnny Araújo e Gustavo Bonafé, e escrito por Felipe Braga, o longa tem uma cara de filme independente, uma fotografia ousada e muito bonita, além de ótimas atuações e uma ótima trilha sonora. Um filme para o qual se mantenha o respeito.

Bohemian Rhapsody (2018)

O diretor Bryan Singer ficou conhecido por conceber os melhores filmes da franquia X Men, além de ter dirigido o excelente Os Suspeitos, um filmaço de 1995 subestimado pela crítica. Mas foi em Bohemian Rhapsody que ele mostrou o grande diretor que é, ao retratar com tanta exuberância e cuidado a vida de Freddie Mercury e a obra do Queen. É verdade que o longa tem algumas falhas.  O roteiro de Anthony McCarten e Peter Morgantem tem alguns furos, além de alguns fatos sobre a banda serem omitidos e outros inventados, mas tudo em nome da boa e velha licença poética, que libera certos dribles na realidade para tornar a obra mais suculenta e apetitosa. O filme é vigoroso e vale a pena ser visto! Ah, sim! Há de se exaltar a brilhante atuação de Remi Malek como Freddie Mercury. O cara mandou bem demais! E a reprodução no filme da apresentação do Queen no Live Aid (olha o dia do rock aí!) é impecável!

Tim Maia (2014)

A história de Tim Maia chega a ser inacreditável! Dessas que quem ouve falar diz “Nossa, a vida desse cara dava um filme”. Pois é. Não bastou ser um dos maiores cantores do país, Tim Maia ainda teve uma vida intensa e cheia de momentos dignos de nota. A infância pobre no Rio de Janeiro. A banda promissora que foi desfeita depois de uma traição, a viagem aos Estados Unidos, a juventude transviada das drogas, a deportação e finalmente a ascensão na música. Mas não pára por aí, porque depois ainda vem a fase Racional, a criação de seu próprio selo, os shows que ele foi e os que ele não foi e a morte que quase aconteceu em cima do palco. Com uma história dessas, seria muito difícil sair um filme ruim. Ainda bem que Mauro Lima, que escreveu e dirigiu o filme, que foi inspirado no livro Vale Tudo, de Nelson Motta, soube aproveitar essa história e realizar um filmaço! Com uma direção fluída, ótima fotografia e atuações espetaculares. A trilha sonora, não precisamos nem dizer, é do c#r@l§! E se você está se perguntando o que o Tim Maia tem a ver com o rock, basta você saber que, além de ter feito uma música influente em todas as vertentes, estamos falando do cara que assumia bem humorado que, antes dos shows, praticava o triátlon, ou seja, mandava pra dentro whisky, maconha e cocaína. Se isso não é rock n’ roll, meu amigo…

Menção Honrosa

Ainda que o dia 13 de julho seja considerado o Dia Mundial do Rock mais aqui no Brasil mesmo, certamente, o mês de julho deve ser celebrado como o mês do rock n’ roll, independente disso. Em especial o dia 5 de julho é deveras significativo para a história do rock. Afinal, foi nesse dia que Elvis Presley, acompanhado de Scotty Moore e Bill Black gravou no estúdio da Sun Record a música That’s Alright Mama, a primeira gravação de Elvis, que se tornou popular e influenciou gerações a seguir. Por isso mesmo, não podemos deixar de citar o ótimo filme Elvis, escrito e dirigido por Baz Luhrmann, lançado em 2022. É um filme vigoroso e muito bem produzido, que conta toda a trajetória de Elvis. O longa conta com Tom Hanks, brilhante no papel de Coronel Tom Parker, e Austin Butler numa impressionante interpretação de Elvis. Não é só que o filme é bom, mas também a história de Elvis e sua música são inigualáveis. Não é à toa que ele ficou conhecido como o Rei do Rock, tendo influenciado todo mundo que veio depois dele. Inclusive os Beatles, cuja primeira apresentação nos Estados Unidos aconteceu no dia 5 de julho de 1964. É… talvez seja boa ideia a gente rever esse dia do rock no mês de julho.

Camiseta Kurt
Camiseta Freddie
Camiseta Abbey

Seja dia 5 ou dia 13, não importa! Porque todo dia é dia de rock! Pelo menos pra nós aqui da Strip Me! Por isso estamos sempre produzindo camisetas instigantes e provocadoras, além de super descoladas, claro! Entra na nossa loja pra conferir! Toda semana pintam novos lançamentos, e lá você encontra camisetas de música, cinema, arte, cultura pop e muito mais!

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist caprichada com músicas dos artistas biografados nos filmes citados neste texto! Rock no Cinema (Parte 2) top 10 tracks.

Camiseta Imunização
Camiseta Stoners
Camiseta Tropicalismo
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12 filmes que contam a história do rock! Parte 1

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12 filmes que contam a história do rock! Parte 1

No mês do rock, a Strip Me apresenta 12 histórias de cinema, sobre alguns dos mais importantes artistas da música pop!

Que o rock n’ roll é mais que um gênero musical, mas um estilo de vida, todo mundo sabe. Porém, algumas vidas são mais interessantes que outras, e elevaram alguns artistas a um status de quase divindade. E, na grande maioria dos casos, esse status é, ao mesmo tempo, a glória e a ruína. Afinal, convenhamos, a maioria das histórias são bem parecidas. Um artista de origem humilde, com muito talento, ascende ao estrelato, se perde em excessos de todo tipo e alguns ficam pelo caminho e outros dão a volta por cima. Mas todos acabam virando lendas.

O cinema é prodígio em contar essas histórias com muita eficiência. São muitos os filmes que se prestam a retratar a vida de artistas famosos. O Dia do Rock é 13 de Julho. Portanto, aproveitamos para declarar o nosso amor ao rock n’ roll elencando alguns dos melhores filmes sobre artistas que ajudaram a moldar essa música e esse estilo de vida que a gente tanto adora! Selecionamos 12 filmes e dividimos este post em 2 partes. Hoje você confere 6 filmes e semana que vem, um dia antes do Dia do Rock, publicamos a segunda parte deste texto. Então prepara a pipoca e se liga na nossa lista!

Minha Fama de Mau (2019)

Assim como a maior parte das cinebiografias já feitas, este filme foi escrito baseado no livro de mesmo nome, que conta a história de Erasmo Carlos. No caso, o livro é uma autobiografia muito bem escrita e recheada de boas histórias. O filme consegue transmitir a mesma leveza e ingenuidade dos primeiros anos da Jovem Guarda e a evolução de Erasmo como músico e pessoa. Claro, sem a complexidade do livro, por falta de tempo e espaço. Mas Lui Farias dirige o filme com competência, o roteiro, escrito a seis mão por L.G. Bayão, Lui Farias e Letícia Mey, é superficial, mas se sustenta bem, principalmente por conta de seus personagens serem nossos velhos conhecidos, Erasmo Carlos é interpretado por Chay Suede com elegância. Minha Fama de Mau é um filme bem divertido, uma sincera ode aos primórdios do rock n’ roll brasileiro e a um de seus principais nomes.

