Flashs da fotografia moderna.

Flashs da fotografia moderna.

A Strip Me elencou os 5 fotógrafos mais inovadores e influentes da atualidade para falar sobre a fotografia moderna, que mistura arte, música, cinema e moda.

Algum tempo atrás já rolou um post aqui no blog sobre fotografia e seu lugar na cultura pop. Hoje estamos aqui para falar da fotografia contemporânea, mas sem deixar de lado sua importância histórica (afinal a história está aí, sendo escrita diariamente) e artística. Todo fotógrafo é um artista. Sendo assim, cada um tem sua própria linguagem, estilo, personalidade e discurso. Afinal, cada vez mais as mídias se misturam e cresce a necessidade de cada indivíduo se posicionar frente a suas crenças e princípios.

Seja na moda, no jornalismo ou na mais pura expressão artística, a fotografia tem muitos representantes de talento imenso e estética única. Por isso, aqui separamos 5 dos mais reconhecidos e influentes fotógrafos da atualidade, para você conhecer e se inspirar.

Steven Klein
Klein é da costa leste dos Estados Unidos. Quando jovem, queria ser pintor e se inspirava em Picasso e Francis Bacon. Aos 20 anos migrou as artes plásticas para a fotografia, e logo já emplacou uma celebrada campanha para Christian Dior. Entrou de cabeça no mundo da moda e das celebridades, para poder justamente desvirtua-lo. Passou a explorar o hiper-realismo, a sexualidade e o fetichismo, dando uma cara mais soturna e enigmática para o glamourizado mundo da moda. Se assemelha a Oliviero Toscani, mais pelo discurso e retórica, do que pela estética. Mas certamente se estabeleceu hoje como uma das figuras mais influentes da fotografia fashion.

David LaChapelle
Um fotógrafo instintivo e visceral, LaChapelle despontou através da revista Interview, cujo fundador foi ninguém menos que Andy Warhol. Além de Warhol e a Pop-Art como um todo, LaChapelle é fortemente influenciado pelo surrealismo. Suas fotografias mais famosas se caracterizam pela alta saturação e o encontro da beleza coma bizarrice. Além de ser um fotógrafo de arte muito original e respeitado, ele também é conhecido por fotografar e dirigir vídeo clipes de artistas como Jennifer Lopez, Britney Spears, Avril Lavigne, No Doubt, Whitney Houston, Macy Gray, Blink-182, Elton John, Christina Aguilera eThe Vines. LaChapelle tem trabalhos expostos em galerias de vários países e lançou alguns livros de fotografia artística com suas obras.

Emilio Morenatti
Nascido na Espanha, Morenatti já entrou no hall dos fotojornalistas mais importantes da história. Em 1992 foi contratado pela Agencia EFE, a principal agência de notícias espanhola. Pouco tempo depois mudou-se para Londres, onde se graduou em Fotojornalismo. Pela Associeted Press visitou mais de 50 países cobrindo eventos importantes e muitos conflitos. Em 2009 estava no Afeganistão fotografando uma tropa norte americana quando uma bomba explodiu. Ele foi atingido e teve uma perna amputada. Suas fotografias são marcadas por uma espontaneidade rara de ser registrada, com um cuidado estético único. São fotografias que realmente conseguem comunicar muita coisa sem palavras. Em 2021 ele ganhou o Pulitzer de fotografia por um ensaio que retratava o cotidiano de idosos espanhóis durante a pandemia de Covid-19. Ao receber o prêmio mais importante do jornalismo, ele declarou que trocaria facilmente aquele prêmio por ter sua perna de volta. Para isso, inclusive, até aceitaria queimar toda sua obra.

Annie Leibovitz
Leibovitz tem uma trajetória meteórica. Ainda adolescente, ingressou na San Francisco Art Institute querendo se tornar pintora. Mas logo se envolveu com fotografia e se apaixonou. Aos 20 anos de idade foi contratada pela revista Rolling Stone. O ano era 1970 e seu primeiro trabalho para a revista foi fotografar John Lennon, logo após o anúncio da separação dos Beatles. Com 23 anos de idade ela já era chefe da seção de fotografia da revista, onde trabalhou até 1983. Por lá fotografou os maiores nomes da cultura pop do século XX, sempre com muita personalidade e esmero. Nos anos 80 trabalhou muito com publicidade e também se dedicou a exposições artísticas. Ela foi a primeira mulher a ter suas fotos expostas na National Portrait Gallery, em Washington. Ainda hoje é uma das fotógrafas mais requisitadas do meio musical. Aliás, são delas as imagens mais famosas da lendária turnê dos Rolling Stones nos Estados Unidos em 1975. Ela foi designada para registrar toda a tour e viajou com a banda. Certamente, além de bem sucedida profissionalmente, ela já se divertiu muito.

Cindy Sherman
Cindy Sherman é, acima de tudo, uma questionadora. E faz da sua arte um veículo eficiente e impactante para falar sobre identidade, sociedade, auto aceitação e, principalmente, sobre o papel da mulher como criadora de arte e seu lugar na mídia e na sociedade. A obra de Sherman é essencialmente artística, mas ela chegou a fazer campanhas publicitárias de moda para Jean Paul Gaultier e Rei Kawakubo, o que lhe proporcionou notoriedade e permitiu que ela investisse cada vez mais na sua carreira como artista. Sua obra é marcada por composições onde ela cria cenários e personas para si própria, o que faz com que muitas de suas fotos sejam autorretratos.  Atualmente sua vasta obra fotográfica está exposta em várias galerias e museus ao redor do mundo. Cindy Sherman é considerada a fotógrafa mais audaciosa de sua geração, com uma estética pós modernista, que, sem querer, previu a efemeridade de selfies e fotos postadas em redes sociais.

Não importa que esses soberbos velhotes acadêmicos cheios de si considerem apenas sete as verdadeiras artes do mundo. A saber: Pintura, Escultura, Música, Literatura, Dança, Arquitetura e Cinema. A gente sabe muito bem que a fotografia é uma expressão artística tão poderosa, verdadeira e encantadora quanto todas as outras. Por isso, a Strip Me sempre fez questão de celebrar a fotografia, inclusive com uma coleção super descolada, Camisetas de Foto e Vídeo. Além das clássicas coleções de arte, cinema, música, cultura pop e muito mais. Tudo isso na nossa loja, onde você pode explorar todas as coleções e ainda ficar por dentro dos lançamentos, que pintam toda semana.

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist toda voltada para o mundo da fotografia, canções que falam sobre o assunto e que funcionam como trilha sonora para apreciar uma boa exposição fotográfica. Fotografia top 10 tracks.

Para assistir: Cindy Sherman, além da fotografia, também se dedicou ao cinema. Dirigiu um único longa metragem. O filme se chama Mente Paranóica, mas o título original funciona bem melhor: Office Killer. O filme é de 1997 e é uma mistura de suspense e comédia. O roteiro chega a ser meio bobo, mas ao que se propõe, até que funciona bem. E, claro, esteticamente é um filme bem legal, com uma fotografia e montagem interessantes.

Para ler: Em 1999 Annie Leibovitz lançou um livro muito impactante. Intitulado Mulheres, o livro conta com um ensaio fotográfico de mulheres dos Estados Unidos, desde juízas da suprema corte até prostitutas de Las Vegas e textos da escritora, crítica de arte e ativista Susan Sontag. Um livro mais que recomendado, fundamental.

Capela à Michelangelo!

Capela à Michelangelo!

Neste texto celebramos uma das obras de arte mais marcantes da história! A pintura do teto da Capela Sistina por Michelangelo. Uma obra tão rica em iconografia que já inspirou várias estampas aqui na Strip Me.

A cidade de São Paulo está recebendo uma exposição sensacional. Michelangelo: O Mestre da Capela Sistina é uma experiência imersiva na obra de um dos maiores artistas da história da humanidade. A exposição conta com imagens recortadas em detalhe, reproduções de esculturas e muitas projeções com equipamento de alta tecnologia, tudo com muita informação. Tudo isso rola no MIS Experience, um espaço do Museu da Imagem e do Som feito especialmente para este tipo de experiência de imersão. A exposição está em cartaz até o dia 30 de abril, e você consegue maiores informações sobre ingressos e etc entrando neste link. Agora, para saber como é que esse job caiu no colo do Michelangelo, mesmo depois de ele ter praticamente brigado com o Papa, basta você relaxar e continuar lendo este texto.

 Uma discussão inflamada quebrava o silêncio clerical de uma ala em reforma da basílica de São Pedro. No centro da discussão o já renomado artista Michelangelo e um dos bispos do Papa Júlio II. Os dois estão rodeados por um padre, um arquiteto que vistoriava as obras da reforma da basílica e três auxiliares de Michelangelo. O artista estava ali para avisar que estava abandonando as obras do Papa e ia voltar ainda naquela noite para Florença! Ele até tentara uma audiência com o Papa, para dizer-lhe diretamente tudo aquilo, mas não conseguiu ser atendido. Portanto recorria ao bispo. Bispo este que implorava para que Michelangelo reconsiderasse, afinal era uma obra encomendada pelo Papa em pessoa. Irritado, Michelangelo levantou ainda mais a voz: “Pois que ele peça a Deus Todo Poderosos que termine a obra, porque eu não trabalho sem receber!  Muito menos permito que pegue o meu material para ser usado por outras pessoas! Você sabia que eu fiquei quase um ano naquele fim de mundo em Carrara só pra selecionar as melhores peças de mármore para eu usar? Pra chegar aqui e essa gente vir pegar o meu mármore pra usar na reforma da basílica! E ainda tem a cara de pau de me dizerem que foi por ordem do Papa! Se o Papa quer tanto reformar essa basílica, que seja! Mas eu não termino o mausoléu enquanto não receber, inclusive uma quantia maior, pelo mármore que eu iria usar e me tiraram! Estou indo para a minha casa em Florença! Passar bem!”.

Rascunhos e estudo de anatomia humana de Michelangelo – 1508

Michelangelo saiu pisando forte e apressado, seus passos ecoando pela basílica. Seus auxiliares atrás tentavam acompanhar o passo de seu mestre. Sob o sol forte do verão de 1507, Michelangelo percorreu sério as ruelas de Roma até chegar em seu atelier. Ali juntou alguns pertences, entregou para que um de seus auxiliares carregasse e dali seguiu para o norte numa carroça que o levaria até Florença. Lá chegando, se estabeleceu em sua casa e logo foi procurar trabalho. Muitos na cidade não acreditavam que ele tivesse saído de Roma assim, sem mais nem menos. Todo mundo sabia que ele tinha ido a Roma por ordem do Papa, que havia lhe pedido que erguesse um majestoso mausoléu, para quando ele morresse. A tumba do Papa Júlio II seria ornamentada por pelo menos 60 estátuas de imagens religiosas. Isso foi em 1505. Logo no início de 1506, Michelangelo foi para Carrara, escolher as melhores peças de mármore para tal trabalho. Por lá ele ficou 8 meses, afinal eram muitas esculturas e nem sempre o mármore extraído estava de acordo com o exigente padrão do escultor. De Carrara foi direto para Roma para começar a trabalhar.

O problema é que o Papa Júlio II era um megalomaníaco de mão cheia! A basílica de São Pedro sempre abrigou os sepulcros dos papas falecidos, afinal, ali está sepultado aquele que é considerado o primeiro papa e criador da igreja, o apóstolo Pedro. O Papa Júlio II queria que a sua tumba se destacasse dentre todos os outros papas, para que ele fosse lembrado como um grande líder. E nada mais justo do que contratar Michelangelo para o trabalho. Ele já havia concebido a Pietá e o Davi, comprovando seu talento inigualável. Mas aqueles eram tempos turbulentos, principalmente para a igreja católica. O renascentismo trazia de volta a filosofia grega e o humanismo, enquanto isso, na Europa central, Martinho Lutero já começava a dar as caras e questionar o catolicismo e a região que hoje é a Itália era um amontoado de pequenos reinados, onde a igreja católica, há muito já se esforçava para aumentar seu domínio territorial para além de Roma. Assim, em 1507, pressionado a dar aos povos do ocidente demonstrações de grandeza, o Papa Júlio II deixou de financiar seu próprio túmulo para dar sequência à portentosa reforma da basílica de São Pedro e outras construções imponentes. Uma dessas construções era a Capela Sistina.

