12 filmes que contam a história do rock! Parte 1

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12 filmes que contam a história do rock! Parte 1

05/07/2023 | Por Paulo Argollo | Comentários desativados

No mês do rock, a Strip Me apresenta 12 histórias de cinema, sobre alguns dos mais importantes artistas da música pop!

Que o rock n’ roll é mais que um gênero musical, mas um estilo de vida, todo mundo sabe. Porém, algumas vidas são mais interessantes que outras, e elevaram alguns artistas a um status de quase divindade. E, na grande maioria dos casos, esse status é, ao mesmo tempo, a glória e a ruína. Afinal, convenhamos, a maioria das histórias são bem parecidas. Um artista de origem humilde, com muito talento, ascende ao estrelato, se perde em excessos de todo tipo e alguns ficam pelo caminho e outros dão a volta por cima. Mas todos acabam virando lendas.

O cinema é prodígio em contar essas histórias com muita eficiência. São muitos os filmes que se prestam a retratar a vida de artistas famosos. O Dia do Rock é 13 de Julho. Portanto, aproveitamos para declarar o nosso amor ao rock n’ roll elencando alguns dos melhores filmes sobre artistas que ajudaram a moldar essa música e esse estilo de vida que a gente tanto adora! Selecionamos 12 filmes e dividimos este post em 2 partes. Hoje você confere 6 filmes e semana que vem, um dia antes do Dia do Rock, publicamos a segunda parte deste texto. Então prepara a pipoca e se liga na nossa lista!

Minha Fama de Mau (2019)

Assim como a maior parte das cinebiografias já feitas, este filme foi escrito baseado no livro de mesmo nome, que conta a história de Erasmo Carlos. No caso, o livro é uma autobiografia muito bem escrita e recheada de boas histórias. O filme consegue transmitir a mesma leveza e ingenuidade dos primeiros anos da Jovem Guarda e a evolução de Erasmo como músico e pessoa. Claro, sem a complexidade do livro, por falta de tempo e espaço. Mas Lui Farias dirige o filme com competência, o roteiro, escrito a seis mão por L.G. Bayão, Lui Farias e Letícia Mey, é superficial, mas se sustenta bem, principalmente por conta de seus personagens serem nossos velhos conhecidos, Erasmo Carlos é interpretado por Chay Suede com elegância. Minha Fama de Mau é um filme bem divertido, uma sincera ode aos primórdios do rock n’ roll brasileiro e a um de seus principais nomes.

What’s Love Got to Do with It (1993)

Este filme saiu no Brasil em 1994 sob o título Tina – A Verdadeira História de Tina Turner. O título original, além de aludir a uma das músicas mais famosas de Tina Turner, tem tudo a ver com o enredo do filme, que conta a história de Turner desde a infância até o auge de sua carreira, passando pelo seu conturbado casamento com Ike Turner. O filme é dirigido pelo britânico Brian Gibson, responsável pela cinebiografia de Frida Kahlo como produtor, além de dirigir o divertidíssimo Still Crazy, filme sobre uma banda fictícia dos anos 70. O roteiro é assinado por Kurt Loder e Kate Lanier, além da própria Tina Turner. É um filme muito bem executado, com uma excelente trilha sonora e cenas bem dramáticas. Tina Turner teve uma vida sofrida, mas repleta de êxitos e momentos inesquecíveis. O filme é muito bom, teve algumas indicações ao Oscar, inclusive, mas foi soterrado por uma avalanche de ótimos filmes naquele ano, como A Lista de Schindler, Philadelphia, Jurassic Park, O Fugitivo, Em Nome do Pai e Sintonia de Amor.

Elis (2016)

Não é exagero dizer que Elis Regina é a maior cantora brasileira de todos os tempos. Da mesma forma, não é forçar a barra incluí-la numa lista dedicada a artistas do rock n’ roll. Sempre foi uma artista controversa e disposta a romper com qualquer limite imposto. Por isso mesmo, ela fez parte da passeata contra a guitarra elétrica nos anos 60, e nos anos 70 não economizou nas distorções e frases bluesy para cantar canções do Belchior. Elis teve uma vida tão intensa, que as quase duas horas de filme não são suficientes, e muita coisa ficou de fora. Mas Hugo Prata, que dirigiu e escreveu o filme, com o apoio dos roteiristas Luiz Bolognesi e Vera Egito, entrega um filme bem acabado, com uma fotografia vigorosa, boas atuações, mas um roteiro superficial e um pouco atropelado. Mas só pela trilha sonora e pela fotografia, já vale a pena assistir.

Walk the Line (2005)

Também conhecido por Johnny e June, este filme é baseado em um dos melhores livros de rock n’ roll já escritos: a autobiografia de Johnny Cash! O livro tem uma riqueza de detalhes e um tom confessional tão impactantes, que chega a ser surpreendente que o filme não deixe muito a desejar em relação ao livro. Isso quer dizer que se trata de um baita filme bom! A química entre Joaquim Phoenix e Reese Whiterspoon interpretando Johnny Cash e June Carter Cash é avassaladora! Além disso, o roteiro é muito bem amarrado e rico em grandes cenas e bons diálogos. James Mangold escreveu e dirigiu o filme com brilhantismo. Aliás, um ótimo diretor. Vamos lembrar que ele é o homem responsável por Garota Interrompida, além de ter concebido o mais profundo filme sobre um personagem de histórias em quadrinho, o excelente filme Logan, de 2017. Walk the Line é um filmaço, responsável por apresentar o contestador e cascudo Johnny Cash às novas gerações. Só por isso, já merece nosso respeito.

Cazuza: O Tempo não Pára (2004)

A verdade é que este filme acabou gerando quase tanta polêmica quanto a própria vida de seu personagem principal. Não que o filme seja ruim. É um bom entretenimento, mas deixou de fora muita coisa importante da vida pessoal e profissional de Cazuza. Um dos maiores motivos de discussão foi que o filme sequer cita os nomes de duas pessoas muito próximas de Cazuza: Lobão e Ney Matogrosso. Lobão era o melhor amigo de Cazuza, e os dois viviam juntos pra cima e pra baixo, e compuseram várias músicas juntos, a mais famosa é Vida, Louca Vida. Já Ney Matogrosso foi um dos primeiros namorados de Cazuza, o caso de amor dos dois durou pouco tempo, mas foi o suficiente para ficar na história, mas não no filme. Cazuza: O Tempo não Pára foi dirigido por Walter Carvalho e Sandra Werneck, e escrito por Lucinha Araújo, Fernando Bonassi e Victor Navas. O filme é um bom entretenimento, mas não passa disso. Quem melhor definiu o longa foi justamente Lobão, que, ao ser perguntado sobre o filme, disparou: “Parece um episódio de Malhação.”

Rocketman (2019)

Elton John é um dos artistas mais intrigantes do rock n’ roll. É originalíssimo e mega talentoso, mas também carrega uma tonelada de referências externas. Tem virtudes comparáveis aos maiores gênios. O lirismo de Freddie Mercury, as melodias de Paul McCartney e a estética de David Bowie. Essa personalidade multifacetada e exuberante é lindamente retratada no excelente filme Rocketman. Um filme de fotografia e edição impressionantes, roteiro incrivelmente bem amarrado e quebrando paredes, e uma direção fantástica. É uma das melhore cinebiografias já feitas, sem sombra de dúvidas. Há quem torça o nariz para o filme, por ele ser muito próximo de um musical. Mas as pessoas esperavam o que? Afinal é a vida do Elton John! Só poderia ser contada através da música (e de figurinos excêntricos, claro). O filme tem a direção de Dexter Fletcher e roteiro de Lee Hall. E é um filme imperdível!

Essa foi a primeira parte da celebração da Strip Me pelo ia do Rock! Na semana que vem você confere a segunda parte dessa lista, com mais 6 filmes sobre grandes nomes do rock ‘n roll. Enquanto não chega essa parte 2, você pode dar aquela conferida no nosso site e escolher suas camisetas favoritas da nossa coleção de camisetas de música. Aproveita e dá uma olhada nos lançamentos, que pintam na nossa loja toda semana, além de camisetas de cinema, arte, cultura pop e muito mais. Barulho, diversão e arte é com a gente mesmo!

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist caprichada com músicas dos artistas biografados nos filmes citados neste texto! Rock no Cinema (Parte 1) top 10 tracks.

Para ler: Sem dúvida, entre todos os livros que inspiraram filmes, um dos melhores e mais impactantes é Cash, a autobiografia de Johnny Cash. Direto ao ponto, com uma escrita fluída e simples, Johnny Cash coloca nas páginas toda a sua vida, suas virtudes, seus pecados, seus altos e baixos, sua relação com a família, com a música, com o amor, com a religião e consigo mesmo. É um relato fortíssimo e inspirador. Livro praticamente obrigatório, de tão bom.