What’s Love Got to Do with It (1993)

Este filme saiu no Brasil em 1994 sob o título Tina – A Verdadeira História de Tina Turner. O título original, além de aludir a uma das músicas mais famosas de Tina Turner, tem tudo a ver com o enredo do filme, que conta a história de Turner desde a infância até o auge de sua carreira, passando pelo seu conturbado casamento com Ike Turner. O filme é dirigido pelo britânico Brian Gibson, responsável pela cinebiografia de Frida Kahlo como produtor, além de dirigir o divertidíssimo Still Crazy, filme sobre uma banda fictícia dos anos 70. O roteiro é assinado por Kurt Loder e Kate Lanier, além da própria Tina Turner. É um filme muito bem executado, com uma excelente trilha sonora e cenas bem dramáticas. Tina Turner teve uma vida sofrida, mas repleta de êxitos e momentos inesquecíveis. O filme é muito bom, teve algumas indicações ao Oscar, inclusive, mas foi soterrado por uma avalanche de ótimos filmes naquele ano, como A Lista de Schindler, Philadelphia, Jurassic Park, O Fugitivo, Em Nome do Pai e Sintonia de Amor.

Elis (2016)


Não é exagero dizer que Elis Regina é a maior cantora brasileira de todos os tempos. Da mesma forma, não é forçar a barra incluí-la numa lista dedicada a artistas do rock n’ roll. Sempre foi uma artista controversa e disposta a romper com qualquer limite imposto. Por isso mesmo, ela fez parte da passeata contra a guitarra elétrica nos anos 60, e nos anos 70 não economizou nas distorções e frases bluesy para cantar canções do Belchior. Elis teve uma vida tão intensa, que as quase duas horas de filme não são suficientes, e muita coisa ficou de fora. Mas Hugo Prata, que dirigiu e escreveu o filme, com o apoio dos roteiristas Luiz Bolognesi  e Vera Egito, entrega um filme bem acabado, com uma fotografia vigorosa, boas atuações, mas um roteiro superficial e um pouco atropelado. Mas só pela trilha sonora e pela fotografia, já vale a pena assistir.

Walk the Line (2005)

Também conhecido por Johnny e June, este filme é baseado em um dos melhores livros de rock n’ roll já escritos: a autobiografia de Johnny Cash! O livro tem uma riqueza de detalhes e um tom confessional tão impactantes, que chega a ser surpreendente que o filme não deixe muito a desejar em relação ao livro. Isso quer dizer que se trata de um baita filme bom! A química entre Joaquim Phoenix e Reese Whiterspoon interpretando Johnny Cash e June Carter Cash é avassaladora! Além disso, o roteiro é muito bem amarrado e rico em grandes cenas e bons diálogos. James Mangold escreveu e dirigiu o filme com brilhantismo. Aliás, um ótimo diretor. Vamos lembrar que ele é o homem responsável por Garota Interrompida, além de ter concebido o mais profundo filme sobre um personagem de histórias em quadrinho, o excelente filme Logan, de 2017. Walk the Line é um filmaço, responsável por apresentar o contestador e cascudo Johnny Cash às novas gerações. Só por isso, já merece nosso respeito.

Cazuza: O Tempo não Pára (2004)

A verdade é que este filme acabou gerando quase tanta polêmica quanto a própria vida de seu personagem principal. Não que o filme seja ruim. É um bom entretenimento, mas deixou de fora muita coisa importante da vida pessoal e profissional de Cazuza. Um dos maiores motivos de discussão foi que o filme sequer cita os nomes de duas pessoas muito próximas de Cazuza: Lobão e Ney Matogrosso. Lobão era o melhor amigo de Cazuza, e os dois viviam juntos pra cima e pra baixo, e compuseram várias músicas juntos, a mais famosa é Vida, Louca Vida. Já Ney Matogrosso foi um dos primeiros namorados de Cazuza, o caso de amor dos dois durou pouco tempo, mas foi o suficiente para ficar na história, mas não no filme. Cazuza: O Tempo não Pára foi dirigido por Walter Carvalho e Sandra Werneck, e escrito por Lucinha Araújo, Fernando Bonassi e Victor Navas. O filme é um bom entretenimento, mas não passa disso. Quem melhor definiu o longa foi justamente Lobão, que, ao ser perguntado sobre o filme, disparou: “Parece um episódio de Malhação.”

Rocketman (2019)

Elton John é um dos artistas mais intrigantes do rock n’ roll. É originalíssimo e mega talentoso, mas também carrega uma tonelada de referências externas. Tem virtudes comparáveis aos maiores gênios. O lirismo de Freddie Mercury, as melodias de Paul McCartney e a estética de David Bowie. Essa personalidade multifacetada e exuberante é lindamente retratada no excelente filme Rocketman. Um filme de fotografia e edição impressionantes, roteiro incrivelmente bem amarrado e quebrando paredes, e uma direção fantástica. É uma das melhore cinebiografias já feitas, sem sombra de dúvidas. Há quem torça o nariz para o filme, por ele ser muito próximo de um musical. Mas as pessoas esperavam o que? Afinal é a vida do Elton John! Só poderia ser contada através da música (e de figurinos excêntricos, claro). O filme tem a direção de Dexter Fletcher e roteiro de Lee Hall. E é um filme imperdível!

Camiseta McFly
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Essa foi a primeira parte da celebração da Strip Me pelo ia do Rock! Na semana que vem você confere a segunda parte dessa lista, com mais 6 filmes sobre grandes nomes do rock ‘n roll. Enquanto não chega essa parte 2, você pode dar aquela conferida no nosso site e escolher suas camisetas favoritas da nossa coleção de camisetas de música. Aproveita e dá uma olhada nos lançamentos, que pintam na nossa loja toda semana, além de camisetas de cinema, arte, cultura pop e muito mais. Barulho, diversão e arte é com a gente mesmo!

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist caprichada com músicas dos artistas biografados nos filmes citados neste texto! Rock no Cinema (Parte 1) top 10 tracks.

Para ler: Sem dúvida, entre todos os livros que inspiraram filmes, um dos melhores e mais impactantes é Cash, a autobiografia de Johnny Cash. Direto ao ponto, com uma escrita fluída e simples, Johnny Cash coloca nas páginas toda a sua vida, suas virtudes, seus pecados, seus altos e baixos, sua relação com a família, com a música, com o amor, com a religião e consigo mesmo. É um relato fortíssimo e inspirador. Livro praticamente obrigatório, de tão bom.

Camiseta Come Together
Camiseta Bollocks
Camiseta Is This It Minimalista
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Os 10 melhores filmes do gênio Martin Scorsese

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Os 10 melhores filmes do gênio Martin Scorsese

A Strip Me não tem medo da polêmica e, para homenagear Martin Scorsese, elencou entre os mais de 25 filmes do diretor, seus 10 melhores.

Imagine um menino que nasceu em New York na década de 1940, descendente de sicilianos, crescendo num bairro de imigrantes, onde a pobreza contrasta com alguns homens de ternos bem cortados tomando café na porta de alguns estabelecimentos, com cara de poucos amigos. O que se pode esperar do futuro desse menino? Ora, ser padre, é claro! Pois era o que queria ser quando adulto o adolescente Martin Scorsese, nascido no Queens em 1942. Porém, por ter uma saúde frágil, o jovem Scorsese quase não saía para a rua e faltava muito na escola. Para compensar, seus pais frequentemente o levavam para se distrair no cinema. Acontece que nos anos 50, quando Martin passava da infância para a adolescência ainda não tinha essa coisa de filmes para crianças. Então, com 12 para 13 anos, ele assistia filmes de Alfred Hitchcock e Ingmar Bergman. E tudo mudou.