Capela Sistina

A Capela Sistina já era, naquela época, uma verdadeira maravilha. Além de sua arquitetura rebuscada, em seu interior as paredes eram ornamentadas com pinturas e afrescos de alguns dos maiores artistas do século XV, como Botticelli, Domenico Ghirlandaio, Pietro Perugino, e Rafael. A Sistina também era chamada de Capela Papal, pois era, e continua sendo até hoje, onde acontecem as reuniões mais importantes da elite do Vaticano, e onde ocorrem os conclaves que escolhem o próximo Papa. Até aquela época, início dos anos 1500, o teto da capela era pintado de diferentes tonalidades de azul com algumas estrelas douradas. Foi ideia do Papa Júlio II que o teto da capela fosse pintado em afresco com grandiosidade e riqueza, enaltecendo as principais passagens bíblicas. O Papa era realmente um admirador de Michelangelo e não tinha ficado nada contente com o artista, que mal começara seu túmulo e tinha ido embora da cidade. Mandou chamar Michelangelo, deixando claro que não se tratava da obra abandonada, mas sim um novo e desafiador trabalho.

Rascunhos e estudo de anatomia humana de Michelangelo – 1508

Além de ser conhecido como pavio curto e ter um humor instável e irritadiço, Michelangelo era também, notadamente, um workaholic! Trabalhava incansavelmente e era exigente e perfeccionista. Quase um ano depois de chegar em Florença, Michelangelo voltou a Roma para ouvir o que o Papa tinha a lhe propor. Quando lhe foi proposto pintar em afresco o teto da capela Sistina, de cara, ele negou, sem sequer ouvir o valor que lhe seria pago. Ele sabia que era na escultura que ninguém se igualava a ele. Na pintura, a competição era mais acirrada. Foi uma longa conversa entre o Papa e Michelangelo, até que o artista aceitasse o trabalho. Ao longo dessa conversa, muitas exigências foram feitas. Por exemplo, Michelangelo fazia questão de que os andaimes para que ele pintasse o teto fossem modelados de forma que não se apoiassem no cão, mas sim, nas janelas, parapeitos e buracos nas paredes, com amplas pranchas de madeira em que ele pudesse andar lá em cima confortavelmente. Aqui vale dizer que é pura lenda quando dizem que Michelangelo pintou deitado o teto da capela. Ele pintou em pé, sempre olhando para cima. Também exigiu que lhe fosse dado tempo de sobre para trabalhar, assim ele poderia se preparar muito bem, pois queria fazer um trabalho tão bom ou melhor que Da Vinci, Rafael ou Botticelli, afinal, ele era um pouco competitivo também. Outra exigência é que ele tivesse liberdade total para escolher as cenas que iria pintar.

Capela Sistina

Michelangelo era um artista de seu tempo. Portanto, um renascentista. Lia Platão e outros filósofos gregos e sua arte se dedicava a enaltecer o ser humano. Mas tudo isso em harmonia com os dogmas e princípios cristãos. Antes de iniciar os rascunhos, ainda no papel, do que iria para o teto da capela, Michelangelo leu todo o antigo testamento, em busca de passagens imagéticas e inspiração. Assim ele definiu e apresentou ao Papa o ousado projeto de pintar no teto da capela Sistina a criação do mundo, a busca humana por salvação e sua aliança com Deus. O Papa ficou encantado com a ideia de Michelangelo e deu sinal verde para que ele começasse a trabalhar. Claro, sob garantia de que seria pago, e muito bem pago, pelo trabalho e sem sofrer interferências de quem quer que fosse. Michelangelo começou a pintar o teto da capela em 1508 e finalizou no final do ano de 1511. A obra foi oficialmente inaugurada e aberta à visitação pública em 1512. Porém, a obra não estava completamente finalizada. Mas isso de acordo com o Papa. Michelangelo considerava o trabalho prontinho. Mas o Papa queria que alguns detalhes da pintura fossem pintados com ouro, e alguns pedaços que já estavam pintados em azul, ilustrando o céu, o Papa queria que fossem cobertas com Lápis-Lazúli, uma rocha metamórfica de cor azul opaca e translúcida. Por sorte, Michelangelo insistiu e somente alguns poucos detalhes foram cobertos de ouro e a rocha Lápis-Lazúli acabou não sendo usada.

Rascunhos e estudo de anatomia humana de Michelangelo – 1508

Não há registro de quanto Michelangelo recebeu pela pintura dos afrescos na capela Sistina, mas certamente foi uma pequena fortuna. Além do pagamento monetário, Michelangelo acabou se tornando um protegido do Papa. Tanto que o artista abandonou de vez Florença para viver em Roma e assumiu muitos outros trabalhos para o Papa. Um deles, foi dar continuidade, como arquiteto, na reforma da basílica de São Pedro. A mesma obra que o fizera abandonar Roma anteriormente. E o túmulo do Papa Júlio II permaneceu inacabado. No momento de seu enterro, havia apenas uma estátua feita por Michelangelo inteira. O túmulo foi terminado por outros artistas posteriormente, mas sem sequer metade da grandeza que o papa que ali repousa gostaria.

É claro que uma obra tão incrível como essa teria uma história tão interessante quanto.Obras de arte icônicas, artistas geniais e rebeldes, e histórias deliciosas! É isso que a Strip Me gosta e é isso que a Strip Me quer! É isso tudo que faz a gente querer sempre criar estampas originais, lindas, cheias de história, mas super contemporâneas! Então se liga na nossa loja para curtir nossas camisetas de arte, de cinema, de música, de cultura pop, comportamento e muito mais, sem falar dos lançamentos que pintam toda semana.

Vai fundo!

Para ouvir: Para entrar no clima deste texto, que fica entre Roma e Florença, entregamos uma playlist caprichada, com o que há de mais legal na música pop italiana! Italia Top 10 tracks.

Para assistir: Apesar de não ter ligação direta com a Capela Sistina e o Michelangelo, vale a pena demais ver o excelente filme Dois Papas. Um filme delicado e surpreendente dirigido pelo Fernando Meirelles e escrito pelo Anthony McCarten. Produção da Netflix, lançado em 2019 e teve 3 indicações ao Oscar. Filme recomendadíssimo!

Tim Burton: Vida, obra e Top 5!

Tim Burton: Vida, obra e Top 5!

Não é qualquer cineasta que carrega consigo o mérito de criar uma nova linguagem cinematográfica. Por essa simples razão, Tim Burton já merece ser reconhecido como um dos maiores nomes da indústria cinematográfica, apesar de sua filmografia ser errática, repleta de altos e baixos. Recentemente, seu nome voltou a ser aclamado, graças ao brilhante trabalho feito com a Netflix, ao conceber a série Wandinha (também conhecida como Wednesday). Aqui na Strip Me, o Tim Burton sempre esteve presente, como na estampa Burton, já no nosso catálogo há algum tempo, e também especificamente nas collabs com os artistas Guilherme Hagler e Kaio Moreira, que têm em Tim Burton uma de suas principais referências. E, mais atualmente, claro, algumas estampas pintaram inspiradas na Wandinha. Como a Gothic, por exemplo. E agora, chegou a hora de darmos aquela geral na vida e obra este mestre do cinema aqui no blog também.

A história de Tim Burton é daquelas em que o protagonista é talentoso, mas tem tudo pra se dar mal e viver frustrado. Ele nasceu em agosto de 1958, na cidade de Burbank, pequena cidade californiana nos arredores de Los Angeles. Quando criança, era retraído, tímido, praticamente recluso dentro de seu próprio mundo. Ao invés de prestar atenção nas aulas, passava o tempo na escola desenhando figuras bizarras em seus cadernos. Por volta de 12 anos de idade, se apaixonou pelas histórias de Edgar Allan Poe, um escritor pouco recomendado para crianças, convenhamos. Com seus poucos amigos de escola, criou um grupo para criarem histórias e desenhos chamado O.S.S. (Oh Shit Studio). Foi quando ele começou a desenvolver roteiros e aprender, por conta própria, técnicas de animação em stop motion usando seus desenhos e uma câmera super 8.  Afinal, outra das fixações de Burton ainda criança eram os filmes de terror. Enquanto todos os seus amigos tinham medo daqueles filmes, ele tinha fascínio. Bela Lugosi, Vincent Price e Ed Wood se tornaram grandes heróis para Tim Burton, nomes que ele viria a celebrar com honras ao longo de sua própria carreira.

Mas a literatura de Allan Poe e o cinema de Ed Wood eram, antes de qualquer coisa, fonte de inspiração para o seu maior talento: o desenho. Ainda muito novo, Tim Burton já desenhava muito bem, e não demorou a desenvolver um traço único, cheio de personalidade. E, é claro, suas ilustrações, em sua grande maioria, retratavam cenas e personagens sombrios. Para se ter ideia, quando tinha de 16 para 17 anos de idade, ele desenhou uma figura esquisita, um homem de semblante assustado, magro e com longas lâminas no lugar dos dedos das mãos. Praticamente 15 anos depois, ao revisitar um caderno de antigos desenhos, Burton se deparou com essa figura e desenvolveu o que acabaria por se tornar sua obra-prima: o filme Edward Mãos de Tesoura.

Foi nessa época da adolescência, por volta de 1975, 76, que, após se oferecer para trabalhar nos estúdios de animação da Disney, acabou ganhando da empresa uma bolsa de estudos no renomado Instituto das Artes da California. Após 3 anos de estudo, ele foi contratado pela Disney. Ele era assistente de animação e trabalhava naqueles desenhos fofos de animais falantes, o que considerava entediante. Mas tinha liberdade para criar e apresentar para a empresa alguns curtas-metragens. Foi quando ele fez o curta em stop motion Vincent, sobre um garoto que sonha em ser Vincent Price, mas acaba se perdendo em seus pesadelos terríveis. Depois, misturando live action com stop motion, ele recriou a história do conto de fadas João e Maria com seu jeitinho todo especial, com muito sombra e uma boa quantidade de sangue. Por fim, criou a história de Frankenweenie e filmou o curta de mesmo nome, onde um garoto que acaba de ver seu cachorrinho morrer, se depara com a história de Frankenstein e dá um jeito de ressuscitar seu cachorro usando os mesmos métodos. O longa é de tamanho humor negro, sarcasmo e sadismo, que a Disney, não só se recusou a distribuir o curta como demitiu Tim Burton. Mas não se engane, o curta é ótimo!

Mas nessa época, Burton já circulava entre os estúdios de Hollywood fazendo amizades e procurando trabalho. De cara, pinta sua primeira oportunidade: foi escalado para dirigir As Grandes Aventuras de Pee-Wee, filme lançado em 1985. Pee-Wee é um personagem antigo e muito famoso nos Estados Unidos, desses que já teve várias séries de TV  e filmes no cinema, tendo sido interpretado por vários atores diferentes. Ainda que não fosse sua onda, Tim Burton mandou bem na direção e fez seu nome. Também foi nesse filme que Burton iniciou sua mais bem sucedida e longeva parceria, com o músico Danny Elfman, que faria praticamente todas as trilhas sonoras dos filmes de Burton dali em diante. Assim, em 1988, com credibilidade e liberdade para criar, Tim Burton finalmente mostrou a que veio. Lançou o clássico Beetlejuice – Os Fantasmas se Divertem. O filme trazia um roteiro cômico e sombrio ao mesmo tempo, enquanto apresentava uma direção de arte grandiosa, cheia de personalidade e nuances! Com Beetlejuice, Tim Burton criou uma nova estética no cinema, unindo comédia e terror.