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Os 10 melhores filmes do gênio Martin Scorsese

21/06/2023 | Por Paulo Argollo | Comentários desativados

A Strip Me não tem medo da polêmica e, para homenagear Martin Scorsese, elencou entre os mais de 25 filmes do diretor, seus 10 melhores.

Imagine um menino que nasceu em New York na década de 1940, descendente de sicilianos, crescendo num bairro de imigrantes, onde a pobreza contrasta com alguns homens de ternos bem cortados tomando café na porta de alguns estabelecimentos, com cara de poucos amigos. O que se pode esperar do futuro desse menino? Ora, ser padre, é claro! Pois era o que queria ser quando adulto o adolescente Martin Scorsese, nascido no Queens em 1942. Porém, por ter uma saúde frágil, o jovem Scorsese quase não saía para a rua e faltava muito na escola. Para compensar, seus pais frequentemente o levavam para se distrair no cinema. Acontece que nos anos 50, quando Martin passava da infância para a adolescência ainda não tinha essa coisa de filmes para crianças. Então, com 12 para 13 anos, ele assistia filmes de Alfred Hitchcock e Ingmar Bergman. E tudo mudou.

Hoje Martin Scorsese é facilmente reconhecido como um dos maiores nomes do cinema de todos os tempos. E é curioso notar que tudo em sua vida pessoal colaborou para que ele fosse um cineasta tão autêntico, realista e de alto primor técnico. Ter crescido nos arredores de Little Italy, em New York, nos anos 50, sendo ele próprio descendente de sicilianos, lhe deu uma visão única da máfia em seu auge. Sua religiosidade fez com que o catolicismo e a cristandade estivessem sempre presente em sua obra, mas sob um viés questionador, provocador até, justamente por ele ter muitas vezes questionado a sua fé, depois que o cinema e a literatura, e consequentemente a reflexão sobre a religiosidade, se tornaram um hábito.

A obra de Scorsese é vasta e impressionante, tamanha a qualidade de praticamente todos os seus filmes. São 25 filmes entre 1968 e 2019, sendo que tem mais um a caminho, que será lançado ainda neste ano. E isso só ficção, sem falar nos documentários, que são 12 no total, e pelo menos 3 são realmente fabulosos. Além disso, a obra de Scorsese é marcada por parcerias longevas e de muito sucesso, em especial com o ator Robert De Niro, e atualmente com Leonardo Dicaprio. Há quem diga que a melhor forma de conhecer um artista é através de sua obra. Então, resolvemos selecionar os 10 filmes mais importantes da carreira do diretor. Não foi fácil escolher só 10 entre tantos filmes incríveis. Então, você confere a seguir os 10 melhores filmes de Martin Scorsese segundo a Strip Me.

10 – O Rei da Comédia (1982)
Um filme excelente, apesar de menosprezado. Mas é compreensível que assim seja. O Rei da Comédia foi o filme que sucedeu Touro Indomável. O filme é empolgante ao misturar comédia e drama para contar a história de um homem perturbado, que vive entre sua própria imaginação e a realidade, cujo desejo é ser um grande comediante. Para alcançar seu objetivo, ele vai até as últimas consequências para se apresentar no talk show mais famoso da TV, apresentado por um renomado comediante. Protagonizado por Robert De Niro e Jerry Lewis, O Rei da Comédia é um baita filme, que ganhou mais atenção do público recentemente. Afinal, claramente o elogiadíssimo filme Joker, lançado em 2019, é mais que uma clara homenagem, é praticamente um remake do filme de Scorsese.

9 – Vivendo no Limite (1999)
Mais um filme sensacional de Scorsese que é pouco conhecido. Também compreensível que assim seja. 1999 foi um ano abençoado para o cinema. No mesmo ano foram lançados Clube da Luta, De Olhos Bem Fechados, Garota Interrompida, Beleza Americana e A Espera de um Milagre. Porém, Vivendo no Limite não deixa nada a desejar a estes filmes. Scorsese traz a história de um motorista de ambulância workaholic, que começa a ver fantasmas dos pacientes que não conseguiu salvar e, ao invés de diminuir, aumenta sua entrega ao trabalho. O filme é alucinante, com uma fotografia e edição fantásticas, uma trilha sonora arrebatadora com The Clash, Van Morrison, Johnny Thunders, R.E.M. e The Who. Além disso, Scorsese consegue arrancar de Nicolas Cage, que sempre foi um ator mediano, uma atuação vigorosa.

8 – O Irlandês (2019)
É o filme mais recente de Scorsese e pode ser considerado um épico, não só por ser um filme longo (mais de 3 horas de duração). O irlandês conta a história que tem ligação direta com um dos casos mais impactantes da história recente dos Estados Unidos, e que continua ainda hoje sem uma conclusão, o caso da morte do líder sindical Jimmy Hoffa. Além de se embrenhar num tema tão espinhoso, o filme tem outros atrativos. Pra começo de conversa, reúne Al Pacino e Robert De Niro finalmente num filme decente e a altura da qualidade dos dois atores. É um filme brilhante, que tem diálogos excelentes, ótimas cenas de ação e uma história bem amarrada, que prende a atenção. Um filme com a cara (e a qualidade) de Scorsese.

7 – Cabo do Medo (1991)
Um suspense como só Scorsese poderia fazer e só De Niro poderia protagonizar com tanta excelência! O roteiro é bem simples. Na verdade, o filme em si não é novidade, pois trata-se de um remake do filme de mesmo nome lançado em 1962 e protagonizado por Gregory Peck. Mas a versão de Scorsese é imbatível! A história gira em torno de um criminoso condenado que, ao sair da cadeia, passa a atormentar a família do promotor que o colocou na prisão. A entrega de De Niro ao personagem é assustadora. É um suspense de roer as unhas que vale ser visto e revisto! Além de tudo foi o filme que revelou ao mundo a jovem atriz Juliette Lewis.

6 – Os Infiltrados (2006)
Este foi o filme responsável pelo primeiro Oscar de Scorsese. Sim, Os Infiltrados é um ótimo filme. Mas não é pra Oscar. Ele concorreu com Babel, Pequena Miss Sunshine e Cartas de Iwo Jima, que são tão bons quanto, se não melhores. Mas é possível que a academia tenha dado o Oscar a Os Infiltrados em nome do conjunto da obra de Scorsese, que tem pelo menos um cinco filmes antes deste que mereciam, e muito, a estatueta. Tá, mas isso não diminui em nada o filme, que fique claro. Os Infiltrados é um filme de máfia como só Scorsese pode conceber, repleto de violência e com uma trama que privilegia seus personagens. Mais uma vez, Scorsese apresenta um filme empolgante, com uma trilha sonora excelente e ótimas atuações. Aliás, de novo Scorsese tira leite de pedra ao fazer um ator mediano apresentar uma atuação acima da média. O nome da vez é Mark Wahlberg.

5 – Casino (1995)
Entramos no Top 5! Começamos a pisar em solo sagrado, de filmes que realmente mudam a perspectiva das pessoas e revolucionam de alguma maneira o jeito de fazer cinema. Casino é um filme de Martin Scorsese por excelência. Tudo que faz de Scorsese um cineasta genial está lá. A escolha do elenco, que entrega atuações brilhantes, um roteiro denso e bem amarrado, cenas de violência explícita impressionantes, fotografia instigante, trilha sonora impecável e direção perfeita. A história se assemelha a do filme Bons Companheiros, pois conta a trajetória de um judeu associado à máfia que é designado para gerenciar um casino em Las Vegas. O filme é inspirado numa história real. Uma curiosidade aqui é que a trilha sonora, além de muito bem escolhida, tem um papel essencial no filme. Como a maior parte do filme acontece dentro de um casino, onde não se vê o mundo exterior e as roupas são sempre extravagantes e atemporais, é através das músicas que o passar dos anos é evidenciado. Enfim, um filme imperdível!

4 – O Lobo de Wall Street (2013)
O negócio de Scorsese é realmente contar histórias de personagens incríveis, carismáticos e que tem uma trajetória vertiginosa. Aqui a máfia dá lugar ao igualmente inescrupuloso e ganancioso mercado de ações e especulação monetária. Leonardo Dicaprio, numa atuação exuberante e irretocável, encarna um ousado homem de negócios que começou por baixo e cresceu rapidamente, entendo os meandros, pormenores e excessos do mercado financeiro. É um filme tão empolgante e divertido, que nem parece que tem 3 horas de duração. Além de tudo é um filme apresenta tamanho realismo que deixa uma pulga atrás da orelha: será que o alto escalão do mercado financeiro é desse jeito mesmo, ou isso é só uma caricatura?

