Você já parou pra pensar que uma pessoa que tem hoje em dia 60 anos de idade, presenciou uma evolução inacreditável de mídias? Imagine você que na década de 70 só existia o vinil, as fitas k7, o cinema e a televisão, mas não existiam ainda os videocassetes e as fitas VHS para vídeo. Tais “novidades” só surgiriam nos anos 80. Na virada dos anos 80 pros 90, ainda apareceria o CD, pra mudar de vez a porra toda. Junto vieram mídias que não vingaram e tiveram 15 minutos de fama, como o laserdisc e o MD. Sem falar que na comunicação de maneira geral, já aparecem os primeiros telefones celulares, pagers e laptops. Na virada do século, a música digital toma o mundo de assalto através dos arquivos mp3. Alguns anos depois a fotografia também entra na era digital e surgem as primeiras câmeras que dispensam filme, como as famosas Cybershots. Na sequência surgem as evoluções dos telefones celulares, players de mp3, iPods, os smartphones, tablets, plataformas de streaming… e chegamos até aqui. É muita mudança! E tudo indica que a coisa não para por aqui. Ainda temos muito a evoluir, cada vez em intervalos menores de tempo.

E foi o mercado da música quem mais sofreu mudanças de 1999 pra cá. Afinal, foi naquele ano que um moleque norte americano criou o Napster. Bom, se a gente quiser ser muito específico, essa revolução toda começou uns dez anos antes, quando o tal arquivo mp3 foi desenvolvido. Cientistas alemães e norte americanos queriam conseguir transformar arquivos digitais de áudio num formato compacto, mas sem perder muito a qualidade. A coisa toda é bem complicada de se explicar, mas tem a ver com o desenvolvimento da tecnologia, a modernização dos computadores e os avanços dos estudos da psicoacústica. Além de ser o título do melhor disco da banda Ira!, a psicoacústica é uma ciência tão interessante quanto complexa, que analisa ondas e frequências sonoras que o nosso ouvido e cérebro identificam ou não em diferentes circunstâncias, e como elas são processadas. Mas, enfim, veio a mp3, um baita avanço, mas era uma parada restrita ao mundo acadêmico e um ou outro entusiasta da tecnologia cheio da grana que trabalhava em estúdios de gravação de áudio. Em 1997 um hacker até hoje não identificado teve acesso aos códigos que geravam os arquivos mp3. Esses códigos, ou codecs, eram pagos. Você comprava, instalava no seu computador e poderia gerar os arquivos. O que aconteceu é que esse hacker alterou os códigos, os deixando abertos e espalhou pela internet. Foi quando o formato se popularizou de vez, de graça. E voltamos ao Napster.

Shawn Fanning tinha 18 anos quando teve a ideia de criar uma plataforma onde as pessoas pudessem se conectar e trocar seus arquivos de música. Ele desenvolveu a parada e colocou no ar com o nome Napster. Em poucos meses já era um sucesso! Menos de um ano depois de entrar no ar, já contava com 50 milhões de usuários e incontáveis arquivos de mp3 trocados. Logo de cara uma gravadora entrou com um processo contra Fanning, por compartilhar músicas sem pagar direitos autorais. Quando se espalhou a notícia de que a música do Metallica I Disappear, gravada para o filme Missão Impossível e que ainda não tinha sido lançada oficialmente, vazou e estava sendo compartilhada freneticamente no Napster, a banda também entrou na justiça contra a plataforma, protagonizando um dos mais embaraçosos momentos da história da banda.

Tiveram outros artistas menores que também compraram essa briga, mas foi o Metallica quem mais se destacou, com o baterista Lars Ulrich batendo ponto em tudo quanto é audiência a respeito do processo. Pra piorar, o Metallica rastreou os nomes de 335 mil usuários do Napster que compartilharam suas músicas e fez com que eles fossem banidos da plataforma. Os próprios fãs da banda se voltaram contra ela. De fato foi uma atitude mesquinha e egoísta da banda, que falhou miseravelmente em enxergar que o futuro da indústria fonográfica estava, se não condenado, fadado a mudar drasticamente. O Radiohead, por exemplo, se ligou nisso na hora. Antes de ser lançado o CD nas lojas, o disco Kid A já estava disponível para download gratuito no site da banda. E isso não diminuiu as vendas, já que as pessoas já conheciam as músicas e queriam agora ter o pacote completo, o encarte do CD, com toda a arte gráfica, letras, informações… é, eram outros tempos.

Ainda sobre esse momento de transição tão único da música pop, não podemos deixar de relembrar o mais emblemático entre todos os players de mp3 que surgiram. O Winamp apareceu em 1997. Sua primeira versão, bem simples, foi lançada em março de 1997. Somente dois meses depois, em maio, já pintou a segunda e definitiva versão, com a skin clássica, opções de lista de reprodução e equalizador próprio. Em 2005 lançaram uma versão mais moderna onde o usuário podia customizar suas skins, ou fazer o download de dezenas de skins já prontas. Além disso, agora o player aceitava vários formatos de arquivos de áudio e também reproduzia vídeos. Era uma experiência divertidíssima, além de dar a opção ao usuário de formatar a equalização da forma que melhor lhe agradasse, podendo alterar, graves, médios e agudos.