Daí em diante, a trajetória de Tim Burton se mistura a sua produção cinematográfica. Como é muito filme, 21 pra sermos precisos, elencamos aqui um top 5 Melhores Filmes do Tim Burton para comentar.

Beetlejuice – Os Fantasmas se Divertem (1988)

O pontapé inicial da obra de Tim Burton. Além de dirigir, ele também assina o roteiro deste filme divertidíssimo, apesar de carregado em cenas sombrias e mórbidas. Já fica evidente o traço de Burton como artista mesmo na maquiagem dos personagens, em especial Beetlejuice, pálido, com olhos arregalados, cabelos desgrenhados… algo que se tornaria característico de Burton. No elenco, temos Winona Rider e Michael Keaton em uma de suas melhores atuações (é sério, ele manda muito bem no papel).

Edward Mãos de Tesoura (1990)

Indiscutivelmente, é o clássico absoluto de Burton. Foi seu quarto longa metragem, e até hoje, ele não fez nada que chegue perto da perfeição de Edward Mãos de Tesoura. Não é exagero falar em perfeição. Tudo nesse filme funciona bem. O roteiro, que Burton também assina, tem tons autobiográficos, já que Tim Burton se sentia deslocado e sem amigos quando adolescente. A estética do filme é encantadora e, ao mesmo tempo desoladora, tem um quê de magia, mas também uma melancolia dos subúrbios de classe média branca dos Estados Unidos. A atuação de Johnny Depp é digna de Oscar (que ele não ganhou, sequer foi indicado) e a química entre ele e Winona Rider é invejável! É desses filmes que, se você passa por ele zapeando os canais na TV, pára e assiste até o fim.

Batman, O Retorno (1992)

Tim Burton fez um trabalho brilhante em Batman, filme de 1989. Mas foi duramente criticado por fãs dos quadrinhos, que diziam que o diretor não respeitou a estética dos gibis. Ainda bem! Ele tirou o azul e cinza e colocou o Batman num imponente traje todo preto, retratou uma Gotham City chuvosa, escura e opressora, além de conceber a segunda melhor versão do Coringa nas telas de cinema. Bom, mas temos que admitir… o roteiro era fraco. Mas quando pegou para fazer a sequência do morcegão, foi com tudo nas suas referências mais densas e fez de Batman, o Retorno, um filme impecável! O roteiro é ótimo, os personagens são muito bem construídos, Danny DeVito como Pinguim é um espetáculo gore, com uma aparência assustadora, enquanto Michelle Pfeiffer está deslumbrante como Mulher Gato, numa fantasia fetichista. Um filme que extrapola o mundo dos quadrinhos e agrada todo tipo de público.

O Estranho Mundo de Jack (1993)

Apesar de não aparecer como diretor, pode-se dizer que se trata de um filme 100% Tim Burton. Já que ele escreveu o roteiro, desenhou os personagens e assina a produção do longa. Por se tratar de um filme de animação todo em stop motion, é possível que Burton tenha preferido colocar um diretor mais experiente no ramo, ao invés de ele próprio dirigir. Mas certamente, ele esteve junto com o diretor Henry Selick durante toda a produção do longa. Aqui temos o mais puro suco de Tim Burton. Os desenhos sombrios, os personagens longilíneos e de olhos arregalados, contrastes entre cores fortes e sombras, humor e morbidez. Tudo amarrado numa história bem contada e emocionante.

A Noiva Cadáver (2005)

A partir de 1994, quando é lançado Ed Wood, Tim Burton acaba tendo um declínio de qualidade em seus trabalhos. Johnny Depp começa a se tornar um pastiche de si próprio, em atuações tediosas e similares. E o próprio Tim Burton acaba se perdendo em sua própria fórmula. Depois do fracasso previsível de sua releitura de a Fantástica Fábrica de Chocolate, ele acaba voltando a suas origens e reaparece em 2005 com uma obra autoral a altura de seus melhores trabalhos. A Noiva Cadáver é uma animação encantadora, com ótimas canções e atuações singelas das vozes de Johnny Depp e Helena Bonham Carter. A estética sombria está de volta, com toda sua morbidez e escuridão, mas sempre com um toque de ternura e humor. A história é um pouco manjada, é verdade, mas é contada com leveza e graça, os personagens são carismáticos e a estética é tão atraente, que, no contexto geral, o filme acaba sendo realmente muito bom!

Menção honrosa: Wandinha (2022)

Não é um filme, é verdade. Mas é uma série deliciosa! Chega a ser inacreditável hoje em dia pensar que, em 1991, ninguém pensou em Tim Burton para adaptar para o cinema a antiga série de TV A Família Addams. Claro, por fim o diretor Barry Sonnenfeld fez um ótimo trabalho. Mas muita gente ao longo dos anos chegou a pensar como seria essa franquia na mão de Burton. E a resposta veio ano passado. Em 2022 a Netflix produziu a série Wandinha, com direção e co-produção de Tim Burton. A série, plasticamente, chega a ter mais elementos de terror do que estamos habituados e ver nas obras de Burton, que acabou trazendo um ar de mistério irresistível. Na onda retrô de Stranger Things e Dark, Wandinha caiu no gosto popular de imediato. E não á toa. O roteiro é muito bem escrito e cheio de mistério, a estética é instigante e assustadora e os personagens, em especial a protagonista Wandinha, são muito carismáticos. Que venha a segunda temporada!

Para concluir, sabemos que Tim Burton deu alguns escorregões, principalmente quando se meteu a refilmar obras clássicas como Planeta dos Macacos, A Fantástica Fábrica de Chocolate e Alice no País das Maravilhas. Mas seu legado e influência no cinema contemporâneo é inegável e tem um valor inestimável. Portanto, é um artista que não poderia ficar de fora do hall de influências e homenagens da Strip Me. Confira algumas dessas estampas na nossa seção de cinema e séries, bem como vale dar uma olhada nas camisetas dos nossos collabs Guilherme Hagler e Kaio Moreira. Além disso, na nossa loja você encontra camisetas de música, arte, cultura pop e muito mais. Fica ligado lá pra conferir os lançamentos que pintam toda semana.

Vai fundo!

Para ouvir: Convenhamos, as trilhas sonoras do Danny Elfman são lindíssimas, mas ninguém tem muito saco pra ficar música instrumental, orquestrações de filmes e tal. Então, nessa onda sombria do Tim Burton, vamos fazer uma playlist com o que há de melhor na cena dark/gótica que brilhou nos anos 80. 80’s Dark Pop Top 10 tracks.

Nota do editor: Eu, Paulo Argollo, ao escrever este texto, bem como todos os outros que escrevo aqui, procuro manter certa distância de minhas opiniões pessoais sobre o tema abordado. Entretanto, desta vez, não resisto. Apesar de todas as listas de melhores filmes do Tim Burton serem quase unânimes ao citar os 5 filmes aqui expostos, eu preciso dizer para você que o melhor filme do Tim Burton é Edward Mãos de Tesoura, ok. Mas o segundo melhor… ah, o segundo melhor é Marte Ataca! Filme lançado em 1996, é uma comédia dilacerante! Um nonsense delicioso, amarrado por um roteiro simples, mas muito bem escrito e um elenco abarrotado de estrelas, a maioria fazendo pontas, mas tudo muito divertido. Fazem parte do cast Jack Nicholson, Glenn Close, Pierce Brosnam, Natalie Portman, Sarah Jessica Parker, Michael J. Fox, Jack Black, Danny DeVito, Christina Applegate e o cantor Tom Jones. É filme pra ver e rever várias vezes! Recomendo muito e sei que esá disponível no catálogo da HBO Max.

Eu quero é botar meu bloco na rua!

Eu quero é botar meu bloco na rua!

Fevereiro ainda nem chegou, mas já foi dada a largada para as festividades carnavalescas urbanas independentes. São os popularmente conhecidos bloquinhos de rua. Cada vez mais amados e celebrados em grandes cidades! Sim, os tempos dos grandiloquentes bailes de carnaval em clubes da alta classe ficaram no passado! Hoje em dia, todo mundo quer ir pra rua, se misturar, cantar, dançar, fazer folia! A Strip Me, que não é ruim da cabeça e nem doente do pé, também entra na bagunça e apresenta várias estampas perfeitas para curtir o bloquinho, como a camiseta Samba no Pé por exemplo. Além disso, vamos aproveitar o embalo pra não perder o rebolado e falar tudo sobre os bloquinhos e como aproveitar cada minuto dessa festa.

Sejamos francos. Esse amor pelos bloquinhos de rua é um hype relativamente novo. Os blocos de foliões carnavalescos estão aí desde 1930, é verdade. E teve muitos momentos de glória e popularidade. Mas ali pelos anos 1990 e começo dos anos 2000 estavam em baixa. Eram frequentados por poucos foliões veteranos e um ou outro entusiasta. Mas de uns dez anos pra cá, virou hype mesmo! Principalmente em São Paulo e no Rio de Janeiro, já que a o carnaval no nordeste sempre foi muito forte e sempre teve a cultura do trio elétrico e do carnaval de rua.

Na real, a história do carnaval, muito antes do Cabral pisar na Bahia, já começou no esquema do bloquinho de rua lá no Velho Mundo. A turma saía em grupo, cantando, fazendo algazarra e bebendo como se não houvesse amanhã. Ou melhor, eles bebiam como se houvesse uma quaresma por vir. E havia mesmo. Aquele período em que os cristãos jejuam e se privam de prazeres carnais por 40 dias antes da Páscoa, quando se celebra a ressurreição de Jesus Cristo. Os portugueses que vieram colonizar o Brasil no século XVI já trouxeram essa tradição. E ao longo dos 5 séculos que se passaram a mágica aconteceu. Veio a influência dos ritmos e danças dos africanos e tudo se misturou. No século XIX, durante o império de Dom Pedro II, o carnaval de rua chegou a ser proibido, porque rolava aquela baderna generalizada e os ricos queriam curtir a festa, mas tinham certo nojinho de interagir com os pobres. Assim, surgiram os bailes de salão, onde a elite podia curtir o carnaval com requinte, sem se misturar com o povão, que ficou privado de fazer a sua festa. Mas isso não durou muito.

Foi na época da era Vargas, depois do golpe de 1930, que o carnaval começou a voltar para as ruas, incentivado pela popularização do rádio e das marchinhas, marchas-rancho e sambas. Desde então, foram se formando blocos tradicionais em diferentes bairros das principais cidades do Brasil, alguns deles em atividade até hoje. E hoje em dia, esse ano, pra ser mais exato, se você acha que o bicho pega mesmo só no dia 17 de fevereiro, primeiro dia de carnaval, se engana! Já tem bloquinho rolando Brasil afora hoje mesmo! Para ficar por dentro, você pode acessar o site blocosderua.com Lá você encontra a agenda dos blocos mais importantes de 10 cidades brasileiras: São Paulo, Rio de Janeiro, Recife, Olinda, Florianópolis, Belo Horizonte, Salvador, Brasília, Porto Alegre e Fortaleza.

Pra completar, vamos dar algumas dicas importantes e super valiosas para você curtir ao máximo o seu bloquinho favorito, sem passar por perrengue nenhum! Se liga.

Planejamento para ir e voltar.

Se você não tem a sorte (ou o azar, depende do ponto de vista) de ter um bloquinho que passe na porta da sua casa, é bom você fazer um roteiro, pegar o trajeto que o seu bloquinho favorito vai percorrer e planejar como você vai chegar e como vai embora. O ideal é contar sempre com o transporte público (ônibus e metrô) e aplicativos, afinal, a chance de você querer tomar uma cerveja ou uma caipirinha durante a festa é grande. Além de não ser boa ideia dirigir depois de beber, lembre-se que os blocos alteram todo o trânsito da cidade. Tendo todos os trajetos planejados, você vai aproveitar a festa com muito mais tranquilidade.