3 – Touro Indomável (1980)
Após concluir Taxi Driver, seu primeiro filme realmente reconhecido pelo público e pela crítica, Martin Scorsese lançou um filme que foi um fracasso total. Esse fracasso fez com que ele quase desistisse do cinema e fosse trabalhar apenas como diretor de vídeo clipes. Foi Robert De Niro quem o incentivou a continuar. Na mesma época em que De Niro dava essa força, chega ás mãos de Scorsese o roteiro de Touro Indomável, a história do lutador de boxe Jake LaMotta, uma história real. O filme é de uma sensibilidade inacreditável. Carrega consigo uma carga imensa de brutalidade e drama, que fizeram com que LaMotta tivesse uma vida de glória nos ringues e desastrosa dentro de casa. O trabalho de De Niro aqui é soberbo, sua transformação física ao encarnar o protagonista em seu auge na juventude e decadente na velhice é impressionante. Touro Indomável é o segundo filme da carreira de Scorsese que deveria ter ganho o Oscar. Outra curiosidade é que o próprio LaMotta, quando assistiu ao filme chorou muito e, ao final, ele perguntou para a sua esposa se ele havia sido uma pessoa tão terrível como aparece no filme. Ela respondeu: “Você era bem pior”.

1 – Empate Técnico
Não dá pra dizer qual destes dois filmes é melhor. Além de serem filmes bem diferentes, os dois são irretocáveis e realmente geniais, cada um com suas particularidades. Portanto, os dois entram para a lista como número 1.
Taxi Driver (1976)
Martin Scorsese era o homem certo na hora certa para realizar Taxi Driver. Primeiro, ele conhece New York como ninguém. Segundo, não tem medo de explorar a violência e brutalidade, e o faz sem parecer forçado. Terceiro, ele tem ao seu lado Robert De Niro, um ator fenomenal. Taxi Driver é um retrato de seu tempo. Um Estados Unidos sem esperança e violento, amargurado com o fim da guerra do Vietnã, que gerou milhares de homens perturbados, veteranos de uma guerra que matou mulheres e crianças, que só sabiam matar e agora estavam sem emprego. Esse é o perfil Travis Bickle, personagem principal, interpretado por De Niro. O filme é um clássico absoluto, desses que tem cenas tão icônicas que são repetidas em inúmeros filmes depois dele (“You talkin’ to me?”). Era um filme pra levar o Oscar. E ele perdeu sabe pra quem? Para Rocky, sim o filme de Sylvester Stallone sobre o boxeador Rocky Balboa. E ele levou o Oscar porque, além de ser realmente um ótimo filme, mostra exatamente o mesmo Estados Unidos despedaçado, mas tem como protagonista um homem simples, do povo, que consegue vencer na vida. Afinal, um pouco de otimismo não faz mal a ninguém.
Bons Companheiros (1990)
Coppola que não nos ouça, mas foi Martin Scorsese quem realmente definiu os moldes de um bom filme de máfia. E Foi com este Bons Companheiros que o fez. Claro que a trilogia Poderoso Chefão é genial, mas traz uma visão limitada, romantizada e vista de cima para baixo do mundo da máfia. Já Scorsese traz um olhar mais realista, com uma visão mais ampla e menos glamourizada. Além disso é quase didático ao explicar através da vida de Henry, como funciona a hierarquia da máfia italiana. Primeira coisa a ser dita sobre este filme: de novo Scorsese arranca uma atuação brilhante de um ator medíocre, neste caso Ray Liotta, que interpreta com perfeição o protagonista Henry Hill, um rapaz que não pode ser efetivado na máfia por não ser de origem italiana, mas que é um gângster associado à máfia, com todos os seus privilégios, junto com seus amigos Jimmy Conway e Tommy (Robert De Niro e Joe Pesci). Mais uma vez Scorsese ajuda a mostrar a passagem do tempo através de uma trilha sonora excelente. Mais uma vez ele traz a violência crua e sem rodeios. Mais uma vez ele executa uma direção irretocável. Mais uma vez ele perde o Oscar. Desta vez, não tem muita explicação. O ganhador do Oscar naquele ano foi Dança com Lobos. Um ótimo filme, mas Bons Companheiros é melhor, mais completo, mais intenso. Bons Companheiros é o filme de máfia perfeito. É um filme que não dá pra cansar de rever. É uma obra prima, assim como Taxi Driver.

Menção honrosa
Precisamos falar, nem que seja por cima do trabalho de Scorsese como documentarista de música. Pelo menos 3 de seus documentários merecem ser mencionados: The Last Waltz, de 1978, que documenta o último show da banda The Band, famosa por acompanhar Bob Dylan, antes de sua separação. Além das músicas, é um filme emocionante, com alguns depoimentos e uma fotografia delicada. George Harrison: Living in the Material World, de 2011 é outro documentário brilhante, contando a vida do guitarrista dos Beatles sob um viés mais pessoal e humano. Repleto de imagens raras e depoimentos de amigos e familiares, é uma homenagem a altura do talento do inigualável beatle George. Por fim, Rolling Thunder Revue: A Bob Dylan Story, de 2019, é acachapante. O filme retrata a turnê de Bob Dylan de 1975 pelos Estados Unidos. Uma turnê insana que além de músicos, contava com vários amigos, entre eles o poeta beat Allen Ginsberg. O filme traz imagens memoráveis de shows e de backstage, além de vários depoimentos interessantíssimos.

Que homem é Martin Scorsese! Um cineasta desse gabarito não podia deixar de ser homenageado pela Strip Me, que claro, tem estampa incrível com referência a um de seus filmes. O cinema cru e revolucionário de Scorsese é uma inspiração e referência para a marca! Confere na nossa loja as camisetas de cinema, de música, arte, cultura pop e muito mais. Além disso, no nosso site você fica por dentro de todos os nossos lançamentos, que pintam toda semana!

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist poderosa, baseada no que há de melhor em todas as trilhas sonoras dos filmes do Scorsese. Scorsese Top 10 tracks.

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Os 5 segredos de The Dark Side of the Moon.

28/02/2023 | Por Paulo Argollo | Comentários desativados

O clássico disco da banda Pink Floyd completa 50 anos neste mês. Para celebrar, desenterramos 5 segredos sobre esta obra prima da música pop. Afinal, tudo que é extraordinário carrega em si um pouco de mitologia e surpresa. Com este disco não é diferente. The Dark Side of the Moon é um dos mais importantes discos da história da música popular mundial. Desde seu lançamento até hoje é celebrado, teve sua capa icônica parodiada e referenciada no cinema, nos quadrinhos e por outros artistas na música. É um marco da cultura pop tão emblemático que Strip Me não poderia deixar de homenageá-lo. São 3 camisetas fazendo referência direta ao disco, e mais algumas dedicadas à banda.

Dadas as proporções gigantescas da obra, acaba sendo chover no molhado se meter a contar a história do disco, destrinchar as canções, seus significados e etc, após 50 anos de seu lançamento. Quem se interessa minimamente por música, já sabe de tudo isso. Entretanto, alguns detalhes muito interessantes e curiosos às vezes passam despercebidos da maioria das pessoas. Portanto, hoje vamos celebrar toda a grandeza do The Dark Side of The Moon falando sobre 5 pormenores, detalhes que tornam o disco muito mais saboroso.

Os números.

Ok, antes de falar de pormenores, vamos falar de superlativos. No ranking dos discos mais vendidos dos últimos 50 anos no mundo todo, o DSOTM está em quarto lugar. Ele perde, apenas para os discos Thriller, do Michael Jackson em primeiro, Back in Black, do AC-DC em segundo e a trilha sonora do filme O Guarda-Costas em terceiro. Oficialmente, a EMI diz que foram vendidas aproximadamente 25 milhões de cópias do Dark Side, incluindo vinil, CD e K7. Mas esse número pode facilmente chegar a 45 milhões se contarmos as edições de aniversário, boxes de luxo, reedições e até mesmo cópias piratas. Para se ter ideia, na Inglaterra, onde o disco mais vendeu, estima-se que uma em cada cinco casas britânicas tem uma cópia do disco. Com estes números, matematicamente, é possível afirmar que a cada minuto, em algum lugar diferente no mundo, tem alguém ouvindo o The Dark Side of the Moon. Para completar, o número mais espantoso: Existem mais de mil edições oficiais lançadas do disco mundo afora! Além das atualizações regulares de vinil para k7 e CD, estamos falando de edições com capa simples, gatefold, edições mono, estéreo, som quadrofônico e surround, pequenos ajustes de arte… a lista é interminável. Não é à toa que ele completa 50 anos de lançado entre os 4 mais vendidos da história da música pop.

A capa.