Não é exagero nenhum dizer que o Napster e o Winamp foram os grandes expoentes de uma verdadeira revolução. Em 2001 o Napster perdeu todas as ações judiciais e foi fechado. Mas a febre de compartilhamento já tinha se espalhado. Vieram KaZaa, Morpheus, LimeWire, AudioGalaxy, eMule, Soulseek e tantos outros. O iTunes popularizou a comercialização de arquivos digitais, apaziguando um pouco os ânimos do mercado. Vieram os players portáteis como o iPod e tantos mp3 Players de várias marcas. A internet melhorou e facilitou muito as coisas. No fim, um outro moleque, este na Suécia, colecionador de música, usuário do Napster e do Winamp, teve a ideia de unir os dois. Em 2008 criou o Spotify e acelerou ainda mais as mudanças cada vez mais drásticas para o mercado fonográfico, e iniciando a era do streaming na música.

A lição que se tira dessa história toda é que no final das contas, o que importa mesmo é a arte, a essência. A indústria, o business sempre vai ter seus altos e baixos, mas nunca vai conseguir fazer com que músicos deixem de compor grandes canções e gravá-las para que o maior número de pessoas possível possa ouvir e se emocionar. Se essa música será tocada na vitrola, no toca fitas, no CD player, no computador ou no celular, isso pouco importa. O importante é a música continuar tocando almas e corações.

Evoluir, valorizar a essência da arte, se emocionar e se inspirar com grandes canções é uma das maiores forças propulsoras da Strip Me para elaborar e te entregar camisetas com estampas originais, criativas e super descoladas sobre música, cinema, arte, cultura pop e muito mais. Tudo feito com muita responsabilidade e compromisso, tudo em nome do barulho, diversão & arte! Vem conferir os mais novos lançamentos na nossa loja!

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Para ouvir: Uma playlist com o que rolou de melhor entre 1999 e 2001 e era compartilhado á rodo no Napster! Napster Top 10 tracks.

Para assistir: Tem um documentário muito bacana lançado em 2013, que conta toda a história do Napster e os rolos com a justiça. Se chama Downloaded – A saga do Napster, dirigido pelo Alex Winter. Não é muito fácil de achar, mas vale a pena procurar.

Essencialmente a arte pode ser compreendida como uma transformação. Seja qual for o propósito, seja qual for a inspiração, seja qual for o sentimento. Sendo assim, não existe nada permanente na arte, sequer ela própria. A transformação promovida pela arte se dá em qualquer aspecto possível. Por exemplo, a arte pode pegar a realidade e distorcê-la, enchê-la de ruídos e entregar uma pintura abstrata, uma poesia concreta ou uma música dodecafônica. Da mesma maneira, a arte pode se fazer valer de padrões estabelecidos, para corrompe-los e criar algo novo. Foi assim que surgiu, por exemplo, a ainda pouco compreendida música eletrônica.

Acredite, a música eletrônica não começou com o Kraftwerk. Sua origem é bem mais antiga. Em 1948 foi lançada a obra Étude aux chemins de fer. Uma gravação feita à partir de repetições, sobreposições de gravações e efeitos como reverb. O autor foi o compositor francês Pierre Schaeffer, um visionário que entendeu o potencial de um estúdio de gravação. Schaeffer foi o primeiro compositor a usar fitas magnéticas como técnica de gravação. Até então, as gravações eram feitas direto em acetatos (o pai do disco de vinil). Na sua cola vieram o compositor erudito alemão Stockhausen com ideias inovadoras  de ritmos, melodias e uso de instrumentos improváveis. Outro nome fundamental é o norte americano John Cage, que se fez valer de instrumentos que apareciam como grande novidade no fim dos anos 50,como o famoso Moog. Só então, juntando tudo isso, com a tecnologia que se desenvolvia em larga escala nos anos 70, é que o Kraftwerk deu o pontapé inicial na música eletrônica propriamente dita, com o clássico Autobahn, de 1974. Mas peraí! Falta um elemento fundamental nessa história toda. Um elemento vindo da Itália.

Claro que não dá pra falar de música eletrônica sem falar do legendário Giorgio Moroder. Produtor prolífico, Moroder se destacou ao lado de Donna Summer, produzindo vários discos da diva da disco. Entre eles o clássico álbum I Remember Yesterday, de 1977, onde está a emblemática I Feel Love, talvez a música mais conhecida da cantora. O que torna esta faixa tão especial é que ela tem seu arranjo todo executado por sintetizadores. O próprio Moroder já declarou em uma entrevista que o único instrumento utilizado além de sintetizadores é um bumbo. Não uma bateria completa. Só o bumbo. Nos discos seguintes de Donna Summer, Moroder continuou explorando os sintetizadores e criando arranjos inovadores e dançantes que fizeram história. Working The Midnight Shift, Journey to the Center of Your Heart, Lucky e Hot Stuff são ótimos exemplos. Entretanto, no início dos anos 80, Donna Summers trocou de gravadora e a parceria com Moroder chegou ao fim. Mas ela manteve o alto nível e passou a contar com a produção de ninguém menos que Quincy Jones.

Apesar de ser o que mais lhe deu notoriedade, a trajetória de Giorgio Moroder não se resume aos discos de Donna Summer. O cara já trabalhou com a nata do pop. Cher, Bowie, Freddie Mercury, Barbara Streisand, Blondie, Sigue Sigue Sputnik, Cheap Trick, Bonnie Tyler, Liza Minelli, Elton John, Roger Daltrey, Nina Hagen… a lista é longa! Além do trampo como produtor, Moroder também lançou vários discos já na onda dos sintetizadores, criando texturas sonoras impressionantes. As faixas From Here to Eternity e E=MC² demonstram uma inventividade e bom gosto impressionantes. Inclusive com seu trabalho como compositor, ele está em atividade até hoje, com 81 anos de idade e 50 de carreira na música. E não pense você que ele perdeu a mão ou ficou ultrapassado.