Segurança.

Você sabe como é festa em lugar público. Pinta todo o tipo de gente, inclusive gente mal intencionada. Além do mais sempre tem quem passe do ponto na cachaça, o que sempre atrapalha também. Então, se joga na folia, mas fique sempre de olho no que está rolando em volta. Se viu que tá saindo uma briga do teu lado, se afaste, vá para o lado oposto e segue com a tua festa. Também é sempre bom ficar esperto com furtos. Então, dê preferência para bermuda, short ou vestido cujos bolsos tenham zíper, ou então leva uma bolsinha bem fechada, ou até mesmo uma pochete, que fique junta ao corpo. E ali dentro leve apenas o essencial, celular, cartão do banco, um documento e dinheiro trocado. Para as meninas, ter um pacotinho de lenço umedecido também é sempre boa ideia.

Olha, olha, olha, olha a água mineral!

É sempre bom lembrar que o carnaval rola no verão e você estará pulando e cantando sob um sol de trinta graus, pelo menos. Então não deixe de se hidratar de jeito nenhum. Claro que você vai tomar sua cervejinha, uma caipirinha e tal… mas junto, vá tomando água. Para facilitar a sua vida e a de quem está trabalhando no evento, procure levar uma quantia de dinheiro em notas de cinco e dez reais para facilitar o troco. E não se esqueça também de se alimentar. De preferência  consumindo coisas leves como frutas ou sanduíches naturais.

A cor dessa cidade sou eu.

Uma das belezas do carnaval é a integração do povo com a cidade. Uma simbiose mágica e transcendente. Para que essa mágica aconteça em sua plenitude, é fundamental que você faça a sua parte para manter a cidade limpa. Se você estiver ligado, vai ver que em muitas esquinas tem latas de lixo, e também as tem os vendedores espalhados pela rua. Também tem espalhados por todo o trajeto dos bloquinhos, vários banheiros químicos. Sem falar no bares e padarias, que às vezes até cobram cinquenta centavos ou um real pra você usar o banheiro, mas estão sempre por perto. Então, não tem desculpa pra ninguém fazer suas necessidades pelos cantos nas ruas, certo?

Todo povo brasileiro, aquele abraço!

Carnaval é amor e alegria! Então, quem tem qualquer tipo de preconceito nem desce pro play! Claro, em momento nenhum da vida em sociedade racismo, homofobia ou qualquer outro tipo de discriminação é tolerável. No carnaval então, nem se fala! Se você presenciar qualquer tipo de ato desrespeitoso com outra pessoa, não se omita. Claro, não vá você se meter e comprar a briga sozinho, mas procure ajuda e chame a polícia.

Livre, leve e solto!

Por fim, não se esqueça de se sentir bem, confortável, para curtir o bloquinho. Você não vai abrir mão do estilo, é lógico! Mas algumas dicas são válidas: Use tênis ou qualquer outro calçado confortável que não tenha salto e não corra o risco de arrebentar durante a festa. Bermudas ou shorts são a melhor opção, tanto para meninos quanto para meninas, pois, você vai andar e dançar muito, a bermuda ou o short vão evitar que você fique com o interior das coxas “assadas”. E use roupas leves. No caso, as camisetas da Strip Me são o seu número! São camisetas feitas com malha certificada, leve e super confortável! É só escolher a sua estampa favorita e ir pra galera!

Pronto. Agora você já sabe tudo o que precisa para encarar o seu bloquinho de rua favorito! Então chega de teoria e vai pra folia! Lembrando que a Strip Me tem uma coleção todinha dedicada ao carnaval, além de muitas outras como as camisetas de cinema, música, arte e cultura pop! Se liga na nossa loja pra conferir os lançamentos que aparecem por lá toda semana!

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist perfeita pra fazer aquele esquenta com os maiores sucessos dos principais blocos do Brasil! Bloquinho top 10 tracks.

Para assistir: É imperdível o documentário Chame Gente – A História do Trio Elétrico, lançado em 2005, dirigido pela Mini Kerti, escrito pelo Rafael Dragaud e com depoimentos de Armandinho, Caetano Veloso, Gilberto Gil, Dorival Caymmi e muitos outros. Além de ser uma história fascinante, tem uma trilha sonora empolgante, que comprova que atrás do trio elétrico só não vai mesmo quem já morreu. Recomendadíssimo e tem free no Youtube completinho.

NATAL STM: Para quem gosta de acertar no presente.

NATAL STM: Para quem gosta de acertar no presente.

A gente sabe que o Natal representa a união, amor e a celebração da vida. Mas sabemos também que uma das maneiras mais eficientes e divertidas de materializar esses sentimentos é presenteando as pessoas que amamos. E a Strip Me está aqui pra te ajudar a dar o presente ideal! Camisetas de bom gosto, confortáveis e muito originais. E, assim como ninguém é igual a ninguém, selecionamos aqui algumas das muitas estampas que representam bem cada tipo de pessoa. Agora é só conferir em que perfil a pessoa que você quer presentear se encaixa, escolher a sua camiseta e correr pro abraço!

Para quem curte juntar a turma no boteco e fazer aquele churrasquinho na beira da piscina.

Nada melhor que conviver com gente que não tem tempo ruim, mas sim tem sempre uma desculpa pra reunir a turma para colocar a conversa em dia e dar uma relaxado num bom e velho boteco. Sem falar naquele domingão de sol, ideal para aquele churrasquinho com a família e os amigos, sempre tomando aquela cervejinha gelada e companheira. Para quem está sempre animado e com o copo americano a postos para o brinde, temos o estilo e a leveza das camisetas de uma coleção que pode, e deve, ser apreciada sem moderação, como as Engradados e Happy Hour.

Para quem não perde a chance de ir ao cinema e fazer aquele after-movie com os amigos depois.

Você com certeza conhece pelo menos uma pessoa que sabe tudo sobre filmes e está sempre te convidando para ir ao cinema assistir ao filme mais recente dos irmãos Coen ou do Scorsese, com direito a aquele café ou até uma cervejinha depois do filme, pra absorver a obra. Para quem não perde a oportunidade de soltar uma frase de efeito do tipo “Vou fazer uma oferta que ele não vai recusar” na roda, o que não faltam são opções de camisetas de cinema e séries como a Raglan Hellfire Club ou a Dude.

Para quem não aguenta ficar muito tempo em casa, adora viajar e desbravar museus e galerias mundo afora.

Chega a dar aquela invejinha boa quando aquela pessoa querida começa a falar da sua viagem mais recente e do tanto de obras de arte incríveis que ela viu de pertinho, não é? Para quem não vive longe da arte a Strip Me tem uma coleção enorme inspirada nas obras mais incríveis, como a Bauhaus 1923 e a Pipes Art.

Para quem gosta de fazer um som, tem sempre um violãozinho no porta malas do carro e não perde um festival.

Sabe aquele parceiro que não vai pra lugar nenhum sem o violão, está sempre com o mesmo par de All Star nos pés, coleciona vinil e trabalha o ano inteiro para ter grana para ir aos melhores festivais de música? Ah, é justamente o tipo de pessoa que a gente adora! Para quem não vive sem música temos um repertório vasto e variado de opções, como por exemplo a Are You Mine e a Bob Flag.

Para quem ama reunir os amigos em casa e apresentar a eles cada uma das plantinhas que tem espalhadas por todos os cômodos.

Como não amar quem ama plantas? É sempre uma pessoa de bem com a vida e tem a casa mais fresca, confortável e cheirosa do mundo! Gente assim nós queremos sempre ter por perto. Para quem está sempre com um vasinho ou um saco de adubo na cestinha da bike, temos uma variedade de camisetas com estampas dedicadas ás plantas, como a Bananeira e a Monstera Deliciosa.

Para quem não perde a chance de enfrentar os amigos num campeonatinho de Fifa ou qualquer outro game.

Inegável que é divertidíssimo quando junta uma galera na sala e rola uns campeonatinhos de Fifa, Street Fighter e até mesmo de Mario Kart. Pode ser os amigos de sempre numa tarde de sábado qualquer ou quando junta todos os primos pra passar o fim do ano na casa da vó. Para quem está com a ponta dos dedos calejados do joystick também não faltam camisetas ligadas aos games, como a Allejo e a Activism.

Para quem é super zen e parece estar mil anos a frente, apesar de sonhar em ter vivido em 1967.

Todo mundo tem aquele amigo que vive na mais absoluta paz e que tem no bolso da bermuda aquela trouxinha mágica com ervas aromáticas, ou então aquela tia super querida que tem sempre um incenso aceso na sala e que adora contar daquele show que ela viu do Caetano e da Gal nos anos 70. Para quem realmente sabe que não tem nada mais importante do que paz e amor, temos uma coleção todinha repleta de good vibes, como as camisetas Coração e a Totally Cool.

Para quem curte celebrar suas raízes e, por força desse destino, um tango argentino lhe cai bem melhor que um blues.

A gente sempre aprende muito com aquela amiga que voltou de Machu Picchu na pilha de descobrir suas raízes latinas ou com aquele tio que é professor de história e consegue transformar a invasão espanhola na América do Sul numa animada conversa de mesa de boteco! Para quem é loco por ti, América, e sabe que é preciso estar atento e forte, temos várias camisetas inspiradas nas nossas latinidade e brasilidade indefectíveis, como a Pipa e a América Latina.

Para quem domina a fina arte de estar curtindo o rolê com a galera, mas não larga o celular e manja de todos os memes da atualidade.

É de se admirar aquele tipo de amigo que não tira os olhos do celular na mesa do bar, mas está atento à conversa e contribui com tiradas rápidas e certeiras, bem como aquela prima que faz questão de tirar selfie com a família inteira na festa e fica brava com aquela tia que não tem Instagram, para ela poder marcar. Pra quem perde o amigo, mas não desperdiça o meme e nem a figurinha do Whatsapp também temos uma coleção descoladíssima e frequentemente atualizada, como as camisetas Muy Caliente e a Caramelo Republic.

Para quem se encaixa em todas as categorias e, ao mesmo tempo, em nenhuma.

Mas a gente sabe que todo mundo é muito mais que um estereótipo como o músico, a louca por plantas ou o cinéfilo. Justamente porque cada pessoa tem sua própria personalidade e gostos dos mais variados que a Strip Me também te dá a oportunidade de personalizar a camiseta que você vai presentear. Você pode nos enviar uma imagem, um desenho original seu, uma foto, escrever uma frase…e a gente imprime a camiseta para você. Uma camiseta única para alguém incomparável.

Mas olha, aqui estão apenas algumas opções. Na nossa loja você pode ver todas as coleções de camiseta de música, cinema, arte, cultura pop e muito mais, além dos lançamentos, que pintam toda semana. Conte com a Strip Me para proporcionar a quem você ama um presente especialíssimo! E para você também, é claro!

Feliz Natal!

Vai fundo!

Para ouvir: Aquela playlist caprichada com músicas natalinas, mas que fogem do Jingle Bells de sempre. Natal STM – Top 10 tracks.

Nossa Senhora Rainha do Mar

Nossa Senhora Rainha do Mar

O ano era 1962. O poeta Vinícius de Moraes e o violonista Baden Powell começavam uma parceria, que se mostraria muito prolífica no futuro. Era noite, os dois na casa de Vinícius conversavam e tomavam uísque enquanto ouviam música e buscavam inspiração para começar a compor. O Poetinha então coloca pra tocar uma fita que ganhara de um amigo baiano, com gravações feitas ao vivo de sambas de roda cantados em alguns terreiros de candomblé de Salvador. Aquelas músicas pegaram a dupla de jeito! Enquanto Vinícius de Moraes se encantava com a sonoridade das palavras de origem africana, as melodias simples e cativantes, Baden Powell ficou fascinado com os ritmos e em especial, com o som do berimbau. A dupla mergulhou na cultura afro-brasileira, de onde emergiu, em 1966, um dos discos mais importantes da música popular brasileira: Os Afro Sambas, de Vinícius de Moraes e Baden Powell.