A capa do Dark Side of the Moon é tão icônica e emblemática que não dá pra imaginar ler ou ouvir o nome do disco, ou as canções, sem associar imediatamente à imagem do prisma. É como imaginar o Tyler Durden sem a dupla Pitt e Norton, ou Taxi Driver sem o DeNiro. Simplesmente não dá. Como outras anteriormente para o Pink Floyd, a capa do disco Dark Side of The Moon foi criada pelo grupo de artistas gráficos Hipgnosis. A ideia mesmo surgiu de um dos integrantes do grupo, o designer Storm Thorgerson, depois de uma conversa com Rick Wright, que havia dito que a banda não queria usar fotos, como a legendária vaca do disco Atom Heart Mother, mas sim algo minimalista, simples, mas elegante, sofisticado. Porém, numa das várias reuniões entre o pessoal da Hipgnosis e a banda, uma das ideias ventiladas havia sido de usar o herói dos quadrinhos Surfista Prateado. A imagem imponente de um surfista prateado pairando sobre o cosmos seduzia a banda, que se ligava nos quadrinhos da Marvel na época. A ideia só foi descartada de vez quando Thorgerson apresentou a ideia do prisma, e, de cara, todo mundo se ligou que aquela era a capa ideal. Ainda bem.

A rejeitada.

O Pink Floyd sempre teve uma relação estreita com o cinema. A começar pela entrada do próprio David Gilmour, que antes de fazer parte da banda, fazia uns bicos de modelo fotográfico e tinha aspirações a ser ator. Mas ele entrou para segurar a onda das loucuras de Syd Barrett, fazendo uma guitarrinha base, acabou por substituir Barrett, que deixou a banda em 1968, e se tornou parte fundamental como cantor, guitarrista e compositor. Já com a formação Waters, Gilmour, Wright e Mason estabelecida, a banda investiu em produzir músicas para trilhas sonoras de filmes. Um deles foi o impactante Zabriskie Point, do gênio italiano Antonioni , lançado em 1970. O Pink Floyd contribuiu com 4 canções para a trilha sonora do filme, além de temas incidentais. Porém, uma das canções foi rejeitada e não entrou no filme. Chamada The Violent Sequence, era um tema instrumental composto por Wright, uma melodia linda ao piano, mas que Antonioni, ao ouvir, disse: “Até que é uma música bonita, mas é muito triste, me faz pensar em igrejas.”. Dois anos depois, a banda resgata aquele tema, que se encaixa perfeitamente numa das letras mais inspiradas e transcendentais escrita por Roger Waters. A música foi incluída no The Dark Side of the Moon rebatizada como Us and Them.

O financiamento.

A inclusão de Us and Them no disco não é a única ligação de The Dark Side of the Moon com o mundo do cinema. E se você acha que eu vou falar sobre O Mágico de Oz, errou feio, errou rude. Até porque, sobre isso nós já falamos vastamente aqui neste blog, no post The Dark Side of The Rainbow, publicado em setembro de 2021. Acontece que em 1973 a trupe de humor Monty Python estava arrebentando na tv britânica com o seu programa Monty Python’s Flying Circus. Muito antes de existir internet e vaquinhas virtuais, tipo crowdfunding, os Pythons já se adiantavam. Lutando para financiar seu primeiro longa metragem, mas sofrendo com o conservadorismo das grandes produtoras da indústria cinematográfica, a trupe se fez valer da moral que tinha entre a classe artística, em especial astros do rock, e saíram pela Inglaterra espalhando que estavam arrecadando dinheiro para financiar seu primeiro filme. Além de jogos de futebol, os caras do Pink Floyd também não perdiam os programas do Monty Python. Com parte do dinheiro recebido pelas vendas de Dark Side of the Moon, o Pink Floyd assumiu 10% do orçamento do filme de estreia dos Pythons, o clássico Monty Python and the Holy Grail, lançado em 1975. Além do Floyd, o filme foi bancado por outros astros como George Harrison, Elton John, Led Zepellin e outros. Os Cavaleiros que Dizem Ni agradecem.

A música escondida.

Quem se interessa pela história do rock dos anos 60, sabe que o Pink Floyd sempre teve uma relação bem próxima com os Beatles. Agora, que tem um dedo dos Beatles no The Dark Side of the Moon, isso é pouca gente que sabe. Em 1967, o Pink Floyd, ainda com Syd Barrett e sem Gilmour na guitarra, gravava seu álbum de estreia no estúdio 1 do Abbey Road Studios. No estúdio 2, ou seja, na sala ao lado, os Beatles gravavam o Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Muito pouco há de comprovação, mas muito de especulação, sobre interferências de uma banda no disco da outra e vice-versa. A mesma coisa aconteceu em 1972, quando o Floyd gravava o Dark Side em uma sala do Abbey Road, e na outra, Paul McCartney, com os Wings, gravava o Red Rose Speedway. Uma das ideias de Waters para o Dark Side of the Moon era amarrar as canções com várias falas aleatórias, frases soltas. Para isso, saiu entrevistando todo mundo no estúdio Abbey Road, do porteiro e do pessoal da limpeza, até os técnicos de som e músicos, fazendo perguntas que iam de “Qual sua cor favorita?” até “O que você acha que existe depois da morte?”. Um dos entrevistados foi Paul McCartney, que estava sempre pelos corredores do estúdio. Acontece que a fala de Paul acabou sendo descartada. O beatle quis ser engraçadinho, fez vozes e piadocas, que não combinavam com o clima do disco. Porém, quis o destino que, mesmo sem a fala do Paul, houvesse uma pontinha de Beatles naquele disco.

Quando o porteiro Gerry O’Driscoll gravava sua entrevista, possivelmente no refeitório do estúdio, havia um aparelho de som ligado. Foi ele quem disse, por acaso, as frases que foram escolhidas para encerrar o disco, ao final da música Eclipse. Ele diz: “There is no dark side of the moon, really. Matter of fact, it’s all dark.”. Justamente quando ele está dizendo isso, ao fundo, tocava uma versão instrumental da música Ticket to Ride, dos Beatles ao fundo. Se você ouvir com atenção, logo após a fala de Gerry, entre os batimentos cardíacos, ao fundo é possível ouvir as frases melódicas de Ticket to Ride sendo tocadas por uma orquestra! Ouça o final de Eclipse com fone de ouvido e volume alto para comprovar. Portanto, se alguém te disser que as últimas notas musicais do disco The Dark Side of The Moon são da música Eclipse, você pode discordar com propriedade.

Paul McCartney e David Gilmour. Knebworth Fair, 1976 – Crédito da Imagem: Hulton Archive

Depois desses segredos revelados sobre um dos maiores e mais importantes discos da história da música pop, só nos resta ouví-lo mais uma vez, com toda a devoção e respeito que ele merece! Seja na vitrola ou no Spotify, celebre os 50 anos do Dark Side of The Moon ouvindo de Speak to Me até Ticket to Ride em alto e bom som! E aproveite para cultuar esse disco também através das super estilosas camisetas da Strip Me. Confira a versão minimalista do prisma, o Mágico de Oz e A Estátua, todas fazendo referência ao Dark Side, além de muitas outras estampas de música, camisetas de cinema, arte, cultura pop e muito mais. Tudo isso na nossa loja, onde você também fica por dentro dos lançamentos, que aparecem toda semana!

Vai fundo!

Para ouvir: A gente sempre faz uma playlist aqui com 10 músicas. E são exatamente 10 músicas que compõe o Dark Side of the Moon. Então, é ele que você vai ouvir sem medo de ser feliz! Afinal é um top 10 pra ninguém botar defeito!

Para assistir: Imperdível o documentário dirigido por Matthew Longfellow, que faz parte da série de filmes Classic Albuns. Pink Floyd: The Making of the Dark Side of the Moon, lançado em 2003, traz não só uma breve história da banda, como todo o processo de concepção e gravação do Dark Side of The Moon. Vale a pena demais ver. Tem no catálogo da Amzon Prime Video.

Para ler: Também indispensável para entender a criação máxima do Pink Floyd, o livro The Dark Side Of The Moon – Os Bastidores da Obra Prima do Pink Floyd, lançado em 2006 pela editora Zahar e escrito pelo jornalista John Harris. O livro tem uma narrativa ótima e traz vários detalhes interessantíssimos! Leitura mais que recomendada.

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Give Peace a Chance

23/11/2022 | Por Paulo Argollo | Comentários desativados

A música é algo atemporal, isso não é novidade para ninguém. Uma sinfonia de Beethoven pode soar tão atual quanto uma canção do Daft Punk. Tudo depende apenas da sensibilidade e das preferências pessoais de cada um. Mas existe um fator extra que pode fazer uma canção se tornar, não só atemporal, mas também essencial. É quando ela traz consigo uma mensagem, um significado relevante e comum a todos os povos. É por isso que a Strip Me elaborou duas estampas inspiradas numa das campanhas mais emblemáticas da cultura pop do século XX: Give Peace a Chance e War is Over. A primeira faz menção à irresistível canção de John Lennon e a segunda evoca os cartazes e outdoors criados pelo casal Lennon e Ono espalhados por várias cidades do mundo pedindo o fim da guerra do Vietnã.