Sempre se cercando de talentos de seu tempo, seus últimos trabalhos solo contaram com parcerias de peso como Kyle Minogue, Britney Spears, Sia, Charli XCX, Foxes, entre outros. E são trampos realmente bons. Fora isso, Moroder ainda produziu algumas algumas trilhas sonoras de filmes bem marcantes, como  Flashdance, Scarface, Um Tira da Pesada, Top Gun… e recentemente ele escreveu a trilha sonora de um jogo do universo do filme Tron, o game TRON RUN/r. O homem não pára! É incansável!Com uma história e uma obra dessas, esse cara merece uma homenagem digna dos seus feitos. Ainda bem que isso já foi providenciado.

Lógico que estamos falando da dupla mais descolada que já apareceu por essas bandas nos últimos 20 anos. Daft Punk! No genial disco de 2013, Random Access Memories, Giorgio Moroder não só colaborou na produção do álbum, como se faz presente intitulando uma das músicas, onde sua história é brevemente contada entre melodias sintéticas e uma deliciosa batida. Ninguém duvida que Random Access Memories é a obra prima e definitiva da Daft Punk. E não é para menos! Além da óbvia criatividade e talento da dupla, comprovado em toda sua obra, neste disco eles ainda contam com participações especialíssimas e conseguem revisitar as origens da música eletrônica e suas próprias referências sem soar nostálgico ou datado. As músicas tem um frescor pop, são modernas e mostram nos detalhes os arranjos timbres e harmonias que soam vintage, porém sofisticadas.

A música eletrônica é a síntese a arte em transformação. É a música sem barreiras. É o jazz que se transforma em trance e trip hop, é o punk e hardcore que se transforma no jungle e drum ‘n bass, a disco que se transforma no house. Um estilo se alimentando do outro, inspirando, provocando, devorando. Cá estamos nós, mais uma vez sendo antropofágicos na vida e na arte. Essa é total a onda da Strip Me, o lugar certo para você encontrar camisetas com estampas que tem tudo a ver… com tudo! Sinergia, comportamento, barulho, diversão & arte! Vem conferir na nossa loja!

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Para ouvir: Uma playlist com a fina flor do que o Giorgio Moroder já produziu. Top 10 tracks Giorgio Moroder

Para assistir: Tem um documentário super interessante e divertido sobre a música eletrônica, suas origens, vertentes, filosofias (ou ausência delas) e os principais nomes do gênero. O filme é da cineasta brasileira Iara Lee, foi lançado em 1998 e se chama Modulations. E a delícia é que tem ele na íntegra no Youtube! É só clicar aqui.

11 entre 10 pessoas que gostam de rock já foram questionados sobre quem é melhor: Beatles ou Rolling Stones, e pensaram bem antes de responder. Claro, porque não é uma pergunta fácil. Não é como perguntar quem é melhor Pelé ou Maradona, Madonna ou Lady Gaga, ou Pulp Fiction ou Cães de Aluguel, cujas respostas são todas óbvias. Beatles x Stones é uma questão tão complexa, que paira no ar há mais de meio século, e ninguém chegou a uma conclusão concreta e definitiva.

Claro que muita coisa já rolou, muita gente já disse muita coisa a respeito. Hoje sabemos que a rivalidade que diziam existir entre as bandas é balela. Eram todos amigos. E, é óbvio que, para manter os nomes de suas bandas em evidência na imprensa, não desmentiam e alimentavam essa lenda. Provavelmente tudo começou quando John Lennon declarou, em 1966, que tudo que os Beatles faziam, os Stones faziam igual 4 meses depois. Desde então, há referência dos Stones em capa de disco dos Beatles e vice versa, vira e mexe uma banda alfinetava a outra na imprensa. Mas no fim da noite, em Londres era comum ver Mick Jagger e Paul McCartney tomando uma cerveja juntos ou George Harrison e Brian Jones trocando figurinhas sobre instrumentos musicais.

Olha, a real é que se a gente parar pra pensar mesmo, tentar comparar as duas bandas e dizer qual é melhor, é uma parada muito descabida. Porque são bandas bem diferentes em vários aspectos, sem falar que uma delas encerrou atividades em 1970, e a outra continuou firme. Mas a gente naturalmente gosta de uma boa disputa. Além do mais, são duas bandas tão incríveis, que é uma delícia revisitar suas histórias, sucessos e lendas, ainda mais tendo como desculpa essa rivalidade. Então, vamos a alguns fatos.

Primeiro a gente tem que ter em mente que os Beatles vieram primeiro. E o sucesso dos Stones tem tudo a ver com o surgimento e ascensão dos cabeludinhos de Liverpool. Depois de uma temporada exaustiva tocando por 5 horas seguidas por noite nos inferninhos de Hamburgo, os Beatles acertaram a mão ao contratar Brian Epstein como seu empresário e, depois de serem rejeitados pela Decca, assinaram contrato com a EMI. Com o surgimento da beatlemania os diretores da Decca se arrependeram amargamente e, quando os Stones bateram na porta, eles não pensaram duas vezes e já assinaram um contrato. Depois do relativo sucesso do primeiro single da banda, Come On, um cover de Chuck Berry, os Stones precisavam de mais um novo sucesso. Na época, 1963, Beatles e Stones já se conheciam e Lennon e McCartney deram para os Stones a música I Wanna Be Your Man, que virou sucesso.