Se hoje em dia uma figura como Iemanjá é tão presente na cultura brasileira, com certeza deve-se muito à obra de Vinícius e Baden. Foram eles que tiraram a cultura afro-brasileira dos guetos e apresentou para toda uma sociedade branca e judaico-cristã as belezas do candomblé e da umbanda, tornando Iemanjá, em especial, sua figura mais carismática e acolhedora. E não é para menos. A história de Iemanjá é riquíssima e cheia de mistérios!

Para entender a origem de Iemanjá, precisamos ter mente que ela resulta de diferentes lendas, cada uma vinda de um lugar diferente da África. Por si próprio, o candomblé é uma religião genuinamente brasileira, com matrizes africanas. Como bem sabemos, o Brasil recebeu milhões de negros escravizados, vindos da África. E eles vinham de povos e tribos muito distintas entre si. Congo, Moçambique, Guiné Bissau, Angola, Nigéria, Senegal… cada um desses países contavam com povos de culturas e crenças diferentes, mas com uma ou outra similaridade. O candomblé é o resultado do sincretismo entre essas culturas, onde predomina o Iorubá. A palavra Iorubá destina-se tanto a um grupo étnico, como também a uma religião, que é regida pelos orixás. Entre esses orixás, está Iemanjá.

Olocum é um dos mais antigos e poderosos orixás. Ele é o senhor soberano dos mais profundos oceanos. Reza a lenda que Iemanjá é sua filha. Já adulta, Iemanjá se casou e teve dez filhos, todos se tornariam orixás, ou seja, divindades. Para amamentar todos os filhos, ela acabou desenvolvendo seios muito grandes. Isso fez com que ela tivesse vergonha de si mesma, e também sofresse com chacota de outros orixás, incluindo seu marido. Cheia de raiva e vergonha, ela decide abandonar o marido e partir para outras terras. Nessa jornada, ela se apaixona por um rei muito possessivo. Porém esse rei a trai e ela, mais uma vez resolve partir. Mas o rei era muito poderoso e a perseguia por toda parte. Iemanjá então usou uma poção mágica dada por seu pai para escapar do rei. Tal poção a transformou num rio que desaguava no mar. Assim, Iemanjá se tornou a rainha dos mares e dos navegantes.

Existe ainda uma outra lenda interessante relacionada a origem de Iemanjá. A lenda conta que o primeiro filho de Iemanjá, Orungã, teria nutrido uma paixão incontrolável pela mãe. Certa feita, Orungã se aproveitou da ausência do pai para tentar violentar sua mãe. Iemanjá conseguiu escapar, mas, ao correr, acabou tropeçando e caindo e batendo a cabeça. Tal queda acabou por matá-la. Seu corpo então começou a inchar, e de seus seios e ventre, começaram a jorrar água, seu corpo se tornando um rico manancial de vida, que deu origem a um rio que desaguava no mar. Desse jorro de vida se originaram todos os outros orixás, como Xangô, o deus do trovão, Ogum, deus do ferro e das guerras, Oiá, deusa do rio Níger, Oxóssi, o deus dos caçadores e Omolu, o deus das doenças.  Essa versão da origem de Iemanjá, além de coloca-la como geradora de todos os orixás, alçando-a a importância e poder comparado somente a Oxalá, o orixá supremo, traz uma semelhança curiosa com a lenda do rei grego Édipo, que também se apaixonou por sua mãe, que também acaba morta.

Ainda há de ser dito que os sincretismos religiosos no Brasil uniram as religiões de matriz africana com o cristianismo. Surge assim a Umbanda. Neste caso os orixás também são reconhecidos como santos. No caso, Oxalá, o orixá supremo, é representado pela santíssima trindade: Pai, Filho e Espirito Santo e Iemanjá é reconhecida como Nossa Senhora dos Navegantes, Nossa Senhora da Conceição, Nossa Senhora das Candeias, Nossa Senhora da Piedade e a própria Virgem Maria.

Seja qual for a origem de Iemanjá, o fato é que ela é um dos orixás mais poderosos e amados do candomblé. Festas e ritos em sua homenagem são realizados em várias cidades do Brasil em datas diferentes. Os mais famosos são as oferendas de Ano-Novo no Rio de Janeiro, onde, no dia 31 de dezembro, os devotos, ou filhos e filhas, de Iemanjá lançam ao mar suas homenagens. O mesmo acontece em Salvador todo dia 2 de fevereiro. A festa de Iemanjá de Salvador é a maior e mais famosa das celebrações à orixá. Neste dia, peixes, arroz, mel, rosas e palmas-brancas são colocados em pequenas canoas de madeira e soltas no mar. É comum que algumas dessas canoinhas sejam levadas pela correnteza de volta para a praia. Nestes casos, julga-se que Iemanjá não aceitou a oferenda.

Iemanjá é a personificação perfeita da cultura e espiritualidade brasileira. A imagem de uma mulher negra linda, purificada pelas águas dos rios e mares. A riqueza de sua personalidade, a multiplicidade de lendas envolvendo sua origem, sua representatividade na arte, música e religião do Brasil também encantam a todos nós da Strip Me. Por isso, entre tantas estampas incríveis e cheias de brasilidades, claro que Iemanjá ganhou seu espaço de destaque. Além disso, você ainda encontra camisetas de arte, de cinema, de música, de cultua pop e muito mais. Confere lá na nossa loja, onde, além de tudo, tem sempre lançamentos novos pipocando.

Vai fundo!

Para ouvir: o invés de uma playlist com um top 10, a recomendação é ouvir o clássico disco de Vinícius de Moraes e Baden Powell Os Afro Sambas, lançado em 1966. Um disco lindíssimo e muito inspirado. Além de sua beleza, é um disco fundamental por ter incorporado de forma intensa instrumentos de percussão  tipicamente africanos como o atabaque, congas e berimbau, que até então não eram utilizados na música popular brasileira. Além disso, foi o disco que apresentou o candomblé como fonte essencial da cultura numa época em que o Brasil vivia uma ditadura militar e imperava o pensamento conservador e exclusivamente cristão. É um disco fundamental. Ouça aqui.

BAUHAUS

BAUHAUS

Existem alguns termos que nos soam muito contemporâneos. Funcionalidade, menos é mais, acessibilidade, dentre outras, são expressões muito atuais. Acontece que 100 anos atrás elas já eram largamente usadas. Não só usadas, mas aplicadas de fato. Por 14 anos essas palavrinhas, cheias de conceitos nortearam uma escola como nunca existiu antes. Uma escola agregadora, moderna e, claramente, muito a frente do seu tempo. Portanto, em prol da funcionalidade deste texto e tendo sempre em mente que menos é mais, vamos direto ao ponto.

Em alemão, haus significa casa e bauen significa construir. A união das duas palavras numa só, Bauhaus, significa obviamente casa da construção. Parece um slogan ruim para uma loja de materiais de construção, é verdade. Mas Bauhaus foi o nome dado a uma escola concebida por um arquiteto de muito talento chamado Walter Gropius. A ideia de Gropius era implementar uma escola que transformaria uma só pessoa em artista, construtor e artesão, ensinando desenho, design, arquitetura, tecelagem, metalurgia e marcenaria. Sob esta concepção, se democratiza o conhecimento e incentiva a criação de novas e acessíveis soluções para a vida urbana. O problema é que, não só Gropius concebia uma escola com conceitos de vanguarda, muito avançados para a realidade de seu tempo, como também o fazia numa época complicada da história ocidental, em especial onde ele vivia: a Alemanha.

Em junho de 1914 o arquiduque Francisco Ferdinando (ou Franz Ferdinand para os mais chegados), que era herdeiro do trono do reino da Áustria, foi assassinado. Tal crime acabou sendo oficialmente o pontapé inicial da Primeira Guerra Mundial. A guerra durou até 1918. Um dos oficiais alemães que participou do conflito foi justamente Walter Gropius. A guerra causou nele forte impacto. Ele começou a sonhar com o momento em que a humanidade domesticaria as máquinas em benefício do homem, e não para a sua morte. Com o fim da guerra, Gropius tinha claro em sua mente que precisava fazer parte de algo totalmente novo, que pudesse mudar as condições em que ele vivera antes e durante a guerra. Justamente nesta época, em 1919, ele foi convidado a assumir a direção da Escola de Artes Aplicadas de Weimar. Era a chance que ele precisava.

Weimar é uma cidade pequena no centro da Alemanha. No início do século XX, era muito provinciana, porém já era conhecida por conta de um de seus ilustres moradores: Goethe, o famoso poeta do século XVIII. Logo que Gropius assumiu a Escola de Artes Aplicadas, uma espécie de universidade pública especializada em engenharia, arquitetura e artes, logo tratou de rebatizá-la de Bauhaus, a casa da construção, incluir novos cursos e construir grandes oficinas com maquinário pesado. Seu projeto era ambicioso, mas teve apoio do governo, porque uma das promessas é que a escola criaria projetos e construiria casas planejadas, com custo muito baixo. Era o tipo de coisa que a Alemanha precisava com urgência depois de ser arrasada pelo Tratado de Versalhes no fim da guerra.

E assim foi. Bauhaus começou a todo vapor. Os alunos que se matriculavam, logo de início já tinham aulas básicas de desenho e, em seguida, de materiais e formas. Tudo era racional e muito objetivo. Os alunos não aprendiam logo no início do curso história da arte, por exemplo. Gropuis julgava que tudo deveria ser criado por princípios racionais e intuitivos e não por padrões herdados. Os alunos só iriam estudar diferentes movimentos artísticos no quarto ano de estudo, quando suas criações já estariam em desenvolvimento com personalidade própria. Depois das aulas de desenho básico, os alunos partiam para as oficinas, para colocar em prática as noções de proporções, dimensão e formas. Começavam desenvolvendo pequenos utensílios como canecas e luminárias. Tudo que poderia ser imediatamente produzido em larga escala. Assim, já ganhavam as noções de design. Pois tudo era feito sob a supervisão de um artista plástico e um artesão. A combinação da estética do artista com o conhecimento do artesão fazia com que os produtos criados fossem diferentes, bonitos, modernos, mas sempre funcionais. Já num nível mais avançado a promessa de se produzir casas foi cumprido. Várias casas em Weimar foram construídas com uma arquitetura moderna, limpa e harmônica. As casas eram erguidas com placas pré-fabricadas, armações de ferro e vidro. Tudo otimizando o tempo de construção e barateando os custos. As casas, bem mais baratas que as de alvenaria tradicional, vendiam muito bem, apesar da altíssima inflação e crise econômica que invadia a Alemanha, fazendo com que grupos políticos extremistas ganhassem as ruas. O ano era 1924 e o partido nazista, fundado em 1920, crescia a olhos vistos.