Hoje Martin Scorsese é facilmente reconhecido como um dos maiores nomes do cinema de todos os tempos. E é curioso notar que tudo em sua vida pessoal colaborou para que ele fosse um cineasta tão autêntico, realista e de alto primor técnico. Ter crescido nos arredores de Little Italy,  em New York, nos anos 50, sendo ele próprio descendente de sicilianos, lhe deu uma visão única da máfia em seu auge. Sua religiosidade fez com que o catolicismo e a cristandade estivessem sempre presente em sua obra, mas sob um viés questionador, provocador até, justamente por ele ter muitas vezes questionado a sua fé, depois que o cinema e a literatura, e consequentemente a reflexão sobre a religiosidade, se tornaram um hábito.

A obra de Scorsese é vasta e impressionante, tamanha a qualidade de praticamente todos os seus filmes. São 25 filmes entre 1968 e 2019, sendo que tem mais um a caminho, que será lançado ainda neste ano. E isso só ficção, sem falar nos documentários, que são 12 no total, e pelo menos 3 são realmente fabulosos. Além disso, a obra de Scorsese é marcada por parcerias longevas e de muito sucesso, em especial com o ator Robert De Niro, e atualmente com Leonardo Dicaprio.  Há quem diga que a melhor forma de conhecer um artista é através de sua obra. Então, resolvemos selecionar os 10 filmes mais importantes da carreira do diretor. Não foi fácil escolher só 10 entre tantos filmes incríveis.  Então, você confere a seguir os 10 melhores filmes de Martin Scorsese segundo a Strip Me.

10 – O Rei da Comédia (1982)
Um filme excelente, apesar de menosprezado. Mas é compreensível que assim seja. O Rei da Comédia foi o filme que sucedeu Touro Indomável. O filme é empolgante ao misturar comédia e drama para contar a história de um homem perturbado, que vive entre sua própria imaginação e a realidade, cujo desejo é ser um grande comediante. Para alcançar seu objetivo, ele vai até as últimas consequências para se apresentar no talk show mais famoso da TV, apresentado por um renomado comediante. Protagonizado por Robert De Niro e Jerry Lewis, O Rei da Comédia é um baita filme, que ganhou mais atenção do público recentemente. Afinal, claramente o elogiadíssimo filme Joker, lançado em 2019, é mais que uma clara homenagem, é praticamente um remake do filme de Scorsese.

9 – Vivendo no Limite (1999)
Mais um filme sensacional de Scorsese que é pouco conhecido. Também compreensível que assim seja. 1999 foi um ano abençoado para o cinema. No mesmo ano foram lançados Clube da Luta, De Olhos Bem Fechados, Garota Interrompida, Beleza Americana e A Espera de um Milagre. Porém, Vivendo no Limite não deixa nada a desejar a estes filmes. Scorsese traz a história de um motorista de ambulância workaholic, que começa a ver fantasmas dos pacientes que não conseguiu salvar e, ao invés de diminuir, aumenta sua entrega ao trabalho. O filme é alucinante, com uma fotografia e edição fantásticas, uma trilha sonora arrebatadora com The Clash, Van Morrison, Johnny Thunders, R.E.M. e The Who. Além disso, Scorsese consegue arrancar de Nicolas Cage, que sempre foi um ator mediano, uma atuação vigorosa.

8 – O Irlandês (2019)
É o filme mais recente de Scorsese e pode ser considerado um épico, não só por ser um filme longo (mais de 3 horas de duração). O irlandês conta a história que tem ligação direta com um dos casos mais impactantes da história recente dos Estados Unidos, e que continua ainda hoje sem uma conclusão, o caso da morte do líder sindical Jimmy Hoffa. Além de se embrenhar num tema tão espinhoso, o filme tem outros atrativos. Pra começo de conversa, reúne Al Pacino e Robert De Niro finalmente num filme decente e a altura da qualidade dos dois atores. É um filme brilhante, que tem diálogos excelentes, ótimas cenas de ação e uma história bem amarrada, que prende a atenção. Um filme com a cara (e a qualidade) de Scorsese.

7 – Cabo do Medo (1991)
Um suspense como só Scorsese poderia fazer e só De Niro poderia protagonizar com tanta excelência! O roteiro é bem simples. Na verdade, o filme em si não é novidade, pois trata-se de um remake do filme de mesmo nome lançado em 1962 e protagonizado por Gregory Peck. Mas a versão de Scorsese é imbatível! A história gira em torno de um criminoso condenado que, ao sair da cadeia, passa a atormentar a família do promotor que o colocou na prisão. A entrega de De Niro ao personagem é assustadora.  É um suspense de roer as unhas que vale ser visto e revisto! Além de tudo foi o filme que revelou ao mundo a jovem atriz Juliette Lewis.

6 – Os Infiltrados (2006)
Este foi o filme responsável pelo primeiro Oscar de Scorsese. Sim, Os Infiltrados é um ótimo filme. Mas não é pra Oscar. Ele concorreu com Babel, Pequena Miss Sunshine e Cartas de Iwo Jima, que são tão bons quanto, se não melhores. Mas é possível que a academia tenha dado o Oscar a Os Infiltrados em nome do conjunto da obra de Scorsese, que tem pelo menos um cinco filmes antes deste que mereciam, e muito, a estatueta. Tá, mas isso não diminui em nada o filme, que fique claro. Os Infiltrados é um filme de máfia como só Scorsese pode conceber, repleto de violência e com uma trama que privilegia seus personagens. Mais uma vez, Scorsese apresenta um filme empolgante, com uma trilha sonora excelente e ótimas atuações. Aliás, de novo Scorsese tira leite de pedra ao fazer um ator mediano apresentar uma atuação acima da média. O nome da vez é Mark Wahlberg.

5 – Casino (1995)
Entramos no Top 5! Começamos a pisar em solo sagrado, de filmes que realmente mudam a perspectiva das pessoas e revolucionam de alguma maneira o jeito de fazer cinema. Casino é um filme de Martin Scorsese por excelência. Tudo que faz de Scorsese um cineasta genial está lá.  A escolha do elenco, que entrega atuações brilhantes, um roteiro denso e bem amarrado, cenas de violência explícita impressionantes, fotografia instigante, trilha sonora impecável e direção perfeita. A história se assemelha a do filme Bons Companheiros, pois conta a trajetória de um judeu associado à máfia que é designado para gerenciar um casino em Las Vegas. O filme é inspirado numa história real. Uma curiosidade aqui é que a trilha sonora, além de muito bem escolhida, tem um papel essencial no filme. Como a maior parte do filme acontece dentro de um casino, onde não se vê o mundo exterior e as roupas são sempre extravagantes e atemporais, é através das músicas que o passar dos anos é evidenciado. Enfim, um filme imperdível!

4 – O Lobo de Wall Street (2013)
O negócio de Scorsese é realmente contar histórias de personagens incríveis, carismáticos e que tem uma trajetória vertiginosa. Aqui a máfia dá lugar ao igualmente inescrupuloso e ganancioso mercado de ações e especulação monetária. Leonardo Dicaprio, numa atuação exuberante e irretocável, encarna um ousado homem de negócios que começou por baixo e cresceu rapidamente, entendo os meandros, pormenores e excessos do mercado financeiro. É um filme tão empolgante e divertido, que nem parece que tem 3 horas de duração. Além de tudo é um filme apresenta tamanho realismo que deixa uma pulga atrás da orelha: será que o alto escalão do mercado financeiro é desse jeito mesmo, ou isso é só uma caricatura?