Dá pra afirmar sem medo que até 1964 os Beatles eram realmente superiores. Mas nessa época Keith Richards e Mick Jagger passam a compor com frequência, esbanjando talento. No disco 12 X 5 dá pra sacar isso em canções como Good Times Bad Times e Congratulations. Com os primeiros discos dos Stones pintando, já fica evidente uma grande diferença entre eles e os Beatles. Os Rolling Stones eram uma banda muito purista em relação ao blues. Enquanto os Beatles não tinham muitas amarras a nenhum gênero musical. Flertavam com boleros (chegando a fazer uma versão de Besame Mucho), standards do jazz norte americano, com a soul music, com o country… Neste aspecto, os Stones merecem mais aplausos, pois conseguiam ser criativos e apresentar canções de qualidade mesmo “presos” a um só gênero.

Depois de 1966 os Beatles decidiram abandonar os palcos para ser uma banda exclusivamente de estúdio. Isso deu a eles ainda mais liberdade. Passaram a usar arranjos cada vez mais complexos, sobrepor instrumentos, vozes… afinal, não iriam precisar reproduzir nada daquilo num palco, que nos anos 60 não contava com tecnologia nenhuma. Sequer retorno a turma tinha direito. Mais uma vez as obras das duas bandas se mostram distantes e difíceis de se comparar, não por qualidade, mas por temática. Os Beatles apresentam em Revolver uma psicodelia ensolarada com Good Day, Sunshine e Doctor Robert, enquanto os Stones apostam em canções mais cruas, mas não menos inspiradas, como Paint it Black e Under My Thumb, do belíssimo disco Aftermath. São dois discos excelentes. Depois, em 1967, veio Sgt. Pepper’s… e a régua subiu ainda mais. Muita gente diz que os Stones fizeram o Their Satanic Majesties Request como uma resposta ao Sgt. Pepper’s…. Conversa fiada. Era simplesmente a manifestação da época. Em 1967 o flower power, a cultura oriental e etc estavam em alta. Todo mundo lançou discos nessa onda. E, com exceção da belíssima She’s a Rainbow, Her Satanic Majesties… é um disco bem fraquinho. Mas é bom lembrar que eles lançaram no mesmo ano os ótimos discos Flowers e Between the Buttons.

Em 1970 as duas bandas tinham amadurecido muito musicalmente. E mais uma vez se distanciado em termos de estética musical. Os Beatles, já em 1968, não funcionavam mais tão bem como conjunto. O Álbum Branco mostra bem isso. Tem grandes canções, mas fica evidente que não houve colaboração entre os músicos para compor e fica impresso o estilo de cada em suas composições. Em compensação, Beggars Banquet é um disco que apresenta uma banda em plena forma, coesa, encorpada e com excelentes composições. Ambas as bandas acompanham a tendência do rock, que se torna cada vez mais pesado. Orquestrações dão espaço a mais guitarras com efeitos fuzz e wah wah. Há muita controvérsia sobre a origem do nome Let It Bleed, disco lançado em dezembro de 1969.  Apesar de os Beatles lançarem o álbum Let It Be só em maio de 1970, a canção de mesmo nome já circulava em meados de 1969. Além do mais, os integrantes das duas bandas eram realmente amigos e sabiam dos planos uns dos outros. Por isso especula-se que o título Let It Bleed tenha sio uma brincadeira com o disco dos Beatles que seria lançado na sequência. Ah, sim. Além de tudo, existe o fato de que as bandas nunca lançavam seus discos ao mesmo tempo, sempre davam pelo menos dois ou três meses de intervalo, para não haver competição nas vendas.

Bom, depois de 1970 não faz mais sentido querer comparar as duas bandas, já que os Beatles se separaram, e não faz nenhum sentido querer comparar os discos solos de John Lennon, Paul McCartney e George Harrison com o Sticky Fingers, por exemplo. Todavia, é relevante ressaltar que os Stones lançaram seus discos mais consistentes e brilhantes ao longo da década de 1970. O que demonstra mais uma vez o amadurecimento da banda.

Desde o início as duas bandas tiveram trajetórias bem diferentes. É, no mínimo, injusto querer comparar as duas e vaticinar que uma é melhor que a outra. O que podemos dizer é que são duas bandas inacreditáveis, excelentes e geniais. Ambas indispensáveis para a evolução do rock n’ roll e da cultura pop. Tão essenciais que estampam camisetas nas mais variadas formas. Mas é claro, em nenhum outro lugar você encontra essas duas bandas retratadas de maneira tão deliciosa, original e charmosa como na Strip Me. Onde barulho, diversão e arte são antropofagicamente traduzidos em camisetas sensacionais! Vem conferir na nossa loja!

ps: Com o objetivo de manter a máxima imparcialidade, este texto foi escrito ao som dos discos Who’s Next, do The Who, e Face to Face, dos Kinks.

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Para ouvir: É lógico, uma playlist caprichada com o que há de melhor entre Beatles e Stones. As faixas serão selecionadas de acordo com sua data de lançamento, pra rolar uma comparação legal entre as duas bandas. Então se liga na play Top 10 Tracks Beatles x Stones.

Para Assistir: Dois documentários essenciais para conhecer essas duas bandas: Let It Be, filme do diretor Michael Lindsay-Hogg, lançado em 1969 e Shine a Light, filme brilhante de Martin Scorsese, lançado em 2008, que acompanha a Bigger Bang Tour.