Nessa época Bauhaus já contava com um corpo docente invejável e produzia o que havia de mais moderno em móveis e utensílios domésticos e sua arquitetura se desenvolvia e forma brilhante. Além de Gropius, lecionavam, e davam workshops e mentorias na Bauhaus o pintor alemão Lyonel Feininger, o escultor Gerhard Marcks, o pintor, escultor e designer alemão Oskar Schlemmer, que dirigiu a oficina de teatro, os pintores suíços Johannes Itten e Paul Klee, e o pintor russo Wassily Kandinsky, além do holandês Theo van Doesburg, arquiteto, artista plástico e um dos fundadores do movimento De Stijl, que exaltava o movimento modernista, criava novos paradigmas para a arte abstrata e posteriormente daria nome ao melhor disco da banda White Stripes. Apesar de exercer influência direta na arquitetura e no design, Bauhaus também foi muito importante para a arte na Alemanha, pois reunia artistas, ministrava simpósios e debates, rolavam exposições e a criação sem limites era incentivada. Era um momento de efervescência na Alemanha culturalmente. Em paralelo com a vanguarda de Bauhaus, se desenvolvia o expressionismo no cinema alemão, que praticamente inventou os filmes de terror através de clássicos como O Gabinete do Dr. Caligari, de 1920 e Nosferatu, de 1922. Toda essa aura de arte e vanguarda da Bauhaus começou a incomodar os provincianos e conservadores moradores da pequena Weimar. Em 1924 o partido nazista, que começou no sul da Alemanha, em Munique, já espalhava seus ideais conservadores por toda a Alemanha. Em 1925 tornou-se inevitável que a Bauhaus fosse transferida para uma cidade maior. Gropius então projetou um belíssimo prédio para abrigar todas as oficinas, laboratórios, salas de aula, além de contar com um auditório, refeitório e etc, na cidade de Dessau, ao norte da Alemanha.

A Bauhaus se muda então para Dessau em 1925. Mas começa a sofrer cada vez mais perseguições. O fato de Kandinsky ser russo e da grande maioria dos artistas vinculados a escola serem entusiastas do comunismo não ajudava em nada. O contexto geral também era preocupante. Em 1929 a Alemanha tinha 40% de sua população sem emprego e a inflação atingia a estratosfera. O partido nazista, já muito popular, começou a apontar o dedo para supostos culpados, os dois principais alvos eram comunistas e judeus. A maioria dos nomes mais importantes da escola, pouco a pouco, foi abandonando seus postos e fugindo do país. Em 1932, numa tentativa de se realinhar e continuar em atividade, a Bauhaus mais uma vez mudou de cidade, se instalando na capital Berlim. Mas já era tarde demais. Em 1933 Hitler assume o poder na Alemanha. Bauhaus é fechada e Walter Gropius se muda para os Estados Unidos antes que acabasse preso.

A Bauhaus como espaço físico acabou em 1933. Mas continua vivíssima como escola e movimento artístico. Bauhaus é um dos pilares mais consistentes do design no mundo, uma corrente ativa na arquitetura e uma referência inequívoca para as artes. Para ter uma dimensão, basta olhar para Brasília. Os arquitetos Lúcio Costa e Oscar Niemeyer foram diretamente influenciados pela arquitetura desenvolvida na Bauhaus e conceberam a capital do Brasil com prédios super modernos, esteticamente lindos e totalmente funcionais em suas linhas retas e espaços amplos. Enquanto isso, Walter Gropius deu sequência ao seu legado pessoal como arquiteto lecionando em Harvard e erguendo edifícios monumentais, principalmente em Chicago, New York, Pittsburg e Boston, onde morreu.

É tanta informação e tamanha a importância da escola, que acabamos nem mencionando que, além de tudo, Bauhaus também acabou se tornando o nome de uma banda de pós punk da Inglaterra. Claro que a banda foi batizada cm este nome em homenagem à escola alemã. Nada mais justo. A Strip Me, que sempre teve em alta conta camisetas de design, camisetas de arte e camisetas minimalistas, também não poderia deixar de homenagear a escola de Bauhaus, seja publicando este texto, como também lançando estampas super especiais inspiradas neste revolucionário movimento artístico alemão. E assim como a Bauhaus, a Strip Me sempre continua indo além, então você também encontra camisetas de música, cinema, cultura pop, comportamento e muito mais! Confere lá na nossa loja e fica esperto pra estar sempre por dentro dos novos lançamentos!

Vai fundo!

Para ouvir: Claro! Uma playlist selecionando as melhores canções desta que é uma banda excelente e tem uma personalidade e sonoridade tão marcantes quanto o movimento artístico que lhes dá o nome. Top 10 tracks Bauhaus!

Para assistir: Vale a pena assistir o documentário feito para a TV britânica Bauhaus: A Face do Século XX, dirigido por Julia Cave e escrito por Frank Whitford, veiculado na TV em 1994. É um documentário curto, mas muito bem montado, com depoimentos e muitas imagens. Vale a pena conferir. Tem completo e legendado no Youtube. Link aqui.

As fitas da Bahia.

As fitas da Bahia.

O que seria do turismo sem a superstição? Afinal, não dá pra ir a Roma e não jogar uma moeda na Fontana de Trevi, ou ir a Verona e não colocar a mão no seio direito da estátua da Julieta, ou ir a Nuremberg e não dar três voltas em torno da Bela Fonte, ou ir a Paris e não colocar um cadeado na Pont des Arts. Isso sem falar de lugares místicos por si só, que garantem vida longa, sabedoria, prosperidade e etc só por visitá-los, como o Taj Mahal, o centro histórico de Santiago de Compostela, as pirâmides do Egito, Stonehenge, Bodh Gaya, Jerusalém, Machu Picchu e tantos outros. Claro que o Brasil não fica atrás e tem os seus pontos turísticos para supersticiosos e místicos. Alto Paraíso de Goiás está acima de uma rocha de quartzo de mais de 4 mil metros quadrados, por isso é considerado um lugar de boas vibrações. Em Gramado, no Rio Grande do Sul, você pode colocar um cadeado nas grades da Fonte do Amor Eterno e garantir a sua bem aventurança no amor. Mas não existe nada que simbolize melhor a cultura, a religiosidade e a superstição brasileira do que as inconfundíveis fitinhas de Nosso Senhor do Bonfim

As fitinhas de Nosso Senhor do Bonfim já extrapolaram as barreiras da religiosidade para se tornar ícone pop, um acessório que chegou a ser transformado em pulseira de ouro com brilhantes. Mas vamos com calma, porque vale a pena conhecer um pouco da origem dessas fitinhas tão emblemáticas. Para isso, precisamos nos lembrar que o Brasil ficou abandonado por quase quarenta anos após a chegada de Pedro Álvares Cabral por aqui. Somente em 1533 o rei português D. João III decide tomar posse das terras descobertas permanentemente através das capitanias hereditárias. Após muita confusão, violência e descaso para a instalação de tais capitanias, o rei decidiu instalar em seu novo território uma cidade que serviria de capital da colônia, com burocratas portugueses representando a coroa, para organizar melhor as coisas. Assim, em 1549 é fundada a cidade de Salvador, a primeira capital do Brasil. 

Dois séculos depois, Salvador já havia crescido muito. O nordeste brasileiro vivia o auge da produção de açúcar e todos os impostos coletados dos engenhos iam parar na capital, e nem todo esse dinheiro chegava em Portugal como deveria, se é que você me entende. O fato é que a cidade crescia, bem como o prestígio do Brasil em Portugal. Assim, em 1745 foram iniciadas as obras de uma grande igreja na península de Itapagipe, região nobre da cidade de Salvador. A construção da igreja justificava-se para abrigar as imagens do Senhor do Bonfim e de Nossa Senhora da Guia, vindas de Portugal. A Imagem de Nosso Senhor do Bonfim nada mais é que a representação de Jesus Cristo subindo aos céus. Já a Nossa Senhora da Guia é uma das muitas representações da Virgem Maria, esta, no caso, é considerada a protetora dos navegantes. A igreja ficou pronta em 1754 e logo se tornou a igreja mais importante da cidade. Acontece que nessa mesma época a descoberta do ouro na região e Vila Rica, Ouro Preto, Mariana e Diamantina fez com que Portugal, e o resto do mundo, voltasse suas atenções para o interior do Brasil. Para facilitar o transporte do ouro até o litoral, para ser enviado para Portugal, o reino acabou transferindo a capital do Brasil de Salvador para o Rio de Janeiro em 1763. Salvador entra então num período de estagnação econômica. 

Em 1809, pensando em arrecadar dinheiro para manutenção da paróquia, um dos fiéis teve a ideia de criar a Medida do Senhor do Bonfim. Era uma tira de tecido medindo exatamente 47 centímetros, a mesma medida do braço direito de Jesus na imagem do Senhor do Bonfim. Por isso, a faixa era chamada de Medida do Senhor o Bonfim. Era uma tira de cetim ou seda de 4 ou 5 centímetros de largura, com o nome da igreja bordado com fios de ouro e vendidos a altos preços, mas muito comprados pelos nobres da cidade. A faixa era usada pendurada no pescoço, presa na base de chapéus (no caso das mulheres) ou simplesmente exposta dentro de casa. A prática da venda da Medida do Bonfim durou até meados dos anos 1940. Depois ficou esquecida. Até ressurgir nos anos 60 totalmente repaginada. 

Na década de 1960 o turismo como negócio crescia muito, era uma novidade. Ao mesmo tempo, entre o fim dos anos 50 e início dos 60, o Brasil vivia um período raro de prosperidade e liberdade. Com isso, as religiões de origem africanas começam a se popularizar. O sincretismo da umbanda, que tem a representação de um santo católico para cada uma de suas entidades, fez com que a famosa Medida do Bonfim de antigamente, virasse uma fita, também com a medida de 47 centímetros, mas mais estreita, podendo ser amarrada no tornozelo ou no punho, e representando Oxalá, a mais importante divindade do candomblé, que tem na imagem do Senhor do Bonfim a sua representação. Outras fitas, desta vez coloridas, também passaram a ser comercializadas, cada cor representando uma entidade. O lance é que, ignorando a simbologia religiosa, os hippies baianos passaram a usar as tais fitinhas aos montes, pois eram coloridas e combinavam com o visual psicodélico, e a moda começou a se espalhar entre os jovens. Foi quando o setor de turismo da prefeitura viu o potencial daquelas fitinhas e entrou na jogada. 

Para impulsionar a visitação da igreja de Nosso Senhor do Bonfim, que sempre foi um dos lugares mais importantes de Salvador, a prefeitura passou incentivar a venda das tais fitinhas nos arredores da igreja, espalhando ainda que as fitinhas eram milagrosas, e se amarradas com três nós, cada nó representaria um desejo que a pessoa poderia fazer. Quando a fita arrebentasse naturalmente, com o passar do tempo, os desejos se realizariam. E a conversa funcionou bem demais. Não só os visitantes, como os próprios moradores de Salvador passaram a comprar as fitas e amarrar no braço, no tornozelo e também nas grades em volta da igreja. E normalmente, as pessoas compram as fitinhas de determinada cor, de acordo com o desejo a ser atendido. Por exemplo, a fitinha verde representa Oxóssi, a divindade da fartura e do sustento, para quem vai pedir prosperidade, amarelo é Oxum, divindade da fertilidade, para quem quer ter filhos, vermelho é Iansâ, divindade do amor e por aí vai. 

Até o fim dos anos 70 as fitinhas eram de algodão e eram produzidas em Salvador mesmo, por pequenas empresas de tecelagem. Mas nos anos 80 a coisa ficou séria, a demanda cresceu muito e as fitinhas, perderam um pouco do charme e da personalidade ao serem fabricadas numa grande fábrica em São Paulo e feitas de poliéster. Mas não pense que isso diminuiu o interesse das pessoas. Até hoje, quem vai a Salvador não sai de lá sem um pacote de fitinhas para distribuir para a família e amigos quando voltar pra casa, muito menos sem deixar uma fitinha amarrada na grade da igreja. Aliás, a grade repleta de fitinhas já virou imagem de cartão postal de Salvador. As fitinhas se tornaram tão pop que o designer baiano Carlos Rodeiro criou a Pulseira do Senhor do Bonfim, que tem versões em ouro puro e com detalhes em brilhantes, safiras, rubis e esmeraldas. E, sabe como é, do jeito que as coisas estão, não custa nada comprar uma fitinha dessa e mandar um pensamento positivo pro ar, ao amarrar um nózinho. 