John Lennon certamente é o mais controverso e plural dos 4 Beatles, além de ser uma das personalidades mais importantes do século XX. Inquieto, logo no início da banda, Lennon já demonstrava ser contestador, se opondo aos limites que o empresário Brian Epstein impunha. Em 1965, indo contra as recomendações de Epstein, John falou publicamente sobre maconha, se posicionou contra a guerra do Vietnã e protagonizou a famosa polêmica sobre os Beatles serem maiores que Jesus Cristo. Depois, entre 1967 e 1968, foi ele quem interpelou o guru Maharishi Mahesh Yogi, questionando seus supostos abusos contra algumas garotas em seu retiro espiritual. Por fim, chega 1969, quando John se casa com Yoko Ono e o casal resolve aproveitar a mídia que naturalmente atraía para promover uma campanha pela paz e pelo fim da guerra do Vietnã, que se tornava cada vez mais sangrenta.

John e Yoko se casaram no dia 20 de março de 1969 em Gibraltar, território ao sul da Espanha que pertence ao Reino Unido. Foram passar a lua de mel em Amsterdã. Percebendo que por onde passavam atraíam muitos fotógrafos e repórteres, o casal teve a ideia de convidar a imprensa para entrar em seu quarto de hotel. Em novembro de 1968 John e Yoko haviam lançado o disco Two Virgins, uma colagem de ruídos pretensamente avant-garde. Acontece que nesse disco, John e Yoko aparecem nus na capa e contra-capa. Com isso em mente, quando a imprensa foi convidada a entrar no quarto do casal, os jornalistas esperavam algo tão provocador quanto a capa do Two Virgins. Mas o que encontraram foram John e Yoko de pijamas brancos, recostados na cama e rodeados por cartazes pedindo paz e o fim da guerra. Começava assim os famosos bed-ins de John e Yoko pela paz.

Os bed-ins nada mais eram do que uma coletiva de imprensa dentro de um quarto de hotel, onde John e Yoko, de pijamas, sentados numa cama falavamo com repórteres e autoridades sobre a paz e o fim da guerra. Os primeiros bed-ins aconteceram entre os dias 25 e 31 de março de 1969 em Amsterdã, e depois entre os dias 26 de maio e 1 de junho do mesmo ano em Montreal, no Canadá. E foi justamente no último dia em Montreal que John arranjou um gravador portátil e reuniu alguns amigos, entre eles o entusiasta do LSD Timothy Leary, a cantora Petula Clark, o comediante Tommy Smothers, o ativista negro Dick Gregory, para gravar uma canção recém escrita por ele e Yoko. A emblemática Give Peace a Chance.

Give Peace a Chance é uma música brilhante por vários motivos. Tem uma melodia simples e cativante, um refrão que, além de fácil de cantar, tem uma mensagem imponente e funciona muito melhor quando cantado em uníssono por várias pessoas. Por isso mesmo, John quis reunir um número grande de pessoas para a gravação, que conta apenas com um violão e um ou outro instrumento de percussão na parte instrumental. É uma canção tipicamente folk, quase dylanesca. Fora o refrão, John entrega nos versos uma letra questionadora, onde diz que tem se falado sobre tudo no mundo, sobre revolução, inflação, regulação, meditação, sobre John e Yoko, Timothy Leary, Bob Dylan, Allen Ginsberg… enfim, tudo, menos sobre paz! Para assim, entrar no refrão: “tudo que estamos dizendo é para dar uma chance á paz”. Give Peace a Chance foi lançada no início do segundo semestre de 1969 e atingiu logo as primeiras posições da Billboard, tornando-se um hino para todos os ativistas pelo fim da guerra.

John e Yoko, satisfeitos com a repercussão dos bed-ins resolvem dar sequência à sua luta pela paz. Com o fim do ano de 1969 se aproximando, eles iniciam a campanha War is Over. Escolhem 11 grandes cidades ao redor do mundo para nelas espalharem outdoors e cartazes em branco, somente com os dizeres War is Over If You Want It. Happy Christmas from John & Yoko. Londres, Paris, Roma, Amsterdã, Atenas, Berlim (naquela época Berlim Ocidental), Los Angeles, New York, Toronto, Montreal e Tóquio receberam cartazes do tipo lambe-lambe, além de grandes outdoors brancos com a frase War is Over. A campanha foi lançada oficialmente no dia 15 de dezembro em Londres com um show da Plastic Ono Band, banda de John e Yoko que teve várias formações. Para este show especificamente, a banda era formada por Keith Moon, Billy Preston, Eric Clapton e George Harrison. Inclusive, este show acabou sendo a primeira vez que John e George subiam num palco juntos desde 1966, e também foi a última vez que a dupla se apresentou em público. A campanha ainda rendeu a música Happy Xmas (War is Over), lançada como single por John Lennon em 1 de dezembro de 1971. A música ganhou o mundo, subindo até o topo das paradas de sucesso em vários países e sendo regravada por muitos artistas ao longo dos anos, se tornando um verdadeiro hino de natal. Aliás, aqui no Brasil foi um dos primeiros memes da internet, antes do termo meme existir, através da versão em português da cantora Simone.

Em abril de 1975 a guerra do Vietnã chegava ao fim. Os Estados Unidos deixaram o país asiático às pressas, sua embaixada em Saigon foi evacuada num um desenfreado desespero, em cenas que ganharam o mundo. Em dezembro de 1980 John Lennon foi assassinato em frente ao prédio onde morava em New York. Mais de 50 anos depois de lançadas, as músicas de John Lennon seguem sendo relevantes. Independente de qual seja a guerra em curso mundo afora, Give Peace a Chance ainda é um hino pela paz e Happy Xmas um belo e questionador hino de Natal. Os bed-ins e a campanha War is Over ainda hoje são relembradas e cultuadas como marcos da contra cultura, da luta por direitos humanos e da cultura pop de maneira geral.

O conjunto da obra fala por si própria. Ou seja, somam-se os fatos de John Lennon ser um dos Beatles, de serem Give Peace a Chance e Happy Xmas grandes canções, de toda a campanha pela paz ter um verniz de arte conceitual muito bacana graças a Yoko Ono e a mensagem transmitida ser tão atemporal e indispensável. Tudo isso faz com que a Strip Me se inspire para lançar camisetas de música, arte, cinema, cultura pop e muito mais, sempre ligadas a princípios humanos, libertários e de preservação à vida e ao meio ambiente. Confira essas e outras estampas na nossa loja e fique esperto por lá para acompanhar as novidades da seção de lançamentos!

Vai fundo!

Para ouvir: As músicas de protesto mais marcantes de John Lennon em sua carreira solo! Power to the People Top 10 Tracks.

Para assistir: John e Yoko fizeram alguns registros em vídeo durante os bed ins em Montreal que resultaram num mini documentário chamado Bed Peace. Tem completinho no Youtube, mas sem legenda em português. Porém, vale a pena ver pelo registro da época e conferir o clima que rolava durante essas entrevistas.

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10 camisetas de música para ir do happy hour à balada

18/10/2022 | Por Strip Me Admin | Comentários desativados

Chegou a sexta-feira e você marcou de encontrar os amigos em uma balada, mas antes tem o happy hour da empresa e você quer aproveitar até o final, sem correr riscos de se atrasar para o próximo compromisso?

Saiba que é possível ir de um lugar para o outro sem precisar passar em casa para trocar a camiseta.

Quer saber como? A gente te conta!

Por isso, separamos 10 camisetas de música que te deixarão pronto para ir do happy hour à balada sem perder o estilo. Confira!

10 camisetas para sair do happy hour e ir direto para a balada

Vestir uma camiseta de banda ou com ícones musicais é uma ótima pedida para esses momentos, principalmente porque elas são divertidas, representam estilo e criatividade e caem bem para toda e qualquer ocasião.

Camiseta Pick-Up

A camiseta Pick-Up é ideal para você que respira música e quer juntar o clássico com o moderno!

Camiseta headphone

A camiseta headphone foi pensada com conceitos da música, da arte, do cinema e da cultura pop para você curtir todos os rolês sem perder o conforto e o estilo.

Camiseta do Nirvana – Super Smile

Trazendo uma mistura perfeita de ícones da década de 90: o Nirvana e o videogame, essa é a camiseta para quem gosta de misturar exclusividade e nostalgia.

Camiseta do Pink Floyd – Triângulo Minimalista

Vintage e minimalista para você que curte detalhes mais discretos e descolados ao mesmo tempo. Além de linda, essa camiseta do Pink Floyd já mostra o seu bom gosto musical de saída.

Camiseta de Rock com guitarras icônicas

A guitarra é um dos ícones mais marcantes na história do Rock e, claro, que isso não seria possível sem os grandes guitarristas que conhecemos ao longo do tempo. Com esta camiseta de Rock você veste atitude e uma homenagem aos principais nomes da guitarra. Slash, Hendrix, Keith Richards, Page, Eddie V.Halen… Todos os ícones do rock’n’roll têm uma guitarra icônica: essa é a homenagem da Strip Me.