3 – Touro Indomável (1980)
Após concluir Taxi Driver, seu primeiro filme realmente reconhecido pelo público e pela crítica, Martin Scorsese lançou um filme  que foi um fracasso total. Esse fracasso fez com que ele quase desistisse do cinema e fosse trabalhar apenas como diretor de vídeo clipes. Foi Robert De Niro quem o incentivou a continuar. Na mesma época em que De Niro dava essa força, chega ás mãos de Scorsese o roteiro de Touro Indomável, a história do lutador de boxe Jake LaMotta, uma história real. O filme é de uma sensibilidade inacreditável. Carrega consigo uma carga imensa de brutalidade e drama, que fizeram com que LaMotta tivesse uma vida de glória nos ringues e desastrosa dentro de casa. O trabalho de De Niro aqui é soberbo, sua transformação física ao encarnar o protagonista em seu auge na juventude e decadente na velhice é impressionante. Touro Indomável é o segundo filme da carreira de Scorsese que deveria ter ganho o Oscar. Outra curiosidade é que o próprio LaMotta, quando assistiu ao filme chorou muito e, ao final, ele perguntou para a sua esposa se ele havia sido uma pessoa tão terrível como aparece no filme. Ela respondeu: “Você era bem pior”.

1 – Empate Técnico
Não dá pra dizer qual destes dois filmes é melhor. Além de serem filmes bem diferentes, os dois são irretocáveis e realmente geniais, cada um com suas particularidades. Portanto, os dois entram para a lista como número 1.
Taxi Driver (1976)
Martin Scorsese era o homem certo na hora certa para realizar Taxi Driver. Primeiro, ele conhece New York como ninguém. Segundo, não tem medo de explorar a violência e brutalidade, e o faz sem parecer forçado. Terceiro, ele tem ao seu lado Robert De Niro, um ator fenomenal. Taxi Driver é um retrato de seu tempo. Um Estados Unidos sem esperança e violento, amargurado com o fim da guerra do Vietnã, que gerou milhares de homens perturbados, veteranos de uma guerra que matou mulheres e crianças, que só sabiam matar e agora estavam sem emprego. Esse é o perfil Travis Bickle, personagem principal, interpretado por De Niro. O filme é um clássico absoluto, desses que tem cenas tão icônicas que são repetidas em inúmeros filmes depois dele (“You talkin’ to me?”). Era um filme pra levar o Oscar. E ele perdeu sabe pra quem? Para Rocky, sim o filme de Sylvester Stallone sobre o boxeador Rocky Balboa. E ele levou o Oscar porque, além de ser realmente um ótimo filme, mostra exatamente o mesmo Estados Unidos despedaçado, mas tem como protagonista um homem simples, do povo, que consegue vencer na vida. Afinal, um pouco de otimismo não faz mal a ninguém.
Bons Companheiros (1990)
Coppola que não nos ouça, mas foi Martin Scorsese quem realmente definiu os moldes de um bom filme de máfia. E Foi com este Bons Companheiros que o fez. Claro que a trilogia Poderoso Chefão é genial, mas traz uma visão limitada, romantizada e vista de cima para baixo do mundo da máfia. Já Scorsese traz um olhar mais realista, com uma visão mais ampla e menos glamourizada. Além disso é quase didático ao explicar através da vida de Henry, como funciona a hierarquia da máfia italiana. Primeira coisa a ser dita sobre este filme: de novo Scorsese arranca uma atuação brilhante de um ator medíocre, neste caso Ray Liotta, que interpreta com perfeição o protagonista Henry Hill, um rapaz que não pode ser  efetivado na máfia por não ser de origem italiana, mas que é um gângster associado à máfia, com todos os seus privilégios, junto com  seus amigos  Jimmy Conway e Tommy (Robert De Niro e Joe Pesci). Mais uma vez Scorsese ajuda a mostrar a passagem do tempo através de uma trilha sonora excelente. Mais uma vez ele traz a violência crua e sem rodeios. Mais uma vez ele executa uma direção irretocável. Mais uma vez ele perde o Oscar. Desta vez, não tem muita explicação. O ganhador do Oscar naquele ano foi Dança com Lobos. Um ótimo filme, mas Bons Companheiros é melhor, mais completo, mais intenso. Bons Companheiros é o filme de máfia perfeito. É um filme que não dá pra cansar de rever. É uma obra prima, assim como Taxi Driver.

Menção honrosa
Precisamos falar, nem que seja por cima do trabalho de Scorsese como documentarista de música. Pelo menos 3 de seus documentários merecem ser mencionados: The Last Waltz, de 1978, que documenta o último show da banda The Band, famosa por acompanhar Bob Dylan, antes de sua separação. Além das músicas, é um filme  emocionante, com alguns depoimentos e uma fotografia delicada. George Harrison: Living in the Material World, de 2011 é outro documentário brilhante, contando a vida do guitarrista dos Beatles sob um viés mais pessoal e humano. Repleto de imagens raras e depoimentos de amigos e familiares, é uma homenagem a altura do talento do inigualável beatle George. Por fim, Rolling Thunder Revue: A Bob Dylan Story, de 2019, é acachapante. O filme retrata a turnê de Bob Dylan de 1975 pelos Estados Unidos. Uma turnê insana que além de músicos, contava com vários amigos, entre eles o poeta beat Allen Ginsberg. O filme traz imagens memoráveis de shows e de backstage, além de vários depoimentos interessantíssimos.

Que homem é Martin Scorsese! Um cineasta desse gabarito não podia deixar de ser homenageado pela Strip Me, que claro, tem estampa incrível com referência a um de seus filmes. O cinema cru e revolucionário de Scorsese é uma inspiração e referência para a marca! Confere na nossa loja as camisetas de cinema, de música, arte, cultura pop e muito mais. Além disso, no nosso site você fica por dentro de todos os nossos lançamentos, que pintam toda semana!

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Para ouvir: Uma playlist poderosa, baseada no que há de melhor em todas as trilhas sonoras dos filmes do Scorsese. Scorsese Top 10 tracks.

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Yin Yang: O Equilíbrio da Vida

| Por Paulo Argollo | Comentários desativados em Yin Yang: O Equilíbrio da Vida
Yin Yang: O Equilíbrio da Vida

A Strip Me faz sua alquimia ao misturar a filosofia chinesa do Yin Yang à diversidade da cultura pop, para criar camisetas originais e super contemporâneas.

Demorou muito para que os povos do ocidente (nós, no caso) realmente assimilassem filosofias e hábitos orientais. A história do mundo nos mostra que sempre rolou uma barreira muito grande entre esses dois mundos. De um lado a filosofia greco romana e a religiosidade judaico-cristã. De outro as filosofias milenares do taoísmo e do budismo. Durante o Renascimento e as grandes navegações, muito se consumiu do oriente, claro. Mas apenas produtos e alimentos, as famosas especiarias e as sedas chinesas. Foi mais à partir do século XX mesmo que as coisas começaram a mudar e o ocidente passou a incorporar elementos das filosofias orientais.

O engraçado é que as coisas chegam até nós meio enlatadas, com um verniz espesso de ocidentalização. E não estamos falando só do brasileiro, que transforma o sushi em hot roll. Um exemplo é o Feng Shui, que é um princípio filosófico complexo, cheio de nuances e interpretações, que acabou virando meio que uma vertente do design de interiores, um conceito que os arquitetos mais descolados gostam de usar para justificar suas ideias. Da mesma maneira, o Yin Yang virou um símbolo pop, que virou febre entre os jovens dos anos 80 em vários lugares do mundo, que tatuavam o símbolo no braço sem saber direito o que aquilo significa.