Para ler: The Beatles: A Biografia, de Bob Spitz, lançado em 2007 pela editora Lafonte é a mais completa e honesta obra literária sobre os Beatles. Livro indispensável. Do lado dos Stones, eu até poderia recomendar o livro do Christopher Sandford, mas acho muito mais válido e enriquecedor recomendar a estupenda autobiografia do Keith Richards, Vida, um livro saborosíssimo de se ler, lançado pela Editora Globo em 2010.

Não dá pra negar. Apesar de todos os problemas, nós moramos num país tropical, abençoado por Deus e bonito por natureza. E esse climão gostoso de domingo de sol, pé na areia, caipirinha na mão e não ter nada mais importante pra fazer do que curtir essa vibe toda, fez com que surgissem uns caras que conseguiram transformar essa aura toda em música. Música esta que ficou conhecida, mundialmente inclusive, como samba rock.

Mas é claro que o samba rock não surgiu de caso pensado. Na verdade, gênero musical nenhum foi pensado, convenhamos. Chuck Berry não parou um dia e pensou “Vou pegar esse fraseado de guitarra do country, colocar no compasso do blues e inventar uma parada chamada rock n’ roll.”. Não. Ele simplesmente tocou essa parada, recebeu um telefonema do Marvin, o primo dele que estava fazendo um som com o Marty McFly, e compôs Johnny B. Goode. O resto é história. Mas, assim como no rock o Chuck Berry provavelmente não foi realmente o primeiro a tocar guitarra daquele jeito, o samba rock também não tem uma origem muito bem definida.

Se quiser ser pragmático, a gente teria que voltar nos idos tempos da Carmem Miranda, que disseram que voltou americanizada e tal. O fato é que pós Segunda Guerra, começou a rolar um intercâmbio forte entre a cultura dos Estados Unidos e as culturas da América Latina. Claro, a gente fala intercâmbio, mas a cultura norte americana do cinema e do jazz foi muito mais injetada por aqui do que o samba e outros ritmos latinos do lado de lá. Mas mesmo assim rolou, Carmem Miranda bombou em Hollywood, ritmos como o bolero e o tcha tcha tcha também fizeram muito sucesso. Nos anos 1950 muitos conjuntos brasileiros incorporavam uma linguagem de big bands de jazz e bebop ao tocar samba. Isso, de certa forma, foi o pontapé inicial para o que seria a bossa nova, que iria eliminar os arranjos de metais e refinar as melodias. Por outro lado, tinha uma turma que gostava mesmo era de dançar, e essas bandas mandavam ver no ritmo.

Nas periferias do Rio de Janeiro e de São Paulo aconteciam bailes nos anos 1960 que eram muito populares, onde as pessoas iam para dançar.  Como eram organizados por comunidades pobres, não tinha som ao vivo, era um DJ (que na época não tinha o glamour de hoje em dia) que ficava colocando discos para as pessoas curtirem na pista. E rolava de tudo. Tocava uma música do Ray Charles, aí entrava um Jackson do Pandeiro, na sequência um Fats Domino, Moreira da Silva… e assim ia. O importante era não deixar a pista esfriar, seguindo sempre ritmos dançantes. Muita gente diz que o samba rock nasceu nesses bailes. E faz sentido, se a gente pensar que frequentavam essas festas nomes como Jorge Ben Jor, Erasmo Carlos, Gerson King Combo, Cassiano, Hyldon, Wilson Simonal, Tim Maia…

Mas o grande expoente mesmo é o Jorge Ben Jor. Se João Gilberto influenciou toda uma geração com uma batida de violão única, Jorge Ben fez o mesmo. Seu disco de estreia, Samba Esquema Novo, já mostra isso. É um disco com uma linguagem bem bossanovista, mas que já traz um suingue a mais, que ele iria mostrar em músicas como Minha Menina, em parceria com os Mutantes. Mas foi com o clássico disco Jorge Ben, de 1969, que o bicho pegou.  Nesse disco ele teve como banda de apoio o Trio Mocotó, um trio que era banda fixa de uma casa noturna de São Paulo onde Jorge Ben gostava de ir nos fins de noite se divertir e fazer umas jams. Nesse disco temos verdadeiros clássicos do samba rock como Take it Easy, My Brother Charles, Que Pena (Ela Não Gosta Mais de Mim), Cadê Tereza, Charles Anjo 45 e País Tropical. A coisa deu tão certo que o Trio Mocotó se lançou como banda e gravou vários discos muito bons. Esse estilo de som misturando suingue com uma guitarrinha e uma linguagem mais pop, fez a fama de muita gente. O caso mais interessante é o de Erasmo Carlos.

Em 1971 a Jovem Guarda já tinha acabado e Roberto Carlos dava sequência a uma inacreditável carreira se sucesso como cantor romântico. Seu parceiro Erasmo Carlos ficou mio de lado e começou a perder popularidade. Incentivado por André Midani, presidente da gravadora Philips no Brasil, e por Jorge Ben, seus amigos de longa data, Erasmo se inspirou nessa nova onda do samba rock e concebeu um clássico absoluto da música pop brasileira, o excelente disco Carlos, Erasmo! Neste disco estão canções brilhantes como De Noite na Cama, Masculino e Feminino, É Preciso Dar Um Jeito, Meu Amigo, Agora Ninguém Chora Mais e Maria Joana.