Camiseta do Queen – Break Free

E por falar em icônico, temos aqui uma camiseta do Queen com um dos momentos mais memoráveis da banda (e da música). A camiseta Break Free é para quem gosta de exclusividade e não quer passar despercebido na pista de dança.

Camiseta Jimi Hendrix

Uma estampa com um dos maiores nomes da história da música e que vem marcando gerações há décadas por seu estilo autêntico de tocar guitarra. Mais que uma camiseta do Jimi Hendrix, essa é para quem gosta de um look ousado e cheio de atitude com um gênio do rock que dispensa apresentações.

Camiseta disco minimalista

Seu estilo é clássico e cheio de personalidade? A camiseta com um disco de vinil estampado em conceito minimalista traz o clean e o super cool para deixar o seu look ainda mais exclusivo.

Camiseta David Bowie: Let’s Dance

Se você gosta de dançar muito e abalar a pista de dança ao lado de outras pessoas, além de curtir a vida com conforto e estilo, essa camiseta é para você! Se você curte um visual classudo chic como Bowie aprovaria, essa camiseta é pra você. Se você ama se vestir com conforto e elegância: essa camiseta é pra você.

Camiseta Daft Punk – Robot

Juntando a dupla mais legal da música eletrônica com o teste utilizado para barrar robôs na web, essa camiseta é divertida, estilosa, criativa, exclusiva e diferente. Perfeita para quem quer se destacar na multidão com muita autenticidade.

Depois dessas 10 opções incríveis, não tem mais desculpa para você não sair de um rolê para o outro sem precisar passar em casa para trocar de roupa! Visite o site da Strip Me na categoria Música e veja muito mais looks e opções para quem quer se vestir bem com camisetas descoladas, bonitas e sustentáveis.

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Arctic Monkeys: One Point Perspective… and more.

05/10/2022 | Por Paulo Argollo | Comentários desativados

O ano de 1998 foi prodigioso para o cinema. Muitos filmes marcantes foram lançados. Entre eles, vale destacar O Resgate do Soldado Ryan, O Show de Truman, Outra História Americana, O Grande Lebowski, A Vida é Bela, Quem Vai Ficar com Mary? E tantos outros. Mas teve um filme naquele ano que destoa de todos os outros. Por não ser um épico de guerra, ou um filme provocador contra a mídia, muito menos uma comédia romântica repleta de clichês ou um filme cult por excelência. Veja, nenhum desses filmes são ruins. Pelo contrário, são muito bons. Mas nenhum deles é tão bizarro e instigante quanto Jogos, Trapaças e Dois Canos Fumegantes. Um filme divertidíssimo e super violento do diretor Guy Ritchie, que mistura violência e humor negro tipicamente britânico. É neste filme que, em determinada cena, o personagem Barry The Baptiste, interpretado pelo ator Lenny McLean, resmunga ao criticar seus subordinados a frase “Fucking northern monkeys!”.

A expressão northern monkeys é usada há muito tempo na Inglaterra, de maneira depreciativa, claro, para designar os moradores do norte do país. O termo northern monkeys, macacos do norte, quer dizer algo como os idiotas do norte, os estúpidos do norte. Não por acaso, o norte da Inglaterra é famoso por ter um povo carrancudo, mas ao mesmo tempo muito bem humorado, o que faz com que tenham um humor encharcado de sarcasmo, nonsense e auto depreciação. Exemplo disso são os Beatles, vindos de Liverpool. George Harrison, típico inglês do norte, era maravilhosos em entrevistas. “George, como se chama esse corte de cabelo de vocês?” e ele responde: “Arthur.”, “George, você é o beatle que menos aparece sorrindo nas fotos. Por quê?” e ele responde “Porque meus lábios doem.”.

Liverpool é uma cidade litorânea, um dos portos mais importantes da Inglaterra. Se você dirigir na direção leste, 100 quilômetros pelo interior do país, você chega em Sheffield, uma das cidades mais importantes da revolução industrial. Além de sua importância histórica, a cidade é conhecida por ter entre seus moradores, ilustres estrelas do rock. São de lá o cantor Joe Cocker, o vocalista do Simply Red, Mick Hucknall e todos os integrantes da banda Def Leppard. E mais recentemente, a cidade revelou uma das bandas mais importantes dos últimos 20 anos na música pop, os Arctic Monkeys.

No natal de 2001, os amigos e vizinhos Alex Turner e Jamie Cook ganharam de seus respectivos familiares uma guitarra cada um. No ano seguinte, já estavam montando uma banda com a turma do colégio, os camaradas Glyn Jones no vocal, Andy Nicholson no baixo e Matt Helders na bateria. A banda se chamava Bang Bang e tocava covers de Led Zeppelin e outros clássicos, mas também eram ligadíssimos em Oasis, Strokes e Queens of the Stone Age. Glyn Jones não durou muito na banda, acabou cansando e saiu fora. A vaga de vocalista caiu no colo de Alex Turner, que era tímido e precisou aprender a lidar com isso para ser o frontman. Além disso, a saída de Glyn motivou a banda a mudar de nome e começar a escrever suas próprias canções.

A banda passou a se chamar Arctic Monkeys e a tocar em vários lugares do norte da Inglaterra. Em 2003 a banda distribuía para o público que frequentava seus shows alguns CDs com gravações demo de algumas de suas músicas. Como as cópias eram limitadas, quem ganhava o CD invariavelmente copiava para outros amigos e convertia as faixas para distribuir pela internet. E cada vez mais gente se interessava pela banda. Uma página no extinto Myspace chegou a ser criada com o nome e as músicas da banda, sem que nenhum dos integrantes tivessem alguma coisa a ver com aquilo. Literalmente, a banda viralizou. Em 2004, sem nenhuma gravação oficial, a banda já era muito popular no Reino Unido, se apresentou na rádio BBC e tocou em alguns dos principais festivais da Inglaterra, o Reading Festival e o Leeds.

Em 2005 lançam o EP Five Minutes with Arctic Monkeys, com apenas 1500 cópias em CD e 2000 em vinil de 7 polegadas, além de estar disponível no iTunes Music Store. Com esse EP, assinam com a gravadora independe Domino, que lança o single I Bet You Look Good on the Dancefloor. O single foi pras cabeças e a banda apareceu na capa da tradicionalíssima revista New Music Express, a NME. Nessa altura do campeonato, não só o single, mas as faixas dos EPs e das demos antigas circulavam loucamente pela internet. E isso não impediu que o lançamento do primeiro disco da banda fosse um estouro. Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not saiu em 2006 e vendeu mais de 300 mil cópias em uma semana, um recorde no Reino Unido até então.

Tá, mas o que essa banda tem de mais pra ser tão celebrada? Pra começar, Alex Turner é um compositor muito criativo. A banda tem uma sonoridade atemporal, suja, mas atraente. A postura “Foda-se o que você pensa de mim” da banda, herdada dos Oasis, uma de suas maiores influências, fica evidente na sonoridade e no jeito de cantar de Turner. A sobreposição de guitarras remete aos Strokes com arranjos simples, mas truncados e surpreendentes. E aqui estamos falando só sobre o primeiro disco da banda, ainda hoje um dos mais influentes do século XXI. E o lance é que só melhorou depois disso.

Em 2007 lançaram o segundo disco, Favourite Worst Nightmare, que também vendeu muito! Em seguida, a banda se junta a um dos seus heróis para lançar Humbug em 2009, que teve a produção de Josh Homme, do Queens of the Stone Age. O quarto disco, Suck It and See, de 2011, manteve o alto nível de canções. Mas nada comparado ao salto que a banda daria a seguir. Em 2013 lançam o antológico AM, disco irretocável e considerado por muitos a obra prima dos Monkeys. Além da pegada suja e direta, a banda incorporou uma sonoridade mais soturna, um quê de David Bowie, um som que deixa a dúvida entre o vintage e o moderno. Sem falar nas composições excelentes. Imagina as expectativas depois de um disco desse! Pois eles conseguiram, se não se superar, manter o mesmo altíssimo nível de AM com o disco Tranquility Base Hotel & Casino, lançado em 2018. Atualmente a banda lançou 2 singles, Body Paint e There’d Better Be a Mirrorball e tem seu sétimo disco programado para sr lançado no dia 21 de outubro deste ano. Aguardemos.

Legal demais conhecer a história a banda, seus influências, seus discos… muito bom. Mas tem aquela curiosidade que não quer calar. De onde esses caras tiraram esse nome maluco, Arctic Monkeys? A verdade é que ninguém sabe ao certo. A própria banda se recusa a responder essa pergunta, as poucas vezes que falou a respeito, foram dadas respostas controversas, cada hora um conta uma história diferente. Mas tem uma teoria que, por ser tão simples e sem graça, merece ser citada, e justifica o, aparentemente deslocado, primeiro parágrafo deste texto. O filme do Guy Ritchie, Jogos, Trapaças e Dois Canos Fumegantes, contém um dos poucos registros diretos do uso da expressão Northern Monkeys. Ninguém se espantaria que alguns moleques do norte da Inglaterra pegassem essa expressão e, com o seu humor auto depreciativo, tentasse exagerá-la ao máximo. Ora, qual é o ponto mais ao norte do planeta? Exatamente. O Ártico.