O Yin Yang também é um conceito filosófico bem complexo e abrangente, é a base do taoísmo. Por sua vez, o taoísmo é uma filosofia religiosa politeísta chinesa, que tem sua própria explicação para a criação do universo, do planeta Terra e da humanidade. O Yin Yang está presente nesse princípio de tudo para os chineses. Ele representa o equilíbrio e a harmonia entre dois opostos. Luz e sombra, fogo e água, terra e céu, positivo e negativo, multiplicar e dividir… enfim, opostos, mas que se equilibram, que precisam um do outro para existir. Portanto, quando acontecem grandes catástrofes naturais como tsunamis, erupção de vulcões e até mesmo guerra entre povos, os chineses identificam essas coisas como desequilíbrios no Yin Yang. É por isso que em sua representação gráfica, o símbolo Yin Yang é uma esfera, dividida perfeitamente por uma onda, um lado é branco e outro é preto, e em cada lado, há um ponto. No lado preto um ponto branco e no lado branco um ponto preto, mostrando que a harmonia, representada pela onda, se estabelece quando os dois lados coexistem e interagem em equilíbrio.

Os primeiros registros do conceito do Yin Yang no taoísmo datam do século II antes de Cristo, ou seja, 4 mil anos atrás. Ao longo dos séculos ele foi sendo mais elaborado. Mas logo no início já ganhou a representação da esfera dividida entre preto e branco, representando o equilíbrio das forças da natureza, da mente e do físico. Yin preto e yang branco, integrados num movimento contínuo de geração mútua e interação destas forças. A filosofia taoísta observa a vida e a realidade como algo fluído, em constante mutação, por isso o equilíbrio do Yin Yang se mostra tão importante para sua cultura. Para se ter uma ideia, os conceitos do Yin Yang são aplicados em todas as áreas, da arte à matemática, passando pela agronomia, medicina, astronomia e muitas outras áreas da ciência e filosofia.

No século XX, as fronteiras do mundo diminuíram e começou a rolar toda uma descoberta dessas filosofias orientais por parte dos intelectuais do ocidente. No início do século, técnicas como a xilogravura, cuja obra mais marcante é A Onda de Kanagawa, se popularizou, bem como escritores existencialistas, entre eles alguns da geração beat, passaram a flertar com o budismo tibetano. Mais pra frente, nos anos 60, a cultura indiana se popularizou entre os jovens, muito graças aos Beatles, é verdade. Mas nessa busca por transcendência e purificação do ser humano que alguns hippies investiram, acabaram vindo junto alguns conceitos do taoísmo. E o Yin Yang passou a estampar algumas camisetas e batas. Claro, afinal, além de ter essa ideia de equilíbrio, o Yin Yang é esteticamente muito cativante.

Essa percepção do taoísmo sobre a natureza humana, representada pelo Yin Yang é realmente muito reveladora, e muito interessante. Tanto é que aparece com uma frequência enorme em diferentes manifestações artísticas. Nas artes plásticas isso fica mais subjetivo, mas pode ser identificado em obras como o Homem Vitruviano, de Leonardo Da Vinci. É bem provável que Da Vinci não tivesse contato direto com a filosofia taoísta. Ainda assim, transmitiu nessa obra, o mesmo conceito de equilíbrio e harmonia do ser. Mas é na literatura, quadrinhos e cinema que o Yin Yang é retratado com vitalidade e clareza, através de personagens complexos e diversos.

O maior exemplo é claramente o conto O Estranho Caso de Dr. Jekyll e Mr. Hyde, escrito pelo escocês Robert Louis Stevenson e publicado originalmente em 1886. A obra que ficou mais conhecida como O Médico e o Monstro se tornou sucesso absoluto na Europa, logo foi adaptada para o teatro e, no século seguinte, assim que o cinema foi criado, ele foi um dos primeiros textos a serem adaptados para as telonas. E é, ainda hoje, uma as obras literárias com o maior número de adaptações no cinema. São mais de 30 filmes. O primeiro foi lançado em 1920, dirigido por John S. Robertson. O mais recente é de 2017, dirigido pelo Luciano Barsuglia. Mas, certamente a mais importante e impactante adaptação é a de Victor Fleming, O Médico e o Monstro, lançado em 1941 e estrelado por Spencer Tracy, Ingrid Bergman e Lana Turner. O Estranho Caso de Doutor Jekyll e Senhor Hyde foi a primeira obra, tanto na literatura, quanto no cinema, a personificar com propriedade o Yin Yang, essa dualidade que existe no ser humano, que é bom e mau naturalmente, e vive em harmonia. Mas se algo faz com que esse equilíbrio seja quebrado, as consequências podem ser desastrosas.

Uma espécie de releitura do Dr Jekyll é o personagem Harvey Dent, incorruptível promotor público de Gotham City, que depois de sofrer um acidente, tem metade de seu rosto desfigurado e passa a ter dupla personalidade, tornando-se um dos mais icônicos inimigos do Batman, o Duas Caras. O interessante sobre o Duas Caras é que, assim como o Yin Yang, ele tem uma maneira de manter o equilíbrio entre suas duas personalidades opostas: o acaso. Antes de tomar uma decisão conflitante entre o promotor público honesto e o vilão enraivecido, o personagem joga uma moeda para o alto e tira no cara ou coroa. O problema é que, para o azar de Gotham, a moeda quase sempre fica do lado do vilão. No universo dos quadrinhos de Batman outro exemplo de gritante de Yin Yang é a relação do próprio Batman com seu maior rival, o Coringa. Ambos são originados na violência e desigualdade de Gotham, mas um decide lutar contra o crime e o outro abraça o caos. E os dois se completam, um não existiria sem o outro. O belíssimo filme Joker, de 2019, com Joaquim Phoenix como protagonista, mostra isso com clareza.

E o mais recente e marcante exemplo de Yin Yang no cinema, que pode até ser considerada mais uma releitura de Dr. Jekyll e Mr. Hyde, é o excelente Clube da Luta. Tyler Durden é o Dr. Jekyll do fim do século XX. Aqui temos os opostos realmente convivendo e lutando para se equilibrar. Com a diferença que nesta obra, tanto o escritor Chuck Palahniuk, quanto o diretor David Fincher, apostam no caos como forma de equilibrar os opostos. Como no poema de William Blake, que inspirou o nome da banda The Doors, o final de Clube da Luta, que aponta para o ápice do caos, justamente quando Tyler Durden tem pleno conhecimento de sua dualidade. “Quando as portas da percepção forem finalmente abertas, tudo aparecerá como realmente é: Infinito.”. Justamente o que prega o taoísmo chinês, a harmonia e fluidez da vida rumo ao infinito, numa constante evolução.

Enfim, todas essas teorias milenares orientais são bem complexas mesmo, e não dá pra gente resumir e falar sobre elas superficialmente. Mas é legal a gente saber sobre essa força imensa do Yin Yang e como ela é bem representada, num ícone tão simples e bonito. Além do mais, harmonia e equilíbrio fazem parte da nossa inspiração e filosofia de trabalho na Strip Me. Isso se reflete no uso de insumos que não agridem o meio ambiente, parceria com empresas locais e frequentes doações para ONGs que defendem nossos princípios.  Isso sem falar nas camisetas que combinam estilo e atitude em estampas de arte, música, cinema, cultura pop e muito mais. Confira tudo isso na nossa loja, onde você aproveita para ficar por dentro dos lançamentos, que pintam toda semana.