Pra concluir este texto, vale contar a inacreditável história que resultaria no disco Gil & Jorge: Ogum Xangô, um disco que tem sua base no samba rock, mas se tornou uma obra de experimentalismo harmônico e rítmico que extrapola qualquer rótulo. Em 1975 Eric Clapton e Cat Stevens vieram ao Brasil passar uns dias de férias a convite da gravadora Philips, que vendia seus discos por aqui. Para a chegada dos artistas internacionais, o presidente da gravadora, André Midani, organizou em sua casa uma festinha privé com vários artistas, entre eles Caetano Veloso, Rita Lee, Gilberto Gil e Jorge Ben. Noite adentro aparecem violões por toda a parte e começa uma jam session daquelas. Cat Stevens em poucos minutos pede o boné e encosta o violão, não acompanhando o som frenético que rolava. Um tempo depois, Eric Clapton também não aguenta o tranco e se retira da roda, ficando somente a observar incrédulo o som que Gilberto Gil e Jorge Ben improvisavam. Gil e Jorge tocaram por um tempão para um seleto público boquiaberto. Eles nunca tinham tocado juntos antes. No fim da festa, André Midani chegou para os dois músicos e falou: “Ainda essa semana quero vocês no estúdio. Se virem pra reproduzir no estúdio o que fizeram aqui.”. Assim saiu o disco Gil & Jorge: Ogum Xangô, um disco com 9 faixas, algumas com mais de dez minutos de duração, de puro ritmo e improvisos deliciosos. É um disco incrível. E quem estava presente naquela lendária noite, diz que o disco não reproduz metade do que os caras fizeram lá ao vivo.

O samba rock é isso. Brasilidade contemporânea, antropofagia sonora, liberdade, barulho, diversão e arte. Te soa familiar? Mas é claro! A Strip Me é total samba rock e todo esse clima alto astral libertário! Vem aproveitar e conferir!

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Para ouvir: Uma playlist repleta de som e malemolência pra você curtir. Top 10 tracks samba rock.

Se um artista ou banda quer se destacar e arrebanhar fãs, ou seguidores, é impensável que uma canção seja lançada nas plataformas digitais sem que haja uma veiculação simultânea de um videoclipe da mesma canção no Youtube e redes sociais. Um cenário que em absolutamente nada se assemelha ao que ocorria 40 anos antes. Até o mês de agosto de 1981 o artista ou banda estava totalmente nas mãos e uma grande gravadora, que produzia um disco caríssimo, investiria mais uma quantidade obscena de dinheiro em publicidade com anúncios em revistas especializadas, cartazes e totens para lojas de discos e “um cafezinho” pro DJ que tocasse as músicas no disco no rádio. Videoclipe? Nem pensar! Na real, nem existia direito esse conceito. Pouquíssimas bandas apostavam em produzir um vídeo conceitual para acompanhar o lançamento de uma canção. Mas os anos 80 tinham chegado pra ficar, e alguma coisa precisava mudar.

No dia 1 de agosto de 1981 entrou no ar um novo canal na televisão norte americana. Sua estreia aconteceu com cenas do lançamento da Apollo 11 e dos astronautas na lua. Quando a bandeira norte americana é fincada em solo lunar, as listras e estrelas somem encobertas por um fundo colorido e, sobre ele, as letras M, T e V se sobrepunham. O canal Music Television foi criado pelo produtor de TV Robert W. Pittman, que era funcionário anteriormente da Warner. Pittman viu que havia toda uma geração de adolescentes que consumiam música e não tinham nada na televisão que os agradasse, a programação se resumia a programas infantis para crianças pequenas e jornalismo e entretenimento para adultos, o adolescente ficava no limbo. A princípio o canal transmitia shows de bandas dos mais variados estilos do pop e rock e alguns poucos clipes que já existiam, tudo intermediado por VJs jovens e descolados, que falavam diretamente com a molecada. Tudo era muito colorido e meio anárquico. Foi um tiro certeiro. Em pouco tempo, a MTV já era uma febre entre os jovens.

O conceito estético do canal foi elaborado com muito cuidado, pensado em cada detalhe. O trampo ficou por conta de um escritório de design gráfico chamado Manhattan Design, um coletivo de designers de New York, que funcionou entre os anos de 1979 e 1991, o projeto é creditado a Pat Gorman, Frank Olinsky, Patti Rogoff e ao primeiro diretor criativo da MTV, Fred Seibert. O Manhattan Design já trabalhava com música projetando capas de discos e cartazes de shows da cena blues e jazz nova-iorquina. O que mais chamou a atenção na época foi que a identidade visual da marca não apresentava uma cor ou uma paleta de cores. Uma vez que se tratava de televisão, modernidade e ritmo, os criadores propuseram que a marca mudaria de cor a todo momento, um conceito nunca utilizado até então. Além disso, foram responsáveis por criar vinhetas e aberturas de programas, que ficaram marcados pela pluralidade, uma Pop Art em movimento, com cores e recortes. Mesmo depois do escritório encerrar suas atividades em 1991, o mesmo conceito seguiu firme no canal e foi aplicado em outros países.