As fitinhas de Nosso Senhor do Bonfim são um símbolo tão único do Brasil, cheio de simbologias diversas e positividade, que não poderia deixar de fazer parte do sincretismo antropofágico cultural da Strip Me! Afinal, somos brasileiros, mas também somos pop art! Então vem conferir nossas estampas cheias de brasilidade, além de camisetas de arte, música, cinema, cultura pop e muito mais. Fica ligado sempre na nossa loja pra não perder os lançamentos

Vai fundo! 

Para ouvir: Uma playlist com tudo que só a Bahia tem! Bahia top 10 tracks

Para assistir: Outra face inacreditável da cultura de Salvador é a música. No documentário Axé: Canto do Povo de um Lugar, lançado em 2016 e dirigido pelo Chico Kertész, dá pra ter uma ideia bem legal disso e conhecer a origem de um dos ritmos de maior sucesso no Brasil. Super recomendado e tem no catálogo da Netflix.

Deu Match! 8 encontros apaixonantes da Strip Me para o Dia dos Namorados.

Deu Match! 8 encontros apaixonantes da Strip Me para o Dia dos Namorados.

Junho é a época mais romântica do ano! Começa o friozinho, aquele clima gostoso pra ficar no sofá vendo um filminho debaixo do cobertor, ou pra sair pra tomar aquele vinho, ou quem sabe comer um fondue. E é claro que tudo isso fica muito mais gostoso quando você tem aquele alguém do lado. Pode ter sido na balada, tendo amigos em comum, ou até mesmo virtualmente em redes sociais e apps de relacionamento. O importante é que deu match!

E para mostrar que toda panela tem sua tampa, a Strip Me apresenta 8 exemplos de camisetas que são match perfeito. Se completam, harmonizam, são as duas metades da laranja.

Nightporu + América Latina

Começamos com os dois pés na nossa terra! De um lado o símbolo máximo da arte brasileira, nosso icônico Abaporu, de Tarsila do Amaral, minimalista, mas sofisticado e imponente. De outro lado uma declaração de amor à América Latina, com uma estampa delicada no lado esquerdo do peito, onde bate o coração. De quebra, a citação a uma das mais clássicas canções de Caetano Veloso, que deixa clara a força vibrante do nosso continente. Ambas as camisetas, numa pegada by night minimalista, formam um casal perfeito.

Magritte + Onda Retrô

Eis aqui um match inspirador! Um match de quem carrega a arte na alma e no coração. De um lado a obra clássica O Filho do Homem, de René Magritte, pintada em 1964, num recorte simples, que evidencia o tom provocador e iconográfico da obra. Do outro lado, uma reprodução, também em recorte, da mais famosa e celebrada xilogravura do mundo, A Grande Onda de Kanagawa, do genial artista japonês Katsushika Hokusai. Duas camisetas que carregam no coração dois dos maiores ícones da história da arte. O surrealismo de Magritte e a xilogravura delicada de Hokusai formam um casamento incomum, mas admirável de se ver!

Super Smile + Robot

Um match atemporal. Não que sejam muito distantes, talvez separados por apenas uma geração. De um lado a representação dos anos 90 sintetizada numa imagem, que mistura identidade visual da maior marca de video games com a mais revolucionária banda da época. Por si só, Nirvana e Nintendo já são um match inacreditável, visto que não só revolucionaram seus próprios segmentos, como influenciaram o comportamento de toda uma geração. De outro lado mais uma vez a representação perfeita da geração 2010, cuja vida real é frequentemente colocada à prova de maneira virtual, tendo como trilha sonora mais uma revolução musical. Não sei o que o dua Daft Punk poderia fazer para provar que não são robôs. Mas jogar video game online ouvindo uma mixtape de Nirvana e Daft Punk é um match divertidíssimo!

John Guitarra + Jam

Este sim, o match dos anos 90! De um lado a imagem distorcida, como deve ser, de um dos 5 melhores guitarristas da década de 90. John Frusciante é, indiscutivelmente, o som definitivo da guitarra dos Red Hot Chilli Peppers, e um dos mais talentosos músicos de sua geração. De outro lado, uma das imagens mais famosas de Eddie Vedder, o frontman da banda Pearl Jam. Um salto para a multidão após uma de suas famosas escaladas pelas estruturas dos palcos. Hoje, tanto Frusciante quanto Vedder já estão mais velhos, mas continuam fazendo música. E o ritmo incontrolável dos Chilli Peppers com as melodias inigualáveis do Pearl Jam formam um match irresistível. Procure ouvir a música Dirty Frank, onde as duas bandas tocam juntas, para conferir.

Come Together + Gimme Shelter

De acordo com o clichê, deveríamos dizer que aqui é o clássico caso de match de opostos que se atraem. Mas não tem match mais complementar e harmonioso do que Beatles e Rolling Stones! Ainda mais neste caso. Dois dos maiores hinos da história do rock n’ roll! Duas músicas lançadas em 1969. De um lado os Beatles apresentam uma alegoria psicodélica e um dos riffs de baixo mais famosos do mundo, conclamando a união. De outro lado um arranjo potente de guitarra e piano elétrico embalam as palavras contundentes de Jagger contra a guerra do Vietnã, implorando por abrigo. Duas músicas que se completam, uma pela união das pessoas e outra pelo fim de conflitos. Match irretocável.

Bateria + Baixo Vintage

Pra finalizar a onda musical, apresentamos um match mais contemporâneo, e tradicionalíssimo ao mesmo tempo. De um lado mãe de todos ritmos, a condutora irrepreensível e dona do tempo. Às vezes suave e discreta, às vezes infernal e exuberante. A bateria! Do outro lado, o pai das notas graves, o elo de ligação, aquele que segura a onda e mantém tudo sob controle quando todo mundo está pirando. O alquimista de ritmos e melodias. O baixo! Match mais que óbvio! Aquele casal que todo mundo sabe que sempre ficaria junto. Desde os primórdios do jazz baixo e bateria se completam, até atualmente, dando nome a uma das bases mais populares da música eletrônica, o drum n’ bass. Match batido, porém muito bem ritmado.

Friday + Sunday

O Match inevitável. De um lado aquele sextou insano, incontrolável! Ilustrado aqui de maneira primorosa com o frame de uma das cenas mais clássicas do cinema de Stanley Kubrick: Jack Nicholson arrebentando uma porta completamente transtornado no clássico O Iluminado. Do outro lado o desespero dominical, o sentimento amargo do dia que precede a infalível segunda feira. Tal desespero é ilustrado de forma brilhante através do frame da cena mais revisitada da história do cinema: a antológica cena da facada no chuveiro do indispensável filme Psicose, de Alfred Hitchcock. Não dá pra negar. Todo sextou tem dentro de si o angustiante desespero de domingo. E por isso mesmo, um nunca vai conseguir viver sem o outro. Match natural.

Cocada + Goiabada

Finalizamos nossa lista com um match doce e tropical. De um lado o ícone maior do verão, da praia, do clima tropicaliente: o côco. Porém, não in natura, mas transformado num doce riquíssimo, com uma textura única e um sabor equilibrado e delicado. De outro lado uma das frutas que melhor representa a América Latina. Originalmente encontrada entre o norte das matas da Colômbia até o sul do México, a goiaba caiu nas graças dos índios, que a plantaram por todo o território brasileiro, isso bem antes de europeu vir se meter a besta por essas bandas. Dela se faz um dos doces mais apreciados do Brasil, em especial no sudeste. Um doce cheio de personalidae, sabor forte, marcante e inigualável. Você pode pensar que o match ideal seria a goiabada com queijo. Mas nós estamos aqui para quebrar paradigmas e mostrar que no amor (e na gastronomia) tudo é possivel! Cocada com goiabada é um match surpreendente e delicioso!

Depois dessa lista, com tantos matchs diferentes, inusitados e certeiros, só nos resta te dizer uma coisa: De onde saíram estes, tem muitos outros mais! Na Strip Me você encontra uma diversidade inacreditável de estampas sobre arte, cinema música, cultura pop, comportamento e muito mais! Com certeza, match ali não vai faltar. Tanto para você presentear o seu match da vida, quanto para você usar e curtir a vida com estilo enquanto o seu match não chega. Visite a nossa loja e confira os nossos lançamentos.

Vai fundo!

Para ouvir: Uma playlist pra curtir o diados namorados, mas saindo um pouquinho das obviedades tipo Marvin Gaye e Barry White. Não que eles sejam ruim, são ótimos, mas é sempre legal dar uma variada e ouvir sons diferentes, né. Alt Love Top 10 Tracks

Para assistir: Essa dica é simples e direta. Ainda não fizeram um filme romântico tão divertido, emocionante, verdadeiro e descolado quanto o excelente 500 Days of Summer. Filme de 2009, dirigido por Marc Webb, protagonizado por Zooey Deschanel e Joseph-Gordon Levitt numa sintonia incrível, com um roteiro ótimo e uma trilha sonora maravilhosa. Um filmaço!

16 Fatos Surreais sobre a vida de Salvador Dali.

16 Fatos Surreais sobre a vida de Salvador Dali.

Como diria Fausto Silva, mais do que nunca, tanto no pessoal quanto no profissional, ninguém neste mundo foi mais surreal que Salvador Dali. Não é à toa que numa troca de farpas entre ele e o poeta André Breton, Dali declarou: “A única diferença entre mim e os surrealistas é que eu SOU o surrealismo.”. Parece presunção ou prepotência. Mas, falando sério, não é exagero. Extrapolando sua obra, a vida pessoal de Salvador Dali foi uma loucura, repleta de fatos inusitados, quase inacreditáveis… uma vida surreal. Dali nasceu 118 anos atrás, no dia 11 de maio de 1904. Para celebrar o mês de seu nascimento, separamos 16 fatos e curiosidades, que retratam essa vida tão incomum e extraordinária que foi a de Salvador Dali. 

1 – O Bebê reencarnado. 

Salvador Dalí i Domènech nasceu no dia 12 de outubro de 1901. Por conta de uma doença grave chamada gastroenterite, o garoto morreu prematuramente aos 3 anos de idade, no dia 1 de agosto de 1903. Salvador Dalí i Cusí e Felipa Domenech Ferrés, os pais da criança, sofreram muito. Alguns meses depois, quando Felipa descobriu que estava grávida de novo, tanto ela quanto seu marido, Salvador, tiveram certeza que se tratava da reencarnação do pequeno Salvador que havia falecido. Tal era a certeza, que quando o bebê nasceu, um menino, foi batizado com o mesmo nome do pai e de seu falecido irmão. No dia 11 de maio de 1904, nasce Salvador Felip, Jacint Dali i Domènech. Os pais nunca esconderam de Dali que acreditavam na história da reencarnação. Isso fez com que ele próprio, desde sempre questionasse sua própria existência e personalidade. Não era surrealismo que você queria? Pois então… 

Portrait of my father – Salvador Dali (1920)

2 – Impressionismo precoce

Até os 6 anos de idade, Salvador Dali frequentou uma escola tradicional em Figueres, cidade em que nasceu, extremo nordeste da Espanha. Observando o desempenho de seu filho, o velho Salvador decide transferir o pequeno Salvador Dali para o Colégio Hispano-Francês da Imaculada Conceição, um colégio francês mais rigoroso, além de ser frequentado por filhos da alta classe social de Figueres. Foi nessa escola, logo que foi transferido aos 6 aos de idade, que Dali se encantou por pinturas impressionistas de Monet e Renoir, que despertaram nele o desejo de desenhar. E você? Com que idade conheceu e se encantou por um quadro do Monet ou do Renoir? 

Landscape Near Figueres – Salvador Dali (1911)

3 – Estreia adolescente. 

Escolhemos elencar 16 fatos curiosos sobre Dali por causa deste aqui. Como os pais dele perceberam a aptidão do filho pela arte, sempre o incentivaram. Aos 16 anos ele já tinha tantos desenhos acumulados que seus pais organizaram uma exibição. Desta forma, Salvador Dali apresentou sua primeira exposição com tenros 16 anos de idade, expondo dezenas de desenhos feitos essencialmente com grafite e carvão. A exposição rolou no Teatro Municipal de Figueres, teatro este que Dali comprou nos anos 60, fez uma reforma enorme e que depois viria a se tornar o Teatro-Museo Gala Salvador Dali. 