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Para ouvir: Na música o Yin Yang também se faz presente, em parcerias que se completam. Lennon-McCartney, Richards-Jagger, Simon-Garfunkel… portanto, segue uma playlist com as mais marcantes duplas “Yin Yang” da música pop! Yin Yang Top 10 tracks!

Para assistir: O Clube da Luta com certeza é o filme que melhor retrata a dualidade do ser humano moderno em toda a sua complexidade. O filme é baseado no livro de Chuck Palahniuk, dirigido pelo David Fincher e protagonizado por Brad Pitt e Edward Norton, que são realmente um só em todo o filme. O filme foi lançado em 1999.

Para ler: A editora Darkside Books lançou em 2019 uma edição lindíssima, em capa dura do clássico O Médico e o Monstro, de Robert Louis Stevenson. Além de ser um texto realmente brilhante, essa edição da Darkside vale a pena pelo belíssimo tratamento gráfico.

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Quentin Tarantino One by One: Todos os filmes, do pior ao melhor.

| Por Paulo Argollo | Comentários desativados em Quentin Tarantino One by One: Todos os filmes, do pior ao melhor.
Quentin Tarantino One by One: Todos os filmes, do pior ao melhor.

Na expectativa do décimo filme de Tarantino, em fase de produção, a Strip Me ranqueou todos os filmes do diretor, do pior ao melhor.

Um post claramente polêmico. Nada mais justo, afinal Quentin Tarantino sempre foi um diretor de cinema polêmico, gerando discussões sobre apologia à violência, subverter fatos históricos, abusar de referências pop e retratar o Bruce Lee levando um pau de um dublê de Hollywood. Mas é sua obra que o coloca como um dos maiores diretores da história do cinema. Um revolucionário. Tarantino fez na indústria do cinema o que o Nirvana fez na indústria fonográfica (e praticamente na mesma época). Ambos alçaram ao topo do mainstream o que era alternativo e underground, com obras absolutamente fantásticas e de valor inquestionável. O disco Nevermind desencadeou uma avalanche de lançamentos de bandas desconhecidas, e Pulp Fiction fez com que diretores autorais, como os irmãos Coen por exemplo, tivessem mais espaço, além de iniciar uma época de filmes violentos mais crus e explícitos.

Tarantino anunciou no começo deste ano que finalizou o roteiro de seu décimo filme, e aproveitou para dizer que será seu último. Se ele vai mesmo pendurar a claquete, só o tempo dirá. Mas a expectativa sobre seu último filme é enorme. Intitulado The Movie Critic, o longa será ambientado em 1977. Em entrevistas o diretor não deu pistas sobre a história, mas afirmou de antemão que não se trata de um crítico de cinema específico, não é uma cinebiografia ou algo assim. As filmagens estão programadas para o outono deste ano, que no Hemisfério Norte começa em setembro. Pra amenizar essa expectativa, fizemos um ranking de todos os filmes do Tarantino, do pior para o melhor. Onde The Movie Critic se encaixará nessa lista, ainda não sabemos. Mas sabemos que muita gente vai concordar com o nosso ranking, e muita gente vai discordar. E, no fim das contas, essa é a graça de fazer listas. Então vamos a ela.

Death Proof
Lançado em 2007, este é o filme mais fraco de Quentin Tarantino. É lógico que o filme mais fraco do Tarantino ainda é melhor que muita coisa feita nos últimos vinte anos no cinema. Sim, é um filme divertido, com aquela linguagem de filme B dos anos 70, diálogos maravilhosos e algumas cenas memoráveis. A cena da colisão frontal dos carros é linda! Mas é um file propositalmente galhofeiro, tem uns cortes desnecessários de cenas e um roteiro desleixado. A história é fraca.

Os Oito Odiados
Filme lançado em 2015, com um elenco fantástico. Numa espécie de volta às origens, Os Oito Odiados é como se fosse uma refilmagem do Cães de Aluguel, só que numa cabana congelada no meio do nada no século XIX. Claro, as atuações e os diálogos fazem com que o filme funcione muito bem. Mas acaba que é um filme cansativo e arrastado, ainda mais para quem vinha de esperando um novo Django Livre ou Bastardos Inglórios. Requer certa paciência para assistir as quase três horas de filme numa tacada só.

Jackie Brown
Veja você que o terceiro filme mais fraco de Tarantino tem no elenco Robert DeNiro, Bridget Fonda, Pam Grier, Michael Keaton e, é claro, Samuel L. Jackson. Além de ser o único dos filmes que Tarantino dirigiu, mas não escreveu, Jackie Brown é um filme muito bom. Na real, nem tem muito o que criticar. Tem atuações muito boas, uma história bem amarrada e uma trilha sonora focada no soul e funk dos anos 70 que é um deslumbre. Foi lançado em 1997 e é altamente recomendado. Mas, ao continuar lendo, você vai entender porque ele está entre os três “piores” do Tarantino.

Django Livre
Aqui a coisa já começa a complicar. Porque daqui pra frente são filmes realmente incríveis, e chega a ser injusto dizer que um é pior, ou mais fraco, que outro. Django Livre foi lançado em 2012 e é um filme grandioso. Tarantino recriou um filme western com maestria, mas colocando um negro como protagonista. Aqui temos um Leonardo DiCaprio numa atuação irretocável, aliás todas as atuações são muito acima da média. A trilha sonora que mescla clichês do western spaghetti com rap é genial. Mas é isso. É um western sob o olhar do século XXI. Uma boa história, boas atuações, mas sem grandes transgressões ou ousadias.

Bastardos Inglórios
Entramos no Top 5. E de cara podemos afirmar sem medo de errar que Bastardos Inglórios já é um clássico do cinema de todos os tempos. Foi neste filme que Tarantino, pela primeira vez, subverteu seu próprio método. Concebeu um filme numa linha do tempo linear, sem flashbacks, usou pelo menos umas 3 tipografias diferentes ao apresentar os créditos e retratou personagens históricos reais. Foi aqui que Tarantino mostrou ao mundo o brilhante ator Christoph Waltz, que roubou a cena como um general da SS culto e inescrupuloso. Outra subversão de Tarantino foi com a própria história mundial. Neste filme, lançado em 2009, os nazistas são derrotados em 1944, com a cúpula nazista, incluindo Hitler, morta num incêndio de um pequeno cinema em Paris. É um filme imperdível.

Cães de Aluguel
Lançado em 1992, é o filme de estreia de Tarantino como diretor. E é um dos filmes mais empolgantes dos anos 90. Tudo que o mundo viria a conhecer dois anos depois com o sucesso de Pulp Fiction já estavam neste filme. Litros de sangue, diálogos impagáveis, sarcasmo, uma linha temporal bagunçada e criminosos como protagonistas. Cães de Aluguel é brilhante por inúmeros motivos, mas um deles certamente é o fato de o filme se passar por mais da metade do tempo dentro de um barracão vazio. As atuações e os diálogos são maravilhosos. Sem falar na memorável cena da tortura do policial, que imortalizou a música Stuck in the Middle With You, da banda Stealers Wheel. Em se tratando de um diretor estreante, é um filme realmente inacreditável de tão bom.