Artistas antenados e notoriamente mais performáticos viram nos videoclipes uma oportunidade de enriquecer suas criações musicais e aumentar sua popularidade entre os jovens. Bowie, Michael Jackson e Madonna entraram de cabeça nesse mundo. Até a metade dos anos 80 o pop dominou o canal. As coisas realmente começaram a mudar em 1988 com o sucesso avassalador de Sweet Child O’Mine, dos Guns N’ Roses. Um clipe modesto, simplesmente mostrando a banda tocando num estúdio de ensaios, mas muito bem filmado e com todo o poder da canção em si. Dali em diante, o rock se faria cada vez mais presente, até culminar com mais uma bomba que cairia sobre a música pop três anos depois, com um trio esfarrapado vindo de Seattle. É, o grunge, de maneira geral, virou tudo de cabeça pra baixo, inclusive a MTV. Com todas essas mudanças e a MTV cada vez mais influente, as gravadoras investiam cada vez mais em videoclipes, que começavam a ter orçamentos cinematográficos. Aliás, a linguagem de videoclipe influenciou muito o cinema que seria produzido nos anos 90. E mais, à partir de 1992 a MTV passou a incluir nas informações do clipe apresentado, no início do vídeo, o nome do diretor responsável. Foi quando começamos a nos familiarizar com nomes como Spike Jonze, Michel Gondry e David Fincher, que depois se tornariam grandes diretores de cinema.

A MTV contribuiu muito para a modernização da televisão de maneira geral. Seja na linguagem mais coloquial e direta, na estética camaleônica e vibrante, ou no comportamento, apresentando um humor auto crítico e anárquico. A personificação dessa atitude toda veio através do desenho Beavis & Butt-Head. Dois moleques toscos que criticavam os clipes que o canal passava com um humor deliciosamente mordaz. A dupla ganhou o mundo e chegou a virar filme. Com certeza uma das mais brilhantes criações do canal.

Se você tem mais de 30 anos de idade com certeza deve estar se perguntando se a gente não vai falar do Disk MTV, Do Fúria Metal, do Teleguiado, do Gordo A Go Go, do Rock Gol… pois é. A MTV brasileira entrou no ar em 1991 e tem uma história tão incrível e deliciosa que merece um post só pra ela. Por isso, desta vez vamos nos ater à MTV norte americana, que acabou de completar 40 anos. 40 anos que mudaram o mercado musical incorrigivelmente.

Como uma profecia, após a bandeira com a logo multicolorida da MTV ser fincada na lua inaugurando o canal, o primeiro clipe a ser veiculado foi Video Killed the Radio Star, dos Buggles. Nascia uma nova era. Multimídia, mutante, provocadora, libertária. Com certeza a MTV é uma influência imensa, que faz a Strip Me ser a empresa que é hoje. Antropofagia rock n’ roll, liberdade em movimento, diversão & arte.

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist com o que rolou de melhor na MTV norte americana entre 1981 e 1990, uma música de cada ano. 10 tracks MTV US.

Para assistir: A MTV não surgiu do nada. Desde o início dos anos 60 já rolavam filmes com músicas e tal. Mas o clipe como conhecemos hoje surgiu das mãos de Richard Lester, o jovem diretor britânico que dirigiu o primeiro filme dos Beatles, A Hard Day’s Nght. No filme é possível “recortar” as cenas musicais e vê-las como clipes. Em especial a música Can’t Buy Me Love tem uma estética de videoclipe inacreditável para a época. O filme é de 1964 e é divertidíssimo e deve ser visto por todo mundo que curte música.

Originalidade e criatividade nunca forma o forte da Inglaterra, já reparou? Pensa bem, desde a idade média a gente vê despontando grandes gênios da pintura, da música, da literatura a maioria deles italianos, alemães, espanhóis… mas ingleses quase não se vê. É um país tão sem originalidade que o prato mais tradicional da culinária deles é peixe frito com batata frita. Entretanto, há e ser dito: o que eles não tem de originalidade, tem de sobra o poder de rápida assimilação e desenvolvimento. Não foram eles que inventaram o tear, mas foram eles que o desenvolveram para produção em larga escala e iniciando a Revolução Industrial. Não foram eles que inventaram o rock n’ roll, mas foram eles que o elevaram ao patamar de arte com Beatles, The Who, Bowie, Led Zeppelin…

Claro, existem exceções. A música negra, de maneira geral, os ingleses absorveram rapidamente, mas não foram capazes de superar os criadores do soul, do jazz e  do reggae. Bob Marley, Isley Brothers, Jimmy Cliff, James Brown, Aretha Franklin, Coltrane, Nat King Cole, Ella Fitzgerald, Billie Holiday, são todos artistas respeitadíssimos na ilha da rainha, influenciaram muita gente, mas ninguém chegou perto deles em genialidade e qualidade artística. Pelo menos assim foi até 2003.

Em outubro de 2003 foi lançado o disco Frank, álbum de estréia de Amy Winehouse, até então uma cantora desconhecida que se apresentava em pubs de Londres e impressionava todo mundo com sua voz incrível, presença de palco gigantesca e ótimas melodias que ela mesma compunha. Além disso, Amy revitalizava o jazz e os standards norte americanos. Era um Cole Porter de saias, em pleno século XXI respeitando o passado, mas flertando com o moderno R&B e novas tendências musicais. Era uma artista brilhante a ponto de explodir. E ela explodiria em muitos sentidos.

Amy Jade Winehouse nasceu em Londres no dia 14 de setembro de 1983. Ela vinha de uma família simples muito ligada à música. Sua avó paterna fora cantora de jazz e o pai era músico amador e tinha em casa uma vasta coleção de discos. Como vemos em muitas histórias de artistas geniais, a música sempre foi uma âncora para Amy, que teve desde cedo uma vida complicada. Seus pais se separaram quando ela tinha 6 anos de idade, fato que a desestabilizou muito. Adolescente, por volta de 14 anos, precisou tomar remédios controlados para ansiedade e, em seguida, já aprendeu os prazeres e excessos da vida boêmia, álcool, drogas… se distanciou da escola e se aproximou ainda mais da música.