4 – Transformação em Madri. 

Logo após sua primeira exposição em Figueres, Dali, mais uma vez incentivado por seus pais, se mudou para Madri para ingressar na escola de Belas Artes São Fernando, a mais conceituada do país. O pai de Dali sonhava que lá o jovem aprimoraria sua arte e se tornaria um bom e bem remunerado professor de desenho. Como sabemos hoje, o velho Salvador Dali errou feio, errou rude. O jovem Dali sem ambientou rapidamente e logo passou a chamar atenção entre os estudantes. Usava roupas excêntricas como calças curtas, tinha o cabelo comprido e ostentava um bigode um pouco volumoso e espetado para cima, imitando um de seus heróis, o pintor Diego Velázquez. Tal bigode era um rascunho do que viria a se tornar o icônico bigode fino e eriçado de Dali anos depois. 

Illumined Pleasures – Salvador Dali (1929)

5 – Percalços da vida acadêmica. 

Salvador Dali foi expulso da escola de Belas-Artes São Fernando duas vezes. A primeira foi em 1924 quando ele se juntou a alguns estudantes anarquistas e organizou piquetes e manifestações políticas dentro do centro acadêmico. Logo foi readmitido, mas sempre causando polêmica, em especial por se interessar por movimentos novos como o cubismo e dadaísmo, que não eram bem vistos pela ala mais conservadora dos professores. Por conta de sua insistência na pintura moderna e desprezo pelo clássico, acabou sendo expulso de novo. E dessa vez não quis voltar. Chegou a dizer para a diretoria da escola que a banca de professores não tinha competência suficiente para sequer avaliar sua obra, menos ainda compreendê-la. 

Still Life – Salvador Dali (1924)

6 – O Grande Encontro.

Claro que Dali admirava muito Pablo Picasso. Em 1924, após sua primeira expulsão da escola de Belas-Artes, Dali resolveu fazer sua primeira visita a Paris, que era onde tudo acontecia na época. Reza a lenda que o encontro de Dali e Picasso num café de Paris se deu no primeiro dia de Dali na cidade, e que as primeiras palavras que eles trocaram foram as seguintes: Dali disse a Picasso: “Fiz questão de vir conhecê-lo antes mesmo de visitar o Louvre.”. E Picasso respondeu: “Fez muito bem. Não tem muito o que se ver por lá.”. E é lógico que eles se tornaram amigos. 

7 – 1929

Enquanto investidores perdiam tudo e se jogavam do alto dos prédios de Manhattan, nos Estados Unidos em 1929, Paris fervilhava com artistas e intelectuais fazendo história. Naquele ano, depois de sua segunda expulsão da Escola de Belas-Artes de Madri, Salvador Dali decide se mudar de vez para Paris. Para lá também se mudam seus amigos de longa data, o escritor Federico Garcia Lorca e o cineasta Luis Buñuel. Eles se juntam a outros artistas, entre eles o poeta André Breton, e criam o surrealismo como movimento artístico, cujo manifesto é escrito por Breton. No mesmo ano Buñuel e Dali escrevem o roteiro do filme que melhor personifica o surrealismo: o filme Um Cão Andaluz. Ainda neste ano Dali pinta uma de suas obras mais célebres, O Grande Masturbador. 

The Great Masturbator – Salvador Dali (1929)

8 – Amor à primeira vista. 

Ainda no emblemático ano de 1929 o grupo de artistas surrealistas incorpora o casal Paul e Gala Éluard. Ele poeta, ela modelo, eram casados desde 1917. Em certa ocasião, o casal foi até o apartamento de Salvador Dali, pois queriam conhecê-lo. Dali e o casal se deram bem logo de cara. Bem até demais. Gala e Dali se encantaram um pelo outro. Logo começaram a se relacionar, ela se separa de Éluard e se casa com Dali em 1934. O nome verdadeiro de Gala era Elena Ivanovna Diakonova, ela era imigrante russa, tendo morado na Suíça e na França, e era 10 anos mais velha que Dali. Ela se tornou a musa inspiradora de Dali e eles nunca se separaram, até a morte dela em 1987. 

Galatea of the Spheres – Salvador Dali (1952)

9 – O Bigode. 

Salvador Dali deixou como sua marca registrada o fino e espevitado bigode. No início de sua carreira, quando frequentava a escola de Belas-Artes de Madri, tinha um bigode mais espesso, mas já com as pontas espetadas paa cima, inspirado no pintor Diego Velázquez. Tempos depois, foi refinando a ideia, até chegar ao model original que ficou conhecido no mundo todo. Em uma entrevista ele disse: “É a parte mais séria da minha personalidade. É um bigode húngaro muito simples. O Sr. Marcel Proust usou o mesmo tipo de pomada para esse bigode”. Em 1954 ele publicou um livro em parceria com o fotógrafo Philippe Halsman, com 28 fotos de seu bigode. O livro se chama Dali’s Mustache. Pra completar, em 2017 o corpo de Dali foi exumado, para que fosse realizado um teste de paternidade. E quem é que estava lá, intacto? Exatamente. O bigode!

10 – Pet friendly. 

A década de 1930 foi a década de ouro para Salvador ali. Foi quando ele concebeu as grandes obras que o consagraram como um artista único, revolucionário e genial. São dessa época A Persistência da Memória (1931), O Sono (1937), Metamorfose de Narciso (1937) e tantos outros. Dali ganhou muito dinheiro e passou a levar uma vida cada vez mais excêntrica. Ele adorava animais e tinha vários pets no quintal de casa, a maioria animais silvestres de lugares distantes. Entre eles destacam-se dois brasileríssimos: uma jaguatirica e um tamanduá bandeira. Inclusive há fotos de Dali passeando pelas ruas da cidade com o seu querido tamanduá na coleira. 

11 – Comida para os olhos. 

Um dos elementos mais comuns em toda a obra do Salvador Dali é o alimento. Virou e mexeu você encontra em suas obras imagens de ovo frito, pão, cálice de vinho, talheres e etc. Até mesmo a imagem mais emblemática de Dali, o relógio derretendo tem a ver com comida. Certa noite de verão de 1931 Dali estava morrendo de dor de cabeça, mal humorado. Estava tudo combinado com a turma de amigos surrealistas para eles irem ao cinema e depois jantar. Ele decidiu não ir. Gala acompanhou a turma, deixando Dali sozinho em casa. Era uma noite quente e Dali foi tomar alguma coisa na cozinha e observou uma fatia de queijo camembert derretida, escorrendo pela beirada da mesa. Veio a inspiração e ele desenhou o esboço de A Persistência da Memória

The Persistence of Memory – Salvador Dali (1931)

12 – Surrealismo Masterchef

Acredite. Salvador Dali tinha uma ligação tão forte com a comida, sabe-se lá o motivo, que na década de 1970 ele chegou a lançar um livro de receitas! Sim, um livro de culinária mesmo! É lógico que era a gastronomia nada ortodoxa de Salvador Dali, e as receitas eram de pratos meio esculhambados, com misturas improváveis de ingredientes. Mas é verdade! O livro foi lançado em 1973 e se chama Les Diners de Gala. O livro conta com as receitas e várias fotos das montagens dos pratos. Pelo que se diz a respeito das receitas contidas no livro, como chef certamente Dali seria considerado a vergonha da profissión. 

13 – Sonhando com Freud. 

Na década de 1930 Dali ficou fascinado pelas teorias de Sigmund Freud, em especial no que diziam respeito ao estado de consciência onírica, aquele estado de quase sonambulismo, sonhando acordado. Esses conceitos influenciaram muito Dali. Em 1938 Dali conheceu Freud em Londres. O encontro dos dois foi longo, Dali desenhou alguns retratos de Freud, enquanto o psicanalista o observava maravilhado, tendo declarado depois: “Eu nunca vi um exemplo mais completo de espanhol!”. Entre 1940 e 1948 Dali e Gala foram morar nos Estados Unidos, já que Paris estava sendo ocupada pelos alemães. Em 1945 Salvador Dali participou da montagem de uma sequência de um sonho para o filme Quando Fala o Coração, do Alfred Hitchcock

Sleep – Salvador Dali (1937)

14 – Minha casa minha vida

O projeto de vida de Dali sem dúvida foi o Teatro-Museum Salvador Dali. Originalmente o Teatro Municipal de Figueres, em sua terra natal, o local onde ele teve sua primeira exposição. Dali comprou o lugar e começou a reforma em 1960. Reformou, pintou, encheu de obras e outras quinquilharias e só concluiu pra valer o projeto em 1974. Apesar de não ser sua casa, foi lá onde ele morou em seus últimos anos de vida, doente e deprimido, sem conseguir aceitar a morte de Gala. 

Allegory of an American Christmas – Salvador Dali (1934)

15 – Multimídia

Sério. Salvador Dali fez de tudo. Além de artista plástico, foi escritor, roteirista, designer de joias, estilista, mesmo sem formação, se meteu a dar mil pitacos como se fosse arquiteto, tanto no Castelo de Pubol quanto no Teatro-Museum Salvador Dali, escreveu uma autobiografia e um livro de culinária… um cara incansável! E nunca parou de trabalhar e nem de inovar, sempre em contato com o que tinha de novidade. Em 1966 chegou a fazer uma participação num filme de Andy Warhol, quando visitou a Factory e elogiou o som da recém criada banda Velvet Underground. Teve uma vida longa e muito produtiva. Realmente, um artista como nunca se viu. 

16 – Deixando uma marca

A curiosidade mais inusitada deixamos para o final. Entre tantos trampos diferentes que exerceu na vida, um deles foi dar algumas ideias numa agência de publicidade em Barcelona. Em 1969 chegou um job na agência: criar uma logo para uma marca de doces que estava crescendo muito. E salvador Dali foi lá e criou essa logo. Uma logo que com certeza você já viu muito, e provavelmente já consumiu o produto também! Sabe aqueles saquinhos de doce de leite, brigadeiro e etc, que tem sempre nos caixas de supermercado, de loja de conveniência e botequins em geral? Então, a marca desses doces é a Chupa Chups, uma marca que está presente desde os anos 60 até hoje em mais de 150 países mundo afora. E a logo super simples e simpática da marca é uma criação de ninguém menos que Salvador Dali! 

O Dali está presente em várias estampas da Strip Me. E não é pra menos! Basta conferir sua obra e, de quebra, conhecer sua história pessoal maluquíssima! Não tem como ele não ser uma inspiração e uma referência para uma marca ligadíssima em arte, tendências, comportamento, diversidade e criatividade como a Strip Me! Então aproveita pra conferir todas as nossas estampas de arte, música, cinema, cultura pop e muito mais, além dos constantes lançamentos! Dá uma olhada na nossa loja

Meditative Rose – Salvador Dali (1958)

Vai fundo!

Para ouvir: Tão eclética e plural quanto a vida e obra de Salvador Dali, a música espanhola também é super diversa e interessante. Portanto, vamos dar uma geral no que há de mais legal na música da Espanha, do tradicional ao moderno. España Top 10 tracks!

Para assistir: Em 2008 foi lançado um filme bem interessante, bem como polêmico, chamado Little Ashes. Ele conta como começou a amizade entre Salvador ali, Federico Garcia Lorca e Luis Buñuel. A polêmica está no fato de o filme abordar a história com ênfase numa suposta atração sexual entre Dali e Lorca, teoria que já foi muito comentada, mas nunca realmente comprovada. De qualquer forma, o filme é bem legal. Dirigido pelo Paul Morrison e com roteiro de Philippa Goslett. Ah, sim. Quem interpreta o Dali neste filme é o atual Batman, Robert Pattinson.

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