Kill Bill I & II
Se o próprio Tarantino, em sua filmografia, considera os dois volumes de Kill Bill, lançados em 2003 e 2004, um filme só, quem somos nós para discordar? Kill Bill é um filme de 4 horas de duração, mas que pode ser assistido de uma vez sem cansar. Além da história ser riquíssima, tem personagens cativantes, diferentes locações e até mesmo diferentes linguagens cinematográficas, indo da animação no estilo mangá até filmes de bang bang. Apesar de se tratar de uma premissa simples, uma mulher em busca de vingança, tudo que envolve essa personagem e suas motivações são explicados num turbilhão delicioso de referências e homenagens à cultura pop, passando pela música, quadrinhos e cinema. Apesar de toda a violência, é um filme leve e divertido, desses que a gente não cansa de ver e rever.

Era Uma Vez em Hollywood…
O dedo chega a coçar para escrever que este é o melhor filme de Tarantino. Mas é claro, devemos levar em conta fatores como a maturidade, que traz consigo aprimoramento profissional, do diretor. Era uma vez em Hollywood… é seu filme mais recente, lançado em 2019. De fato, aqui Tarantino refinou sua arte em todos os sentidos. Está tudo lá. As referências pop, as influências de western e kung fu, a ambientação de época impecável e diálogos maravilhosos. Mas tudo muito bem dosado, sem exagero, e feito com esmero. É mais um filme de Tarantino com mais de duas horas de duração, mas que não dá pra sentir o tempo passar. E, é claro, as atuações irretocáveis de Leonardo DiCaprio e Brad Pitt. Em especial DiCaprio está voando, numa atuação realmente poderosa. Mais uma vez Tarantino reescreve a história ao recontar à sua maneira o caso Sharon Tate, atacada pelos asseclas de Charles Manson. É um filme praticamente perfeito, uma das obras primas de Tarantino.

Pulp Fiction
A ordem de toda essa lista pode ser questionada, mas este primeiro lugar, dificilmente será questionado. Pulp Fiction é o melhor filme de Tarantino não só pela originalidade e inventividade, mas também por sua estética revolucionária para a época. A importância do filme para o cinema é imensa. Além de fazer com que a indústria desse mais atenção para diretores autorais, com uma pegada mais alternativa, deu aval para que filmes de violência fossem mais explícitos e, consequentemente, mais densos e realistas. O próprio Seven, de David Fincher, lançado em 1995, é filho direto de Pulp Fiction, com cenas que não economizam no sangue, coisa que não aparecia com frequência em filmes policiais até então. Falando do filme em si, Pulp Fiction impressiona pelo roteiro coeso e bem amarrado, pela diversidade de personagens interessantíssimos, e que acabam se conectando, pela linha temporal bagunçada que encanta o espectador quando o filme acaba e tudo se explica, pelos diálogos impagáveis que vão de massagem nos pés a diferentes procedências de heroína. Além de cenas icônicas como a dança de Uma Thuruman e John Travolta, ou a incrível escapada do personagem de Bruce Willis, que foge com a motoci… quer dizer, com a chopper do Zed. Pulp Fiction é um filme irresistível, desses que se você pega pela metade, zapeando os canais da TV, para pra ver até o fim, mesmo já tendo visto dezenas de vezes. É o Nevermind do Tarantino, e só por esse elogio, já se justifica ele estar no primeiro lugar dessa lista, como a melhor obra do cineasta.

Pronto! Está feita a polêmica. Agora é com você, concordar ou discordar da sequência. Unanimidade mesmo é que o Quentin Tarantino é um dos cineastas mais importantes de todos os tempos e, certamente, o mais revolucionário dos últimos 30 anos. Sendo assim, é uma das nossas inspirações aqui na Strip Me. Basta dar uma conferida na nossa loja a quantidade de camisetas baseadas na obra dele para comprovar. Isso sem falar em muitas outras camisetas inspiradas no cinema, música, arte, cultura pop e muito mais. Na nossa loja você também fica por dentro de todos os nossos lançamentos, tem estampa nova toda semana!

Vai fundo!

Para ouvir: Mais uma playlist caprichada com músicas das trilhas sonoras dos filmes do Tarantino. Tarantino Mix Top 10 tracks.

Para assistir: Além de todos os filmes do Tarantino, nunca é demais recomendar o inigualável e divertidíssimo curta-metragem brasileiro Tarantino’s Mind. Lançado em 2006, escrito e dirigido pela dupla Bernardo Dutra e Manitou Felipe, o filme conta com Seu Jorge e Selton Mello nos papéis de suas vidas, falando sobre a obra de Tarantino. É sensacional e tem de graça no Youtube. Link aqui.

Categoria: Cinema, Comportamento, Cultura Pop, curiosidades, Posts

Um brinde ao cinema!

| Por Paulo Argollo | Comentários desativados em Um brinde ao cinema!
Um brinde ao cinema!

A Strip Me traz um top 5 de Drinks que foram imortalizados pelo cinema!

Que o cinema sempre gerou tendências, isso não é novidade. Desde James Dean vestindo calça jeans, camiseta branca e jaqueta até a Reese Whiterspoon de vestido cor de rosa no tribunal. É evidente que o cinema tem uma influência brutal sobre a sociedade. Não só no vestuário, mas no comportamento e no consumo em geral. Já faz tempo que a indústria cinematográfica inventou o merchandising. Então, a gente sabe que não é à toa que o Marty McFly toma Pepsi no passado, no futuro e no presente ou que o Forrest Gump calce tênis Nike para correr pelos Estados Unidos. Mas muitas vezes, algumas tendências surgem involuntariamente.

Todo mundo gosta de tomar um bom drink entre amigos. Num encontro amoroso então, é ainda mais charmoso degustar um atraente drink bem elaborado. E nisso o cinema sempre se mostrou prodigioso em mostrar. Tanto que muitos drinks ganharam fama mundial e são consumidos até hoje graças ao cinema. E essa união de cinema e drinks é tão deliciosa, que a Strip Me resolveu apresentar um top 5 dos melhores e mais famosos drinks no cinema, pra você tomar no balcão do bar no maior estilo, ou até mesmo reproduzi-los em casa.

Manhattan

Pra começar vamos com um clássico em todos os aspectos. Quanto Mais Quente Melhor é considerado um dos melhores filmes do diretor Billy Wilder. Lançado em 1959, o longo conta com Tony Curtir, Jack Lemmon e Marilyn Monroe. Ficou famosa a cena em que uma sedutora Marilyn prepara um drink para a dupla de fugitivos interpretados por Curtis e Lemmon, dentro de um trem. Ela mistura vermute e bourbon e diz que o drink se chama Manhattan. Essa cena foi o suficiente para imortalizar o drink e fazer dele um dos mais pedidos nos bares dos Estados Unidos no anos 60.
O Manhattan clássico leva uma dose de vermute, duas doses de bourbon, gelo, uma cereja uma lasca de casca de laranja para decorar. Coloque o vermute, o bourbon e o gelo numa coqueteleira, misture bem e sirva na taça, finalizando com a cereja e a casca da laranja. É servido numa taça do tipo coupette. Se quiser, é uma boa ideia deixar a taça no congelador por uns 15 minutos antes de servir o drink.