Em 2001 Amy já tinha gravado uma demo que rodava entre os executivos de pequenos selos de Londres. Quem resolveu apostar na cantora foi a Island Records. Foi onde Amy conheceu o produtor Salaam Remi, que se tornaria seu parceiro de composições, amigo confidente e o responsável por lapidar o talento dela. Entre meados de 2002 e 2003 o disco Frank foi concebido e gravado. O disco não alcançou vendas muito altas, mas foi muito elogiado pela crítica e levou Amy Winehouse a um patamar acima das apresentações improvisadas em pubs. Ela entrou para um circuito alternativo de shows que trouxeram mais maturidade musicalmente, além de abrir muitas portas. Junto com o ritmo frenético de shows, após um ano do lançamento de Frank, Amy começou a ser cobrada por um novo disco. O que acabou a levando a um terrível bloqueio criativo. Seu primeiro disco era formado por canções muito pessoais baseadas nas desventuras conjugais de seus pais e de um relacionamento fracassado vivido por ela. Agora sua vida se limitava a tocar, fazer shows e cair na farra. Ela não tinha de onde tirar inspiração para compor. Até que em 2005, num pub no bairro de Camden, ela conhece Blake Fielder-Civil.

Foi paixão à primeira vista. Com Blake Amy começou uma relação tumultuada e muito intensa. Apesar de muitas brigas e desconfianças que ele tivesse outras mulheres, eram um casal muito ligado. Também foi com Blake que Amy conheceu realmente o lado negro da força e experimentou pela primeira vez heroína e crack. Aí você pensa: “Daí em diante foi só ladeira abaixo.”. Engano seu! Porque quando ela se afundou no vício, tentaram várias vezes interna-la em clínicas de reabilitação, as famosas rehabs. Ela já estava relutante, mas depois que seu pai disse a ela uma vez que ela não precisava se internar e podia tentar ficar limpa por conta própria, ela disse” Vocês querem que eu vá pra rehab, mas não não não.”. Sem falar que o tempestuoso relacionamento com Blake reacendeu a chama musical e Amy compôs várias canções. Morria assim o bloqueio criativo e nascia assim um clássico.

No fim de 2006 Back to Black é lançado e o single Rehab se torna um hit avassalador mundo afora. Daí em diante, parece que o mundo em volta de Amy acelerou rumo ao inevitável. Tudo explodiu. O consumo cada vez maior de álcool e drogas faziam com que ela aparecesse em shows sem a menor condição de cantar, a fama lhe tirou a privacidade e ela era constantemente vista pelas ruas de Londres em frangalhos… tudo foi ficando insuportável. Em agosto de 2007 ela teve uma overdose e foi hospitalizada, em seguida, Blake Fielder-Civil foi preso após uma batida em sua casa onde foram encontradas quantidades consideráveis de várias drogas. A prisão de Blake só piorou as coisas para Amy. O tempo passava voando e ela foi perdendo shows, sem a menor condição de compor novas canções… e sua saúde se deteriorando a passos largos. Desde adolescente, Amy era bulímica, uma prática muito perigosa. O desequilíbrio agressivo da bulimia combinado ao excesso de álcool e drogas desgastou muito o organismo da cantora. Num piscar de olhos, cinco anos se passaram entre o lançamento de Back To Black e o dia 23 de julho e 2011.

Na manhã daquele dia 23 de julho de 2011, Amy Winehouse foi encontrada morta em sua casa, em Londres. Exames detectaram uma quantidade assustadora de álcool no sangue dela. Ela vinha tentado parar de usar drogas na época, mas continuava bebendo muito. Frágil por conta da bulimia, é possível que o excesso de álcool em seu organismo tenha feito seu coração parar de bater. Amy morreu dois meses antes de completar 28 anos de idade. Sendo assim, sua morte reacendeu aquela famosa conversa da maldição dos 27 anos, idade em que, coincidentemente, alguns dos mais importantes músicos do rock morreram, como Jimi Hendrix e Kurt Cobain.

Assim a boa e velha Inglaterra chegou ao século XXI confirmando sua expertise em gerar artistas que conseguem assimilar e ir além do que é feito fora da ilha. Amy Winehouse sintetizou o jazz, o R&B e a soul music numa linguagem nova e atraente; no melhor estilo antropofágico em que a Strip Me tanto se inspira, Amy Winehouse é uma das artistas mais geniais dos últimos 20 anos. Não poderíamos de jeito nenhum deixar os 10 anos de sua morte passar em branco. Preferimos sempre Back to Black.

Vai fundo!

Para ouvir: Todo mundo sabe que músicas como Rehab e Back to Black são maravilhosas. Por isso a gente elaborou uma playlist pra você ouvir um pouco mais do trampo da Amy Winehouse, além das músicas mais conhecidas. Top 10 tracks 10 anos sem Amy.

Para assistir: O documentário super intimista e bem elaborado, lançado em 2015 e dirigido por Asif Kapadia, intitulado, Amy, é simplesmente indispensável para quem quer conhecer  e entender a carreira meteórica de Amy Winehouse. E pra facilitar a sua vida, esse doc está completinho e legendado no Youtube. É só clicar aqui.