Só mesmo a Strip Me para te contar a história de uma das bandas mais legais dos últimos tempos e, de quebra, te dar uma teoria absurda, mas coerente, sobre o nome da banda, pra você poder contar na mesa do bar pros seus amigos! E, vamos falar sério, não tem como não amar os Arctic Monkeys, uma banda do c@r#l%o! E é lógico que ela está bem representada com pelo menos duas estampas excelentes na Strip Me! E não é só camiseta de música não! Também tem de cinema, arte, cultura pop e muito mais. Na nossa loja você encontra essas e outras estampas e fica por dentro de todos os nossos lançamentos!

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist caprichada, a dificílima tarefa de selecionar 10 das melhores faixas dos Arctic Monkeys! Arctic Monkeys Top 10 tracks.

Para assistir: Pra quem ainda não viu, tem que ver. E pra quem já viu, vale a pena demais rever! Jogos, Trapaças e Dois Canos F umegantes, filme de 1998 do Guy Ritchie é uma pérola escondida do cinema cult que merece ser lembrada! Um filmaço!

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Bora pro festival: guia de looks para os melhores rolês

03/10/2022 | Por Strip Me Admin | Comentários desativados

Pensar no look perfeito faz parte do planejamento de quem vai a algum evento ou festival de música. E para saber como se vestir bem é necessário conhecer alguns detalhes muito importantes, como o tema do festival, o seu próprio estilo, duração, quem vai tocar e muito mais.

Um exemplo é que, dependendo do dia, a camiseta Rock in Rio precisará conter elementos que fazem referência aos grandes nomes do Rock e do Heavy Metal, ou então deverá ter ícones da cultura POP.

Já a camiseta Lollapalooza pode ter detalhes minimalistas, coloridos, que cite uma banda ou um artista que participará do evento.

Agora, se for a camiseta para o Primavera Sound, você pode investir em um look mais alternativo. Na hora de escolher a camiseta de festival perfeita, tudo vai depender do local, do horário e do que você quer expressar com o seu look.

Vários jovens com mãos pra cima vistos de costas curtindo festival de música

3 dicas para arrasar no look

Agora você confere 3 dicas para saber como se vestir bem em um festival e arrasar no look. Continue lendo!

Escolha roupas confortáveis e adequadas para o local

Na hora de escolher a camiseta para festival para aproveitar todos os momentos sem incômodo, pense em manter o estilo sem perder o conforto, sem passar muito frio ou muito calor.

Para isso, considere se o evento estará cheio, se ocorre a céu aberto ou em local fechado, se será durante o dia ou durante à noite e, por consequência, a temperatura e o clima.

Modelo masculino de calça preta básica e camiseta branca com estampa Hip Hop, modelo exclusivo Strip Me — Camiseta Hip Hop Strip Me Clothing

Utilize acessórios

O que não faltam são acessórios para deixar o seu look ainda mais completo e descolado.

Seja com itens coloridos ou até mesmo em uma única cor, em formatos distintos ou com diversas funcionalidades, eles são uma ótima opção para deixar o seu visual mais autêntico e diferente.

05 modelos de bolsas shoulder bag Strip Me, Cores: preto com verde, preto com cinza, preto com roxo, preto com preto e preto com branco — Shoulder Bags Strip Me Clothing

Não deixe de passar a sua personalidade

O look é onde a sua personalidade pode e deve ser comunicada. É a partir da construção dos detalhes que a sua identidade ficará em evidência para os outros participantes do festival.

Modelo feminina usando a camiseta WTF preta Strip Me — Camiseta WTF preta Strip Me Clothing

Opções para montar o seu look ideal não faltam e, para deixá-lo ainda melhor e totalmente com o seu estilo, visite o site e escolha as camisetas Strip Me que mais tem sua cara. Não tem como errar 😉

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Primavera Sound: O Florescer de um festival.

01/10/2022 | Por Paulo Argollo | Comentários desativados

É, parece que esse negócio de festival de música veio mesmo pra ficar. Claro que essa frase provavelmente foi dita em algum momento do fim dos 60, com a consagração do Woodstock. Mas tal frase ainda soa verdadeira em 2022. Até dezembro, o Brasil terá recebido pelo menos 10 festivais de grande porte. Os que já aconteceram se provaram de grande sucesso. João Rock, MITA, Lollapalooza, Rock in Rio, Festival DoSol, Coala e MADA todos tiveram grande público e ótimas apresentações. E ainda tem outros festivais por acontecer até o fim do ano. Um deles se destaca por acontecer pela primeira vez no Brasil e trazer uma proposta um pouco diferente, de integração com a cidade que o recebe.

O Primavera Sound começou como um festival de um dia só, na cidade de Barcelona, Espanha. Ainda em meados dos anos 90, o festival já acontecia com regularidade, mas sem artistas de grande expressão como headliners. Foi em 2001 que o evento realmente cresceu. Passou a ser realizado no Pueblo Espanhol, uma espécie de parque temático, que recria a vida medieval da Espanha em meio a um bosque. Neste ano o festival reuniu quase 8 mil pessoas e trouxe um line up diverso, com DJs e músicos de várias partes do planeta. Ali começou a escalada. Em 2002 um dia a mais é adicionado, ocorrendo nos dias 17 e 18 de maio, e um line up bem mais robusto se apresenta, com nomes como Echo & The Bunnymen, J. Mascis, Le Tigre, Dave Clark Jr. e The Moldy Peaches. No ano seguinte, o publico chegou a 28 mil pessoas e 5 palcos foram montados por todo o Pueblo Espanhol, com apresentações de gente como Belle And Sebastian, Yo La Tengo, Teenage Fanclub, Sonic Youth, Mogwai, The White Stripes e Television. Nada mau, hein…

Em 2004 a coisa cresceu ainda mais. O festival atendeu 40 mil pessoas e acresceu mais um dia de shows. Além disso tudo, ainda promoveu uma feira com palestras e convenções voltada para o mercado fonográfico, com participação de diretores de várias grandes gravadoras. Os principais nomes a se apresentar naquele ano foram PJ Harvey, Primal Scream, Wilco e Franz Ferdinand. Em 2005 o Pueblo Espanhol ficou pequeno e o festival foi realocado no Parc del Fòrum, nos arredores de Barcelona, um espaço pelo menos 3 vezes maior que o Pueblo Espanhol. Nessa edição rolou New Order, Iggy Pop & The Stooges, Sonic Youth, Gang of Four, entre outros. 2006 foi um ano de poucas mudanças, mas de afirmação da importância do festival. Além de trazer sempre artistas locais e independentes, os headliners traziam ainda mais imponência ao evento. Em 2006 contou com nomes como Lou Reed, Motörhead, Yo La Tengo, The Flaming Lips, Yeah Yeah Yeahs e Isobel Campbell. 2007 ficou marcado como o ano que bateu 60 mil pessoas e apresentou dois shows antológicos: a veterana Patti Smith com um show eletrizante e o Sonic Youth, já prata da casa, tocando na íntegra o clássico disco Daydream Nation.

Em 2010 Primavera Sound já se torna um dos maiores festivais da Europa. Com público de mais de 100 mil pessoas e com a oficialização da PrimaveraPro, aquela feira para profissionais da indústria, se estabelecendo como um evento à parte muito importante em todo o mundo. Em 2019 a organização do festival apresenta uma política invejável: igualar no line up o número de artistas homens e mulheres. Segundo a própria organização, a intenção é quebrar o paradigma vigente desde sempre no mundo do rock e pop, que foi muito bem descrito como “pale, male and stale”, ou seja, homem branco e velho. Neste ano os destaques foram Interpol, Tame Impala e Miley Cyrus.

Desde 2012 o festival passou a ter uma edição extra na cidade do Porto, Portugal. Na cidade portuguesa, o festival sempre acontece uma ou duas semanas depois de Barcelona e, normalmente, com o mesmo line up. Assim, podemos dizer que o Primavera Sound é um festival internacional desde então. Mas mais ou menos, né… afinal, como costuma se dizer na Europa, Portugal é uma pequena ilha cercada de mar e de Espanha. É como você fazer uma festa na sala da sua casa, e depois repetir a mesma festa no quintal. Mas agora, em 2022, 10 anos depois de estrear a versão lusitana, o Primavera Sound finalmente se internacionalizou pra valer! Neste ano o festival tem edições em Los Angeles, Estados Unidos, Santiago, Chile, Buenos Aires, Argentina e… São Paulo, Brasil! Sim, o festival chegou até aqui! Em L.A. o festival já rolou, entre os dias 16 e 18 de setembro. Aqui na América Latina rola entre o fim de outubro e começo de novembro.