Dry Martini

A primeira vez que James Bond explicou como gosta de seu Dry Martini foi no filme 007 Contra Goldfinger, de 1964. Na famosa cena, Sean Connery explica que ao drink deve ser batido e não mexido. Um comentário controverso, diga-se. Mas  a gente chega lá. Bond foi adaptado para o cinema, vindo dos livros de Ian Fleming. E logo no primeiro livro, Casino Royale, lançado em 1953, o personagem dá uma descrição detalhada do preparo de seu drink favorito. “três medidas de gin Gordon’s, uma de vodka, meia medida de licor Kina Lillet, bem agitada até que esteja gelada, em seguida, adicione uma fatia grande e fina de casca de limão”. Nos filmes que vieram depois de Goldfinger, James Bond repetiu inúmeras vezes que prefere seu Dry  Martini batido, não mexido. O fato é que o correto é que o drink seja servido coado, límpido, sem nenhum vestígio sólido de gelo. Entretanto, o drink deve ser servido bem gelado. Por isso, alé de manter a taça resfriada antes de servir, a mistura das bebidas deve ser feita numa coqueteleira ou num mixing glass com bastante gelo, e depois coada para ser servida. Mexer a mistura com uma colher é mais apropriado, porque, ao ser batido na coqueteleira, o gelo se quebra em pedaços pequenos e derrete mais rápido. Assim, o drink fica diluído e com cristais de gelo que não são retidos na coagem. Mas, convenhamos, quem somos nós pra questionar o gosto do 007?
Para preparar seu próprio Dry Martini, antes de tudo, coloca a taça para resfriar. Numa coqueteleira com bastante gelo, coloque 60ml de gim, 20ml de vodca e 10ml de vermute branco. Mexa (ou bata, como preferir) bastante. Coe, sirva na taça fria e coloque uma lasca fina de casaca de limão siciliano. Ah, sim. O dry martini tradicional é servido com uma azeitona dentro. O do James Bond, porém, não leva azeitona. Aí fica a seu critério.

The Red Eye

Só mesmo o Tom Cruise exalando juventude seria capaz de convencer alguém a beber uma parada que mistura cerveja, suco de tomate e ovo cru. No clássico oitentista Cocktail, um filme de gosto questionável, mas sucesso de bilheteria, Cruise interpreta um barman e prepara esse drink inusitado chamado Red Eye. Desde então, o drink passou a ser solicitado em bares em todo o mundo. O filme é de 1988, e o personagem de Tom Cruise é um jovem ambicioso que abandona o exército e quer subir na vida. Acaba arranjando um trampo de barman, se dá bem, mas acaba tendo alguns conflitos or causa de uma paixão. Enfim, um roteiro fraquíssimo. Mas o filme acaba sendo um bom entretenimento. Já o drink Red Eye não consegue ficar no meio termo. Ou é amado ou é odiado. É um sabor que não dá pra explicar. Só experimentando mesmo. Então segue a receita.
Como boa parte dos drinks, é legal resfriar o recipiente onde a bebida será servida. Neste caso, uma caneca de 500ml. Na caneca resfriada, coloque 1 lata de cerveja de 350ml, 30ml de vodca, 180ml de suco de tomate e mexa bem como uma colher. Como o drink não leva gelo, é legal que todas as bebidas estejam geladas. Em seguida quebre o ovo cru na caneca e não mexa mais. O ideal é que a gema não se quebre. Para decorar, você pode colocar um talo de salsão. Aí é só respirar fundo e mandar essa mistura pra dentro.
Boa sorte.

White Russian

E chegamos aos anos 90! Finalmente! Chega de sofisticação e exageros! Nada de copinho resfriado e casca de limão! Nada de excentricidades e ingredientes exóticos! A gente só quer relaxar, cara! Andar de bermuda e roupão, jogar conversa fora e tomar uma paradinha doce, mas que dê aquela chapada. E assim, ao mesmo tempo, descrevemos o drink White Russian e o nosso querido The Dude, O Grande Lebowski! O brilhante e divertidíssimo filme dos irmãos Coen, de 1998, foi o responsável por popularizar de vez esse drink, que já existia em alguns bares da California desde os anos 1940. E o filme Grande Lebowski é tão bom quanto o drink White Russian. Ambos exalam uma certa maturidade, mas são leves e contém uma certa complexidade surpreendente. Então coloca um som do Supergrass pra tocar e aprende a fazer um legítimo White Russian.
Numa coqueteleira, coloque uns 4 ou 5 cubos de gelo, 60 ml de creme de leite e 60ml de vodca. Misture bem, até sentir que a coqueteleira está bem gelada nas suas mãos, sinal que a mistura dentro está bem homogênea. Num copo baixo coloque 40ml de licor de café e uns 3 cubos de gelo. Coloque devagar a mistura da coqueteleira usando um coador, assim, o drink vai ficar numa coloração degradê bonita no copo. Agora é só tirar o chinelo, botar os pés pra cima e saborear.

Cosmopolitan

O cosmopolitan é um drink tradicional, mas era mais conhecido e consumido nos Estados Unidos, especificamente na costa leste. Mas foi só a Carrie Bradshaw, emblemática personagem interpretada pela Sarah Jessica Parker na série e nos filmes Sex and the City, que o drink se tornou conhecido no mundo inteiro e virou o drink queridinho do público feminino. Não por acaso. Afinal, tanto a série como os filmes transmitem com perfeição o universo de mulheres independentes, determinadas e bem sucedidas que, é claro, vivem altos e baixos, tem inseguranças, medos e defeitos. Aliás como todo mundo os tem, homens e mulheres. E o drink cosmopolitan remete justamente a essa exuberância da mulher, que a série e os filmes retratam. Um drink tão saborosos quanto simples que não precisa nem descer do salto para fazer. Antes de começar, pegue uma taça de Martini e coloque pra resfriar no congelador. Numa coqueteleira coloque 50ml de vodca, 20ml de suco de cranberrie, 20ml de licor de laranja, 10ml e suco de limão, bastante gelo e misture bem. Depois é só coar a mistura na taça de Martini resfriada e adicionar uma lasca de casca de laranja para decorar.

Menção Honrosa

Não é um drink alcoólico, é verdade. Mas faz parte de uma cena tão marcante e divertida, que não dá pra falar de cinema e bebida sem citar o lendário five dollar shake de Pulp Fiction.  Afinal, convenhamos, não se trata de um simples milk-shake, mas um milk-shake que custa cinco dólares! O pedido de Mia Wallace chama tanto a atenção de Vincent Vega, que ele chega a perguntar para o garçom sósia de Buddy Holly: “É um milkshake comum, vai leite e sorvete?” O garçom responde: “É isso, sim senhor.” Vincent: “Não vai bourbon, nem nada?” “Não, senhor.” “E custa cinco dólares.” “Sim, senhor.” “Ok, just checking…”. Enfim, a cena toda no Jack Rabbit Slim’s é brilhante, com alguns dos diálogos mais divertidos já escritos e que culmina com a dança de Uma Thurman e John Travolta ao som de Chuck Berry. Realmente uma obra de arte de Quentin Tarantino. E que só nos faz sonhar, imaginando que gosto deve ter um milk-shake de cinco dólares.

Juntar cinema e drinks não tem como dar errado! E curtir um bom filme e juntar a turma para tomar um trago num bom boteco são coisas que a gente da Strip Me adora! Por isso mesmo, temos uma coleção linda de camisetas de bebidas e a nossa já tradicional coleção de camisetas de cinema, sem falar das coleções de arte, música, cultura pop e muito mais. Dá uma chegada na nossa loja pra conferir e ficar por dentro dos lançamentos, que pintam por lá toda semana.
Cheers!

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist animadíssima pra você curtir com a turma enquanto prepara os seus drinks favoritos. The Drinks Mix top 10 tracks.

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