Em São Paulo o Primavera Sound vai trazer mais de 30 artistas e bandas, que se apresentarão entre os dias 31 de outubro e 4 de novembro em 3 lugares diferentes: Cine Joia, Audio e Anhembi. O festival mesmo é no fim de semana dos dias 5 e 6 de novembro. Mas uma semana antes, a partir do dia 31 de outubro, rolam vários shows durante a semana promovidos pela organização do festival nos citados locais. É o que eles chamam de Primavera na Cidade. Aí, quem compra o passaporte integral do festival, tem acesso a esses shows durante a semana e também ao festival pra valer no Anhembi no fim de semana do dia 5. A proposta dos caras é realmente interessante. De acordo com uma nota divulgada pela produção do festival, eles afirmam o seguinte: “O festival é feito para todas as pessoas, com o objetivo de conectar, fortalecer e enriquecer a cultura local. Não se trata, afinal, do que a cidade pode fazer para o Primavera Sound e, sim, sobre o que o Primavera Sound pode fazer por cada cidade.”. Muito legal.

Mas vamos ao que interessa. Quem vai tocar. O line up desta primeira edição em São Paulo está bem diversa, contemplando artistas consagrados e independentes gringos e brasileiros. Os destaques são Arctic Monkeys, Björk, Father John Misty, Interpol, Gal Costa, Hermeto Pascoal e Terno Rei. Mas tem muito mais coisa. E, aparentemente, a vibe do festival é das melhores, afinal, a começar pelo próprio nome, é um rolê que celebra a natureza, a chegada da primavera, a integração e diversidade. Tem tudo pra ser excelente. E a programação completa, com datas e informações de ingressos você confere no site oficial do festival. É só clicar aqui.

Fala a verdade! Baita rolê inspirador esse festival! É o tipo de coisa que tem tudo a ver com a Strip Me, e que a gente faz questão de falar a respeito e divulgar! Afinal, boa música, alto astral e diversidade tem tudo a ver com a gente! Agora imagina, você curtindo um festival desse com uma camiseta no peito tão firmeza quanto os shows que vão rolar! Camisetas de música, cinema, arte, cultura pop e muito mais. Confere a nossa loja e se liga que sempre tem lançamento novo pintando!

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist cremosa com o que de melhor vai rolar no Primavera Soud SP! Primavera Sound SP Top 10 tracks!

Para assistir: Se você curte festivais, não pode perder o excelente documentário sobre o Woodstock ’99! Trainwreck: Woodstock ’99 foi lançado neste ano pela produtora RAW. Está disponível na Netflix e mostra exatamente tudo o que não se deve fazer ao organizar e conduzir um festival de música!

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5 Momentos Definitivos na história do Rock

13/11/2015 | Por Strip Me Clothing | Comentários desativados

Rock and roll e revolução andam de mãos dadas, a capacidade que o estilo tem de mudar costumes e deixar os mais conservadores de cabelo em pé fica evidente em alguns episódios que apesar de acontecerem de maneira relativamente despretensiosa, acabam tomando proporções globais, ajudando a mudar paradigmas e deixar para trás alguns problemas sociais. Seja por contestação ou puro entretenimento, o rock and roll foi fundamental para o nosso mundo, por isso (e pela música, é claro) vamos conhecer alguns momentos cruciais para a história do estilo.

Elvis Presley grava na Sun Records, em Memphis.

Em agosto de 1953, Elvis Presley entrou nos escritórios da Sun Records para gravar duas músicas no intuito de presentear sua mãe, após se apresentar no balcão como um cara que “canta de tudo”, Presley terminou sua gravação e deixou todos encantados, inclusive Sam Phillips, o dono do lugar. Quando Elvis apareceu por lá novamente, Phillips deu uma banda para o rapaz e começou a gravá-lo de todas as maneiras possíveis. Em julho de 1954, Presley e sua nova banda gravaram a música That’s All Right, um sucesso instantâneo nas rádios de Memphis que cresceu ainda mais após suas apresentações enérgicas e seu jeito polêmico de balançar as pernas. Um ano depois, Elvis assinou um contrato com a RCA Records e o resto, como dizem, é história.

Rock Around the Clock chega ao topo da Billboard.

Por ter nascido de um processo que misturou blues, country e r&b, é difícil apontar qual foi o primeiro single de rock and roll, porém seu primeiro sucesso mundial é inconfundível. Em 1955 o filme Blackboard Jungle abordou a polêmica questão de colégios inter-raciais em bairros violentos, e tinha a música Rock Around the Clock de Bill Haley & His Comets na trilha sonora. O single de Haley foi lançado em 1954 e passou despercebido, porém após a estréia do filme, Rock Around the Clock se tornou popular entre a juventude rebelde da década de 1950 e se tornou a primeira faixa de rock a atingir o topo da Billboard nos Estados Unidos. O single também chegou ao topo da parada Inglesa e influenciou uma geração que também marcou seu nome na história ao longo das décadas seguintes.

Beatles no Ed Sullivan Show.

Em 1963, os Beatles lançaram dois álbuns que foram chegaram ao topo das paradas na Inglaterra e se tornaram os queridinhos da terra da rainha. Porém, devido a problemas com gravadoras, os Beatles só foram lançados nos Estados Unidos em dezembro daquele ano e ao longo dos dois meses seguintes a banda conquistou todo o país e logo desembarcaram em Nova Iorque para uma turnê americana e uma aparição no famoso Ed Sullivan Show. A apresentação dos Beatles no programa foi assistida por 73 milhões de americanos, a maior audiência de um programa de tv na época e foi amplamente criticada pela mídia. Pouco importou, os jovens adoraram e a Beatlemania já mudava a cara da cultura pop nos Estados Unidos.

The Rolling Stones no Chess Studios

Em 1964 os Stones foram fazer uma turnê pelos Estados Unidos e em sua passagem por Chicago gravaram no lendário Chess Studios, casa dos maiores artistas de blues de todos os tempos. Lá eles conheceram seus maiores ídolos, incluindo Muddy Waters, e produziram um single que atingiu o topo das paradas britânicas. No ano seguinte, a banda voltou ao estúdio para sessões complementares do álbum The Rolling Stones, Now! e começaram a esboçar seu maior sucesso, (I Can’t Get No) Satisfaction nos estúdios Chess. O sucesso de Satisfaction, além de gerar um hino, atestou a capacidade da dupla Keith Richards e Mick Jagger de escrever hits, o que abriu caminho para sua era de ouro, quando lançaram em sequência Beggar’s Banquet, Let it Bleed, Sticky Fingers e Exile on Main Street, e se tornaram a maior banda de rock and roll do mundo.

Bob Dylan no Newport Folk Festival.

O Newport Folk Festival era um dos principais festivais do mundo na década de 1960, por manter viva e criativa a tradicional cena de folk music nos Estados Unidos. As edições de 1963 e 1964 trouxeram Bob Dylan inspirado, após o lançamento de seu álbum The Freewheelin’ Bob Dylan ele havia impressionado todos os presentes nessas edições ao desfilar seus já numerosos hits. Praxe de Bob Dylan, após o sucesso da fórmula de 63 e 64 ele resolveu chutar o balde em 1965 e subir ao palco com uma banda elétrica. O set durou três músicas e foi marcado por vaias, atribuídas ao fato da apresentação de Dylan ser elétrica, o que ia à contramão do festival. O curto set se tornou uma das passagens mais importantes e duradouras de Dylan, influenciando quase todas as formas de rock and roll que vieram depois, com seus pupilos mais notáveis vindo do rock alternativo.

Sobre a Strip Me

Focada em cultura pop e rock and roll, a Strip Me desenvolve camisetas com estilo e qualidade. Nossas camisetas de bandas e camisetas de cultura pop com estampas exclusivas estão disponíveis em nossa loja online, com entregas para todo o país. Let’s Rock!

Categoria: Comportamento, Cultura Pop, Editorial, Moda, Música, Posts

O Dia dos Namorados mais rock’n’roll de todos

03/06/2015 | Por Strip Me Clothing | Comentários desativados

O Dia dos Namorados está chegado e, polêmicas a parte, queremos dizer que o amor é lindo. Clichê né? Mas sério, é lindo, seja qual for o amor. E além de lindo, o amor também pode ser muito rock’n’roll. Pensando nos casais dos quais a trilha romântica tem guitarra, bateria, baixo e vocal, nós aqui da Strip Me resolvemos fazer uma promo bacanuda pra você curtir a dois.

Então, se liga: a cada compra de 02 camisetas você tem 20% de desconto. Podem ser camisetas femininas, masculinas e tudo misturado. É você quem manda. Curtiu? Então dá uma olhada nas sugestões que preparamos pra você se inspirar e deixar seu dia dos namorados mais rock’n’roll!

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